Viel Spass !!!

Slash wird für 3 Daten in Deutschland live mit Mötley Crüe am 11.6. in Mönchengladback, am 12.6. in Berlin und am 20.6. in Bamberg zu erleben sein.

VÖ: 22.06.2012

Single: Chocoloate City

VÖ: 08.06.2012

Label: Revolver Distribution Services

Vertrieb: Cargo Records

Tagsüber an großen Deals arbeiten, abends hart rocken im Proberaum. Ziemlich einmalig in der Musiklandschaft und eine spannende “work / life balance”.

Mark Pohlmann, Leiter des deutschen Investmentbankings einer der größten Banken der Welt und Oliver Neumann, Partner einer Personalberatung, gründeten die Band “HOPELESS? – The Rockbankers“ in 2005. Mark hatte neben seiner beruflichen Laufbahn zahlreiche eigene Songs komponiert und als Teenager in Düsseldorf erste Banderfahrungen gesammelt. Oliver war in den Jahren 1994-2004 Sänger und Gitarrist der Band “Flanger” mit der er mehrere CDs veröffentlichte und europaweite Tourneen spielte.

Auf einer Büro-Weihnachtsfeier wurde die Idee einer eigenen Band geboren. Der Business Plan war schnell geschrieben: Eigene Stücke und bekannte Coversongs sollten der wachsenden Fan-Gemeinde viel Spass bereiten und Cash Flow für karitative Zwecke generieren. 2006 spielte “HOPELESS?” die erste eigene Show in Frankfurt. Mehr als 500 Zuschauer verfolgten die Live-Premiere. Im Juni 2008 und Juli 2009 spielte die Band weitere Shows in der jeweils fast ausverkauften Batschkapp. Mehrere Tausend Euro konnten an SOS Kinderdörfer gespendet werden. Zeitungen, wie die Bild Zeitung, Financial Times oder Neue Presse erfuhren davon und schrieben über die Band. Ebenso berichteten TV Sender, wie z.B. RTL und der Hessische Rundfunk. Es folgten weitere Auftritte, auch in London, vor teilweise über 1.000 Zuschauern.

2010 kommt es zur neuen Formierung, da zwei Bandmitglieder aufgrund beruflicher Entwicklungen ins Ausland ziehen. Olaf Hein tritt der Band als Gitarrist bei und bringt den
Rock ‘n’ Roll mit. Olaf hatte gemeinsam mit Oliver in der Band “Flanger” in 2003 und 2004 gespielt. Als Schlagzeuger trommelt für “HOPELESS?” Oliver Werner, genannt “OW”, ehemaliges Gründungsmitglied der Metal Band “Tankard”.

Seit 2011 firmiert die Band unter dem Namen “HOPELESS?”.

Oliver Neumann: “Wir hatten in meiner alten Band Ende der 90er Jahre “HOPELESS?” auf unseren Shirts stehen aufgrund meines Songs “Hopeless Dreams“. Es war naheliegend diesen Namen unter neuer Flagge weiterzuführen”. Mark Pohlmann ergänzt: “Wir möchten mit dem Namen den karitativen Hintergrund der Band betonen und mit unserer Musik Menschen Hoffnung geben, die diese vielleicht verloren haben.“

Homepage: http://hopelessband.com/

Facebook: http://www.facebook.com/pages/HOPELESS/237036539709211

VÖ: 18.05.2012

Single: You’re a Lie

VÖ: tba
Label: Roadrunner Records
Vertrieb: Warner Music

Grammygewinner, Ikone, Gitarrenlegende und Songschreiber – Slash hat Titel und Album Artwork seines zweiten Studioalbums APOCALYPTIC LOVE enthüllt.

APOCALYPTIC LOVE featuring Myles Kennedy and The Conspirators wird am 21. Mai in den USA über Slashs eigenes Label Dik Hayd International und in Deutschland am 18. Mai über Roadrunner Records Germany/Warner Music erscheinen. Slash befindet sich im Moment in einem Studio in L.A. um dem Album den letzten Schliff zu geben. Außerdem wurde eine große US Tour angekündigt und drei Dates mit Mötley Crüe in Deutschland bestätigt.

Slash gilt als einer der größten Rock Gitarristen aller Zeiten. Ihm wurden unzählige Auszeichnungen verliehen und im April diesen Jahres wird er seinen Platz in der Rock and Roll Hall of Fame bekommen. 2007 wurde er in den Hollywood RockWalk, der sich vor dem Guitar Center in Hollywood befindet, aufgenommen, Seite an Seite mit seinen Idolen Jimmy Page und Jimi Hendrix. Als Gründungsmitglied von Guns N‘ Roses, half Slash der Band so berühmten Gitarrenriffs wie man sie von Nummer 1 Hits wie „Sweet Child O‘ Mine“ oder „Welcome To The Jungle“ kennt, zu kreieren. Die Band dominierte die Musikszene der 1980er und 90er und verkaufte über 100 Millionen Alben. Nachdem er die Band verlassen hatte, startete er sein eigenen Projekt Slash’s Snakepit und hatte weltweiten Erfolge mit der Supergroup Velvet Revolver. Er stand mit allen großen Musikern auf der Bühne – von Michael Jackson über Stevie Wonder bis Ray Charles.

Homepage: www.slashonline.com/

Facebook:  http://www.facebook.com/Slash

Genug Geheimtipp! Es wird Zeit dem Flüstern über Super700 ein Megaphon hinzuhalten. Selbst dann wird daraus noch lange kein Marktschrei, sondern vielmehr ein lautstarkes Nachdenken. Alles andere wäre auch nicht angemessen bei dieser Band. Denn die vier Berliner kommen immer irgendwie leise daher. Mit einer Ruhe, die scheinbar lange in Feinsinn getränkt wurde und daher auch im Lärm unserer Zeit gut zu verstehen ist. Nach einer EP, zwei Alben, Tourneen von ganz links bis ganz rechts auf der Weltkarte, bitten Super700 erneut zum genau Zuhören. Das neue Album
„Under the no sky“ klingt als wäre es lange geräuchert worden. Über einem Schwelfeuer aus Sperrmüll, der sich die letzten Jahre angesammelt hatte. Es hat dadurch eine wohltuende Reife.

Nachdem die Band bei den letzten Alben Erfahrungen mit den Produzenten Gordon Raphael (Strokes, Regina Spektor) und Rob Kirwan (U2, PJ Harvey) gesammelt hatte, wagten sie nun das erste Mal “Under the no sky” als erste Super700 Platte komplett selbst zu produzieren, aufzunehmen und zu mischen. Die Band hat im Laufe der Jahre 4 Mitglieder an das wirkliche Leben verloren, doch anstatt sich nach einer typischen zwei-Platten-Karriere aufzulösen machen Super700 jenseits aller Moden mit dieser Platte nun einen Schritt in ein neues Leben. Ruhiger, nachdenklicher und erwachsener.
Jan Terstegen spielt nun Gitarre und wo früher oft die engelsgleichen Stimmen der Ramadani Schwestern hervorgehoben wurden steht jetzt die Stimme von Ibadet allein da. Ehrlich und klar, bekennend und beschwörend und mit mehr Raum zum Atmen.Die Syntheziser sind echten Streichern und Chören gewichen. Die Musik schöpft Kraft aus Einfachheit ohne in eine produzierte pseudo Authentizität zu verfallen. Aber die Art wie verschiedenste Einflüsse auf under the no sky mühelos integriert werden, zeigt wie einfach und spielerisch sich Super700 weiterhin in grosser Eigenständigkeit bewegen.

Mit 21st Century Girl beginnt die Platte wie ein dunkler Morgen, langsam das Schlagzeug, in Ihrer tiefsten Stimmlage singt Ibadet von fliegenden Fischen und weissen Haien bereit für Krieg. Super700 im Auge des Orkans und man bekommt Angst vor dem Tag. Doch langsam hebt sich der Song in höhere Lagen und ein weicher warmer Chor trägt uns vorbei an schwarzen Löchern in einen hoffnungsvollen grossen Refrain, der ins Herz meisselt: dies ist ein neuer Anfang nicht das Ende von Super700. Bevor ein Gitarrenwirbelstrum schliesslich das Lied verschlingt erstaunt noch ein Kazzoo, das hier wehklagend seinen ungewöhlichsten Einsatz findet.

Das zweite Lied Life with Grace befreit musikalisch aus der Dunkelheit.
Chor und Streicher schmiegen sich wattig wie aus einem 50er Jahre Hollywoodfilm an einen zeitlosen, einfachen Beat. Im Zentrum des Textes steht tatsächlich eine moralische Aufforderung: “live your life with grace”. Ist das eine Lösung für irgendein Problem? Wenn man dieser entwaffnend sanften Stimme zuhört, die hier in Ihrer nüchternen Schönheit unendlich bezaubert, will man es glauben.

Gerade warm eingedeckt reisst uns Decent Snow mit erdiger Wucht in den Schnee der ersten Single. Hier herrscht eine klare, rockende Band bis die Streicher in den Refrain schneien und ihn in die Weite der Landschaft wehen. Im Gegensatz dazu verteidigt sich Ibadet angegriffen und verzweifelt in der Strophe, um sich im Refrain selbst zufinden “i’ll be everything i’ve ever been!”

One of a Kind lädt ein sich neben das Klavier zu setzen, das sanft durchatmet. Das Schlagzeug startet in ein monotones Mantra und der Gesang stellt zwei einfache Fragen: “Where does all this love come from” und “Where does all this hate come from”. Mit einer ebenso einfachen Antwort verfällt der Song dann in eine Art Gospel, der Chor stimmt in die Klage mit ein und eine einsame Gitarre spielt darüber ein fast klassisches Blues Solo. Super700 bleiben dem Stilbruch treu, während die Platte sich an den Kern der Dinge tastet und um dort Trost zu spenden.

Mit seltsam eingängiger 80er Jahre Popmelodik gräbt sich sich der Titelsong der Platte ins Ohr, ohne wirklich nach einem Jahrgang zu fragen. Dieser Song ist laut Super700 auf einer Tour in China enstanden, nach dem sie dort tagelang unter einer dichten Smogglocke lebten ohne jemals die Sonne zu sehen. ”Alles war getaucht in unwirklich weiches Licht, das harmlos erscheinen lässt, was einen langsam tötet”. Under the no sky als Plattentitel sei aber auch ein Synonym für eine schwierige Zeit, wo weder der Himmel über einem noch in der Ferne zu sehen gewesen sei und durch die nur die Arbeit an der Platte die Band am Leben erhielt.

When the Evening comes tritt wiederum in einem völlig anderen musikalischen Gewand auf und ringt dem Tod das Leben ab, mit entrückend fröhlichen Remineszensen an afrikanische Highlife Musik und einem Text, der auf wunderschöne Weise Mut macht für die Wiedergeburt.

In Old Moon spiegelt sich der Gesang nun in vollkommener Ruhe im Mondlicht. Silbrige Melodien schlafwandeln durch die Nacht und die Band spielt dazu eine warme Federdecke.

Dear Wolf schlägt ungewöhnliche rockige Töne an die so schnell vorbeiziehen wie Sie gekommen sind. Das Stück bricht heraus, als hätte es die ganze unter Oberfläche gebrodelt, eine kurze Wut die sich nicht ewig unterdrücken lässt. Nach zwei Minuten ist der Spuk vorbei und in aufrechtem Stolz und erhabener Schönheit zieht uns das nächste Stück Make Rain in eine Märchenwelt voller eigenartiger Glockenklänge und musikalischer Gestalten. Über einem “White Rabbit” - haften Trommelmarsch trohnen einsame Streicher, die sich schliesslich in einem wundersamen Instrumentalteil wirr träumend ineinander verschlingen. Ibadet erscheint hier eindringlich und bedrohlich Sanft und so endet der Song mit Totenglocken die an alte Italo-Western erinnen und einer klagenden Stimme in der Ferne, die auch einer alten flamenco Platte entsprungen seien könnte.

My Bones schliesslich klingt, als hätten Massiv Attack eine Akustik Album produziert. Ein repitativer Beat vermischt sich mit akkustisch dubbigen Klängen und man taucht ein in ein Meer von zeitlos schönen musikalischen Bruchstücken, die einen auffordern das Stück immer wieder zu hören bis sich sein hypnotischer Zauber ganz erschliesst. Es ist die dunkle Nacht nach der Krise, aber irgendetwas kommt schon aus der Ferne.

“Das Schlussstück Queen of Inbetween fällt nur mit Westerngitarre und Stimme vollkommen aus dem gehörten Rahmen. Ein Schlaflied, das auch eine Marilyn Monroe in “Fluss ohne Wiederkehr” hätte singen können. Mit melancholischem Humor wird alles Dunkle und Ernste beseite geschoben, so daß dieses Album selbst zur “Queen of inbetween” wird, zu einer erhabenen, schönen Zwischenstation und Bestandsaufnahme für Super700 auf dem Weg aus der Krise”.

Zugleich der Ausgangspunkt für eine hoffnungsvolle wunderbare Reise - auf die Super700 sicher viele viele Weggefährten finden werden.

Wenn My Bloody Valentine ein Drogenrausch war, ist Super700 der Moment am nächsten Tag, in dem man darin schwelgt, ihn durchlebt zu haben. Mit allen Freuden und
Verletzungen, die er mit sich brachte. Auch das ist eine Form von Trost.

Homepage: http://www.super700.de/

Facebook: http://www.facebook.com/super700music

Lass uns verhalten beginnen. Dort, wo das Pochen noch kein Beat ist und das Zirpen noch kein Ton, wollen wir die ersten Schritte unternehmen. Einander vertrauend, die Augen geschlossen, wollen wir uns führen und Schritt für Schritt weiterzerren. Wir werden einen Raum erfinden und seine Dimensionen kennenlernen, indem wir einfach immer wieder gegen Wände laufen, bis uns die Suppe die Stirn runterläuft. Dann sind wir hier zuhause.

Charlotte Brandi und Matze Pröllochs lernten sich in Theatern kennen. Sie spielten Musik für Stücke, fanden Gefallen an den Ideen und Tönen des anderen und lernten, jenseits der Berufsmusik Zeiten und Orte für eigene Werke zu schaffen. Sie gingen auf Reisen, nahmen Songs auf und schüttelten Kilometer für Kilometer die musikalischen Kennenlerngrundlagen ab. Als Me And My Drummer führten sie einander zum eigenen Stil. Zu einer eigenen Sprache, wie sie so besonders vielleicht nur zwischen zwei Menschen entstehen kann.
Lass die Reduktion nie Selbstzweck sein. Dort, wo wir uns zurückziehen, kann neues entstehen. In den Ecken, von denen wir lassen, wird es gedeihen, während wir uns sammeln und schleifen und zerfurchen. Neue Formen und Zusammenhänge definieren und verschönern unser Heim, sie entfalten sich und bezaubern und laden andere zu uns ein. Und sie werden so wundervoll brennen und in tausend Farben vergehen, wenn wir wieder explodieren.

Me And My Drummer sind Klavier, Synthies, Gesang und Schlagzeug, sind Talent und Aufrichtigkeit. Ihre Musik erzählt auch immer von ihrem Werden, gibt die Kerben und Narben jedes Streits über Töne, Worte, Abläufe ebenso wieder wie die gewaltige nordlichterne Schönheit jeder Einigkeit und jeder Erleuchtung. Nun ist zwischen Me und Drummer ein Debütalbum gewachsen, das alles, was die beiden auf den Wegen hierher getan, geschaffen, erstritten und ihren Herzen entrissen haben, auf zehn großartige Punkte bringt, auf eine gewaltige Musik, die ihre Geschichte und ihre Referenzen wie Fetzen alter, enggewordener Haut im Haar trägt und im Licht ihrer eigenen Sonne strahlt.
Lass uns Berge erschaffen, von denen aus wir uns ins Tal rufen können. Dort, wo jeder unserer Töne eine neue Wand niederreißt, will ich Leben entstehen sehen. Es verehren, es verschlingen, es neu erschaffen. Wir werden Wunden reißen und Wunden kühlen, wir werden Köpfe spalten und die schönsten aller Blumen in ihnen züchten, wir werden Brüche und Herzen verbinden. Und uns dabei nie von der Stelle rühren. Immer Zentrum bleiben, immer hier.

“The Hawk, The Beak, The Prey” ist eine hochpersönliche Angelegenheit. Offen und bildreich breitet sich Charlotte Brandis Stimme aus, fordert und bläst sie Magie und Leben und Liebe und Glauben und Seele heraus. Wandergebirgen gleich tragen Schlagzeug und Tasten dieses kolossale Singen durch die Welt und durch die Zeiten. Gewaltig, geduldig, beständig. Über Orte und Phasen hinweg haben sich Me And My Drummer auf sich selbst besonnen, um sich nun konzentriert auf ein Debütalbum zu gießen, das seinesgleichen entlang aller verfügbaren Achsen vergeblich sucht. Eine Kraft, ein Fordern, eine Flamme, eine unerhörte Popmusik.

Homepage: www.meandmydrummer.com

Facebook: www.facebook.com/meandmydrummer

Konfetti-Core für die Mosh-Masse!

Das neue Album von DAS PACK: „MACHT DOCH WAS IHR WOLLT!“

Fraglos: Das Pack ist zurück!
Das druckvolle Duo, bestehend aus Pensen (auch bei den Monsters of Liedermaching) und Flozze, präsentiert der Welt harte Hymnen im Hanseaten-Style!
Samt Siebensaitergitarrenbass und Stehschlagzeug, besingen sie mit Elan und Empathie weise Worte zu rasanten Riffs.

Zweifelsohne: Die Welt ist ein Karussell und Giraffen können brennen! Doch die Wege des Packs führen sicher ans Ziel! So werden aus Eiskugeln Vanillebären, Faschisten zu wurfbereitem Fallobst und – apropos Fallobst – Pferdeäpfel zur kulinarischen Köstlichkeiten. Und warum? Weils geils! Doch Klamauk ist hier keine Konsenssache. Einseitig ist für das Pack zu einseitig. Es geht um Musik und Ausdruck: Wird’s ernster wird’s erst recht ehrlich.

Schon beim ersten, selbstbetitelten Album von Das Pack waren thematische Brüche die Stärken der beiden Hardbrettfahrer. Musikalisch wie textlich. Ob zornig oder amüsiert: Der Blick hinter die Kulissen des großen Ganzen geht eben auch ohne Boulevard-Psychologie.

Zurück zum Neuwerk: Gleich 14fach werden hier ausnahmslos alle Rockwünsche erfüllt, denn – wie gesagt – das Pack macht doch, was ihr wollt! Der Titel als Konzept: Ein Statement aber auch eine perfekte Zustandsbeschreibung. Gleich nochmal: Das Pack macht doch was ihr wollt! Comprende? Live überzeugt Das Pack erwiesenermaßen sowieso an allen Fronten: Ob in kuscheligen Headbangeretablissements oder vor Tausenden auf exquisiten Festivals: Der Moshpit brodelt und die Menge singt mit! Bei der Wall of Death darf heute gelächelt werden!

Beim just erscheinenden Album „Macht doch was ihr wollt“ kann man übrigens getrost von einer kompetenten Perfektionierung des Packs sprechen:

Souveräne Zeilen zum Schwelgen und Durchdrehen !
Melodiöse Juwele zwischen Popcornstand und Stahlfabrik!
Hart aber herrlich.
Packrock eben!

Dank dafür!

Homepage: www.packrock.de

Facebook: www.facebook.com/daspackhamburg

QUARTER (en. Quarter >>Viertel<<, von lat. Quartus >>der Vierte<<) steht unter anderem für die amerikanische Vierteldollarmünze, verschiedene Massen- und Volumeneinheiten- und für eine brandneue Band aus Berlin, die Anfang 2012 mit ihrem Debüt-Album für Furore sorgen wird.

QUARTER, der Name verpflichtet, sind 4 Jungs, die sich zum gemeinsamen Musizieren zusammengefunden haben und sich nicht scheuen, den großen Melodiebogen zu spannen.

QUARTER sind Sänger Flo, Drummer Gregor, beide aus Berlin, sowie die Brüder Christoph und Johannes an Gitarre und Bass, de für die Musik nach Berlin kamen und dort ihre kongeniales Duo fanden. Gemeinsam wurden Songs geschrieben, Live Gigs gespielt und erste Songs produziert. Über einen Studiojob wurde das Produzententeam Valicon (Silbermond, Lena, Silly) auf die Band aufmerksam – total überzeugt von den Qualitäten der Band un ihren Songs, nahm Valicon die Band direkt auf dem eigenen, neuen Label „Heart of Berlin“ unter Vertrag, welches man gemeinsam mit dem Vertriebspartner Universal Music betreibt.

Seither sind die 4 Jungs mit ihrem Produzenten Matthias Mania (Moby, Max Mutzke) im Studio um die Songs für ihr erstes Album aufzunehmen.
QUARTER haben ihre musikalische Heimat gefunden und legen nun die ersten Songs ihres Debütalbums vor, das Frühjahr 2012 erscheinen wird. Als Startschuss wird eine Clubtour Anfang des Jahres die Band einmal durch die Republik bringen um ihre rockigen Pop-Songs mit großen Refrains live zu präsentieren.
Homepage

VÖ: September 2012

Label: Wagram Music / 3ème Bureau

«Lang lebe Brigitte … wir sind verliebt!» COSMOPOLITAN

«Vergesst Bardot und Fontaine: Die Brigitte des neuen Jahr¬tausends ist ein weibliches Duo, sexy, eigenwillig und grell.» GLAMOUR

«Erfrischend kreativ.» MARIE CLAIRE

Brigitte, das sind Aurélie Saada und Sylvie Hoarau. Den Band¬namen hat das Duo als eine Hommage an die großartigen französischen Damen wie z.B. Brigitte Bardot oder Brigitte Fon¬taine gewählt.

Die beiden Frauen lassen sich vielseitig inspi¬rieren: Hippiekultur, Hip Hop, ABBA, Nick Drake, Nancy Sinatra, The Zombies, Johnny Cash und Klaus Nomi sind die Referenzen. Mit ihrer Retro-Popmusik fährt Brigitte eine emo¬tio¬nale Reise durch die Hochs und Tiefs im Leben, aufgeladen mit Fantasien und Geschichten über Heldinnen mit ge¬bro¬chenen Herzen.

Das große verführerische Poten¬tial ihrer Stimmen trug zum großen Erfolg des ersten Albums «Et vous, tu m’aimes?» bei. Seit der Veröffentlichung im April 2011 hat das Debüt in Frankreich inzwischen Platin-Status erreicht. Mit gleich zwei Nominierungen ging Brigitte im März 2012 ins Rennen um die Victoires de la Musique (dem französischen Echo) und erhielt schließlich die große Auszeichnung in der Kategorie Artiste révélation scène (=bester New¬comer Live Act).

Aurélie und Sylvie waren schon einige Jahre als Musikerinnen in diversen Projekten unterwegs, bevor es 2008 zur schicksalhaften Begegnung kam. Aurélie (die Blonde) arbeitete gerade an ihrem zweiten Soloalbum, als sie Sylvie (die Brünette) traf – und die beiden schlossen sofort Freundschaft.

Schon bald hockten die beiden in einem Esszimmer mit einem Computer, einer Akustikgitarre von 1958 und einer aus den 40er Jahren, einem Glockenspiel, einem Taburin, Blumen im Haar und Pailletten¬kleidern und schrie¬ben ihre ersten gemeinsamen Songs. Brigitte war geboren – Brigitte wie in Brigitte Bardot, Brigitte Lafontaine, Brigitte Lahaye oder Brigitte die Frau des Polizisten, Brigitte die Nachbarin… Das Pop-Duo heckte griffige und eingängige Songs aus, voller Humor und Selbstironie. Herrliche Geschichten und schwülstige Fantasien über die bösen Jungs, die wir so gerne hassen oder hassen zu lieben, über versteckte Waffen im BH, Verführerinnen und Diebinnen mit Herz, Gangster und leichte Mädchen.

Die charmanten Songs, die stets von beiden zusammen geschrieben werden, beziehen ihren Witz auch aus dem Kontrast zwischen feinster Popmusik und recht unverblümter Sprache. Schon bald spielten sie ihre ersten Gigs in den Pariser Clubs und sangen für den Film «Thelma, Louise et Chantal» (2010) in den Arrangements von Keren Ann. Im Mai 2010 wurden sie gebeten, für das Eros Festival ein Cover zu präsentieren und Brigitte wählte «Ma Benz» von NTM. Der dazugehörige Clip wurde ein Internet-Hit, in der Folge auch von MTV gezeigt und im Radio gespielt. Schließlich wurde auch der französische Moderator Nagui auf Brigitte aufmerksam und lud sie im Juni in seine Sendung Taratata ein. Danach ging’s rasant weiter: eine erste EP, weitere Konzerte und schließlich ein Plattenvertrag beim Label 3eme bureau/WAGRAM.

Im April 2011 wurde das Debütalbum «Et vous, tu m’aimes?» (Und Sie, liebst du mich?) in Frankreich veröffentlicht. Nach dem Erfolg bei den Victoires de la Musique stehen im Frühjahr 2012 rund 50 Konzerte in Frankreich an. Danach geht es auf viele europäische Festivals und im Herbst wird das Album endlich auch hierzulande veröffentlicht. Eine Deutschlandtour im Herbst ist in Planung!
Blog: http://brigittedefrance.tumblr.com/ 

Facebook: http://www.facebook.com/brigittemusic

Die kalifornischen Bluesrocker Rival Sons performen heute Abend,29.03., ihre neue Single “Face of Light” aus ihrem aktuellen Album “Pressure & Time” in der Sendung ZDFneo Paradise bei Joko Winterscheidt und Klaas Heufer-Umlauf! Einschalten!

Das Debütalbum von Doctorella “Drogen und Psychologen” wird am 30.03. erscheinen!

VÖ: 29.07.2011

Label: Roadrunner Records

Vertrieb: Warner Music

Es gibt nur wenige Künstler, deren Name innerhalb eines ganzen Genres für ein Instrument und der Art es zu spielen steht. Selbst Leute, die nur oberflächliche Kenntnisse der modernen Musikszene haben, denken bei der Bezeichnung „Junger Bluesgitarrist“ sehr wahrscheinlich direkt an Kenny Wayne Shepherd.

Der in Louisiana geborene Songwriter ist gerademal Mitte 30 und hat bereits Millionen von Alben verkauft, hatte Singles in den US amerikanischen Top 10 und verhalf damit, dem, in der Musikgeschichte so bedeutenden Blues, zu neuem Glanz. Er vernachlässigt nie den klassischen Sound, den er bereits als Teenager verinnerlicht hat, und bahnt sich doch mit seinem eigenen, modernen Sound den Weg nach oben. Mit sieben Jahren traf er Stevie Ray Vaughn, mit 13 teilte er sich eine Bühne mit Bryan Lee, der Legende aus New Orleans, und auch als Erwachsener kreiert er weiterhin genreprägenden, blueslastigen Rock’n’Roll.
Guitar World nennt Kenny Wayne Shepherd in einem Atemzug mit Bluesgitarristen wie B.B. King und Eric Clapton. Sein neues Album „How I Go“ ist jedoch nicht nur ein Beweis dafür, dass das gerechtfertigt ist, sondern zeigt auch sein großes songwriterisches Talent. Kenny vereint  gefühlvolle und leidenschaftliche Interpretationen von klassischem Material wie Bessie Smiths „Blackwater Blues“, Albert Kings „Oh, Pretty Woman“ und „Yer Blues“ von den Beatles, mit den stärksten Kompositionen seiner bisherigen Karriere.

Man sollte nicht vergessen, dass Kenny vor langer Zeit den Song „Blue on Black” mitgeschrieben hat, der 17 Wochen in Folge die #1 in den Rock Charts besetzte. Jegliche Anerkennung, die er für sein Gitarrenspiel erhält, ist wohl verdient, aber er hat noch so viel mehr zu bieten.

Die erste Single „Never Lookin’ Back” ist richtungsweisend für das gesamte Album und handelt davon, wie man Rückschläge im Leben verkraftet. Der Song „Dryin‘ Shame“ hat jenen typischen Texas-Sound, den die alteingesessenen Fans von Kenny und seiner Band so lieben. „Show Me The Way Back Home“ ist eine zeitlose, kraftvolle Bluesballade. „We hit a really great balance,” sagt Kenny über das Album, das er selbst mitproduziert hat.
Das Album rockt und setzt den Fokus ganz klar auf den Gitarrensound – es klingt jung und frisch. Dennoch findet man stets diese spezielle Energie und den Vibe, der dem Blues schon seit so langer Zeit innewohnt. Kenny Wayne Shepherd ist als Songwriter, Musiker und Produzent gewachsen – was nicht bedeutet, dass er auf sein bisheriges Schaffen nicht gerne zurückblickt. “I don’t have any regrets, other than maybe a couple of outfits that I wore on stage,” lacht er.

Das letztjährige Album „Live in Chicago!“ enthält großartige Performances von Kenny und vielen lebenden Legenden der Bluesszene. Kenny’s unglaubliche Präsenz, die jeden im Raum packt und mit einem Lächeln entlässt, lassen vermuten, dass er das, was er tut, noch jahrzehntelang tun wird – genau wie seine Vorbilder.

Kenny Wayne Shepherd ist sich durchaus bewusst, welche emotionale Rolle die Musik im Leben seiner Zuhörer spielen kann. Er hat einen gewaltigen Respekt vor dieser Verantwortung und arbeitet hart daran, Freude in das Leben der Leute zu bringen. Er  ist fest entschlossen, es allen zu zeigen. „I get up on stage every night to play my heart out and to try to turn people on their ear, man. I want to bring light into people’s lives with my music. If I can make people feel good for an hour and a half to two hours and forget about whatever might be stressing them out, then I’m doing my job.

LIVE ist er ab Juli in Deutschland zu sehen, mehr dazu gibt es unter der Rubrik “Tourdaten”!

Korn sind auch noch live in Deutschland zu erleben und zwar am 14.03. in Oberhausen - Turbinenhalle und am 16.03.12 in Offenbach - Stadthalle!

LIVE sind EVERLAST- akustisch - am 21.03. in Frankfurt/Main im Batschkapp und am 23.03. in Berlin im C-Club zu erleben.

Bis 9.3.2012 sind PRIME CIRCLE live zu erleben !

Hier gibt es schon mal einen Vorgeschmack : http://www.wdr.de/tv/rockpalast/extra/konzerte/2012/0119/

Seit Wochen steht der französische Kinohit Ziemlich beste Freunde mit bislang über drei Millionen Besuchern auf Platz 1 der deutschen Kinocharts und Einaudi, geboren 1955 in Turin, hat einen beträchtlichen Teil der Filmmusik beigesteuert. Der italienische Pianist und Komponist gehört zu den erfolgreichsten Musikern unserer Zeit – seine von Ryuichi Sakamoto, Philip Glass und Erik Satie beeinflussten Soloklavierprogramme spielt er weltweit vor ausverkauften Häusern, seine Kompositionen finden sich in bedeutenden Filmen wie Black Swan oder This Is England sowie in großen Werbekampagnen.

Erst kürzlich hat Ludovico Einaudi, der seine Kunst unter anderem bei dem legendären Avantgarde-Komponisten Luciano Berio erlernte, mit Islands (Deluxe Edition) eine glanzvolle und umfassende Retrospektive seines bisherigen Schaffens veröffentlicht. Es gilt, einen Klangschöpfer zu erleben, der sowohl als Solopianist seiner eigenen Werke wie auch als Orchesterkomponist höchste emotionale Wirkung durch eine konsequente Reduktion der Mittel erreicht. Weshalb Einaudi auch nichts dagegen hat, in der Tradition von Komponisten wie Glass als „Minimalist“ bezeichnet zu werden. Einaudi hat es mit seinem charakteristisch sanften Tastenanschlag und spartanischer Notengebung in der Musik zu einer „Meisterschaft der Entschleunigung“ gebracht – und erfüllt damit ein drängendes Bedürfnis nach Ruhe und Kontemplation, welches zu Beginn des 21. Jahrhunderts immer mehr Menschen an Kunst und Musik richten.

Islands (Deluxe Edition) vereint grundlegende Einaudi-Stücke wie „Le Onde“, „Berlin Song“ oder „Divenire“ mit zahlreichen neuen Werken, darunter „The Earth Prelude“ und „High Heels“. Darüberhinaus sind Remixe und Bearbeitungen von Klassikern wie „Eros“ und „Labyrinth“ sowie Ludovico Einaudis prägnanteste Filmmelodien enthalten – darunter auch zwei der Kompositionen, die ein Millionenpublikum gerade im Kino bei Ziemlich beste Freunde erlebt.

Live ist Ludovico Einaudi am 20. Mai im Kraftwerk Wolfsburg zu erleben und hier noch ein kleiner Trailer.

VÖ: 24.02.2012

Single: 2 Track Single „Little Miss America“ / „ I Get By“

VÖ: 17.02.2012

Label: Long Branch Records

Vertrieb: SPV

Inmitten von Jahren der wirtschaftlichen und politischen Unruhen liefert Grammy Gewinner
EVERLAST mit seinem neuen Album Songs Of The Ungrateful Living den Soundtrack für
die moderne Gesellschaft. Ein Album das sich seine Inspiration aus scheinbar
zusammenhanglosen musikalischen und thematischen Ecken der Welt holt und auf
ergreifende Weise nicht nur den turbulenten Zustand unserer Gesellschaft und deren Bürger
beschreibt, sondern auch das ungenutzte Potenzial beider aufzeigt.
Long Branch Records veröffentlicht “Songs Of The Ungrateful Living” am 24.02.2012 als CD
inkl. Bonus Tracks und 2LP inkl. CD Beilage. Unter den Bonus Tracks ist u.a. auch eine
Akkustikversion des 2000er Hits “Black Coffee”.
Nach seiner erfolgreichen Zeit mit House Of Pain schockte EVERLAST 1998 mit seinem
Soloalbum Whitey Ford Sings The Blues die Musikwelt. Auf dem aus Blues, Folk, Country
und Rap inspirierten Album demonstrierte EVERLAST eindrucksvoll sein stimmliches und
musikalisches Können. Titel wie „What it’s like“ und „Ends“ wurden zu Welthits und sorgten
für über 3 Millionen verkaufte Alben.
Seit seinem Debut entwickelte sich EVERLAST zu einem der erfolgreichsten und
anerkanntesten Künstlern der Branche und arbeitete erfolgreiche mit Weltstars wie
SANTANA zusammen, deren gemeinsame Single „Put your lights on“ mit einem Grammy
ausgezeichnet wurde. Mit den ehemaligen House Of Pain Mitgliedern Danny Boy & DJ
Lethal gründete er zusätzlich die Hardcore Rap Formation La Coka Nostra.

www.facebook.com/everlastmusic
www.twitter.com/ogeverlast

LIVE:
21.03.2012 Frankfurt am Main / Batschkapp
23.03.2012 Berlin / C-Club

Bands mit mehr oder minder starken Frauen am Mikrofon gibt es hierzulande jede Menge. Und wenn man sich die Charts anguckt, könnte man glatt denken, dass sich wirklich was getan hat in Punkto Geschlechterverhältnisse im Pop. Hört man genauer hin, merkt man, dass diese Bands dieselben Mainstream-Stereotype wiederholen und im Grunde furchtbar langweilig und nichtssagend sind. Endlich durchbricht eine Band die Konsens-Dominanz: DOCTORELLA. Die Bandgründerinnen, Frontfrauen und Zwillinge Kerstin und Sandra Grether sind wohl die einzigen, die dem Mainstream mit ihrem Wollen und Können, mit ihren Verrücktheiten, mit ihren Ideen und faszinierenden Vorstellungen von sich und der Welt, das nötige Futter und gleichzeitig die nötige Abstinenz verordnen und geben können. Sie sind Teil des Pop-Betriebs, sie brauchen und sabotieren ihn, sie lieben und sie hassen ihn.
DOCTORELLA aus Berlin überzeugen auf ihrem Debütalbum “Drogen und Psychologen“ mit fantasievollen, drastischen Texten und glamourösem Pop mit Underground-Prägung. “Lass uns Märchenwesen sein“ singen DOCTORELLA und wollen das nicht als Gute-Laune-Klischee verstanden wissen, sondern als konkrete Aufforderung, als Anstiftung zum Utopisch-Sein. Denn Kerstin und Sandra Grether, Zwillingsschwestern und streitbare, nie leise, aber stets charmante Chefinnen von DOCTORELLA, haben schon immer Sachen gemacht, die es vorher noch nicht gab: als blutjunge Teenager aus der Kleinstadt ein Fanzine erfunden, kurz darauf nach Köln gezogen und für Musikzeitschriften wie Spex und Intro kluge, scharfsinnige Artikel geschrieben, die in der jungsdominierten deutschen Poplandschaft bis heute unvergleichlich und einzigartig sind.
Nächste Station der Schwestern: Hamburg. Dort – und das hatte es erst recht noch nicht gegeben – gründet Sandra Deutschlands erste und einzige Riot Grrrl-Band Parole Trixi, deren Album “Die Definition von süß“ (ZickZack/What´s So Funny About) in der Plattensammlung jeder coolen Feministin steht. Kerstin schreibt mit “Zuckerbabys“ den ersten Poproman mit wirklich relevantem, weil todernstem Hintergrund. Zu Madonnas 50. Geburtstag, Kerstin und Sandra leben inzwischen in Berlin, stellen die beiden eine vielbeachtete Anthologie zusammen; 2011 organisieren sie den Berliner Slutwalk mit. Überhaupt wird Berlin ganz schnell zu ihrer Stadt, auch weil das TIP-Magazin sie regelmäßig auf die Liste der “peinlichsten Berliner“ hebt.
Hier in Berlin rufen sie ihre gemeinsame Band ins Leben, was bei so viel Herzblut-Engagement für Dichtkunst, Pop und Feminismus fast zu schön ist, um wahr zu sein. Aber Märchenwesen können alles, sie träumen den „übernächsten Traum“, wie es in einem DOCTORELLA-Song heißt, und: die Grethers machen ihn wahr.
Dabei sind DOCTORELLA nicht einfach vom Himmel gefallen, drei Jahre feilen die Schwestern an Konzept und Line-up (zu frühen Besetzungen gehörten Andreas Spechtl von Ja, Panik, Jens Friebe, Elmar Günther und Herman Herrmann), bis mit Mesut Molnár am Schlagzeug und Jakob Groothoff (im anderen Leben Betreiber des Hamburger Plattenladens Hanseplatte) am Bass alles perfekt passt. Mit “Drogen und Psychologen“, produziert von Tobias Siebert, erscheint Ende März 2012 endlich das lang ersehnte Album.
In DOCTORELLA verbinden sich (Zitat Kerstin) „Strokes und The Knife, Blumfeld, Blondie und Ideal mit einem Schuss Hildegard Knef“. Von Gitarristin Sandra stammt der Rock-, von Keyboarderin Kerstin der Pop- und Chanson-Appeal, singen und songschreiben tun sie beide. Zusammen klingt das so toll, dass man es glatt für selbstverständlich hält, dass DOCTORELLAS Lyrics - auf deutsch und englisch und manchmal auch gemischt – radikal romantisch und rebellisch-dekadent sind und uns auf „die Zeit nach der Bohème-Revolution“ vorbereiten.

Kerstins und Sandras brillante Analysen, die sich in T-Shirt-tauglichen Zeilen wie „Die Reichen tragen schwarz“ niederschlagen, sind aber heute genauso wenig selbstverständlich wie zu ihren Spex-Zeiten und deshalb umso wichtiger, dringender, nötiger. Danke, DOCTORELLA, ihr ganz realen Märchenwesen!
Aufgepasst: Ab Mai gehen DOCTORELLA auf „Drogen und Psychologen“-Tournee! Neben der Band mit ihren unwiderstehlichen Protagonistinnen darf man sich auf Lesungen eigener extra für die Tour geschriebener Texte und wechselnde Gast-Autoren freuen!

DROGEN UND PSYCHOLOGEN – Das Album
2012 ist die Zeit, in der Wünschen nicht mehr hilft, aber auch die, in der uns nicht mehr so wahnsinnig viele Wünsche einfallen. Allein deshalb musst Du diese Platte hören: Um zu merken, welche Wünsche bei dir noch offen sind. Sperrangelweit. Wünsche, die DOCTORELLA Dir erfüllen können! Das Album der guten DOCTORELLA, die gleich mehrere Personen ist, besetzungsmäßig (denn sie ist eine Rock- und Pop-Band!) und auch im übertragenen Sinn. Eine Medizinfrau. Eine Superheldin.
“Drogen und Psychologen“ heißt das Album. Und das sind die Wünsche:

Der erste Wunsch: Bring mich nach Paris!
Schon im ersten Song ist alles drin: Melancholie, Unvernunft, ein bisschen Bosheit, Wärme, Deutsch und Englisch, Berlin, Paris und L.A., Strokes, Blondie und Ideal. Ein explosiv von Sandra Grether gespucktes „B“ am Anfang des Wortes, das ihre derzeitige Heimatstadt bezeichnet. Hebt ab wie ein Flugzeug und bringt dich innerhalb von drei Minuten in sieben Städten mitten auf die Tanzfläche. Ein Refrain, der groovt wie Gossip.

Der zweite Wunsch: Liebe Stadt, komm fang mich auf!
Eine verruchte Liebeserklärung an eine Stadt. Dieses Mal singt Kerstin Grether, die Zwillingsschwester, ebenso die Komplizin wie Antipode zu Sandra. Wie man sie unterscheiden kann auf diesem Album: Sandra ist die Bissige, die auch Gitarre spielt, Kerstin die Divenhafte, die auch Keyboards spielt. Sandra ist Joan Jett (an einem sonnigen Tag freilich), Kerstin ist Little Boots und Hildegard Knef (an einem sonnigen Tag freilich). Eine ist die erste Strokes-Platte, die andere ist die zweite und dritte, auf denen die Synthesizer so lodern wie bei diesem Song namens „Liebe Stadt“, in dem es um das irre Gefühl geht, in all den Straßen, Brücken, Hinterhöfen plötzlich ein großes Du zu erkennen.

Der dritte Wunsch: Ich hol dich aus dem Irrenhaus!
Ein Longdrink aus Manisch und Depressiv, Pulp, Tocotronic, Lassie Singers, The Knife. Genie und Wahnsinn liegen nah beieinander. Davon handelt DOCTORELLA.

Der vierte Wunsch: Nicht an der Liebe verkühlen!
Wer hier an Annette Humpe bei Ideal denken muss, assoziiert im Prinzip richtig – auch wenn es damals eben schicker war, eisig daherzukommen und sich nach Wärme zu sehnen. DOCTORELLA machen es exakt andersrum. Sie erzählen Geschichten aus innerer Wärme heraus, die sich nach der Kälte sehnen.

Der fünfte Wunsch: Tinte auf dem Herz
Der Wunsch, sich den Namen des verlorenen Geliebten in die Venen zu tätowieren, auch wenn`s wehtut.

Der sechste Wunsch: Lass uns Märchenwesen sein!
Das Dornröschen könnte dem Prinzen einfach mal befehlen, es anständig wach zu knutschen – auch so geht Erlösung. Das nämlich macht DOCTORELLA so besonders und vielleicht auch irritierend, deshalb glitzern sie auch tief im Dunkeln: weil sie wissen, dass auch unerbittliche Lyrik die Welt poetisiert. Ein Liebeslied und ein Protesong in einem. Dazu spielt der Korg-Synthie die Töne eines bekannten Volkslieds.

Der siebte Wunsch: Sex natürlich. (Und zwar am besten mit dem Sänger.)
Denn: „Er ist der coolste Blender in der ganzen Stadt./Sie will im Bett was sie schon auf Platte hat.

Der achte Wunsch: Drogen und Psychologen, ihr habt mich nur belogen!
Der Titelsong ist eine knallharte, euphorisch gestimmte Abrechnung mit allen falschen Freunden und Substanzen und pendelt zwischen Stream-Of-Consciousness und gezielt platzierten Beleidigungen.

Der neunte Wunsch: Dabei sein und trotzdem frei sein! Neue Farben tragen!
“Wandern durch die Nacht“ ist eine Hymne auf die Nacht im speziellen und auf das Glück im Allgemeinen. Ja, Glück ist möglich, auch in diesen Zeiten…

Der zehnte Wunsch: Die Reichen tragen schwarz.
Eine Satire auf die Reichen und ihren „ach so guten“ Geschmack. „Die Reichen tragen schwarz./ Sonst wird’s ihnen zu bunt.“ Kommt im Refrain mit Rummelplatz-Feeling (Akkordeon, Walzer). DOCTORELLA färben unsere Welt mit einem bunten Song.

Der elfte Wunsch: Imagine! Eine Band gründen und eine flügelschlagende Ballade schreiben!

Der zwölfte Wunsch: Träum den übernächsten Traum!
„Trau dich einmal abzuhaun!“ Mit Geigen wie in den Chansons der 1920er Jahre und dem hypnotischen Spirit von Velvet Undergrounds „All Tomorrow`s Parties“.

Der Wunsch, der über allem schwebt:
Einfach mal wieder eine Platte hören, die Fantasie und Manie hat, die ihre Hörer nicht für blöd und naiv hält, die einen zum Abheben und Neustarten mitnimmt; die in den Arm nimmt und in den Arsch tritt, die „Foucault!“ und „Fuck you!“ sagt: “Drogen und Psychologen“ von DOCTORELLA!

Vielleicht hilft das Wünschen ja wirklich.

Record-Release-Party
Fr. 20. April 2012, Berlin, Kater Holzig

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Die Rival Sons gelten als die neue Entdeckung für alle Fans des klassischen Bluesrock. Dabei klingen sie keineswegs retro oder rückwärtsgewandt. Im Gegenteil, das Quartett aus Los Angeles versteht es spielend, einem der ältesten Musikstile der Rockgeschichte frisches Leben einzuhauchen. Entsprechend breit gefächert ist die Anerkennung: Vom Heavy Metal-Magazin über das arrivierte Feuilleton bis hin zum Pop-Radio können sich alle auf den bluesigen, erdigen und in Momenten soulig-warmen Sound von Rival Sons einigen. Ihr zweites, im letzten Juni veröffentlichtes Album „Pressure & Time“ stellten die Kalifornier Ende November bei ihrer großen Europa-Tour vor. Nun kehren sie am 30. März noch einmal für eine exklusive Deutschland-Show im Hamburger Uebel & Gefährlich nach Deutschland zurück.

Sie sind, wie sie selbst sagen, „only in it for the music“. Sie wollen Konzerte spielen, Zuschauer begeistern und so viele mitreißende Songs wie möglich komponieren. Inwieweit die Musikbranche mitziehen würde, war den 2008 gegründeten Rival Sons nicht wichtig. Das Debütalbum „Before The Fire“ erschien ausschließlich als digitaler Download über ihre Homepage.

Mit ihrer coolen Mischung aus klassischem Bluesrock, hitzigem Soul und kantigem Rock fanden sie szeneübergreifend viele Fans, darunter auch zahlreiche prominente wie Kid Rock oder Alice Cooper, die dieRival Sons prompt als Support Act verpflichteten. So gingen Jay Buchanan (Gesang), Scott Holiday (Gitarre),Robin Everhart (Bass) und Michael Miley (Drums) bereits auf Tour, noch bevor offiziell ein Album von ihnen erschienen war.

Storm Thorgerson, nicht erst seit seiner Gestaltung von Pink Floyds „Dark Side of the Moon“ die wohl größte Legende unter den Cover-Künstlern, verlieh dem neuen Album „Pressure & Time“ ein aufregendes Design und verhalf der Band damit zu weiterem Aufsehen. Das Album selbst spielten die Rival Sons in zwei Wochen in Kalifornien ein. „Wir wollten die Ursprünglichkeit und Rohheit unseres Sounds konservieren, und das geht nur, indem man schnell arbeitet“, erläuterte Frontmann Jay Buchanan.

Jener wird mit seiner enorm ausdrucksstarken Stimme bereits in einem Atemzug mit Genregrößen wie Led Zeppelins Robert Plant oder Chris Robinson von den Black Crowes genannt. Über das Album schrieb ein Fachmagazin treffend, es sei „eine einzige Offenbarung für Rocker-Ohren“ und ein „künftiger Klassiker alter Schule“.

 Homepage von Slash

Den Link findet man hier.

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Das Kölner Trio P:lot (Pilot) heute im Live-Stream, um 19 H, 21 H und 23 H und morgen in der Mediathek!
Nach den Videopremieren der neuen Single “Zuhören” auf MTV und VIVA sind sie heute bei STUDIO 2 zu Gast und performen in einer TV-Premiere 2 Songs ihres neuen Albums live und akustisch…..

Den Live-Stream findet ihr hier.

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Die Beatniks-Geschichte geht so: W. Hagedorn und R. Khanfir kennen sich seit Mitte der 90iger des letzten Jahrtausends, wo beide in der Noiserock-Band HIFI-KILLERS spielten. Nachdem sich HIFI-KILLERS auflösten, gründete Sampling-Spezialist Hagedorn die COMPUTERJOCKEYS und schrieb u.a. den internationalen Hit PING-PONG, während sich Khanfir mit MAN VERSUS NATURE einer obskur-trashigen Variante des Sounds à la Captain Beefheart oder Butthole Surfers widmete. Sie nannten es damals Schweinejazz.
Beide Bands tourten ein paar Jahre lang exzessiv, COMPUTERJOCKEYS eher auf größeren Bühnen, MVSN nahmen mit kleineren vorlieb.

Irgendwann rief der mit der Musik den mit den Texten an und 2007 wurden die Electric Beatniks geboren. Einen Winter später veröffentlichten sie ihr Debütalbum “s/t” auf dem renommierten Saftkugler-Label.

Ihr Sound orientiert sich am breitgefächerten eigenen musikalischen Werdegang (Noiserock, Elektronica, Sampling, Experiment), intensiv auch an den Ursprüngen des Blues und Rocks der 50ger Jahre.
In Hagedorns postpunk-fuzzigem Gitarrenspiel klingt seine Bewunderung für Link Wray und den Soul der 70er immer mit. Sein intuitives, gefühlvolles Spiel changiert instinktsicher zwischen zurückgenommenem Understatement und Feedback-Ausbrüchen. Hagedorns musikalische Virtuosität findet ihren vollen Ausdruck in den, mit neuester Technologie erzeugten, Sampling-Kompositionen von „Our insignificance has always been our greatest strength“
Sein Songwriting bildet das Rückgrat auf dem Khanfir seine eigene Version von effektverfremdetem Gesang aus dem Geiste des Blues ausbreitet. Er heult, schreit, jault über diverse Pitchshifter, Delays und Verzerrer ohne die zugrundeliegende Gefühlslage zu verfälschen. Wie “our insignificance has always been our greatest strength” eindrucksvoll beweist, geht er mittlerweile sogar soweit zu singen. Als Vorbilder, die ihn auf dem langen Weg begleitet haben, gelten Bon Scott, Shane MacGowan, Tom Waits, Mark E. Smith, David Thomas und Gibby Haynes.

Beim ersten Hören waren die Kölner Kollegen von Von Spar so begeistert, dass sie die Beatniks auf eine Deutschland/ Schweiz/Österreich-Tour verpflichteten.
Hagedorn & Khanfir haben im Laufe der Jahre mit so unterschiedlichen Bands wie Cosmic Psychos, Moloko, Oxbow, Coldcut, Numbers, Rocket from the crypt, Kim Salmon, Mutter, Motorpsycho, Console und Make-up die Bühne geteilt, um nur einige zu nennen. Sie haben selbstorganisierte Kanadatouren genossen, die man zu viert wochenlang in einem Mittelklasse Oldsmobile verbrachte, genauso wie den ein oder anderen Showcase erduldet, zu denen man extra eingeflogen wurde.

Ihre Live-Shows werden visuell unterstützt durch Projektionen des Kölner Videokunst-Duos pressplay.

Ein Video zu dem Song “Numbers” wurde kongenial von Industriesauger TV realisiert und ist auf der Beatniks-Webseite zu sehen.

Electric Beatniks kann heute als eine Band gelten, der es mit ihrer zweiten Aufnahme gelungen ist, das, was sie mit ihrer Musik ausdrücken will, auch tatsächlich auszudrücken.
Und was heißt das alles für Dich? Naja, wie es der freundliche Broker von nebenan auf den Punkt bringen würde: total unterbewertet, jetzt kaufen!
- Dagobert „Doug“ Herschel -

http://www.electricbeatniks.net/
http://www.revolverpromotion.com/ (Presse & Promotion)
http://www.onkelpromotion.de/ (Management)
http://www.myspace.com/electricbeatniks
http://www.facebook.com/pages/Electric-Beatniks/143273489034842

The Intersphere steigen nun mit Album #3 erstmals in ihrer Bandgeschichte in die Media Control Charts ein und sorgen damit für den ersten SPV Chartentry in 2012 und den ersten Charterfolg überhaupt für das noch junge Long Branch Records Label.

Im Voting vertreten sind unter anderem die sympathischen Oldenburger von Lee Jay Cop.

Hier geht es zum Voting.

Die Veranstaltung wird präsentier von “Melodie & Rythmus”

www.theperms.com
www.myspace.com/theperms
www.reverbnation.com/theperms

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1987 begann Ray Cokes seine Karriere bei MTV Europe mit der Musikwunschsendung Ray’s Request, später Most Wanted. Die Konzeptlosigkeit wurde zu seinem Markenzeichen. Ray brachte die Realität in die heile, vorproduzierte und auf Maß geschnittene Fernsehwelt und wurde so zum Fernsehkult.

Ray´s neue Live Show ist sowohl inspiriert von der legendären Most-Wanted Sendung, wie auch von den sehr entspannten “old-school” TV Formaten mit viel positiver Energie. Das Set erinnert an ein gemütliches 3 Sterne Gästehaus mit einer Rezeption, einer Lounge und einer kleinen Bühne, selbstverständlich mit voll ausgestatteter Bar.

Ray´s Guesthouse wird eine Mischung aus persönlich ausgewählter Musik, unkonventionellem Talk und Interaktion mit dem Publikum sein.

Frech und aufmüpfig – aber nie beleidigend. Überraschend, spontan und sehr lebendig, unkonventionell und dabei professionell – und garantiert nicht zu Tode formatiert! Ein sehr unterhaltsamer Abend für die MTV´s First Generation und für junge und jung-gebliebene Musik- & Comedy Fans.

Ray’s Guesthouse – Die Rock’n Talk Show mit Ray Cokes

21.05. Frankfurt/Main - Gibson Club
22.05. Köln - E-Werk
23.05. Hamburg - Fabrik
24.05. Berlin - Postbahnhof
25.05. München – Freiheiz

Die Shows finden in Zusammenarbeit mit südpolmusic, Patrick Oginski und BCC, Anja Coates & Gary Cooper statt.

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YA-HA! — Das ist Jubelschrei und zugleich Name der Münchner Band um Sängerin und Regisseurin Janna Wonders und Blumentopf-MC Flo Schuster. Keiner soll alleine tanzen, YA-HA!-Sound für alle. Immer & Überall. So heißt auch das Debütalbum, das am 3. Februar 2012 erscheint. Leichtfüßig tanzbare Musik trifft auf poetische Texte und Rap-Parts, New Wave auf modernen Pop.
Die Deutsch-Amerikanerin Janna, deren Mutter als „Hippie mit Hackbrett“ (BR 2008 „Lebenslinien“) im Summer of Love durch Amerika tourte, ist in einem Hippie-Dorf in Kalifornien geboren und im „Harem“ der Alt-68er-Legende Rainer Langhans aufgewachsen. Was das Songwriting betrifft ist Janna der creative Mastermind der Band, ihre Songskizzen und Melodien sind immer der Ausgangspunkt der gemeinsamen Reise.

Jannas Gesang ist mal energetisch und rotzig, mal verträumt und voller Sehnsucht. Die Liebe zur Musik prägt auch ihre Arbeit als Filmemacherin: Dies belegen zahlreiche Musikvideos, aber auch die erfolgreichen Dokumentationen „Bling, Bling“, über die GangsterRap Szene in L.A. und „Kinder der Schlafviertel“, die preisgekrönte Milieu-Studie über Punks in Moskauer Vorstädten. Ihr Bandgefährte Flo Schuster geht mit YA-HA! andere Wege als mit „Blumentopf“.

Nach diversen Top-Ten Alben, auf denen auch Janna mit Feature-Parts vertreten ist (aktuell „Mein Dein“ und „Sie tanzt die Nächte durch“, „WIR“ / EMi Music), und zahllosen ausverkauften Tourneen spürt man seine Lust etwas Neues auszuprobieren. Das Mikro ab und an aus derHand legen, weg vom „center spot“, hin zu Drumcomputer und Synthesizer. Seine eingestreuten Raps klingen mal wie eine Hommage an Falco, mal wie ein dadaistischer Vocal-Sample-Part einer zeitgenössischen Elektro-Produktion.
Gemeinsam mit Dirksen (Gitarre) und Flo Laber (Bass) entsteht ein neuer und innovativer Sound. Konkret, direkt und impulsiv. Knarzende Synthie-Sounds, markante Gitarren, treibende Drumcomputer-Beats und lakonisch eingängige Texte. Die Musik und die Poetik von YA-HA! gehören untrennbar in unsere Zeit.
Auf ihrem Debüt „Immer & Überall“ singt YA-HA! vom „Robotermädchen“, verliert sich im „Totalen Chaos“ undfordert mit der urbanen Feierhymne „Elektrisch ist die Nacht“ zum Tanzen und Sau rauslassen auf. Die Band entwickelt mit hypnotischer Computermusik pure „Magie“, bringt mit einer schwarzen Lederhandtasche Marke „Fake Coco Chanel“ den Club zum Ausrasten und das „Herz bleibt stehen“ wenn YA-HA! in stilleren, poetischen Momenten von der Sehnsucht nach einem Wiedersehen erzählt. Sie wollen einfach mal Liebe machen bis zur „Überdosis Du“.

Warum? Weil Liebe schön ist! Und am Ende dann das Mantra, „YA-HA!“, der Schrei, der in Zukunft überall zu hören sein wird. Denn nach einem ereignisreichen Live Jahr 2011 mit Auftritten auf renommierten Festivals, Showcases auf der Popkomm und der Midem, mehreren von Ego FM präsentierten Club Gigs, Shows im Vorprogramm von Blumentopf und Grossstadtgeflüster und ihrer eigenen „Überall Musik“ Deutschland Tour sind die ersten Termine für 2012 schon gebucht.
Im März geht es auf Album Release Tour, Bookings für den Festivalsommer stehen, weitere Dates folgen…

Die YA-HA! Rakete kann klar an den Start gehen.

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VÖ: 02.12.2011

Single: Chaos Lives in Everything (feat. Skrilllex)

VÖ: 09.03.2012
Label: Roadrunner Records

Vertrieb: Warner Music

Korns mittlerweile zehntes Studioalbum “The Path of Totality” ist ein sehr experimentelles Album, auf dem Korn einen anderen Gang einlegen und neues Territorium betreten. Für diehard Korn Fans sollte das allerdings keine allzu große Überraschung sein, da die Band sich (und die ganze Rockszene) seit ihren ersten großen Erfolgen in den 90ern ständig weiterentwickelt hat.

Für “The Path of Totality” haben Korn mit einigen der führenden Dubstep- und Elektroproduzenten wie z.B. Skrillex, Excision, Datsik, Noisia, Kill the Noise und 12th Planet zusammengearbeitet. Herausgekommen ist zwar etwas komplett Neuartiges, es verdient aber dennoch eindeutig den Stempel Korn. Auch nach einer zwei Jahrzehnte andauernden Karriere schaffen sie es immer noch, sich selbst neu zu erfinden.

“Narcissistic Cannibal”, “Burn The Obedient.” “Illuminati,” “Kill Mercy Within,” und “Chaos Lives In Everything” heißen nur einige Songs, die sich auf der Tracklist befinden werden. Das Album wurde in zwei Ausführungen veröffentlicht: einer Standard-CD mit 11 Songs und einer Special Edition inklusive Bonustracks sowie der Bonus-DVD „The Encounter”. Diese zeigt das unvergessliche Ko?n-Konzert in einem Kornkreis mitten auf einem Getreidefeld in Bakersfield, USA.
Homepage: http://www.korn.com/splash

Facebook: http://www.facebook.com/korn

Ab dem 26.01.2012 kann auf der Seite www.du-gross-raus.com für Ya-Ha! gevotet werden.

Es wird das komplette Konzert aus der Misubishi Electric Hall in Düsseldorf gezeigt, sowie mehrere kleinere Interviews mit den Herren Sammy Hagar,Joe Satriani und Michael Anthony

Eine kleine Vorschau gibt es unter folgendem Link:
Einfach hier klicken.

Amazon Album-Charts

Das Video kann sich unter folgendem Link jetzt schon angeschaut werden.

HIer klicken für das Video von Pilot! 

SEP7EMBER + stimme: boris pillmann + gitarre: guido dobrautz + gitarre: bernd siedler + bass: bill peckham + schlagzeug: hakan cetin + auferstanden aus dem frankfurter untergrund + im proberaum: geschuftet und gezweifelt, aufgewacht und eingepennt + auf der bühne: unberechenbar + die musik: gnadenlose gitarren treffen hypnotischen gesang, oder: gnadenloser gesang trifft hypnotische gitarren, oder einfacher gesagt: hardpop + seit 2007 steht die aktuelle besetzung + seit 2007 schwitzen sie sich neue songs aus, quälen ihre marshalls, erleben den rausch des perfekten auftritts, veröffentlichen eine ep im eigenverlag und wissen genau, dass ihr tag kommen wird + ende 2010 begegnen SEP7EMBER einem neuen management, das nicht mehr schlafen will, bevor einen plattendeal an land gezogen ist + juni 2011: SEP7EMBER unterschreibt bei spv einen internationalen vertrag + september 2011 erscheint die single „I Hate NY“, die antwort auf alle herzchen-t-shirt-träger, eine nummer, die manisch nach vorne treibt, die abrechnet mit allem, was weichgespült nur lalala sagt und mit einem video, das sich ins hirn brennt + oktober 2011: das album „Strange Ways Of Going Home“ wird veröffentlicht + musikalisch beseelt durch das beste, was 80er punk übrig gelassen, kombiniert mit einem modernen, eigenen sound + 12 songs, aufgenommen in den ultraton-studios + emotional, energiegeladen, stilsicher und ohne kompromisse + die antwort an alle, die nicht mehr an laut, unverschämt und rock’n’roll glauben + bilanz bisher: 1900 gerissene gitarrensaiten, 250 zerfetzte trommelstöcke, 37 fanbriefe, 2 gefeuerte manager, tausende dosen bier, 0 groupies und ein gedanke: bands kommen, bands gehen – SEP7EMBER ist da

16.01.2012 Frankfurt // Nachtleben
17.01.2012 Wuppertal // Live Club Barmen
18.01.2012 Münster // AMP
19.01.2012 Hamburg //Hafenklang
20.01.2012 Berlin // Crystal
26.01.2012 Heidelberg // Schwimmbad Club
27.01.2012 CH-Luzern // Schüür
28.01.2012 I - Cesena - Big Barré Rock Club
17.02.2012 Karlsruhe // Kohi

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Vetrieb: SPV

YOU SAY FRANCE & I WHISTLE starteten bereits 2006 ihre ersten musikalischen Gehversuche als Band – mit viel Spaß an der Freude ging es daran, sich musikalisch nicht auf eine Richtung festzulegen und für alle möglichen Einflüsse offen zu sein – und dieses Credo hat auch anno 2011 Bestand.

Viele Einflüsse der schwedischen Indiepopszene, aber auch Künstler wie Justice oder die Beach Boys haben den sympathischen Fünfer beeinflusst, ihren eigenen, sehr ungewöhnlichen Style zu kreieren. Nach ihrem ersten Konzert auf einer Veranda auf einem von Nachbarn organisierten kleinem Straßenfest, spielte YSF&IW in zahlreichen Clubs, haben aber nie aufgehört auch an ungewöhnlichen Plätzen wie in Schaufenstern, kleinen Wohnungen oder sogar öffentlichen Toiletten zu spielen.

Die Nachfrage nach Auftritten vergrößerte sich mit der Veröffentlichung ihrer ersten EP im Jahre 2008. Auf der Bühne ist die große Anzahl an Teddybären und anderen zahlreichen Stofftieren nicht mehr wegzudenken, die durch ihre bunte Vielfalt genau die Musik von YSF&IW repräsentieren und einfach zum Wiedererkennungsmerkmal der Band geworden sind.

Der Ruf der Band eilte ihren zahlreichen Konzerten voraus und schließlich spielten sie 2010 auf den größten Festivals in Schweden, u.a. dem Peace & Love Festival oder aber auch auf dem Malmö Festival, gefolgt von der Fashion Week 2011 in Mailand für das französische Modelabel Costume National (C’N'C), wo schon Bands wie The Killers, Temper Trap und The Kills für Auftritte eingeladen wurden. Die Modemarke Tiger Of Sweden wählte YSF&IW zum “Hottest Swedish Indie Act” für ihre Dressing Room Sessions.

Nach diesem Erfolg hat YSF&IW in Eigenregie die EP “Angry Boy” veröffentlicht und schaffte es mit der Single “OMG” auf über 130.000 Klicks bei MyVideo.de.

Außerdem wurde der Song “Can You Feel It” von One Night Only, den YSF&IW selbst geschrieben haben für die weltweite Coca Cola Kampagne genutzt. Neben Coca Cola sind auch andere Songs von YSF&IW in Werbungen wie Gap, Orbit, McDonalds oder Visa platziert. Auf Einladung aus USA spielte die Band vor wenigen Wochen in den USA auf dem Culture Collide in Los Angeles und CMJ in NYC und ist bereits bestätigt für SXSW und MIDEM in 2012.

Auf ausgiebige Deutschlandtour geht es im Januar und Februar, weitere Daten sind in Vorbereitung.

http://www.yousayfrance.com

http://www.facebook.com/yousayfrance

In diesem Sinne, auf ein weiteres Jahr in gewohnt guter Zusammenarbeit.

Euer Revolver-Team

Die künstlerischen „Vorleben“ der fünf Beteiligten muss man eigentlich nicht mehr explizit erläutern. Michael Kiske war bekanntlich von 1986 bis 1993 bei Helloween und sorgte mit seiner klaren und charismatischen Stimme maßgeblich für den internationalen Durchbruch der Hamburger Band. Kai Hansen war seinerzeit Gitarrist und einer der Hauptkomponisten bei Helloween, nach seinem Ausstieg gründete er die ebenfalls erfolgreiche Formation Gamma Ray und gehört mit ihr bis heute zu den festen Größen der Melodic-Metal-Community. Bassist Dennis Ward und Schlagzeuger Kosta Zafiriou kennen Fans und Medien von der Karlsruher Gruppe Pink Cream 69, für Fachleute von jeher der Inbegriff des guten (Rock-) Geschmacks. Dennis Ward hat sich überdies als Produzent vieler gelungener Veröffentlichungen eine glänzende Reputation erarbeitet, seine Referenzen reichen von Angra und Axxis über House Of Lords und Krokus bis zu Primal Fear oder auch Place Vendome. Last but not least Mandy Meyer: Der Schweizer Gitarrist gehörte von 1996 bis 2004 zu Gotthard und war anschließend bis 2008 Mitglied bei Krokus.

Gegründet wurde UNISONIC im Herbst 2009 zunächst als Quartett (ohne Kai Hansen), ihre ersten künstlerischen Duftmarken setzte die Band im Sommer 2010 beim Masters Of Rock Festival in Tschechien und beim Swedenrock Festival. Speziell für Michael Kiske, der aufgrund der fruchtbaren Zusammenarbeit mit Dennis Ward und Kosta Zafiriou bei Place Vendome wieder Lust auf eine amtliche Band hatte, waren dies ganz besondere Ereignisse: „Egal wie gut du als Solokünstler bist, eine richtige Band hat eine weitaus größere Energie und war für mich der beste Anlass, nach 17 Jahren wieder Konzerte zu geben. Ich bin total begeistert, mit UNISONIC auf die Bühne zurückzukehren!“
Als Kiske zudem wenig später als Gast der Welttournee von Avantasia erstmals auch wieder mit Kai Hansen gemeinsam auf der Bühne stand und sich sofort die alte Magie zwischen den beiden ehemaligen Helloween-Kollegen einstellte, kam die Idee auf, aus dem Quartett UNISONIC ein Quintett werden zu lassen. Nach der ungeteilten Zustimmung von Meyer, Ward und Zafiriou wurde Hansen als fester Neuzugang bestätigt.

Für die Bandmitglieder steht fest, dass es in dieser Konstellation keine halben Sachen gibt sondern die Gruppe für alle Beteiligten auch perspektivisch einen hohen persönlichen Stellenwert behalten wird. „Ein reines Projekt braucht die Welt nicht“, erklärt unmissverständlich Kai Hansen, der gemeinsam mit Ward und Meyer für das Songwriting bei UNISONIC verantwortlich ist und von Beginn an klare Visionen vor Augen hat: „Ich würde unseren Stil als härteren Hard Rock definieren, der sehr flexibel und variantenreich klingt und dennoch wie aus einem Guss kommt.“
Gemeint sind Stücke wie der geradlinige Titeltrack „Unisonic“, der all das in sich vereint, was diese Band an Stärken und Stilmerkmale mitbringt, aber eben auch Hymnisches à la „Star Rider“, Orchestral-Atmosphärisches wie „No One Ever Sees Me“ aus der Feder von Michael Kiske oder Experimentelles der Sorte „I’ve Tried“. Hansen: „Spätestens bei den ersten gemeinsamen Proben festigte sich endgültig der typische UNISONIC-Stil, zumal Dennis und ich schnell merkten, dass wir hinsichtlich unserer musikalischen Zielrichtung auf absolut gleicher Wellenlänge liegen.“

Ab Januar 2012 werden UNISONIC also (rockige) Fakten sprechen lassen: Die Vorab-EP enthält neben den beiden Albumtracks „Unisonic“ und „My Sanctuary“ eine beim 2011er Loud Park Festival in Tokio/Japan aufgenommene Fassung des Helloween-Klassikers „I Want Out“ sowie eine Demoversion des Albumsongs „Souls Alive“. Für das komplette Album hat die Band im Herbst 2011 insgesamt 14 Nummern aufgenommen, von denen voraussichtlich zwölf den Weg auf die Debütscheibe finden werden.

Apropos Loud Park Festival: Die grandiosen Resonanzen auf die ersten Auftritte dieser furiosen Truppe zeigen, wie groß schon jetzt die Euphorie um UNISONIC ist. „Das war wirklich ganz großes Kino“, zeigt sich auch Kai Hansen noch immer beeindruckt, „es war das erste Mal, dass wir in der jetzigen Fünferbesetzung auf der Bühne standen, und es hat unheimlich viel Spaß gemacht. Wir können die nächsten Gigs kaum abwarten.“
Geplant ist eine Headliner-Tournee durch Südamerika und Japan im Frühjahr 2012, direkt anschließend wird die Gruppe auf diversen europäischen Sommerfestivals zu sehen sein. Es kündigt sich also wahrhaft Großes an, zumal alle wichtigen Parameter jetzt vorhanden sind, nämlich eine 4-Track-EP, ein komplettes Album, diverse Konzerttermine und vor allem – wie schon der Namen verrät – eine einzigartig klingende neue Band: UNISONIC!

Homepage von Unisonic

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Sinead O’Connor war schon immer unverkennbar. Eine Stimme geboren, um gleichermaßen Herzen wie Gläser zu zersprengen, so sanft wie auch kritisch. Ein Gesicht, zugleich Engel mit ozeantiefen Augen und kurzgeschorene Kriegerkönigin. Ein Temperament, couragiert in ihren Ansichten, unerschrocken angesichts Kontroversen und gefestigt mit endlosen Reserven an Widerstandsfähigkeit. Sinead O’Connor ist die Ausnahme in der Popmusik: sie ist absolut einzigartig. Von ihrem 1987er Breakthrough mit ‘Madinka’, bis zu ihrem weltweiten Erfolg mit I Do Not Want What I Haven’t Got von 1990, das mehrfach mit Platin ausgezeichnet wurde, und der darauf enthaltenen unvergesslichen Nummer-Eins-Version von Princes ‘Nothing Compares 2 U’, von ihrem wagemutigen Ausbruch aus dem Genre zum Irish Folk und Roots Reggae, bis zu ihren Kollaborationen mit den unterschiedlichsten Künstlern, wie Peter Gabriel, Massive Attack und The Chieftans, ging O’Connor stets ihren eigenen Weg, was sie schließlich zur bekanntesten irischen Künstlerin der letzten 30 Jahre machte. Es gibt niemanden wie Sinead O’Connor. Es gibt nur Sinead O’Connor.

Für den Fall, dass die Welt tatsächlich vergessen haben sollte, wer Sinead O’Connor ist, wird sie hier nochmals daran erinnert. 25 Jahre nach ihrem Debut von 1987 The Lion And The Cobra kehrt sie mit How About I Be Me (And You Be You) zurück, ihrem neunten Studioalbum. Die Art von atemberaubender Leistung würdig ihres 25-jährigen Jubiläums. Produziert von ihrem langjährigen Kollaborateur John Reynolds, reihen sich diese zehn Songs, wie ein enzyklopädisches Abbild von O’Connors Lebenswerk aneinander - Songs über Liebe und Verlust, Hoffnung und Reue, Schmerz und Erlösung, Wut und Gerechtigkeit. “Ich merkte irgendwie, dass mir eine lange Zeit meines Lebens als Künstlerin immer wieder gesagt wurde wie ich zu sein hätte“, so O’Connor zum Titel des Albums. “Man sagte mir, ich solle so sein, ich solle das tun, ich solle dies nicht tun. Man erreicht dann ein gewisses Alter und stellt fest, halt mal, es ist völlig OK, dass ich ich bin, vielen Dank, und du, du sei wie du bist. Aber das ist eine ziemlich irische Sache. Es ist in Wirklichkeit ein Statement zu Irland und was es heißt, eine irische Künstlerin zu sein, und insbesondere DIESE irische Künstlerin.”

Den Anfang macht O’Connor als frivole, angehende Braut mit dem ansteckenden Schwof von ‘4th & Vine’; oder wie sie mit einem Zwinkern im Auge sagt, “einer der zahlreichen ‘girlie’ Songs auf dem Album. Es gibt ziemlich viele Lieder über Liebe auf diesem Album. Nicht absichtlich, aber ich freue mich darüber, da ich bisher nie wirklich Liebeslieder geschrieben habe.” Gleiches gilt für das mitreißende ‘Old Lady’, eine ironische Punk-Ballade, die sie über ihren Schwarm Neil Jordan, ein langjähriger Freund und Crying Game Regisseur, geschrieben hat. Das heitere ‘The Wolf Is Getting Married’ ist “ein weiteres Lied über Frauenbelange“, so O’Connor. „Den Titel wollte ich schon seit Jahren benutzen. Als ich in London lebte, fuhr ich eines Tages mit dem Taxi und unterhielt mich mit dem jungen, muslimischen Fahrer. Der Himmel war völlig grau, nur ein schmaler blauer Streifen schien durch die Wolken. Er erzählte mir, dass man in arabischen Ländern dazu sagt, dass ‚der Wolf heiratet’. So als ob er auf seinem Weg zur Hochzeit lächeln würde. Ich fand das eine wunderschöne Bezeichung.”

O’Connor schreibt gern aus der Perspektive anderer, wie beim hinreißenden ‘Back Where You Belong’, eine Liebeserklärung eines im Krieg umgekommenen Vaters an seinen Sohn, das sie ursprünglich 2007 für den Kinder Fantasy Film The Water Horse geschrieben hatte. “Es gibt mehrere Songs auf dem Album, die aus der Sicht einer anderen Person erzählt sind“, erklärt O’Connor, “nicht unbedingt einer meiner Persönlichkeiten, aber einem Teil von mir.” Ähnlich pathetisch ist der raunende Techno-Pulsschlag von ‘I Had A Baby’, gesungen aus der Sicht eines alleinerziehenden Elternteils. “Das ist ein Thema, über das die Leute nicht wirklich Lieder schreiben. Obwohl Elternlosigkeit so eine große Sache in der Welt ist, hört man nur selten darüber in einem Popsong. Die Person ist eine Frau, die von ihrem Kind singt, dass sie mit einem verheirateten Mann hatte, der sich dazu entschied nichts mit dem Kind zu tun zu haben. Und mal ehrlich, wie muss das für das Kind sein und für die Mutter. Wie schmerzhaft das sein muss.”

Das Thema Schmerz, emotional und physisch, taucht immer wieder auf. Das bezaubernde ‘Very Far From Home’ ist eine persönliche Katharsis über die Einsamkeit des Lebens auf Tour, geschrieben und gesungen von einer Mutter von vier Kindern. “Auf Tour kann ich mich sehr einsam fühlen“, gesteht O’Connor. “Es ist lustig, ich bin eine starke Person, aber wir vereinen eben alle Widersprüche in uns, und ich bin gleichzeitig auch sehr verletzlich. Wenn ich nicht mein Zuhause, meine Kinder und alle die Dinge um mich habe, die mich auf dem Boden bewahren, kann mich das um die Welt reisen ganz schön verrückt machen. Wenn du von Zuhause weg bist, fühlst du dich schuldig. Du bist einsam, du bist in Ostend, oder sonst wo und du denkst dir irgendwie ‚was soll das alles’!?”

Auf ‘Reason With Me’ begibt sich O’Connor noch weiter ins Dunkle. Auslöser waren sehr persönliche Erzählungen davon, wie Sucht ein Leben zerstören kann. “Zu diesem Song wurde ich durch diesen Typen inspiriert, den ich in Irland traf und der sein Leben lang ein Heroinsüchtiger gewesen war und dachte, dass er ein Haufen Dreck sei. Dann sah ich ihn sechs Monate später und da war dieser selbe Typ, der sich aufgerafft und sein Leben in die Hand genommen hatte, und da war dieses leuchten in seinen Augen. Er war ein völlig anderer Mensch. Diese Last war von ihm abgefallen. Er war noch lange nicht kuriert, aber er war glücklich und hoffnungsvoll. Der Song fasst das zusammen.”

Die einzige Coverversion auf dem Album ist ‘Queen Of Denmark’, John Grants kompromissloser Laufpass an eine Geliebte. Hier wird O’Connor erneut ihrem Ruf gerecht, Stücke andere Songwriter stimmgewaltig und originell zu interpretieren. “Es ist ein Lied darüber sich sein Selbstbewusstsein zurückzuholen und ich liebe diese Wut darin“, begeistert sie sich. “Ich kannte John vorher nicht, aber durch meine Interpretation des Songs wurden wir zu Freunden. Er hat diese großartige Fähigkeit seinen Zorn auf sehr witzige Weise auszudrücken.”

Die dramatischen Höhepunkte des Albums sind zweifellos die beiden Songs, die O’Connors leidenschaftlicher Reaktion auf den Murphy Report von 2009 entsprangen. Eine Untersuchung der irischen Regierung von Fällen institutionalisierten Missbrauchs von Kindern innerhalb des katholischen Schulsystems des Landes und die Verschleierung auf höchstem Level der Kirche. Auf ‘Take Off Your Shoes’ wird O’Connor zum Sprachrohr für, was sie als “der heilige Geist mit einer AK 47 im Zug auf dem Weg zum Vatikan” beschreibt. Als eine der wortstärksten Aktivisten gegen die versuchte Verschleierung, war es O’Connor eine dringliche Angelegenheit ihrem Glauben in einem Lied Ausdruck zu verleihen. “Ich mochte diesen Gedanken, [den Vatikan] zu Tode zu ängstigen“, erklärt sie. “Was mich wütend macht und ein bisschen zu einem Soldat, ist, dass ich nicht möchte, dass der heilige Geist geschändet wird. Denn so kommt mir das vor. Das sie keinen Respekt für den heiligen Geist haben, wenn sie in seiner Gegenwart zu Vergewaltigungen von kleinen Jungen lügen können und diese Verbrechen vertuschen. Und dann brauchen sie keine zwei Minuten um Harry Potter als böse zu verurteilen.”

Was uns zum fesselnden und hymnischen Finale bringt, ‘VIP’, auf dem O’Connor sich an ihre international erfolgreichen, irischen Musikerkollegen wendet, die zu eingeschüchtert sind, um einzugreifen und gemeinsam am Papststuhl zu rütteln. “Wir hatten eine große Tradition in der irischen Geschichte von Künstlern, die einen wichtigen Teil zur Entstehung dieser Geschichte und der Entwicklung in unserer Gesellschaft beigetragen haben“, erklärt sie. “Sie waren sehr in das politische Geschehen involviert und gut die Hälfte von ihnen wurde ins Exil gedrängt, weil sie die Gesellschaft herausforderten. Schriftsteller wie Edna O’Brien, J.M. Synge, sogar James Joyce. Heutzutage hat man diese Kultur in Irland, in der die Künstler aufgehört haben sich für irische Belange zu interessieren und ich finde das sehr, sehr herzzerreißend, vor allem was den Murphy Report angeht.”

“Ich habe versucht“, fährt sie fort, “eine Menge weltweit enorm erfolgreicher, irischer Musiker zu überzeugen, sich unserem Kampf anzuschließen, ihm ihre Stimme zu leihen. Sogar jemand, der tatsächlich ein Befürworter Papst Johannes Paul II ist. Und mir entgegnete eine Mauer von Desinteresse. Ich denke, es ist irgendwie kriminell, dass die einflussreichsten, irischen Musiker nichts tun. Und was mich am meisten ärgert ist, dass derjenige, der den Papst stets befürwortet hat, jemand ist, der ständig vom Glauben an Gott spricht. Meine Meinung ist, als Künstler, wedele nicht mit deinem f**** Grammy herum während du die ganze Zeit vom Glauben an Gott sprichst, wenn du nicht gewillt bist, auf die Straße zu gehen und dich in deinem eigenen Land für die Ehre Gottes einzusetzen, wenn deine Kirche kleine Jungen missbraucht hat. Ich habe nichts gegen sie persönlich. Aber es ist an der Zeit die Dinge so zu sagen, wie sie sind.”

Die Dinge so zu sagen, und zu singen, wie sie sind, dass ist das, was Sinead O’Connor in den letzten 25 Jahren am besten getan hat. “Ich vergleiche meine Alben nicht gerne“, fährt sie fort, “aber ich denke bei diesem schwingt eine Art Zuversicht mit. Ein paar Jahre lang hatte ich mich wirklich zurückgezogen und ich glaube, ich war nicht selbstbewusst genug ich selbst zu sein, weil ich jedes Mal kritisiert wurde, wenn ich etwas tat. Mir scheint, dass ich mit diesem Album selbstbewusster damit bin ich selbst zu sein. Diese Erkenntnis gewinnt man über die Jahre. Weißt du was,” lacht sie, “Fuck off!”

Die unverwüstliche, unersetzliche Sinead O’Connor. Wie wär’s, wenn sie sie ist und wir einfach dankbar dafür sind.

http://www.sinead-oconnor.com/

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Revolver Promotion
Daniela Leubner
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Die TV-Premiere des neuen außergewöhnlichen Videos von THE INTERSPHERE mit dem Titel “Sleeping God” wird morgen auf I Music 1 Rocks zwischen ab 18.30 Uhr stattfinden .Online kann man das Video zwischen 17:00 und 18:00 Uhr auf der I Music 1 Startseite anschauen !

HIER GEHT ES ZUM VIDEO 

Anfang November waren BUSH in Deutschland und spielten vor ausverkauften Häusern ! Aber für TAPE.TV haben sie für die Reihe  ”Auf den Dächern” einen Zwischenstopp eingelegt.

Am kommenden Freitag, 25.11., ab 14:00 Uhr läuft die Session bei TAPE.TV !

Weitere Features über BUSH :

POP 10 Offen und Live

http://youtu.be/pjpeaM4hocQ

I Music 1 Rocks

http://im1.tv/rocks/video?ContentId=1189

Center TV

http://koeln.center.tv/cms/media/videoportal/rec/rec_vom_2111.html

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Homepage von Haase & Band 

VÖ: 24.02.2012

Label / Vertrieb: Intergroove

Prime Circle ist eine 2000 gegründete südafrikanische Rockband aus Witbank.

Sie wurde bereits mit ihrem Debütalbum bekannt und war mehrere Jahre in Folge die verkaufsstärkste Rockband Südafrikas, deren Alben und Singles mehrmals die Spitzen der Charts erreichten. Sie stand (u. a. als Vorgruppe) mit Metallica, Collective Soul, Live und Seether auf einer Bühne und nahm 2005 auf dem legendären Nelson Mandela 46664-Konzert teil. 2009 ist die Band u.a. in Deutschland aufgetreten.

Im Januar 2011 gewannen Prime Circle den MK Musik Award als “Best international breakthrough act”.
In diesen Tagen ist der Titel “Weltklasse” alltäglich - und oft nicht zutreffend. Es stellt sich oftmals ein ungerechtfertigter Hype ein. Aber dieser Terminus trifft vollkommen zu wenn es um das neue Album Jekyll & Hyde von Prime Circle geht.

Tatsache ist, dass das Rock Album so gut ist, dass bereits Auswirkungen in den Billboard-und UK-Charts zu verzeichnen sind. Es ist kein Wunder, dass die Fünf das Album als große Chance sehen, mit Prime Circle in neue Territorien aufzubrechen. Angesichts der kreativen Arbeit von Bellville (Cape Town), Produzent Theo Crous, LA Mix-Techniker Kevin “The Cave Man”, Shirley und George Marino - Senior Mastering Engineer bei “Sterling Sound” New York, erfolgte eine verlockende und globale Politur externer Profis. Diese kreativen Hände definieren das spezielle Attribut “Jekyll & Hyde”.

Zweifellos verliehen Shirley (Led Zeppelin, Aerosmith) und Marino (Guns ‘N Roses, Ozzy Osbourne) dem Album vom Prime Circle solide Eigenschaften und hoben es in den Olymp großer Momente, indem ein subtiler und potent musikalischer Glanz gezaubert wurde. Die eigentliche Arbeit aber kommt von der Band selber. “Unser Mantra während der Aufnahme war: gut ist nicht gut genug”, gesteht Sänger Ross Learmonth.

Dies bedeutete, dass einige Songs herausgefiltert und sogar potenziell interessante Songs durch Learmonth, Dirk Bisschoff, Marco Gomes, Dale Schnettler und Neil Breytenbach verworfen wurden, um den Fans eine perfekte Mischung zu liefern. Die beiden jüngsten Mitglieder Schnettler und Breytenbach perfektionierten die Band und die Songs auf “Jekyll & Hyde”. Jetzt spielen sie eine große Rolle in der Songwriting-Prozess von Prime Circle. “Es gab keine Beschränkungen, wer wie viel zu den Songs beiträgt, - was auf diese Weise sehr cool war “, sagt Learmonth. Gomes meint: “Wir hatten eine Menge Druck, denn nachdem wir die ersten drei Songs, “Breathing “,”Jekyll & Hyde” und “Closure” geschrieben hatten, setzten wir einen hohen Maßstab für das Album”.

Prime Circles Live-Shows werden in Südafrika gefeiert. Auch “Jekyll & Hyde” überzeugt durch tiefgreifende Energie. Das instinktive Bauchgefühl auf der Bühne ist offensichtlich. Eröffnungstitel wie “Closure” stellt Prime Circle als todsicheres Schaufenster für die Richtung der Kompositionen dar. Das Kraftpaket Schnettler trommelt den Weg frei für Gomes Bass und Bisschoffs spektakuläres Gitarrenspiel. Die Anderen folgen, mit allen anderen Elementen und veränderter musikalischer Technik in “Jekyll & Hyde”.

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 Daniela Leubner

 Tel.: 030/6273571

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28.02.12 Saabrücken / Garage
29.02.12 Aschaffenburg / Colos Saal
01.03.12 Dortmund / FZW
02.03.12 Düsseldorf / Pitcher
03.03.12 Reutlingen / Franz K
05.03.12 Hannover / Mephisto
06.03.12 Hamburg / U&G
07.03.12 Gütersloh / Weberei
09.03.12 Rostock / Mau
10.03.12 Frankfurt / Das Bett
11.03.12 Köln / Luxor
12.03.12 Magdeburg / Altes Theater
13.03.12 Leipzig / Moritzbastei
15.03.12 Freiburg / Waldsee
16.03.12 Nürnberg / Hirsch
17.03.12 Weinheim / Cafe Central
18.03.12 Konstanz / Kulturladen
19.03.12 Wiesbaden / Schlachthof
21.03.12 Bremen / Lagerhaus
22.03.12 Lübeck / Riders Cafe
23.03.12 Münster / Hot Jazz Club
24.03.12 Duisburg / Alte Feuerwache
25.03.12 Aachen / Musikbunker
27.03.12 Erfurt / Museumskeller
28.03.12 Berlin / Lido
29.03.12 Dresden / Scheune
30.03.12 Kiel / Orange Club
31.03.12 Heiligenhaus / Der Club

Album: „Hold On,Liberty!”
VÖ: 20.01.2012
Label: Long Branch Records

Vertrieb: SPV

Stellen wir uns vor die Jungs von The Intersphere wären Kuttenträger: Dann prangen auf diesen ausgefransten Jeans-Westen nicht nur Patches mit den Heroen rockiger Gitarrenmusik. Daneben zieren die Brustregion die Konterfeis der Pop-Sterne, am Po hängt ein „I Love Disco“-Aufkleber und oberhalb des Nabels steht riesengroß: Beatmusik aus England. Die Mütze mit Teufelshörnern verträgt sich zudem wunderbar mit einem Sticker mit der Aufschrift Prog. An den Hosenbeinen herunter schlängelt sich ein verwaschener Patch mit dem Slogan „Ambient“. Doch The Intersphere sind mehr als ein Mash-Up einzelner Stile. Die Band ist 2012 das Ergebnis einer sechsjährigen Reifeperiode, die von über 350 Liveshows und der Suche nach der idealen Mischung aus Energie, Schöngeist und komplexer Songdienlichkeit durchzogen ist. Vom juvenil-ungezügelten Debüt zum atmosphärisch-dichten Zweitwerk, vom Jugendzentrum zu Rock am Ring. Vorläufige Höhepunkte: 2011 als Support der Alternative-Progger Karnivool und als Headliner auf der „Complexity Is Dead“-Tour. Die Horus-Studios in Hannover dienen als perfekte Umgebung um die Platte einzuspielen und zu produzieren. Dabei nageln die vier Musiker innerhalb von 7 Tagen das Album erstmals komplett live aufs Band und verzichten auf Schönheitskorrekturen, um die Rohheit und Energie ihrer Liveauftritte adäquat einzufangen. Um das Klangspektrum zu erweitern, experimentiert man auch mit anderen Instrumenten. Dennoch verzichten die Jungs auf Dosensounds und schicken die alten, klapprigen Rhodes und Pianos, die eingespielten Streicher und die natürlichen Hallräume durch allerlei Verstärker und Soundmodulatoren. In letzter Konsequenz wurde die Platte von Arne Neurand gemischt und von Alan Douches (u.a. Converge, Thrice, Mastodon) gemastered. The Intersphere wirken auf vielschichtigen Ebenen. Die Musik verkörpert nicht Hass oder Liebe, sondern vermittelt authentisch, dass eines ohne das andere nicht existiert. „Parallel lines“ vereint 50 Jahre Rock-Historie: Mit viel Raum zum atmen, detailreichen Arrangements und kristallinen Gesangslinien driftet die Musik – vergleichbar der Drogen geschwängerten, orchestralen Überleitung im Beatles-Klassiker „A Day In The Life“ – über eine spacige Klangkollage in einen von Streichern und Akustik-Gitarren geprägten Wachtraum. Das Ziel ist klar gesteckt: Songs zu schreiben, die hängenbleiben. Melodien zu kreieren, die in Refrains aufgehen, die eingängig sind und Schönheit verbreiten. Melodien, die eine Sogwirkung entfachen, die Dich in die vielschichtigen Wirkungsebenen von Text und Musik ziehen. Denn neben viel Zucker, gibt es mannigfach Haken und Dresche. „Sleeping God“ türmt sich zu einem groovigen Riff-Monstrum auf, dass brachial-karthatische Streicheleinheiten verteilt und den Hörer garantiert mit Nackenschmerzen und einem wohligen Schauer versorgt. Die Freiheit, um die die Band heute ringt und mit dem Albumtitel ein Statement hinterlässt, ist heutzutage zwischen gesellschaftspolitischen Bestrebungen und zweifelhaftem Revoluzzertum zu einer inflationär gebrauchten Worthülse verkommen. Inmitten von Zwängen, Diktaten und Gesetzen einen Platz zu finden, eine Insel von Scheinfreiheit zu kreieren, einen Mantel um die grassierende Unsicherheit zu legen, das sind die Themen, die Christoph in sein Notizbüchlein kritzelt und in Texten konserviert. Bemerkenswert ist die einem Gesamtkunstwerk gleichkommende Einheit von Musik und Lyrics. „Capitall“ katapultiert Dich, von einem musikalischen Stakkato-Gehämmer als Startrampe ausgehend mit Hyperantrieb in die Schwerelosigkeit. Ein Hybrid zwischen Rock und Pop. Der Schwerelosigkeit folgt der freie Fall. Dem Schlag in die Magengrube folgt die Ausschüttung von Endorphinen. Eine treffende Umsetzung des kapitalistischen „Höher, Schneller, Weiter“-Denkens, das mit fast beängstigender Zwangsläufigkeit zum Kollaps führt. The Intersphere klingen 2012 musikalisch gebündelter denn je. Das Kollektiv wirkt wie ein Prisma. Die Musik trifft auf die Ohren, bricht dort Bahn und löst wahre synästhetische Begeisterungsstürme aus. „Masquerade“ dürfte in Zukunft mit seiner melodiösen Unmittelbarkeit mühelos die großen Stadien füllen. Doch The Intersphere sind keine Hipster. Hinter der Fassade verbirgt sich ein klangliches Multiversum. Die Klassikerwirkung entfacht die Band mit einer Subtilität, die vergleichbaren Acts wie Muse, Dredg, Thrice oder Incubus in nichts nachsteht. Homepage von Intersphere  Facebook von Intersphere 

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Daniela Leubner

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Filmpremiere + Live: TANGOWERK by NHOAH - Berlin electronic music meets Buenos Aires tango




TANGOWERK by NHOAH - Das making of
D 2011, R: Carola Schmidt, 40 Min
Eine bunt glitzernde Doku mit internationalen Sängern,Tangostars, Tänzern, Künstlern und Performern. Nhoah führt uns mit seiner Traumwerkstatt auf Reisen durch Argentinien und Berlin und erzählt die Entstehungsgeschichte eines audiovisuellen Gesamtkunstwerkes. Wir reiten auf treibenden Elektrobeats und melancholischen Tangoakkorden mit Adriana Varela, Mieze Katz (Mia.), Louie Austen, Berlin Comedian Harmonists, Walter “Chino” Laborde, uvm

Wir bitten Dich, verführe uns! (Vorfilm)
D 2011, R: Carola Schmidt & Nhoah, 18 Min
Die innere Reise einer jungen Frau führt uns durch surreale Welten, Sünden, vorbei an Verführern und Verführten und endet im Beichtstuhl.
Nachwuchspreis Diagonale

TANGOWERK LIVE
Live-Auftritt mit: NHOAH feat. Ina Viola, Headvoice, Lulu Schmidt. analoge Synthesizer, Contrabass,Trompeten, Geige. Special Guests aus Buenos Aires: Die Tangotänzer Virginia Uva & César Agazzi.
Die TANGOWERKWELT von extravaganten wie liebenswerten Figuren auf die Bühne gebracht. Raumbezogene Installation von Ina Viola Blasius // DJ Dr. Hirschfeld

http://www.tangowerk.com/
www.facebook.com/tangowerk?v=info


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Revolver Promotion Kringe/Leubner
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Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
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Und jetzt kommt der Hammer: Damit der Teilnehmer mit dem besten Video auch live sein Können unter Beweis stellen kann, schicken wir ihn auf ein SKRILLEX Konzert am 17.02. in London! Wer an diesem Termin verhindert ist, kann sich alternativ für ein fettes iPad als Hauptgewinn entscheiden.

Wir freuen uns schon jetzt darauf, eure Dubstep-, Samba- oder Foxtrott-Skills zu Gesicht zu bekommen und wünschen allen Teilnehmern viel Erfolg!

http://www.roadrunnerrecords.de/page/News?news_id=115022

Album “Basta Mafia!”

VÖ 27.01.2012

Single “Running”

Label: Asphalt Tango

„In welcher Stadt, in welchem Land befinde ich mich gerade?“ fragt Roman Iagupov in dem Song „Gypsy Life“ vom neuen Zdob ?i Zdub Album „Basta Mafia!“ Und diese Frage kommt keineswegs überraschend, denn die Moldawier sind längst eine „internationale“ Band, stets unterwegs, von Land zu Land, auf einer nie enden wollenden Tour. Dabei hat die Band jede Menge Einflüsse und musikalische Zutaten aufgepickt und verarbeitet, um jedem Song eine ganz eigene Stimmung zu verpassen. Ihre musikalische Kompetenz ist dabei ganz offen¬sichtlich. Von den Anfängen einer Ska Punk Band mit Folkeinflüssen hat sich die Band aus Chi?in?u zu einer inno¬vativen, musikalisch komplexen Unternehmung mit Elektro Dance und Alternative Rock Einflüssen ge¬mausert, ohne ihre Wurzeln zu verlieren. Die Band hat es nicht nur einmal, sondern gleich zwei-mal in die höheren Ränge des Eurovision Song Contest geschafft (2005 und 2011) – zuletzt mit dem Song „So Lucky“, der sich auch auf der neuen CD befindet. Ihr Auftritt hat im Internet Zuspruch von jedem Land erhalten, das am ESC teilgenommen hat. Sogar Pop Prominenz wie Produzent Paul Epworth (Adele, Plan B) ließ es sich nicht nehmen, den Song zu kommentieren („I just thought it was brilliant and so far removed from the Western European entries …. I loved the beautiful eccentricity”).

Aber die Band aus einem der ärmsten Länder Europas, die im Frühjahr vor 160 Millionen Zuschauern auftrat, kam nicht einfach aus dem Nichts. „So Lucky“ ist während der Jahre auf Tour entstanden und handelt vom Überschreiten der Staats¬grenzen, Einflüsse und auch der Ansichten. Schon der Titeltrack „Basta Mafia!“ be-schreibt diesen Weg Mol¬da¬wiens eindringlich: von den Anfängen (als Teil der früheren Sowjetunion) zum Zustand heute (Super¬macht der Unterwelt) bis hin zu einer möglichen Zukunft (Unabhängigkeit). Mit Humor und Ironie schlägt „Basta Mafia!“ vor, mit den alten Geschichten endlich Schluss zu machen. Das gilt nicht nur in politischer Hinsicht, sondern ist auch mental und nicht zuletzt auch musikalisch gemeint. Um sich zu verändern, sind Zdob ?i Zdub nach Berlin gereist, um hier im Zentrum der „cross culture“ ihr neues Album auf-zu¬nehmen. Hier konnten die Moldawier Marc Elsner (Die Haut, Mutter, Blixa Bargeld, Mr Ed Jumps The Gun, Fanfare Ciocarlia) als Pro¬¬¬duzenten gewinnen. Andy Schuman (Dark Horse, Handfullaflowers, Verbal Abuse) arbeitete mit Roman an den englischen Texten. Herausgekommen ist Zdob ?i Zdub’s ambitioniertestes und zu¬gäng¬lich¬stes Album. „Basta Mafia!“ ist ein Album, das mit jedem Zuhören wächst.

Bandmitglieder:
Roman Iagupov – vocals
Mihai Gincu – bass guitar
Sveatoslav Starus – guitar
Andrei Cebotari – drums
Valeriu Mazilu – trumpet, bagpipe
Victor Dandes – trombone and traditional instruments

Homepage von  Zdob Si Zdub 

http://www.facebook.com/zdobsizdub 

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Viele Fans haben diesen Moment schon lange erwartet und nun ist es endlich soweit!

Das Album “Korn III: Remember Who You Are” brachte Korn zuletzt zurück in die Erfolgsspur!

Nun veröffentlicht die Band aus Kalifornien am 02.12.2011 ihr 11. Studioalbum (”The Path Of Totality“)

Am 27.10.2011 um 18.00 Uhr, startet die exklusive Videopremiere der ersten Singleauskopplung

            “Narcissistic Cannibal” bei Tape.TV

 Damit die Wartezeit nicht so unerträglich wird, konnten sich die Fans den Song in den letzten Tagen bereits als Stream anhören.

Über 600.000 haben das binnen kurzer Zeit in Anspruch genommen!!!!!

 Hier findet ihr den Link zum StreamVideo

26.10.11 Köln - Luxor

27.10.11 Berlin - Frannz Club

30.10.11 Hamburg - Uebel & Gefährlich

„Ein Sound der recht britpoppig angehaucht irgendwo zwischen Sixties-Beatles, Eighties-Rave und Nineties-Independent pendelt und dabei so manches Musikzitat aus den Boxen wirft – Woohoo.“ - Piranha “Ein Album, (…) das die zornige Radikalität ebenso predigt wie die harmonische Tradition. Empfehlenswert!” - InHard „LEE JAY COP bieten auf ihrem Debüt eine rockige Mischung zwischen (Brit)Pop, Hippiegitarren und Indie und bellen oft sogar lauter als einige von NME und Konsorten gehypten Inselkameraden. Die Revolution hat begonnen, man kann gespannt sein, was da noch von der Leine gelassen wird.“ – Terrorverlag „Das Debüt bietet einen gelungenen Mix aus Pop, Rock und Indie und klingt dabei teilweise britischer als so manche Kollegen von der Insel.“ - laut.de

Über diese Nachricht hat sich das gesamte Revolver-Team sehr gefreut.

Nun könnt ihr euch noch mal zurücklehnen und alle Videos von Cäthe anschauen und genießen.

 http://www.tape.tv/channel/caethe

Euer Revolver-Team

Heute habt ihr dei Möglichkeit bei I Music1 die Videopremiere von “Three And A Half Letters” anzuschauen.

Wir wünschen euch viel Spaß dabei.

Euer
Revolver-Team

Das sympathische Trio wird ab 12.10. in Deutschland mit ZEN ZEBRA live zu erleben sein !!!! Details in der Tourdaten-Rubrik !

Euer Revolver-Team

Das ganze wird um 14:00 Uhr stattfinden.

Wir wünschen euch viel Spaß dabei.

Euer Revolver-Team

Klickt hier um zum Video zu gelangen 

Euer Revolver-Team

 Wir wünschen viel Erfolg bei ihrer Tour!

17-Nov-11 Shelley Short w/Missincat The Grace Emily Hotel Adelaide

18-Nov-11 Shelley Short w/Missincat Longplay Melbourne

20-Nov-11 Shelley Short w/Missincat Petersham Bowling Club Sydney

26-Nov-11 Shelley Short w/Missincat Black Bear Lounge Brisbane

Euer Revolver-Team

Di. 01.11. Mosbach Mälzerei
Mi. 02.11. Day Off
Do. 03.11. Aalen – Sparkasse (Eure Show)
Fr. 04.11. Kempten BigBox
Sa. 05.11. Bamberg Konzerthaus
So. 06.11. Erfurt Capitol
Do. 10.11. Magdeburg Altes Theater
Fr. 11.11. Göttingen Stadthalle
Sa. 12.11. Würzburg Congress Centrum
So. 13.11. München Circus Krone
Mo. 14.11. Köln Musical Dome
Mi. 30.11. Münster Halle Münsterland, Kongress Saal
Do. 01.12. Braunschweig Stadthalle
Fr. 02.12. Suhl Congress Centrum
So. 04.12. Stuttgart Liederhalle / Hegelsaal
Do. 08.12. Hagen Stadthalle
Fr. 09.12. Cuxhaven Kugelbacke
Sa. 10.12. Bremen Musical Theater
So. 11.12. Osnabrück Osnabrück Halle
Sa. 17.12. Lingen Theater an der Wilhelmshöhe
So. 18.12. Lüneburg Vamos
05.01.2012 Hannover Theater an Aegi
06.01.2012 Hamburg CCH Saal II
07.01.2012 Lübeck MuK – Musik- und Kongresshalle
08.01.2012 Oldenburg Weser-Ems-Halle / Kongresshalle
13.01.2012 Bielefeld Ringlokschuppen
14.01.2012 Cloppenburg Stadthalle
15.01.2012 Achim Aula Gymnasium
20.01.2012 Flensburg Deutsches Haus
21.01.2012 Dresden Alter Schlachhof
22.01.2012 Halle/ Saale Steintor Varieté
26.01.2012 Marburg Stadthalle
27.01.2012 Beverungen Stadthalle
28.01.2012 Berlin UdK / Konzertsaal Hardenbergstr.
29.01.2012 Rostock Stadthalle
02.02.2012 Bremerhaven Stadthalle
03.02.2012 Stade Stadeum
04.02.2012 Zwickau Ballhaus Neue Welt
11.02.2012 Tuttlingen Stadthalle
16.02.2012 Aurich Stadth

Euer Revolver-Team.

 Cäthe und ihr Produzent Philipp führen euch durch das Programm und reden über ihre persönlichen Lieblingsvideos. Unter anderem werden auch Ihre Videos von “Unter meiner Haut” sowie “Senorita” gezeigt.

HIER GEHT ES ZUM SPECIAL 

Wir wünschen euch viel Spaß dabei.

Euer Revolver-Team

VÖ: Oktober 2011

Label: earMusic

Die britische Alternative-Rock-Band Bush ist nach mehrjähriger Pause zurück!

Bush gründete sich 1992, zu einem Zeitpunkt als amerikanischer Grunge, namentlich durch Nirvana oder Soundgarden vertreten, ganz weit oben war und aus Großbritannien hauptsächlich Brit-Pop kam. Schnell wurde die Band vor allem in den USA populär und verkaufte bislang weltweit über 18 Millionen Tonträger.

Songs wie „Gycerine“ und „Swallowed“ machten die Band international erfolgreich. Aufgrund ihrer musikalischen Ähnlichkeit wurde die Band um Gavin Rossdale immer wieder gerne mit Nirvana verglichen und wähnt sich glücklich mit ihrem Musikstil nicht nur erfolgreich im Trend zu liegen, sondern ihre Fans glücklich zu machen. Die junge und durchaus experimentelle Musik veränderte sich weg vom Grunge, hin zu anderen klanglichen Schwerpunkten.

Bis ins Jahr 2004 arbeitete die Band erfolgreich als Team. Nach Erscheinen ihres vierten Albums „Golden State“ lösten Bush sich aufgrund von Veränderungen innerhalb der Band und ein Wechsel der Besetzung auf. Während Gavin Rossdale neuen Projekten nachging, unter anderem nicht weniger erfolgreich als Solokünstler unterwegs war, in Filmen mitspielte, Gwen Stefani heiratete und Kinder großzog, widmeten sich die anderen Bush-Mitglieder vor allem ihrem Privatleben. Im Jahr 2009 wurde dann schließlich doch das Comeback der Band Bush verkündet und das erste Konzert nach langer Pause im Jahr 2010 in Kalifornien auf dem Epicenter Music Festival gespielt, allerdings ohne die Gründungsmitglieder Nigel Pulsford und Dave Parsons.

Danach ging es ins Studio um neue Songs zu schreiben und aufzunehmen. Im Oktober kehrten Bush mit dem neuen Album „The Sea Of Memories“ zurück.

Kontakt TV Promotion

Daniela Leubner

Tel.: 030/6273571

Mail to: dani@revolverpromotion.de

„DUSTY NIGHTS“, das Titelstück des Albums, schlägt ganz neue Töne an, und zeigt zugleich die große Qualität dieser Band: ihr traumwandlerischer Umgang mit musikalischen Stilen: AVOCADOCLUB können klingen wie Madness, die Beatles, oder Elvis Costello, aber eben auch wie ein Horde Indianer auf Peyote, alles im selben Song.
Gerade dem Dschungel entronnen, brauchen AVOCADOCLUB nur ein paar beschwingte Takte um den Hörer völlig glaubhaft in den Alltag einer fragilen mitteleuropäischen Metropolen- Beziehung zu beamen: „She?s educated at Oxford and Eaton/ In playing Risk she?s got me beaten“. Mit dem reizend-wippenden, aber sehr bösen „THE REALIST“ und der opulenten Trennungs-Ballade „KING OF NOTHING AT ALL“ zeigen AVOCADOCLUB die Stadien einer scheiternden Liebe, ehe mit dem strahlenden und genial inszenierten Love-Song „GERALDINE FORD“ der Kreis der Leidenschaft von neuem beginnt. Another girl, another planet.
„THE COMEBACK KID“ versetzt einen unvermittelt in eine Bar, wahrscheinlich ist es spät, ein Alleinunterhalter am Klavier beendet gerade seinen letzten Song ohne viel Reaktion des gelangweilten Publikums, als sein Handy klingelt. Doch was sich jetzt entspinnt ist ein irrwitziger musikalischer Dialog zwischen einem zynischen Agenten und einem abgehalfterten Star. Was AVOCADOCLUB allein in diesem Song an Ideen raus hauen, füllt bei anderen ganze Alben.

Und so geht es weiter: „TONIGHT“ ist wahrscheinlich der beste Oasis-Song, den Noel Gallagher nie geschrieben hat. Das flirrend schöne „MEXICO“ dürfte eh ein Radio-Hit werden. Und dann dieses Finale: „FROZEN ASTRONAUT“ gleitet über zehn Minuten durch die Weiten des Alls: „And he stares out into space/ The ship is silent / There?s no call coming in for days“ haucht es. Geigen schwelgen, verlorene Funksprüche geistern durch das Raumschiff, bis sich selbst die Musik in eine an Brian Eno erinnernde Meditation selbst aufzulösen scheint.

Als das deutsch-britische Pop-Kollektiv AVOCADOCLUB 2006 nach der vor allem in Japan gut laufenden EP „Girls Use Deodorant These Days“ mit ihrem Longplay-Debut „EVERYBODY´S WRONG“ um die Ecke kommen, ist das Staunen groß. Mit dem weltweiten Indie-Pop- Geheimhit „Too Much Space To Walk Away“ im Gepäck besetzen sie bei radioeins über 2 Wochen die Pole Position der Airplay-Charts. Produziert hat den Song Andre Abshagen („Dauerfisch“), Oliver Korittke, ein Freund der Band, lässt es sich nicht nehmen im Video mitzuspielen, alles ist tres cool, aber natürlich bleibt der ganz große Hype aus. Sein erstes Ziel hat der AVOCADOCLUB erreicht: Sowohl von Mädchen als auch von der Pop-Kritik verehrt zu werden.
War „Everybody?s Wrong“ wie der eher zufällig eingefangene magische Moment eines Studiotüftlers, will Multiinstrumentalist und Songwriter Bendrik Muhs beim zweiten Album raus aus seinem Elfenbeinturm: 3 Monate probt er mit Drummer Daniel Grinstead („Monoland“, „Labrador“) im bandeigenen Studio die Songs. Für den klanglichen Zusammenhalt sorgt von Anfang an Producer/Live+Mastering Engineer Andi „dog“ Jung, der sein genreübergreifendes Talent schon mit Acts wie Beatsteaks und Marteria unter Beweis gestellt hat. Sämtliche Drum-Tracks des Albums werden in einer dreistündigen Session schließlich eingespielt. Der Geist ist eingefangen.
Doch der dreistündigen Aufnahme-Session stehen jetzt drei Jahre Produktion gegenüber. Drei Jahre, in denen das Kollektiv um Mastermind Bendrik Muhs Musiker wie Pat Appleton („Deephaz“), Andrew Carrington („Ten Tenors“), Steffen Zimmer („Gentleman“, „Far East Band“) für die barocken Pop-Spinnweben begeistern kann, die nun Monat für Monat weiter über den Drumtrack gesponnen werden. Die verworfen und perfektioniert, umgestoßen und neu gewoben werden. Dass das Album-Destillat dieser Pop-Tüftelei im CD Player jetzt schlanke achtunddreißig Minuten lang ist, zeigt schon vor der ersten Note, dass die Band ihr Pop- Understatement auf dieser langen Reise zum zweiten Werk nicht verloren hat.
DUSTY NIGHTS schlägt auf mit Pauken und Trompeten. „MORRISON & ME“ ist ein schwitzend groovender Fiebertraum im Dschungel, ein psychedelisches Prog-Rock-Brett, textlich basierend auf einem fiktiven, aber wohl sehr unangenehmen Treffen des AVOCADOCLUB mit Altmeister Van Morrison.
„DUSTY NIGHTS“, das Titelstück des Albums, schlägt ganz neue Töne an, und zeigt zugleich die große Qualität dieser Band: ihr traumwandlerischer Umgang mit musikalischen Stilen: AVOCADOCLUB können klingen wie Madness, die Beatles, oder Elvis Costello, aber eben auch wie ein Horde Indianer auf Peyote, alles im selben Song.
Gerade dem Dschungel entronnen, brauchen AVOCADOCLUB nur ein paar beschwingte Takte um den Hörer völlig glaubhaft in den Alltag einer fragilen mitteleuropäischen Metropolen- Beziehung zu beamen: „She?s educated at Oxford and Eaton/ In playing Risk she?s got me beaten“. Mit dem reizend-wippenden, aber sehr bösen „THE REALIST“ und der opulenten Trennungs-Ballade „KING OF NOTHING AT ALL“ zeigen AVOCADOCLUB die Stadien einer scheiternden Liebe, ehe mit dem strahlenden und genial inszenierten Love-Song „GERALDINE FORD“ der Kreis der Leidenschaft von neuem beginnt. Another girl, another planet.
„THE COMEBACK KID“ versetzt einen unvermittelt in eine Bar, wahrscheinlich ist es spät, ein Alleinunterhalter am Klavier beendet gerade seinen letzten Song ohne viel Reaktion des gelangweilten Publikums, als sein Handy klingelt. Doch was sich jetzt entspinnt ist ein irrwitziger musikalischer Dialog zwischen einem zynischen Agenten und einem abgehalfterten Star. Was AVOCADOCLUB allein in diesem Song an Ideen raus hauen, füllt bei anderen ganze Alben.
Und so geht es weiter: „TONIGHT“ ist wahrscheinlich der beste Oasis-Song, den Noel Gallagher nie geschrieben hat. Das flirrend schöne „MEXICO“ dürfte eh ein Radio-Hit werden. Und dann dieses Finale: „FROZEN ASTRONAUT“ gleitet über zehn Minuten durch die Weiten des Alls: „And he stares out into space/ The ship is silent / There?s no call coming in for days“ haucht es. Geigen schwelgen, verlorene Funksprüche geistern durch das Raumschiff, bis sich selbst die Musik in eine an Brian Eno erinnernde Meditation selbst aufzulösen scheint.


Avocadoclub im Web:
http://avocadoclub.de/

https://www.facebook.com/pages/Avocadoclub/111779085563420

Diese Gelegenheit dürft ihr auf keinen Fall verpassen!

Hier findet ihr gegen 21:00 den Livestream 

CHICKENFOOT IN CONCERT:
Special Live Performance streamed tomorrow night at 9 pm CET!

CHICKENFOOT, the highly acclaimed US supergroup of Sammy Hagar, Michael
Anthony (both ex-Van Halen), guitar hero Joe Satriani and Chad Smith, are
set to celebrate this week’s release of their eagerly anticipated album
“Chickenfoot III” with a very special concert performance to be streamed
tomorrow night, Wednesday, September 28th, at 9 pm CET (which is 8 pm UK
time) via www.chickenfoot.us. People across the globe can watch the full
show in an intimate, never seen before setting in this special re-run,
particularly dedicated to the band’s enormous European fan base. The first
and very live streaming will take place tonight still, at 3 am CET in the
early morning hours, so early birds have a chance to get a first glance of
the show even before the actual “European” streaming.

The band just released the album “Chickenfoot III” this week and is heading
on a short and very rare run of US tour dates next week. The concert stream
is a very special opportunity to see the 4piece jamming on the new tracks
and also holding a short Q+A with attending fans thereupon. This will also
be the live debut for drummer Kerry Aronoff (who had played with basically
any superstar, ranging from Elton John to Bob Seger to Jon Bon Jovi or the
Smashing Pumpkins), who will be filling in for Chad Smith, who has other
touring obligations.

Chickenfoot III, produced by Mike Fraser and featuring a 3D package, also
features the leadsingle “Big Foot”, which debuted at #1 on the US
Mediabase Classic Rock Chart holding the position for three weeks and
earning over 1.5 million listeners. In addition to the initial performance
at radio, “Big Foot” was garnering additional media buzz on Rolling Stone’s
Hot List in the September 1st issue:
“Get on the good foot! The world’s most random supergroup returns with
dinosaur rock so lumberingly powerful that an actual T.rex would flee from
its Satriani-ified riffery.”

Viel Spaß,

euer Revolver-Team

Exklusive Videopremiere bei www.motor.de

Geschätze Kollegen,
ab heute kann man sich die Premiere zum neuen Video Splinter von Slag In Cullet bei Motor.de zu Gemüte Führen. Hier geht’s lang:
EINFACH HIER KLICKEN

Videopremiere im Fernsehen:
SF2 Musiclab, 29.09.2011, 23.55 Uhr.

Die Tour folgt dann im Oktober und umfasst folgende Daten:

SLAG IN CULLET // LIVE
12.10.2011 GER - Köln, Underground
13.10.2011 GER - Hamburg, Silber
14.10.2011 GER - Berlin, White Trash
15.10.2011 GER - Leipzig, Sweat!-Club,motorindie.cation Party
16.10.2011 GER - Dresden, Groovestation
18.10.2011 GER - Nürnberg, Klüpfel
19.10.2011 GER - Amberg, Trio
20.10.2011 GER - München, Backstage
21.10.2011 GER - Mannheim, Mohawk
22.10.2011 GER - Rheinbach, Ahorn
Gruß,

Euer Revolver-Team

Fenech Solar sind dieses Jahr auch noch in Deutschland auf Tour.

16.10.2011 Hamburg // Molotov
17.10.2011 Berlin // Magnet
18.10.2011 Köln // Luxor
20.10.2011 Wien // Fluc
21.10.2011 München / Atomic Café
22.10.2011 Zürich // Plaza Club

Euer Revolver Team

Termine „Willkommen im Tamusiland“ Tour

01.11.2011 Mosbach Alte Mälzerei
04.11.2011 Kempten bigBOX Allgäu
05.11.2011 Bamberg Konzert- und Kongresshalle/ Hegelsaal
06.11.2011 Erfurt Kaisersaal
10.11.2011 Magdeburg Altes Theater am Jerichower Platz
11.11.2011 Göttingen Stadthalle
12.11.2011 Würzburg Congress Centrum
13.11.2011 München Circus Krone
30.11.2011 Münster Halle Münsterland / Congress Saal
01.12.2011 Braunschweig Stadthalle / Congress Saal
02.12.2011 Suhl Congress Centrum
04.12.2011 Stuttgart Liederhalle / Hegel-Saal
08.12.2011 Hagen Stadthalle
10.12.2011 Bremen Musical Theater
11.12.2011 Osnabrück Osnabrück Halle / Kongress-Saal
17.12.2011 Lingen Theater an der Wilhelmshöhe
18.12.2011 Lüneburg Vamos!Kulturhalle
05.01.2012 Hannover Theater an Aegi
06.01.2012 Hamburg CCH Saal II
07.01.2012 Lübeck MuK – Musik- und Kongresshalle
08.01.2012 Oldenburg Weser-Ems-Halle / Kongresshalle
13.01.2012 Bielefeld Ringlokschuppen
14.01.2012 Cloppenburg Stadthalle
15.01.2012 Achim Aula Gymnasium
20.01.2012 Flensburg Deutsches Haus
21.01.2012 Dresden Alter Schlachhof
22.01.2012 Halle/ Saale Steintor Varieté
26.01.2012 Marburg Stadthalle
27.01.2012 Beverungen Stadthalle
28.01.2012 Berlin UdK / Konzertsaal Hardenbergstr.
29.01.2012 Rostock Stadthalle
02.02.2012 Bremerhaven Stadthalle
03.02.2012 Stade Stadeum
04.02.2012 Zwickau Ballhaus Neue Welt
11.02.2012 Tuttlingen Stadthalle
16.02.2012 Aurich Stadthalle

Das Video zur ersten Single des Albums, “The Sound of Winter”, feiert heute
Premiere - hier können BUSH Fans und alle anderen Neugierigen die ersten
Comeback-Schritte der Band ansehen:

HIER KLICKEN

Im Herbst 2011 wird Bush quer durch Europa touren – einige der Shows sind
bereits ausverkauft. Die Daten für Deutschland, Österreich und die Schweiz
sind:

05. November 2011 Docks Hamburg
07. November 2011 Huxley’s Berlin
08. November 2011 Live Music Hall Köln
10. November 2011 Backstage Werk München
11. November 2011 Gasometer Wien
13. November 2011 Komplex Zürich

Euer Revolver-Team

Gespielt wird unter Anleitung eines offiziellen Kicker-Schiedgericht in der MAGNET Lounge - Falkensteinstrasse 48. Wir freuen uns auf zahlreiche Anmeldungen. Leitet diesen Flyer sehr gerne an Freunde des Kickersportes weiter! Den Gewinnern winkt nicht nur ein Foto in der MUSIK WOCHE!

Anmelden unter: kickern@revolverpromotion.de

Wir freuen uns auf Euch
Euer Revolver-Team

Wir waren vor Ort und haben euch ein Foto mitgebracht.

Euer Revolver-Team

Neben dem Interview wird sie auch ein Lied auf der Akustik-Gitarre spielen.

Wir freuen uns schon auf diesen Auftritt.

Euer Revolver-Team

Das vorliegende neue Album „Buena Vodka Social Club“ wird bereits im Oktober erscheinen, zeigt die Band auf dem Höhepunkt ihrer künstlerischen Schaffenskraft und ist das erste Werk mit eigenem neuen Studiomaterial seit dem Jahr 2000. Bereits im November wird die Band dann auch in Deutschland touren.

Nicht zuletzt aus den legendären Aki Kaurismäki Filmen sind die Leningrad Cowboys eine der weltweit bekanntesten und anerkanntesten Bands, insbesondere durch ihre fulminanten Live-Shows. Über mehr als 20 Jahre haben sie weit mehr als 1000 Shows in 60 Ländern gespielt und dabei weltweit Freunde und Fans gewonnen und begeistert. In dieser Zeit gab es beeindruckende Kooperationen mit z.B. dem russischen Rote Armee Chor – einen sensationellen Auftritt bei den MTV Music Awards - sie sind mit klassischen Orchestern aufgetreten und haben hunderte von Club- und Festivalauftritten absolviert.

Die aktuelle Bandbesetzung besteht aus:

Ville Tuomi : Lead Vocals
Sakke Järvenpää : Vocals
Varre Vartiainen : Guitar
Pauli Hauta-aho : Guitar
Timo Tolonen : Bass
Sami Järvinen : Drums
Okke Komulainen : Keyboards, Accordion
Tume Uusitalo : Vocals, Guitar
Pemo Ojala : Trumpet, Mitten
Pope Puolitaival : Saxophone
Jay Kortehisto : Trombone
Anna Sainila : Dancer, Vocals
Hanna Moisala : Dancer, Vocals

Frank Uhle (SPV General Manager) kommentiert: “Wir sind gleichermaßen erfreut und geehrt über den Schulterschluss mit einer der letzten wahren Kultbands unserer Zeit. Ich bin fest davon überzeugt, dass wir die Band gemeinsam auf jenen Status im Rockzirkus zurück bringen werden, den sie verdient.”

Sakke Järvenpää (Leningrad Cowboys Mastermind) ergänzt: “Ich bin sehr glücklich mit SPV übereingekommen zu sein. Dort findet man noch Menschen mit einer Passion für Künstler und ihre Musik - und Wodka übrigens auch! Wir sind zurück mit einem langfristigen Plan – „Buena Vodka Social Club“ ist erst der Anfang. Thank you very many!”

Wir freuen uns schon auf den Termin

Euer Revolver-Team

Freitag, 02.09.2011 werden sie innerhalb der Internationalen Funkaustellung (IFA) in Berlin im Sommergarten eine Show spielen !

Samstag, 3.9.2011 in Magdeburg / Kaiser Otto Fest / Domplatz

30.10.2011 Veröffentlichung des neuen Albums “Buena Vista Vodka Club”

Zwischen diesen Terminen werden die Leningrad Cowboys ihr neues Video in Berlin drehen. Seid gespannt was sich die 10-köpfige Band aus Helsinki einfallen lässt.

Euer Revolver-Team

Chad Smith überlässt erstmal seine Sticks Kenny Aronoff.
Die Band teilt diesen Moment mit euch unter diesem Link.

Um gleich eine Flut von E-mails zu verhindern, möchten wir gleich sagen, dass beim produzieren dieses Video keine Hühner schaden erleiden mussten.

Wir wünschen euch viel Spaß beim schauen des Videos.

Euer Revolver-Team

Schaut auf Tape.TV vorbei und genießt das neue bezaubernde Video von Cäthe.

Das Revovler-Team wünscht euch viel Spaß beim schauen.

HIER GEHT ES ZUM VIDEO 

Das Konzert findet heute in Stuttgart in der Röhre statt.
Einlass ist ab 19:00

Wir wünschen euch viel Spaß.

Track: When I Start To (Break It All Down)

VÖ: 23.09.2011

Album: Tomorrow’s World

VÖ: 30.09.2011

Label: Mute LC 05834

Sie sind zurück! Und die Frage ist nicht das “Dass” - sondern in diesem Falle ganz klar das “Wie”. Nicht nur die neue/alte Labelkonstellation bei MUTE betrachtet - selten haben wir solch ein beeindruckendes Wiederauftauchen einer schon irgendwie in Vergessenheit geratenen Ikone der Popmusik gesehen. “When I Start To (Break It All Down)” ist ein gut sitzender erster Singleshot von einem Album, auf dem - wie es sich für ein echtes Pop!Album gehört - eine Reihe weiterer klarer Singlehits zu finden sein werden.

Erasure are back! Und selten so ein Comeback gesehen: in zeitgemäßem Sound, die Trends selbst setzend und vor allem dies: auf dem schmalen Grat zwischen Innovation und Massenkompatiblität wandernd. Das ist Popmusik. Niemand konnte das so wie sie: ja, sie sind zurück. Erasure.

When I Start To (Break It All Down) Nach 25 Millionen verkauften Alben und mehr als 30 Single-Hits, melden sich Erasure zurück mit einem Werk voll warmherzigem, zwischen Hedonismus und Herzschmerz changierendem Electropop und -Soul. Als Produzenten holten sich Vince Clark und Andy Bell den britischen Electropop-Star Vincent „FrankmusiK“ Frank ins Boot, eine 1-Mann-Kapelle, dessen Portfolio Remixe und Kollaborationen mit Lady Gaga, Pet Shop Boys, Ellie Goulding und anderen enthält. “When I Start To (Break It All Down)”, eine schwelgerische ex-post-Beziehungs-Eloge, die bereits jetzt wie ein zukünftiger Stadion-Klassiker im Werden klingt, ist die erste Single aus ihrem am 30.09. erscheinenden neuen Album “Tomorrow’s World”.

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Platz ist sprichwörtlich in der kleinsten Hütte. Mehr Platz allerdings ist natürlich anderswo. Und so viel Raum wie in den Songs von Helgi Jonsson gibt es kaum irgendwo sonst zu entdecken. Was nicht heißt, der Isländer lege seine Sound-Landschaften wie brache Felder an, auf denen ab und zu eine schüchterne Blume sich dem Himmel entgegen reckt. Dann und wann verdichtet sich das ansonsten sparsam gestreute Instrumentarium schon zum kleinen Gewitter oder auch zum großen Panorama.

Solche flächigen Scapes hinzubekommen, sagt Helgi Jonsson, gehöre zu den fragilsten Arbeiten seiner Profession überhaupt. „Dabei muss ich mich unheimlich beherrschen und vor allem konzentrieren. Ich halte da eine reduzierte Frühform meiner Songs in Händen, zu der ich dann arrangieren muss, ohne der Grundidee etwas in den Weg zu stellen.“ Das nämlich wäre der Weg, den der Pop normalerweise nimmt, „da denkt ja keiner mehr linear, man dient sich eher der Maschinerie an. Ich aber will Kontrapunkte setzen, will ein Geflecht feiner Beziehungen zwischen Song, Sound und Text spinnen.“ Was sich so furchtbar theoretisch anhört, hört sich in Wahrheit herrlich an, sobald man Jonssons neues Mini-Albums „Blindfolded“ in den Player bugsiert hat.

Dort irrlichtert seine exaltierte Stimme in zartem Vibrato durch manchmal fast klassisch, dann wieder sehr erdverbunden anmutende Lieder, flüstert hier und wächst dort zum dominanten Instrument. Weil Jonsson früher Posaunist im Klassik-Metier gewesen ist, klingt heute sein Gesang noch immer wie ein Instrument, „ich versuche, Melodien und Sounds gleichzeitig damit zu malen und schaffe mir so leider auch mein größtes Problem: Die Texte haben sich meinen Klangvorstellungen anzupassen.“ Und das mögen die Texte leider gar nicht gern. „Weil meine Songs“, sagt Helgi Jonsson, „auch nach den Arrangements immer noch ziemlich nackt da stehen, ist das Texten meistens eine schwere Geburt. Manchmal erfinde ich mir deshalb sogar eine Art eigener Sprache und hoffe inständig, die meisten Menschen mögen sie für isländisch halten.“

Sprechen indes tut Helgi Jonsson bei Interviews mit deutschen Journalisten deren Muttersprache nebst österreichischem Akzent. Ein paar Jahre Studium in Graz, ein paar Jahre des Wohnens in Wien tragen Früchte. Aus dieser eigenartigen Biographie ist ein Künstler erwachsen, der eigentlich zur rechten Zeit am rechten Platz stehen müsste. „Für mich ist tatsächlich vieles besser geworden“, sagt der 30-Jährige, „seit die Musikindustrie krankt und offenbar auch der Mainstream, vor allem der Plastik-Pop irgendwie seine guten Zeiten hinter sich zu haben scheint.“ Das helfe nicht zuletzt der Begeisterung für Live-Konzerte, in denen Helgi Jonsson sich wie der Fisch im Wasser fühlt und in denen er über die letzten zwei Jahre aufregende Alliancen einging: Mit Teitur und Sigur Rós, mit Nico Muhly und Tina Dico hat er die Bretter und manchmal auch das Studio geteilt. „Natürlich hatte auch ich Angst vor dem Verfall der Musikindustrie, aber am Ende wird uns Musikern diese Situation mehr Freiheiten bieten als je zuvor.“ Viele davon hat Jonsson schon jetzt genutzt.

Im Moment weilt Helgi Jonsson wieder mal daheim auf Island, der gebeutelten Republik im Nordatlantik. „Man spürt die Krise an jeder Ecke“, weiß er zu berichten, „aber für die Kunst ist sie vielleicht gar nicht mal so schlecht, für die Seelen der Menschen auch nicht. Immerhin wird man auf das Wesentliche, das Tatsächliche zurück geworfen.“ Und dazu lässt sich kaum ein besserer Soundtrack denken als Helgi Jonssons neuer EP. Denn irgendwie klingt das Werk wie eine Vertonung des Lebens an und für sich. Geheimnisvoll, echt, tragisch und grandios zugleich. Wir drücken auf ’Repeat’.

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Der 1981 geborene Leipziger Christian Haase beschäftigte sich schon seit frühester Kindheit mit Musik und Theater. Er nahm Gitarrenunterricht und schrieb erste Songs. 1994 gründete er die Band „The Coloured Carrots“ mit der er 1995 Konzerte gab. Die ersten Studioaufnahmen entstanden im Jahr 1996.
Nach einer Umbesetzung der Band 1998 ging Christian Haase erneut ins Studio und veröffentlichte das erste Mal seine Songs auf dem Sampler „Local Heros 4“.
1999 folgten ausgedehnte Touren mit der Band durch die neuen Bundesländer sowie erste Solo-Konzerte. Ein Jahr später tourte Christian Haase erfolgreich durch Ungarn und veröffentlichte im Anschluss die CD „Zahltag“. Danach folgten weitere Höhepunkte wie zum Beispiel trat Christian Haase als Vorband von „Keimzeit“ auf. 2002 wird die EP „feen & wölfe“ veröffentlicht und noch im selben Jahr feierte das Chansonprogramm „Gefälschte Frauen“ Premiere was mit einer ausgedehnten Gastspielreise einherging.
Im darauf folgenden Jahr 2003 fand eine Russlandtournee statt. Ein Jahr später erscheint das Album „bleiben“, das Haase „in die Oberliga der deutschen Liedermacher katapultiert“ so die Leipziger Volkszeitung. 2005 spielt Christian Haase unter anderem zum Gedenkkonzert von Frank Hille und wird von der Band Silly begleitet. Haase tritt in Leipzig bei „Leipzig zeigt Courage“ vor 10.000 Leuten auf spielt ein Konzert zum „Tag der Demokratie“ in Berlin am Brandenburger Tor vor 5000 Menschen. Im Jahr 2005 feiert er sein 10jähriges Bühnenjubiläum.
Nur ein Jahr später, 2006, schlägt das Musikmagazin „Melodie & Rhythmus“ die neue Platte „zwölfeinhalb“ zum Album des Jahres vor.
2007 formiert sich die Band neu und mit Tina Powileit (dr) – ehem „Gundermanns Seilschaft“ und „Mona Lise“, Rene Schostak (git), Sebastian Vogel (bass) bilden sie die neue Besetzung. Christian Haase geht mit Barbara Thalheim auf Tournee, es finden Konzerte mit Dirk Zöllner statt und er veröffentlicht das Solo-Album „Nimmersatt“. Seit 2010 wird Sebastian Vogel durch Daniela Schwabe am Bass ersetzt. Danach folgen ausgedehnte Bandkonzerte, er ist mit dem Theaterstück „Faust – was für eine Tragödie“ auf Tour und steht mit Musikern wie Bobo in White Wooden Houses, Ulla Meinecke und Tino Eisbrenner gemeinsam auf der Bühne. Er beginnt mit der Vorbereitung der 5. CD „Die Besseren Zeiten“.
2010 feiert Haase sein 15jähriges Bühnenjubiläum. Er beschäftigt sich mit den ersten Studioaufnahmen und tritt mit „SPV“ in erste Verhandlungen für eine Zusammenarbeit. Weitere Events in diesem Jahr: Auftritt beim „Bardentreffen“ in Nürnberg, Teilnahme an „Rock For Haiti“ im Kulturpalast in Dresden vor cirka 2000 Leuten, diverse TV-Beitrage im NDR – Knasttour, Leipzig-Fernsehen, Alex-TV, cirka 120 Bühnen- und Radioauftritte.
Seit Nov. 2010 singt Haase ebenfalls als Frontmann in Gundermanns legendärer Band „Die Seilschaft“ und spielt mit dieser 2 Konzerte vor auverkauftem Haus im Postbahnhof/Berlin und Anker/Leipzig
Im Mai 2011 wird mit dem in Hannover ansässigen Label SPV Haases erster Plattenvertrag abgeschlossen. SPV übernimmt ebenfalls den Backkatalog – die bis dato erschienen Alben – und legt sie neu auf. Durch die Vermittlung von SPV beginnt ebenfalls die Zusammenarbeit mit der Promotionfirma „Revolver“ und dem Musikverlag „AMV TALPA“. Zusammen mit diesen Firmen wird die Veröffentlichung des neuen Albums „Die Besseren Zeiten“ vorbereitet, welches im Sept/Okt 2011 erscheinen wird.
–
www.haase-band.de, www.myspace.com/haaseundband

Die Single “Antonella” kündigt als Wolf im Schafspelz den Longplayer REVOLUTION OF THE DOG an, der am 02.09.2011 auf RUN UNITED/RDS/CARGO erscheint. Da geht’s dann emotional und energetisch - gerne auch mal wild - zur Sache.
Sänger Christopher Been jr. verirrte sich schon als Kind  nach Großbritannien und tankte dort englische Rock’n'Roll-Haltung. Zurück in Deutschland und nachhaltig fasziniert von der britischen Sprache und Popkultur findet er irgendwann den ersten Gleichgesinnten: den schwedisch-deutschen Drummer Johnny Sweden. Zusammen tingeln sie einige Jahre von einer Band zur nächsten, bis sie 2006 endlich ihre Crew zusammen haben. Die Band Lee Jay Cop ist geboren! Ein Glück, dass ein slowenischer Erfolgsproduzent gerade in Deutschland weilt und weiß, was gut ist. Er entdeckt die Band und produziert ihnen die LP für ihren Erfolg. Direkt nach Fertigstellung des Albums werden Labelmacher in Europa und Nordamerika aufmerksam und REVOLUTION OF THE DOG wird nunmehr auch in den USA, UK und Skandinavien per CD/LP veröffentlicht.

Für Herbst ist eine ausgedehnte Deutschland-Tour in Planung, das Livegeschäft wird von der renommierten Agentur Creative Talent betreut.

14.10.2011 Birol Ünel liest Miron Zownir - Parasiten der Ohnmacht

07.10.2011 Haase & Band - Die besseren Zeiten
30.09.2011 Cäthe - Ich muss gar nichts - Album
23.09.2011 Haase & Band - mittendrin
23.09.2011 Chickenfoot - Chickenfoot III Album
16.09.2011 Bê - Azul - Album
16.09.2011 Bubble Beatz - Live Don’t Litter Tour - DVD
09.09.2011 Moriarty - The Missing Room - Album
09.09.2011 Moriarty - Isabella - Single
02.09.2011 Lee Jay Cop - Revolution of the dog - Album
02.09.2011 Lee Jay Cop - Antonella - Single (Free Download)
26.08.2011 Bê - Rythum of the Sea - Single
19.08.2011 Cäthe - Unter meiner Haut - Single
19.08.2011 Erik & Me - Einsam - Single
12.08.2011 MissinCat - Capita - Single
12.08.2011 Tangowerk by Noah - Ob ich dir treu sein kann - Single
02.08.2011 Chickenfoot - Big Foot - Single
15.07.2011 Bubble Beatz feat. Michael Holderbusch - Waiting - Single
15.07.2011 Within Temptation - Sinéad - Single
01.07.2011 Clara Louise feat. Fabian Buch - Happy Birthday - Single
24.06.2011 Mina Harker - Bittersuess
24.06.2011 Missincat - Capita - Single
24.06.2011 Rival Sons - Pressure & Time - Single
24.06.2011 Rival Sons - Pressure & Time - Album

10.06.2011 Marie Fisker - Mirror Mirror Mirror Mirror - EP

10.06.2011 Erik & Me - Einsam - Single
10.06.2011 Robert Miles - Miniature World - Single
27.05.2011 Bubble Beatz - No Sleep - Single

20.05.2011 Erik & Me - Einsam - Single

20.05.2011 Tangowerk by Noah - Tangowerk - Album
13.05.2011 Roy Seven - You Say We Say - Album (On hold)
13.05.2011 Roy Seven - We Should Be Lovers - Single
06.05.2011 Max Raabe - Ich bin nur wegen dir hier - Single
29.04.2011 Danko Jones - I think bad thoughts - Single
29.04.2011 Cock Robin - Songs from a bell tower - Album
01.04.2011 Tangowerk - Dancing on the Volcano - Single
25.03.2011 Within Temptation - The Unforgiving - Album
25.03.2011 Dikta - Get It Together - Album
18.03.2011 Fenech Soler - Fenech Soler - Album
18.03.2011 Fabian Buch - Head In The Clouds - Single
18.03.2011 Royal Republic - Full Steam Space Machine - Single
18.03.2011 Tyler - Favourite Sin - Album
18.03.2011 Tyler - The Future - Single
11.03.2011 Dikta - Thank You - Single
11.03.2011 Within Temptation - Faster - Single
04.03.2011 Missincat - Wow - Album
04.03.2011 Die Drogen - Guten Tag - Single
25.02.2011 In Extremo - Sterneneisen - Album
25.02.2011 Slash - Slash (Special Edition) - Album
25.02.2011 The Joy Formidable - The Big Roar - Album
25.02.2011 Slag In Cullet - Splinter - Album
18.02.2011 Stone Sour - Hesitate - Single
04.02.2011 Robert Miles - Thirteen - Album
28.01.2011 Cäthe - Senorita - EP
28.01.2011 Max Raabe - Küssen kann man nicht alleine - Album
28.01.2011 Slash feat. Fergie - Beautiful Dangerous - Single
21.01.2011 Sarsaparilla - Everyone Here Seems So Familiar - Album
14.01.2011 Anna F. - ..For Real - Album
14.01.2011 Kafkas - Das Leben ist gut - Single
07.01.2011 Erik & Me - Versteck - Album
VÖ’s 2010

08.10.2010 Anna F. - …For Real - Album
01.10.2010 Letzte Instanz - Heilig - Album
24.09.2010 Filter - The Trouble With Angels - Album
24.09.2010 Filter - Fades Like A Photograph (Dead Angel) - Single
17.09.2010 Martin Kilger - Nackt - Album
10.09.2010 Blockflöte des Todes - Alles wird teurer -Single
03.09.2010 Ulrich Tukur - Mezzanotte - Lieder einer Nacht - Album
03.09.2010 Stone Sour - Audio Secrecy - Album
27.08.2010 Royal Republic - We Are The Royal - Album
27.08.2010 Killerpilze - Plastik - Single
20.08.2010 Stone Sour - Say You’ll Haunt Me - Single
13.08.2010 Bonaparte - Boycott Everything - Single
13.08.2010 Martin Kilger - Der Garten - Single
13.08.2010 Anna F. - I Don’t Like You - Single
13.08.2010 Royal Republic - Tommy Gun - Single
06.08.2010 Die Drogen - Jetzt im Handel! - Album
30.07.2010 Northern Lite - Letters & Signs Part Two - Album
16.07.2010 Die Drogen - Süchtig nach Dir - Single
09.07.2010 KORN - KORN III - Remember Who You Are - Album
02.07.2010 Fabian Buch - Hello, Hello - Album
02.07.2010 Nosie Katzmann - Greatest Hits 2 - Album
18.06.2010 Good Guy Mikesh - Spare - Single
11.06.2010 Robert Carl Blank - Last Time I Saw Dave - Album
11.06.2010 Echoes Of Jericho - The Happy End - Album
04.06.2010 Rox - Memoirs - Album
04.06.2010 Bonaparte - My Horse Likes You - Album
28.05.2010 Sebastian Hämer - Wir glauben an Euch - Single
28.05.2010 Studio Grande - Lass es uns trotzdem tun - Album
21.05.2010 Fabian Buch - Hello, Hello - Single
14.05.2010 Danko Jones - Below The Belt - Album
14.05.2010 Darwin Deez - Darwin Deez - Album
30.04.2010 Nachlader - Koma Baby Lebt! - Album
30.04.2010 Nachlader - Disco & Pommes - 2.Single
30.04.2010 Grossstadtgeflüster - Alles Muss Man Selber Machen - Album
30.04.2010 Blockflöte des Todes - Wenn Blicke flöten könnten - Album
30.04.2010 Killerpilze - Am Meer - Single
23.04.2010 CancerBats - Bears, Mayors, Scraps & Bones - Album
23.04.2010 Los Angeles Love - Don’t Mess With My Th - Album
16.04.2010 P:lot - Mein Name Ist / Friedensschlag - Doppelalbum
16.04.2010 Blockflöte des Todes - Mädchenhaar - Single
16.04.2010 Kafkas - Paula - Album
09.04.2010 Slash - Slash - Album
02.04.2010 Melissa Auf der Maur - Out Of Our Minds - Album
01.04.2010 The Roovers - A Sweet Invitation To A Romantic Massacre - Album
26.03.2010 Donots - The Long Way Home - Album
26.03.2010 Luxuslärm - Leb Deine Träume - Single
19.03.2010 Rox - My Baby Left Me - Single
19.03.2010 Theory Of A Deadman - By The Way - Single
19.03.2010 Killerpilze - Album
12.03.2010 Donots - Calling - Single
12.03.2010 Luxuslärm - Leb deine Träume - Single
12.03.2010 Ruben Cossani - Raus -Single
05.03.2010 Reisegruppe Fischer - Album
05.03.2010 Airbourne - No Guts, No Glory - Album
05.03.2010 Erik Penny - Bend - Album
05.03.2010 Die Sterne - Life In Quiz - Single
26.02.2010 Takida - Curly Sue - Single
26.02.2010 Die Sterne - 24/7 – Album
26.02.2010 The Album Leaf – Falling From The Sun - Single
26.02.2010 Sebastian Hämer – Flugplan 2 - Album
26.02.2010 Martin Kilger - Glückstag - Single
26.02.2010 Lynyrd Skynyrd – Simple Life - Single
26.02.2010 Killerpilze - Drei – Single
19.02.2010 Slipknot - Snuff - Single
19.02.2010 Sebastian Hämer - Wieso bist du weg von mir - 2-Track-Single
05.02.2010 The Album Leaf - A Chorus Of Storytellers - Album
05.02.2010 Jana Josephina – Streit - Single
29.01.2010 Luxuslärm - So Laut Ich Kann - Album
29.01.2010 Astrid Swan - Better Than Wages - Album
15.01.2010 Max Raabe - Übers Meer - Album
08.01.2010 Nickelback - If Today Was Your Last Day - Single
08.01.2010 Adam Green - Minor Love - Album

Am Nachmittag des gleichen Tages dann folgt der Besuch bei RBB ZIBB, ebenfalls mit zwei Songs im Gepäck.

Die Erstauflage des Albums erscheint als Doppel-CD, inklusive einer Bonus Disc, die exklusive Stücke, Remixe und Alternativversionen enthält. Die Welt ist bittersüß.

Mina Harker ist mit Unheilig auf Festivaltour:

7.&8.8.Berlin,

19.8. Rostock,

20.8. Braunschweig,

21.8. Coburg,

27.8. Bremen,

28.8. Hamburg,

1.9. Bielefeld,

2.9. Mönchengladbach,

3.9. Gronau

Auf ihrem zweiten Album „Bittersüß“ verbindet Mina Harker effektvoll das ungestüme Lebensgefühl deutscher Alternative-Rock-Musik mit druckvoll-eingängigem, elektronischem Pop, garniert mit einer geschickt eingeflochtenen dunklen Note. Sound-technisch deutlich gereift, mit gezielt auf den Punkt gebrachten Arrangements und emotionalen-, teils sehr direkten- und gerne auch ein wenig provokativen Texten, die weit mehr im Sinn haben, als nur an der Oberfläche zu kratzen, tanzt die markante Sängerin Mina Harker einen mitreißenden Drahtseilakt zwischen jugendlichem Sturm und Drang und dem Mut zum großen Gefühl. Sie spielt dabei auf der ganzen Klaviatur der Emotionen, zwischen kindlich-unschuldig, lasziv-verrucht und energiegeladen-rau und macht „Bittersüß“ zu einem Hit-trächtigen Sommersturm, der unter die Haut geht. Die Erstauflage des Albums erscheint als Doppel-CD, inklusive einer Bonus Disc, die exklusive Stücke, Remixe und Alternativversionen enthält. Die Welt ist bittersüß.

3.8. Weiden/Bayern 3 , 27.08. Magdeburg/Moritzhof, 9.9. Frankfurt am Main/Das Bett, 10.9. Halle/Objekt 5, 14.9. Berlin/Comet, 17.9. Milano (IT) /Milano Film Festival, 7.10. Hamburg/Molotov, 8.10. Bremen/MS Treue

VÖ: 16.09.11

Album: Velociraptor

VÖ: 16.09.11

Label: Sony

Vertieb: Sony

Kasabian sind zurück: Nach zwei Jahren meldet sich die offiziell größte britische Rockband unserer Zeit, bestehend aus Tom Meighan, Serge Pizzorno, Chris Edwards und Ian Matthews, mit ihrem vierten Studioalbum „Velociraptor!“ zurück und hat damit buchstäblich ein „Monsterwerk“ geschaffen. „Der Velociraptor war der einzige Dinosaurier, der den Tyrannosaurus Rex besiegen konnte, da sie ihn gemeinsam angriffen und immer zusammenblieben“, erklärt Serge, der Songwriter und Gitarrist. „Als ich Tom das erste Mal traf, sagte er mir, dass er, falls er jemals eine Band haben sollte, sie The Velociraptors nennen würde. Somit war es richtig, den Namen selbst jetzt noch zu verwenden, da wir immer noch die Gleichen sind wie am Anfang unserer Karriere.“

Ihr letztes Album „West Ryder Pauper Lunatic Asylum“ verkaufte sich weltweit eine Million Mal und landete wie der Vorgänger „Empire“ auf Platz eins der UK Charts. Dieses dritte Album brachte Kasabian den endgültigen Durchbruch und bescherte ihnen bei den BRIT Awards den Titel der besten britischen Band. Bei den NME Awards erhielten sie den Preis für das beste Album des Jahres. „Es ist wirklich wahnsinnig wie wir durch dieses Album erst richtig durchstarteten. Alles daran war einfach perfekt. Aber das ist schon wieder Vergangenheit und wir müssen weiter machen.“, sagt Serge. „Einziger Unterschied: wir haben die Messlatte dieses Mal noch höher gelegt.“

Die Idee für den Sound zu „Velociraptor!“ kam Serge aufgrund zahlreicher schlafloser Nächte, als er aus seiner alten Musikbox die verschiedensten Musikrichtungen von Elvis bis hin zu den Chemical Brothers auspackte. „Ich dachte mir nur, wow, stell dir vor du hättest so ein Album, dass du zu jeder Tageszeit anhören könntest, dass all diese Melodien beinhalten würde. Ich wusste, dass das schwierig sein wird aber, wenn wir es schaffen würden, wäre es einfach nur unglaublich.“

Und genau das haben sie geschafft: Das Ergebnis ist eine Sammlung aus außerordentlichen Songs mit einer vielseitigen Trackliste von „La Fee Verte’s“ über „Goodbye Kiss“, bis hin zu der ersten Single-Auskopplung „Days Are Forgotten“. Im November kommen Kasabian endlich wieder auf Deutschlandtour:

14.11. Berlin, Huxley’s
15.11. Köln, E-Werk
16.11. Hamburg, Große Freiheit
19.11. München, Theaterfabrik

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Der New Yorker Sänger und Songwriter Ari Hest gehört zur jungen Garde jener experimentierfreudigen Multiinstrumentalisten, die traditionelle Popkunst (mit Gitarre, Bass, Piano, Percussion etc.) genauso gut beherrschen wie die vielfältigen Möglichkeiten, durch einen Laptop ein komplettes Studio zu ersetzen. Besondere Aufmerksamkeit in den amerikanischen Medien hat dem 32-jährigen Musiker vor geraumer Zeit sein Projekt 52 beschert. Kurz zuvor hatte er sich von dem Major-Label Columbia getrennt und nutzte seinen durch einige EPs und Alben erlangten Bekanntheitsgrad dazu, im Jahr 2008 über seine Webseite jeden Montag einen neuen Song an die Abonnenten seines Songmarathons 52 zu schicken. Die Rezipienten wählten am Ende ihre zwölf Lieblingssongs aus, die Ari Hest wiederum überarbeitete und auf dem Album „12 Mondays“ (2009) veröffentlichte. So pragmatisch und zukunftsweisend gestalten ambitionierte und junge Künstler heutzutage ihre Karriere. Ari Hest gilt zudem als emsiger Live-Künstler, der im Schnitt auf 150 Konzerte pro Jahr kommt und im letzten Jahr erstmals in Deutschland durch die Clubs tingelte. 52 führte auch dazu, dass Ari Hest für sich ganz neue Genres entdeckte und mit unterschiedlichen Instrumentierungen experimentierte. Doch selbst nachdem der vielseitige Künstler aus Brooklyn 52 Songs innerhalb eines Jahres unter Dach und Fach gebracht hatte, pulsierte seine kreative Ader munter weiter. Das Resultat kann man nun auf seinem neuen Album „Sunset Over Hope Street“ nachhören. Ein Jahr lang hat er an den elf Songs gewerkelt, an Songs, die unter den unterschiedlichsten Prämissen entstanden. Vom eher schwermütigen Opener „Until Next Time“, bei dem Hests rauchiger Bariton eine starke Affinität zu Guy Garvey von Elbow offenbart, über „A Way Back Home“, dessen dramaturgischer Aufbau vom rein Perkussiven hin zum nahezu Symphonischen stark an Peter Gabriel erinnert, bis zur politisch konnotierten Gitarrenballade „Business Of America“ – Ari Hest beherrscht die Leichtigkeit und das Verspielte ebenso wie den Ernst und das Getragene. Ein musikalisches Chamäleon, das schwer zu verorten ist, aber mit immer wieder neuen Farben überrascht. Eine Konstante in seinem Schaffen ist jedoch das Thema Zeit, sei es die vergangene, die zu nutzende oder die flüchtige, kaum zu greifende. Ari Hest stammt aus einer musikalischen Familie. Seine Mutter ist Sängerin und sein Vater, der verschiedene Blasinstrumente spielt, lehrt Musik an der Universität. Früher schrieb sein Vater auch Werbejingles für Kinderspielzeug – und ließ Ari, wenn nötig, die Gesangsparts übernehmen. Ari genoss zwar schon früh Pianounterricht, lernte mit 15 Jahren Gitarre und schrieb mit 17 seinen ersten Song, träumte jedoch bis zum Ende der High School eher von einer Karriere als Baseballspieler. Erst als er an der New York University Kommunikation studierte, nahm seine Karriere als Musiker Fahrt auf. Im Jahr 1999 veröffentlichte Ari Hest seine erste EP, 2001 sein erstes Album („Come Home“). Nachdem sich seine ersten Werke erstaunlich gut verkauften, unterschrieb er bei dem Label Columbia, auf dem unter anderem die mit dem Computerprogramm GarageBand aufgenommenen „Green Room Sessions“ (2006) sowie das von Mitchell Froom produzierte Album „The Break-In“ (2007) veröffentlicht wurden. Darüber hinaus schrieb Ari Hest die Filmmusik zu dem mehrfach ausgezeichneten Dokumentarfilm „DreamRiders“ und bildet gemeinsam mit der Sängerin und Songwriterin Rosi Golan das erfolgsversprechende Duo The Open Sea. Mit dem delikaten und reif wirkenden Album „Sunset Over Hope Street“ kann sich der New Yorker nun berechtigte Hoffnungen machen, auch hierzulande seine Kreise noch größer zu ziehen.

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JOE SATRIANI, CHAD SMITH, MICHAEL ANTHONY UND SAMMY HAGAR
GEBEN WEITERE DETAILS ZU IHREM LANG ERWARTETEN NEUEN ALBUM „CHICKENFOOT III“ BEKANNT, DAS AM 23. SEPTEMBER VON earMUSIC VERÖFFENTLICHT WIRD

„Chickenfoot III“ – das Nachfolgealbum des weltweiten Charterfolges und mit Gold ausgezeichneten Debütalbums.

HAMBURG, 12. Juli 2011 – Das von Fans und Medien gleichermaßen mit Spannung erwartete zweite Album der erfolgreichen Supergroup um Gitarrengott Joe Satriani, Schlagzeuger Chad Smith, den ehemaligen Van Halen-Bassisten Michael Anthony und Frontmann Sammy Hagar sorgte schon im Vorfeld für einige Spekulationen. Nun werden erstmals offiziell der Albumtitel, die Tracklist, das Erscheinungsdatum und weitere Informationen zu dem Album bekannt gegeben: das von Mike Fraser (AC/DC, Metallica) produzierte Chickenfoot III (nicht IV, wie anfangs spekuliert wurde) wird am 23. September 2011 von earMUSIC/Edel veröffentlicht. Die erste Singleauskopplung „Big Foot“ erscheint bereits am 2. August.

„Ich bin sehr stolz auf das neue Album“, teilt Sänger Hagar mit. „Wir haben für das Album den Titel Chickenfoot III gewählt, weil es so gut, so auf den Punkt ist, dass wir den Punkt, ein zweites Album machen zu müssen, schlichtweg übersprungen haben.“ Er fügt hinzu: „Zwischen Joe und mir hat sich großes Vertrauen entwickelt, wir kitzeln gegenseitig nur das Beste aus uns heraus und das überträgt sich auch auf den Rest der Band.“

Chickenfoot III enthält zehn Songs, die einer Offenbarung gleich kommen. Ein Album, dessen Großartigkeit beim ersten Hören so gar nicht erfassbar scheint. Kolossale Gitarrenriffs auf „Alright, Alright“, „Last Temptation“, „Bigfoot“ und „Lighten Up“ bringen die Erde zum Beben. Auf dem vom Nashville-Pop gefärbten „Different Devil“ trifft Tradition auf Innovation, während „Something Going Wrong“ unverkennbar Delta-Blues angehaucht ist. Die eindrucksvolle Rockballade „Come Closer“ vollzieht eine überraschende Wende und zeigt die Band von einer anderen Seite. Für diesen Song schrieb Sänger Hagar zuerst den Text und Gitarrist Joe Satriani komponierte erst danach die Musik. Aber das ist noch längst nicht alles. „Up Next” packt ganz unverblümt das Thema Sterblichkeit an, „Three And A Half Letters“ handelt von der aktuellen Weltwirtschaftslage und deren Folgen – all das gespickt mit reinem, durchs Mark gehenden Rock.

Mick Bridgen, Manager von Chickenfoot, meint: „Wir freuen uns sehr auf die erneute Zusammenarbeit mit dem earMUSIC/Edel-Team, nachdem wir mit dem ersten Album von Chickenfoot große Erfolg feiern konnten und die Band nun einen noch großartigeren Nachfolger geschaffen hat.“

Max Vaccaro, Director von earMUSIC, fügt hinzu: „Das Debütalbum von Chickenfoot wurde sofort zu einem modernen Klassiker und wir sind sehr stolz darauf, dessen weltweite Veröffentlichung und Marketingkampagne erfolgreich gemeistert zu haben. Das Album schoss weltweit an die Spitze der Charts, sei es in Japan, Australien oder Europa. Unser Label konnte in den letzten zwei Jahren in alle Richtungen wachsen und wir planen noch Größeres mit dem neuen Chickenfoot Album. Wir sind sehr stolz darauf, dass Chickenfoot erneut uns für die Zusammenarbeit ausgewählt haben. Und das, obwohl nun nahezu jedes Label um die Band gekämpft hat.“

CHICKENFOOT III Tracklist:

1. Last Temptation
2. Alright, Alright
3. Different Devil
4. Up Next
5. Lighten Up
6. Come Closer
7. Three and a Half Letters
8. Big Foot
9. Dubai Blues
10. Something Going Wrong

CHICKENFOOT III
Chickenfoot III ist das Nachfolgealbum des selbstbetitelten Debüts Chickenfoot, das in den USA mit Gold ausgezeichnet wurde. Es schoss 2009 in die Billboard Independent Albumcharts auf Platz 3 und belegte zudem Platz 88 der Top 200 Alben 2009. Begleitet wurde der immense Erfolg mit Auftritten in den berühmten amerikanischen Talkshows The Tonight Show with Conan O’Brien und Jimmy Kimmel Live, ebenso wie durch eine umgehend ausverkaufte Club-Tour und eine darauf folgende große US-Tour durch 30 Städte.
Das Album stieg in Japan sowie europaweit (Großbritannien, Deutschland, Schweiz, Benelux) in die Top 20 ein. Auch im Rest der Welt enterten sie fast überall die Top 40.
Das Classic Rock Magazine kürte Chickenfoot während ihrer alljährlichen Awardverleihung in London als „Best New Band“ und auch die restliche Presse nahm das Album positiv auf. So schrieb USA Today: „Hagar und Satriani haben unzählige Hooks und kompakte Soli in ihren Songs eingebaut und ein erfrischender, lebhafter Rhythmus treibt sie eindrucksvoll an.“
Billboard ging sogar noch einen Schritt weiter: „Das selbstbetitelte Debütalbum von Chickenfoot gefällt durch geradlinige Rock-Songs wie die Single ‚Oh Yeah’ oder das blues-lastige ‚Sexy Little Thing’. ‚Soap On A Rope’ klingt wie ein aus der Zukunft zurückgeschicktes Outtake von Led Zeppelin aus dem Jahre 2019.“

Für mehr Informationen zu Chickenfoot und dem demnächst erscheinenden zweiten Album Chickenfoot III, besuchen Sie bitte www.chickenfoot.us, www.twitter.com/chickenfootjoe und www.facebook.com/chickenfoot.

In einen exklusiven Ausschnitt aus der ersten Single können Sie auf dem offiziellen earMUSIC YouTube-Channel reinhören: www.youtube.com/earMUSICofficial.

Kontakt – TV Promotion
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Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
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Chickenfoot III enthält zehn Songs, die einer Offenbarung gleich kommen. Ein Album, dessen Großartigkeit beim ersten Hören so gar nicht erfassbar scheint. Kolossale Gitarrenriffs auf „Alright, Alright“, „Last Temptation“, „Big Foot“ und „Lighten Up“ bringen die Erde zum Beben. Auf dem vom Nashville-Pop gefärbten „Different Devil“ trifft Tradition auf Innovation, während „Something Going Wrong“ unverkennbar Delta-Blues angehaucht ist. Die eindrucksvolle Rockballade „Come Closer“ vollzieht eine überraschende Wende und zeigt die Band von einer anderen Seite. Für diesen Song schrieb Sänger Hagar zuerst den Text und Gitarrist Joe Satriani komponierte erst danach die Musik. Aber das ist noch längst nicht alles. „Up Next” packt ganz unverblümt das Thema Sterblichkeit an, „Three And A Half Letters“ handelt von der aktuellen Weltwirtschaftslage und deren Folgen – all das gespickt mit reinem, durchs Mark gehenden Rock.

Kalt. Fremd. Gefühllos.

Dies sind nur drei Begriffe, die der elektronischen Pop Musik zugeordnet sind. Ja, Wendy Carlos begleitete Stanley Kubricks dystopische Vision von “A Clockwork Orange” mit rohen Synthesizern, aber das ist 40 Jahre her! “Forbidden Planet” und dessen nervenaufreibender Soundtrack von Bebe und Louis Barron waren nicht mehr zeitgemäß seit Dwight D. Eisenhower die Bleistifte im Weißen Haus spitzte. Die Aussage, dass sich elektronische Musik irgendwie von der menschlichen Erfahrung gelöst hat, ist so überholt wie Gummitwist.

Das kanadische Zweigespann HANDSOME FURS schütteln diesen Mythos auf “Sound Kapital” nicht einfach nur ab, sondern lehnen dies mit jeder Faser ihres gemeinsamen Seins ab. Wie FAD GADGET und SUICIDE vor ihnen, benutzt das Ehepaar Dan Boeckner und Alexei Perry Keyboards und Drum-Computer um die lebensbejahenden Hymnen eng mit Muskel und Blut zu verschweißen. Diese neun Songs der Unschuld und Erfahrung schauen gelegentlich vor in eine bessere Welt in einer nicht allzu fernen Zukunft, aber HANDSOME FURS wissen, dass sie sich in der Gegenwart befinden. Sie sind voll und ganz im Moment und ihrer Umgebung engagiert, wo auch immer das sein möge.

“Sound Kapital” ist das erste HANDSOME FURS Album, das ausschließlich auf Keyboards geschrieben wurde, obwohl

Gitarren nach wie vor stark in den Aufnahmen präsent sind. Das war eine bewusste Entscheidung, beruhend auf einigen Gründen: a) es zwang Dan, dessen Primär-Instrument die Gitarre ist, neue Wege zu finden, um sich auszudrücken; b) Es erleichtert das Schreiben unterwegs. Letzteres ist speziell von Bedeutung. Selbst mit ihren neuen analogen Synthesizern passt das gesamte Equipment von HANDSOME FURS in einen Kleinwagen – oder den Satteltaschen eines Kamels. Alexei und Dan machten sich darüber lustig, “closet journalists” zu sein, aber das ist nicht zum Lachen. Die Möglichkeit zu arbeiten, während man reist, ermöglicht viszerale Veränderungen durch deren augenöffnenden Abenteuern. Das nervöse, electro-hardcore “Damage” beinhaltet Samples aus Radiosendungen über eine Geiselnahme in Hongkong die stattfand, während sich die FURS auf den Philippinen aufhielten.

Wenn die elektronische Klangfarbe und die einfachen Melodien von “Sound Kapital” Erinnerungen an frühe OMD und

DEPECHE MODE hervorrufen, so sei es. Dem kann nicht geholfen werden, ein Nebeneffekt des Gebrauchs der Instrumente. HANDSOME FURS waren nie “Drag-and-Drop” Songwriter, sie bevorzugen stattdessen leichte Ungereimtheiten, die auftreten, wenn Instrumente nicht via MIDI-Sequenzer synchronisiert werden, sondern einfach nur auf Knöpfe und Saiten mit mehr oder weniger der gleichen Intensität geschlagen wird. Da ist nichts absichtlich “Retro” auf “Sound Kapital”. Höre bei “Memories Of The Future” rein. Dan und Alexei machen keinen Hehl über deren Abneigung gegen Nostalgie, lassen ihrer Frustration an Kollegen aus, die Stunden damit verbringen, sich 70er Jahre Snack-Food Werbungen und Samstags Morgen Cartoons auf YouTube anzusehen, während das 21. Jahrhundert nach vorne ins Ungewisse taumelt.

Einen musikalischen Präzidenzfall, den HANDSOME FURS anerkennen, ist die Haltung, die, durch die hart zu findende 80er Jahre Ostblock Electronic und Industrial Seite, der sie während ihrer Reisen lauschten, zu hören. Während sich westliche Bands von der Reagan/Thatcher Ära ins sonnige Compass Point zurückzogen, um von Grafen-freundlichen Reflektion über die Würde der Arbeit zu träumen, lebten ihre Gegenstücke in Jugoslawien, Polen und Bulgarien die Realität, arbeiteten in explosionsgefährdeten Chemieanlagen am Tag und weichten dem Geheimdienst aus bei Nacht. Dieser anhaltende Kampf gegen alle Widrigkeiten heizt “Repatriated” und “Cheap Music” an, Stücke, die inspiriert wurden von den jungen Bands, mit denen HANDSOME FURS unter unglaublich risikoreichen Umständen und in unterdrückten Regionen gespielt haben, wie Myanmar und der Stadt Wuhan, in Chinas Hubei Provinz. HANDSOME FURS planen nicht, auf die kanadische Staatsbürgerschaft zu verzichten, jedoch geloben sie auf “Sound Kapital” durchwegs auf etwas Größeres: Die internationale Familie von Künstlern, die es wagen, der Autorität zu trotzen.

Es sind nicht nur die Leute, die sie auf Reisen durch Südafrika, den fernen Osten und Ost-Europa getroffen haben, die sie inspiriert haben. Der Kulturschock beeinflusst ebenfalls ihre Musik. In den Metropolen von China und Korea, entdeckten Dan und Alexei Straßen, dicht bestückt mit Bars und Shops aus denen verschiedene Klänge der blechernen Pop-Musik in selber Lautstärke dröhnt, deren Fassaden von hellen, blinkenden Lichtern beleuchtet werden. Die daraus resultierende Kakophonie wird beschrieben als “renao” (was grob übersetzt “heiß”, aber auch “geräuschvoll” bedeutend), was Chinesen als etwas Positives ansehen. “No Feelings” der klimatische und letzte Song des Albums billigt keinen Nihilismus oder die Tilgung von Emotion. Stattdessen zelebriert es die Freude ein unbeschriebenes Blatt zu sein, offen für solch fremde Erfahrungen; es versucht also diese Reizüberflutung durch das Fönen der White-Noise Gitarren im Zentrum des Songs zu reproduzieren. “Sound Kapital” wurde im verfallenen Studio der FURS in Montreal in kürzester Zeit aufgenommen, poliert und geprobt, anschließend für die Nachwelt konserviert von Langzeit-Produzent Howard Bilerman und Arlen Thompson bei Hotel2Tango, gemixt von den finnischen Kumpels Antti Joas und Jonas Verwijnen bei Kaiku Studio in Helsinki und Berlin, und gemastert von Harris Newman bei Grey Market Mastering in Montreal. Fans, denen die früheren HANDSOME FURS Alben gefallen haben,

“Plague Park” (2007) und “Face Control” (2009), werden ohne Zweifel den klareren Sound und die Abstinenz langsamer Tempi bemerken. Dies ist auch gewollt. Auch wenn sie über hässliche Wahrheiten singen, wollen Dan und Alexei zunehmend Hörer mit Hoffnung instillieren – oder zumindest den Ansturm an Endorphinen, der das kräftige Tanzen begleitet.

Kalt, fremd und gefühllos? Wohl kaum. “Sound Kapital” ist heiß, geräuschvoll, Reizüberflutet… und bereit, es mit der Welt aufzunehmen.

HANDSOME FURS on Tour:
18.09.2011 Münster - Gleis 22
21.09.2011 Köln - Blue Shell
22.09.2011 Hannover - Glocksee
23.09.2011 Hamburg - Reeperbahnfestival
24.09.2011 Berlin - Berlin Independent Night
26.09.2011 München – Kranhalle
27.09.2011 Stuttgart - Schocken

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AZUL nennt sich das dritte Album der gebürtigen Brasilianerin und Wahl Konstanzerin Bê, ein Album das der blauen Stunde huldigt, der Zeit der Dämmerung, wenn die Schatten lang werden und die Gedanken in die Ferne schweifen. Songs mit denen Betina Ignacio, die ihre Freunde schon seit Kindesbeinen Bê nennen, ihre Selbstfindung mit uns teilt und das Beste der beiden Welten, die sie ausmachen, zusammen führt. Als Tochter einer deutschen Mutter und eines brasilianischen Vaters, wuchs sie in Monte Azul, Sao Paolo auf, durch eine schwere Krankheit im Teenageralter vom Leben geprüft und nennt doch ihre Karriere als Sängerin und Songwriterin ihre grösste Herausforderung. „Ich hatte zwar Gelegenheit durch eine Theaterausbildung und die Arbeit als Model für u.a. Strenesse viel Selbstbewusstsein zu entwickeln, aber als Sängerin mit der Musik Eins zu werden, war ein viel längerer und von Zweifeln behafteter Prozess.“ Mit diesem Album ist sie angekommen. Reife und Gelassenheit prägen ihre Gedanken und somit auch ihr Werk. Wenn Bê über den Ursprung dieser Gelassenheit spricht, gerät sie ein wenig ins Schwärmen. „Die ersten beiden Alben tragen eher das Prädikat „speziell“, weil sie aufwendig in Brasilien, Deutschland und in den USA produziert wurden. Azul dahingegen ist komplett am Wasser, am Meer komponiert worden! Ganz nah dran am Ursprung, ohne großen Technikaufwand. Die Stücke haben so viel Tiefe, Harmonie und Sehnsucht; so war für mich klar, dass nur dieses Wort, diese Farbe Azul (Blau) dem Rechnung tragen kann.“

Wenn man Bê nach ihrem Sound fragt, erwähnt sie stolz die Jazz und Samba
Einflüsse ihrer Kindheit: Gilberto Gil und Al Jarreau prägten die Jahre, die sie neben
dem Radio ihres Vaters in Sao Paulo verbrachte. Sie scheut aber auch den Begriff
Pop nicht. Und das hört man. Songs wie „Yeneney“, der nicht zufällig an eines ihrer
Vorbilder Sade erinnert, oder die Single „Rhythm Of The Sea“ strotzen vor
Eingängigkeit und Pop-Appeal. Brasilien Klischees lassen grüssen, schwer der
Spagat zwischen Tradition und Leichtigkeit. Es stellt sich die Frage, wie man dem
Publikum hier zu Lande vermittelt, was diese Mischung ausmacht, ohne in der Latin
Ecke zu landen? Bês Antwort darauf ist so selbstbewusst, wie berechtigt: „Mit
Wärme und Nähe!“. Sie „spielt“ und kommuniziert mit ihrem Publikum. Sie bringt das Meer mit. Da muss jede Skepsis guter Laune weichen.

Wie bei den beiden vorangegangenen Alben entstand auch AZUL zusammen mit
ihrem Mann Marquinho da Silva, getragen von einer sensiblen Balance zwischen
Privatleben und Musik. Auch hier setzt Bê auf ihr Credo „Wärme und Nähe“ und
lächelt milde wenn sie die endlosen Autofahrten von Konzert zu Konzert und die
zärtlichen Kabbeleien bzgl. Bühnenoutfits oder Textzeilen beschreibt. Ihre
Fröhlichkeit bleibt ihr treuester Berater und so schafft sie das als Ehefrau, Mutter und Künstlerin immer sie selbst zu bleiben.
Mit dem Engagement für Monteazul hat sie sich einen Lebenstraum erfüllt und
unterstützt die seit 30 Jahren bestehende Organisation mit einem Teil der
Einnahmen aus ihrem musikalischen Schaffen und als Botschafterin mit ihren
zahllosen Besuchen vor Ort, in den Favelas Sao Paolos. Keine Show bei der sie
nicht auf Website und Engagement des NGO hinweist, in dem ihre Eltern
Gründungsmitglieder sind. Kein Wunder, denn die Geschichte dieser Kinder könnte
ihre sein und so gibt sie zurück, was sie an Glück in ihrem Leben erfahren hat.
So ist „Azul“ nicht nur ein Album, es ist ein Manifest der harmonischen Verbindung
von Gegensätzen. Musik für die Zeit zwischen Tag und Nacht, zwischen Hell und
Dunkel, für die Macht der Poesie im Alltag, für die blauen Stunden eben!

Weitere Informationen: www.be-musica.com
www.facebook.com/Be-Betina-Be-Ignacio
www.be-musica.com

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SPV freut sich bekannt geben zu können, dass CHRISTIAN HAASE (haase & band) einen weltweiten Plattenvertrag mit SPV Recordings/SPV unterschrieben hat. Das neue Album mit dem Titel “die besseren Zeiten“ wird im Oktober 2011 erscheinen.

Als Erbe deutscher Rockmusik scheint Christian Haase, gerade mal 30 geworden, der Sohn vieler Väter zu sein. Dass dabei mehr herauskommt als ein Aufguss traditionell bekannter Songwriter - Stilistiken, beweist er eindrucksvoll auf seiner neuen Platte „die besseren Zeiten“. Die Band mit Tina Powileit (Schlagzeug), René Schostak (Gitarre) und Daniela Schwabe (Bass) spielt ihrem Frontmann dabei den Rücken frei und vertraut geradlinig auf die Dichte von Haases Texten. Das Album wurde aufgenommen und produziert von René Schostak im Mugwort-Road-Studio Berlin, gemischt von René Schostak in Zusammenarbeit mit Tommy Remm (u. a. Jeanette Biedermann, Silbermond, Texas Lightning) im Valicon Studio III. Frank Uhle (General Manager SPV) kommentiert: „haase & band“ haben sich bereits über viele Jahre im Live-Bereich einen hervorragenden Ruf erworben. Das vorliegende neue Album ist ein im besten Sinne konventionelles Stück Rockmusik, das ohne überflüssige Schnörkel durch textliche und musikalische Authentizität überzeugt.“

Christian Haase ergänzt: „Als Musiker ist es schwieriger denn je geworden, eine Plattenfirma zu finden, die ein echtes Interesse daran hat, zusammen mit ihren Künstlern Konzepte zu entwickeln, die auf Langfristigkeit und Nachhaltigkeit setzen, statt auf kurzfristigen Profit. Dass SPV genau dies tut, imponiert mir sehr und bestätigt mein Gefühl, bei dieser Firma ein langlebiges Zuhause zu finden. Das Haus ist gebaut … jetzt richten wir es ein.“

( Das Bild zeigt Christian Haase mit seinem Manager André Kemnitz-Voigt (links) und SPV General Manager Frank Uhle. )

VÖ: 08.07.2011

XL Recordings / Beggars Group / Indigo

LC: 05667

Von dem 60s-infizierten, ungestümen Garage-Rock, den sie noch auf ihrem 2007er Debüt zelebrierten, haben sich The Horrors auf ihrem nunmehr dritten Album „Skying“ meilenweit entfernt. Schon an der Länge der Songs lässt sich der Wandel ablesen. Wurden drei Minuten anfänglich kaum überschritten, gibt es auf „Skying“ kein Stück mehr, das kürzer als vier wäre. Stattdessen schreitet die fünfköpfige Londoner Band weiter auf dem Pfad voran, den sie mit ihrem Mercury-Prize-nominierten Zweitling „Primary Colours“ von 2009 eingeschlagen hat: elegische und ausladende Kompositionen von beeindruckender Intensität. Das Tempo ist dabei noch reduzierter, bewusst befremdende Soundelemente bleiben weitestgehend außen vor und eine feierliche Erhabenheit manifestiert sich als Leitmotiv dieses akustischen Glanzstücks.

Zu völliger Entfaltung kommt der Sound in der Single „Still Life“, die wie die Hymne einer versunkenen Pop-Ära wirkt, in der sich der Wave-Sound der 80er aufmachte, die Stadien zu erobern. Auch Stücke wie „I Can See Through You“ oder „Endless Blue“, einer der wenigen neuen Songs, bei denen The Horrors das Tempo anziehen, spielen mit musikalischen Zitaten vergangener Großtaten - ohne dabei Gefahr zu laufen, Sounds lediglich zu reproduzieren. Vielmehr entwirft die Band aus psychedelischen und romantischen Elementen eine Musik zwischen Shoegaze und klassischem Indierock, der das offensichtlich ungeheure Panorama ihres gegenwärtigen Standpunktes einfängt und in Musik verwandelt.

„Skying“ wurde von The Horrors in ihrem Londoner Studio selbst aufgenommen und produziert. Den finalen Mix übernahm Grammy-Gewinner Craig Silvey (u.a. Arcade Fire, The Magic Numbers, Anna Calvi). Bevor Faris Badwan (Gesang), Tom Furse (Keys), Joshua Third (Gitarre), Rhys Webb (Bass & Keys) und Coffin Joe (Drums) voraussichtlich im Herbst nach Deutschland kommen, spielen sie Mitte Juni ihre ersten – bereits ausverkauften – Shows zum neuen Album in UK.

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Lieber Popfan,

Lange ist es her, dass wir diese Stadt verlassen haben. Berlin, Berlin, immer nur Berlin. Motivsichere Projektionsfläche fürs Wochenendmagazin der Süddeutschen Zeitung, Hassobjekt einer jeden Anti-Gentrifizierungsgruppe und – bei aller Liebe, Ihr Neider in Bonn, der einzige urbane Ort in Deutschland, an dem es sich mit schmalem Geldbeutel immer noch irgendwie aushalten lässt, vor allem wenn man so gar keine Lust auf Lohnarbeit hat.

Nun tun wir es erneut – und zwar gedanklich Richtung Norden, körperlich gen Westen. Nach der “Operation Pudel 2010″ und ANDREAS DORAU erscheint erneut frisches Material aus Hamburg-City!

Nämlich von ZWANIE JONSON

In den Neunziger Jahren hielt er noch am Schlagzeug die Livekonzerte der Hip-Pop-Formation DIE FANTASTISCHEN VIER zusammen. Seit vielen Jahren kennt man ihn als Trommler der norddeutschen Pop-Hopper FETTES BROT. Aber was heißt schon kennen, da spielt eben jemand Schlagzeug. Und es sitzt seit Jahren eben derselbe Typ hinter den Beckenständern und Trommeln versteckt.

Schon immer aber schrieb Zwanie Jonson eigene Songs, oder spielte auch schon mal das ein oder andere Instrument im Studio ein. Wozu als Profischlagzeuger und Multiinstrumentalist noch so Zeit bleibt.

Denn wissen Sie, nur weil jemand in einer Band Schlagzeug spielt, heißt das ja noch lange nicht, dass er für andere musikalische Aufgaben zu doof wäre. Fragen Sie sich doch noch mal, warum Sie den Beruf ausüben, den Sie gerade ausüben. Sie hätten ja auch Bundeskanzlerin werden können. Nicht ausgeschlossen also, das Typen wie Mozart oder Beethoven heute auch ihr Geld als Drummer in irgendeiner Band verdienen würden. Welcher Teenager würde schon eine ganze Symphonie kaufen?

Nun denn, ein gewisser DJ Koze war jedenfalls im Jahr 2007 so begeistert von Jonsons Solomaterial, dass er eigenes für ihn das Label Hoobert gründete und das erstes Solo-Album herausbrachte. Ja, doch: Googlen Sie das ruhig mal nach!

Obwohl, so ganz stimmt das auch wieder nicht: Zwanie hatte schon in den 90er Jahren auf dem legendären Hamburger Yo-Mama-Label unter dem Pseudonym Butter ein Album herausgebracht, aber wir wollen mal nicht so kleinlich sein: Das hat damals aber bedauerlicher Weise kaum jemanden interessiert.

DJ Koze lebt mittlerweile irgendwo in Spanien und betreibt von seiner hübschen Veranda aus das Technolabel Pampa: „DJ, bleib bei Deinen Scheiben“. Und so kam schließlich staatsakt. ins Spiel und wir kommen an dieser Stelle zurück zu den Tönen:

Denn Zwanie Jonson macht eine so unfassbar beseelte wie entspannte Musik, wie sie seit JJ Cale kaum mehr möglich schien.

Wir glauben, wir kennen tatsächlich gerade wirklich niemand anderen, der in der Lage ist, solche tolle, einfache wie hoch-komplexe Songs zu komponieren, sie nahezu im Alleingang einzuspielen und zu produzieren!

Die Idee von Pop, oder Soul oder Folk, die in dieser Musik steckt, erfüllt einen in jeder Sekunde mit einer unendlichen Wonne. In dieser Musik gibt es keine modischen Sounds. Hier geht es nicht um Style. Hier gibt es einfach keinen neuen Trend herauszuhören… Das ist Musik! Und sie garantiert ist nicht retro oder post-irgendwas! Das sind goldene Songs! Hergestellt aus dem gleichen Trödel wie all der andere Schrott! Aber sie leuchten und leuchten!

Und sie berühren uns gerade mehr als etwa (Achtung, Zeitgeist!) Mahlers Symphonien oder James Blakes Joni Mitchell Coverversionen.

Presstage:

21.07. Hamburg

22.07. Berlin

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RIVAL SONS aus Kalifornien sind in den USA schon lange kein Geheimtipp mehr, in den Itunes Charts bereits in der Kategorie “Hotly Tipped for 2011″, im Rock Magazine werden sie als die “Newcomer 2011″ announced und das Classic Rock Magazine hat die Band bereits zu den “Ones To Watch 2011″ hervorgehoben.
Auch in Deutschland gibt es seit Wochen euphorische Presse:
Album des Monats im ROCK HARD, 7 von 7 möglichen Punkten im METAL HAMMER, Platz #2 im VISIONS Soundcheck!!
„Die Rival Sons lassen mit ihrem Classic Rock die Siebziger aufleben“, findet die VISIONS. Das jüngst erschienene Debütalbum (24.06.2011 / Earache Records/Soulfood) der jungen Kalifornier mit dem Titel “Pressure And Time” klingt jedenfalls wie eine modernisierte Fassung des klassischen Rocks der Siebziger Jahre. Man denkt unweigerlich an die Led Zeppelin, aber auch den Bluesrock der Cream oder die legendären Mountain sowie die jüngeren Wolfmother kommen einem in den Sinn.

Gut gemacht ist das jedenfalls, was die Rival Sons da roh und ungeschliffen unters Volk jubeln: Classic Rock, Bluesrock. Angeführt von Sänger Jay Buchanan mit einer prägnanten Stimme dengeln sich die Vier durch ihr Repertoire. Wie hier im Video bestens unter Beweis gestellt wird:
http://www.tape.tv/musikvideos/Rival-Sons/Pressure-Time

In den Album-Verkaufs-Trends stiegen die Jungs von Rival Sons am Freitag bereits auf #59 ein.

Am Donnerstag den 30.06. liefern die Jungs nun ein Showcase in Berlin, im Asphalt, in der Mohrenstraße 30 (In Mitte)!
Eine einzigartige Chance die Kalifornier endlich live zu erleben!
- Einlaß 22h - Showcase 23h!

Am Freitag performen Rival Sons auf der VISIONS Party im FZW in Dortmund

Fragen und Gästelistenanfragen für Medienpartner: matthias@revolverpromotion.de

Mehr Infos zur Band unter www.rivalsons.com und www.myspace.com/rivalsons

VÖ: 19.08.11

Studio Babushka / Rough Trade

Das Schöne an Popmusik ist ja, dass sie einen immer wieder überrascht. Immer dann, wenn man glaubt, alles gehört zu haben, haut sie einem etwas Gewaltiges um die Ohren, dass es scheppert!
Enik ist einer dieser Künstler, die mit größtem Vergnügen Rahmen sprengen. Für die es selbstverständlich ist, Stile zu vermengen, als gäbe es keine Genres. „Kunst lebt von Kontrasten“, sagt der 30-Jährige, der Musik macht, seit er denken kann. So lässt er in seinen Videos alte, dicke Männer abrocken oder platziert schon mal eine Drag-Queen im Wald. „How To Trash Expensive Cars“ heißt der explosive Opener seiner neuen Platte. Ein Titel voller Gegensätze, mit einem Sound voller Gegensätze. Da tanzen Synthies und Stimmverzerrer Pogo mit dem jaulenden E-Gitarren-Riff, darüber wirft sich Eniks extrovertierter Gesang, den er selbst humorvoll als„Ausdruckstanz“ beschreibt. Der schrille Indie-Pop des Münchners schlägt Alarm. Hierzulande und überall. Er ist ein Ausrufezeichen in der Musiklandschaft.
Der wunderbar bizarre Titel „I Sold My Moon Boots To A Girl From Greece“ markiert Eniks zweites Soloalbum, das physisch herausgebracht wird. Davor sorgte er mit seinem Debüt „The Seasons in Between“(Labels/EMI) 2006 für Furore. Ausserdem entstanden zwei EPs („Without A Bark“, wonder rec., „Antenna“ Labels/EMI) sowie Kooperationen mit dem Elektroduo Funkstörung (K7!), mit dem er erfolgreich durch fünfzehn Länder tourte und viele neue Fans aus aller Welt gewann.
Mit seinem neuen Album, das „mehr nach draußen will“, wie Enik sagt, hat er Klarheit gesucht und einfache Schönheit gefunden. „Ich habe mich lange genug mit komplexen Dingen beschäftigt, egal ob akustisch oder elektronisch“, erzählt er. Und tatsächlich kamen seine früheren Songs vertrack- ter, sperriger, elektronischer daher. Nun widmete er sich den großen Songwrit- ern, also den Dylans, Reeds, Caves und Cohens dieser Welt statt wie früher Aphex Twin oder Frank Zappa. Ein Umbruch für den Komponisten und Multiinstrumentalisten.
Ein Umbruch, der deutlich zu hören ist. So ist die Platte, die Enik selbst produziert und in seinem Studio fast im Alleingang eingespielt hat, durchzo- gen von starken, mitunter reduzierten Songs im Stile eines eindringlichen Songwriters. Intensive Balladen wie „People Are Bad“, „Wasting Beauty”, „Shake Off Your Past” oder „Get Me Laid In San Francisco” bringen die vielleicht größte Stärke des 30-Jährigen auf den Punkt: ehrliche Gefühle und unendliche Liebe zur Musik.
Daneben gibt es jene Songs, die vor massiver Energie strotzen wie „The Monkey Wheel“, „Anti Anti Anti“ oder „The Place My Songs Came From“. Schrill, schräg, schön - das gilt auch für Eniks „neurotische Version“ von The Cures.

Übrigens: „Anti Anti Anti“ war der offizielle Titel-Song für den aktuellen “Red Bull District Ride” - und wird seitdem von Fans gefeiert!

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Heiß, heißer, THE FIREBIRDS! Deutschland steht in Flammen, wenn die fünf sexy jungen Herren aus Big Town L.E. zu ihren Instrumenten greifen und die Massen regelmäßig zum Kochen bringen. Getreu dem Motto „Rock ist die beste Medizin“ wird alles gnadenlos zum Schmelzen gebracht, was nicht bei Drei den Saal verlässt.

Einst als Schülerband in den Hinterhöfen des Leipziger Undergrounds gegründet, war schnell klar, dass die Hofkatzen nicht das einzige Publikum bleiben würden. Die rhythmische Herrschaft über Sachsen (und seine Frauen) lautete die Mission. Dafür waren alle Mittel recht. Auf Beat komm raus wurden Tolle und Koteletten nach den gemeinen DIN-Normen kultiviert und der Sexappeal bedrohlich gesteigert.

Nach knapp zwei Jahrzehnten stehen Alex, Guido, Konrad, Massa und Krusdy heute für professionellen und unwiderstehlichen Rockabilly Sound der Extraklasse, der die Schwangerschaftsrate bereits über Sachsen hinaus nachweislich enorm nach oben schnellen lässt.

Schuld daran sind neben einzigartigen Interpretationen des Rock’n’Roll Sounds der 50er und 60er Jahre vor allem die perfekte Show und das Entertainment, die den Suchtfaktor nach den Jungs ausmachen. Ganz zu schweigen von dem Sinne raubenden Charme der fünf Feuervögel.

Davon können auch Weltstars wie Chuck Berry, Bill Haley’s Original Comets und die Rock- und Country-Legende Wanda Jackson ein Lied singen. Sie durften bereits mit den Firebirds auf Tuchfühlung gehen und wurden dabei erbarmungslos mit dem Virus infiziert. Auch die übrigen Listen von Betroffenen können sich sehen lassen.

Doch damit nicht genug!

Es ist nun an der Zeit, ganz Deutschland in Flammen zu setzen und zu zeigen, wo der Beat die Tolle hat. Dafür haben sich die Jungs aus dem Wild Wild East auf den Weg gemacht und beim Team um Kollege Dick Brave (André Tolba/Stephan Baader) angeheuert. Nach zwei Jahren intensivster Arbeit erscheint nun ein Album, das die Herzen im Sturm entflammen wird. Mit den neuen 15 deutschsprachigen Titeln (11 Coverversionen und 4 eigene Songs) werden in höchst vollendeter Rockabilly-Manier gänzlich neue Pfade beschritten.

Für diese sächsische Rock’o’Mania gibt es keinen Feuerlöscher!

Die Zeit ist reif für die FIREBIRDS!

Rock’n’Roll, Baby!

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VÖ: 25.02.11

Jackalope Records/The Orchard

MEMOIRS FROM THE AFTERLIFE MEMOIRS FROM THE AFTERLIFE “To be modern is to experience personal and social life as a maelstrom, to find one’s world in perpetual disintegration and renewal: to be part of a universe in which all that is solid melts into air” Marshall Berman Jim Kroft is in no mood for half measures and is coming out of the lunatic fringe wild and frenzied and swinging blindly. An independent artist living in Berlin, Kroft chronicles life in the 21st century and the adventures of his own spirit. Widely unknown in Europe, he considers himself in exile from the UK. His debut album was released in July 2010 and made considerable impact on the blogosphere before returning swiftly to obscurity. “Kroft is a genuine talent” There Goes The Fear New song Memoirs from the Afterlife is like Esthers staircase set to music. The same melody migrating through different key´s, a paradox leading endlessly back on itself. In this way it attempts to portray the shifting realities facing modern man. The song posits that in the myriad of uncertainties, the polarization of ideas and the morphing of cultures, understanding can only come through acquiescence before the great tide of things. Before leaving the UK, Kroft conducted a series of interviews with men he considers luminaries (James Lovelock (Gaia Theory) & Colin Wilson (The Outsider)). Filled with their revelations and insights, he decided that a life of austerity and discipline would be the only way to ever make a valuable contribution to the great debate. In Berlin he underwent an alternate education for the modern songwriter. One that seeks knowledge from the traditions while keeping atop the crest of the new. Manically back to front and filled with half digested wisdom, Memoirs From The Afterlife (produced by Laura Marling drummer Matt Ingram) will be released on the 21st February 2011 on Jackalope Records. One of the last songs to be mixed at Ray Davies´s famed Konk Studios (by Richard Wilkinson (Adele/Kaiser Chiefs)), the hand printed silk screen artwo´rk comes courtesy of Berlin´s Sunst Brothers. Memoirs from the Afterlife is Krofts latest hunderbolt from the underground.

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Staatsakt/Rough Trade

Die großartigen Locas In Love veröffentlichen im Juli ihr neues Album „Lemming“. Für die Kölner Indie-Rock-Band gilt schon lange: Bitte berühmt werden!

Bald auch in deiner mündlichen Abiturprüfung: Locas In Love. Foto: Band
Es heißt jetzt also: warten. Fünf Jahre ist es her, dass ein Album namens „Saurus“ die Herzen der Indie-Rock-Hörer im deutschsprachigen Raum verzückte. Locas In Love hieß die Band, kam aus Köln und vereinte auf ihrer Platte wunderbar poppig-rockige Melodien mit intelligenten, lakonischen, ja: wundervollen Texten. „Ich habe eine lange Liste von Leuten, mit denen ich etwas klarzustellen hätte“, sang Björn Sonnenberg, „von Aussprachen, für die es jetzt zu spät ist, von Witzen, die mir zu spät eingefallen sind, von Malen, wo ich besser meinen Mund gehalten hätte“. Sonnenberg sang dies derart betörend, dass man miteinstimmen wollte, wenn er herzzerreißend schnoddrig verkündete: „Und sie wird immer länger und ich kann nichts vergessen und bin furchtbar besessen.“
Es ist nicht bloß, dass jeder solche Listen problemlos aufstellen könnte. Es ist der Charme, mit dem Sonnenberg diese Liste besang, und die Tatsache, dass dieses Lied ausgerechnet den Titel „Monkey“ trägt. Humor is in the house, und zwar äußerst liebenswürdiger Humor. So ist das bei Locas In Love.

So viel Liebenswürdigkeit ist der Musikpolizei natürlich verdächtig. Liebling bleibt nur, wer in möglichst kleinen Clubs spielt. Das galt auch für Saurus: Weil die Platte nicht das große Publikum eroberte, blieb Locas In Love die Rolle der Indie-Lieblinge. Zu viel Erfolg macht im Indie-Rock verdächtig. Dabei ist das der größte Blödsinn überhaupt: diese Schubladen. Locas In Love hätten es verdient, das große Publikum zu erobern. Weil es nie schlecht ist, wenn Liebenswürdigkeit betört. Auch auf dem Saurus-Nachfolger „Winter“ blieb die Band dieser Liebenswürdigkeit treu. Deshalb gilt für „Lemming“ und die noch heimliche Kölner Lieblingskapelle: Bitte berühmt werden! Sie hat es verdient.
Vielleicht ist „Lemming“ ein passender Titel für die neue Platte, die im Juli erscheint. Er erinnert an ein 90er-Jahre-Computerspiel. Da musste man seine Lemminge möglichst sicher und ohne abzustürzen durch die Level lotsen, sie wohlbehalten ans Ziel, zum nächsten Ausgang bringen. Das sei auch Locas In Love gegönnt: Erfolg zu haben, und die Indie-Rock-Gemeinde mitzunehmen. An all die schönen Orte, die die Band besingt. Zum Beispiel in dem alten Song „Wartezimmer“, den es als kostenfreien Download auf der Bandhomepage gibt. „Wir fahren irgendwo hin, wo es Glühwürmchen gibt, und besseres Wetter“, singt Stefanie Schrank darin. Eines ist sicher: Locas In Love leuchten bereits.

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Vor einiger Zeit sagten jona:S von sich selbst, dass sie deutschen Rap von der Straße geholt und ihm Tanzschuhe angezogen hätten. Mit ihrer neuen EP „Grau“ (VÖ 17.06) zeigen sie uns, was aus ihrem ehemals besten Freund in der Zwischenzeit geworden ist.
“Es ist vorbei…! Scheiß auf Junimond lass Träume zu Ende gehen,
zieh die Klamotten aus und dusch dich im Novemberrain“
Eine ehrliche Aufforderung, die Vergangenheit hinter sich zu lassen und alles anders zu machen, als sein Umfeld erwartet.
In den letzten 2 Jahren hat sich die frühere Deutsch-Rap Band jona:S eine neue Klangästhetik geschaffen, die sich vor vertrackten Beats genauso wenig verschließt wie vor Synthie-Pop Pathos. Hier flirtet roher Liveband Sound mit nackter Alltagslyrik. Die Giessener haben das Selbstbewusstsein sich dem Pop zu öffnen. Wer meint deutscher Rap sei tot, der hat vergessen, dass er vor seiner Beerdigung einige Nachkommen hinterlassen hat. Auch wenn die Schale anders aussieht, die Sprache, die Attitüde und die Gabe in Bildern zu erzählen, hat vielleicht mehr mit Rap zu tun, als die Jungs selbst zugeben würden. Der Band geht es nicht um Genres sondern schlicht um den Anspruch gute deutsche Musik zu machen.
Ohne erhobenen Zeigefinger erzählt jona:S aus dem Leben ohnmächtiger Wohlstandskinder, herumkriechender Großstadtneurotiker und verpassten Chancen - verbunden mit dem Wunsch sich irgendwo festhalten zu können. Doch wer Lebensweisheiten, Selbstmitleid oder Ratschläge erwartet, wird enttäuscht. Die Songs sind Beobachtungen und Reportagen aus dem Leben tragischer Alltagshelden. Sänger Jonas Schubert lässt die Hosen runter und hält seiner Generation den Spiegel vors Gesicht und kommt auf ein simples Fazit: „Schwarz und weiß sind grau und alle anderen Farben auch.“
Klingt nach Weltuntergangsstimmung. Ist es aber nicht! Sozialkritisch ist „Grau“ nur für den, der es zulässt. Immer dann, wenn es für einen Moment melancholisch wird, kratzen jona:S die „Trauerränder von ihrer Emoplatte“ und ein treibendes Beatgerüst holt die Jungs zurück auf den Boden der Tanzfläche.

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Belgien: Schon immer weit mehr als das Land der Pommes und Pralinen. Wer sich mit der Geschichte europäischer Subkultur beschäftigt, der weiß um den eigenwilligen, charakteristischen und jederzeit individuellen Stil der Modemacher und Schmuckdesigner, Maler und Bildhauer, Autoren und Filmemacher aus Brüssel, Antwerpen oder Gent. Gleiches gilt für die Musik. Seitdem dEUS in den frühen 90ern mit ihrem Debüt „Suds & Soda“ durchstarteten, dieser vor mutiger Entschlossenheit, Eigenständigkeit und Leidenschaft überbordenden Initialzündung einer höchst kreativen belgischen Indie-Szene, kam so manche – leider oftmals sträflich versteckte – Überraschungsperle zwischen Indie, Noise, Elektronik und Pop aus Belgien. Von Anbeginn gehörte auch Daan Stuyven dazu, von Haus aus ein Grafik-Designer mit einem Faible für schräg hängenden Pop und einer charismatischen, tiefen Stimme, die The Thes Matt Johnson ebenso zur Ehre gereicht wie dem Johnny Cash aus der „Folsom Prison“-Ära. Sein ruppig-kantiges, in seiner Symbiose aus Sampling und Indierock ziemlich einzigartiges Solodebüt „Profools“ erschien mitten in diese erste Begeisterung ob des neuen belgischen Subkultur-Sounds. Der Eingeweihte erinnert sich: Aus der dEUS-Urbesetzung ging Mitte der 90er eine Vielzahl von Bands und Projekten hervor; während Sänger Tom Barman mit dem Mutterschiff weitermachte, gründete Bassist Stef Kamil Carlens Zita Swoon und entwarf Mode. Gitarrist Rudy Trouvé etablierte sein ‚Heavenhotel’-Label, um dort fast im Monatsturnus irre Platten jenseits aller Genres zu veröffentlichen; darunter eben auch Daans „Profools“ sowie die ersten Veröffentlichungen der Rockband Dead Man Ray, in der Trouvé und Stuyven gemeinsam nach einer neuen Ausdrucksform bluesiger Schwermut suchten. Rund eineinhalb Jahrzehnte später blickt Daan Stuyven auf eine kuriose Situation: In seinem Heimatland mittlerweile ein sicherer Lieferant für kommerziell erfolgreichen klanglichen Individualismus, der Top Ten-Hits ebenso zielsicher entwerfen kann wie außergewöhnliche Filmmusik zu Doku- und Spielfilm-Projekten, beginnt er seine Karriere nur eine Landesgrenze weiter nahezu von vorn. „Ich hatte jahrelang kein richtiges Management und habe mich selber viel zu sehr auf den künstlerischen Teil konzentrieren wollen, als dass ich das Geschäftliche noch hätte miterledigen können“, erklärt er. „Außerdem lief es doch gut hier in Belgien.“ Stimmt: Ab seinem zweiten Album „Bridge Burner“, mit dem er begann, die Schnittmenge aus Indie, Pop und geschmackvoll rollender Elektronik auszuloten, war Daan weit mehr als nur der nächste heiße Tipp. Mit der Single „Swedish Designer Drugs“ gelang ihm sein erster Single-Hit – dem mit dem nächsten Album „Victory“ gleich drei weitere folgten und dem Album zu Goldstatus und Daan zu seinem ersten Zamu Award für das „beste Album des Jahres“ verhalfen. Mit „Victory“ integrierte er vorsätzlich das Element des Kitsches in seinem elektronischen Indiepop- Sound – und nahm damit in seiner ganz eigenen Weise den Electroclash-Hype einige Jahre später vorweg. Doch Daan wäre nicht er, wenn er im Anschluss einfach nach dem nächste Hit gefahndet hätte. Stattdessen erschienen mit „Cinema“ und „Camera“ erst einmal zwei aufwendig gestaltete, inhaltlich überragend vielseitige Zusammenstellungen seiner Filmkompositionen, bevor er mit „The Player“ ein weiteres Album vorlegte, das gleich mehrere erfolgreiche Singles abwarf. „Ich muss als Künstler vor mir immer etwas Mysteriöses, Unausgereiftes und Neues haben, damit mein Interesse konstant und intensiv bleibt“, sagt er. „Ich könnte nie ein Album machen, das von der Idee oder dem Sound her auf dem Vorgänger basiert. Ich brauche das fortwährende Experiment und das Gefühl, ständig etwas zu tun, was ich noch nie gemacht habe. Die Frage: ‚Was wäre, wenn?’ begleitet mich ununterbrochen beim Musikmachen. Das einzige, was sich dabei über die Jahre geändert hat: Man wird subtiler in seinen Mitteln. Es muss nicht mehr die Brechstange sein, die die Veränderungen ankündigt. Auch ein Dietrich öffnet jede Tür.“

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„The waving ones are us, don’t you recognize me, been waiting here for years, for someone to guide me home […] we trust that everything is falling into place” - The waving ones

Auch das vierte Album „Falling Into Place“ bekommt für CD + Vinyl den Release-Monat April (15.04.2011). Zwei Jahre nach „The Ground Below“ deutet zumindest der Titel der neuen Platte von Clara Luzia (Asinella Records / Hoanzl) auf ein Werk hin, bei dem sich alles zusammenfügt.

Vielleicht ist unter anderem das Vertrauen auf die eigenen Produktions-Fertigkeiten ein kleiner Teil des neuen, fertigen Bildes, des gelungenen Puzzles „Falling Into Place“. Denn produziert wurde das neue Clara-Luzia-Album diesmal vorwiegend in Eigenregie von Clara Luzia und ihrer Band (Ines Perschy: Drums, percussion, backing voc / Heidi Dokalik: Cello, backing vocals / Max Hauer: Piano, guitar, bass, ukulele, percussion) mit Unterstützung eines „Ohrs von außen“, nämlich Hubert Mauracher (Mauracher, Ping Ping), der gemeinsam mit Philipp Staufer (Soundengineering, Mixing) für den warmen, erdigen Grundsound der Platte – und die hervorragende Stimmung während des Produktionsprozesses - gesorgt hat.

Doch kein Aufschwung ohne Fall. „The greatest fear is yet to come.“ Beim Opener „We can only lose“ sucht man noch vergeblich nach Zuversicht, Glückseligkeit oder innerem Frieden. Dieser schwermütige Song markiert einen Wendepunkt. Hier beginnt die Geschichte von der Neurodnung des eigenen Lebens, die schlussendlich mit dem Titel „Falling Into Place“ ein versöhnliches Ende findet. Es geht um das Spannungsverhältnis zwischen Verzweiflung und Zuversicht, Veränderung und Akzeptanz, Althergebrachtem und Neugelerntem – die innere Zerissenheit dazwischen und der Begriff Leben, der all dies umfasst.

„Love in times of war“ bricht beispielswiese die sehr komplexe Fragestellung der Widersprüchlichkeit des Menschseins an sich auf scheinbar Banales herunter. Auch das Unbehagen mit Konstrukten wie ‚Nation’ oder ‚Gott’ („Colours“) und sämtlichen Vorstellungen vom Ewigen Leben („Snowwoman“) werden thematisiert, ebenso das Thema Gier („How the mighty fall“). Die ewigen Fragen der Menschheit werden hier verhandelt, denn auch „The Scale“, das wieder und wieder daran gemahnt, dass Nehmen auch Geben impliziert, ist nicht erst heute aktuell.

Die innere Zerrissenheit an den Weggabelungen des Lebens ist bei „Release The Sea“ am deutlichsten spürbar: Eine Nordseeinsel im Februar. Kälte und Krankheit und die Frage, wie es weitergehen kann. Auf der Suche nach Ruhe wird das Chaos im Kopf immer lauter. Als Clara Luzia beim Arrangieren Max Hauer die Bilder vermittelt, die sie beim Schreiben des Liedes begleitet hatten, hat er seine Klavierparts innerhalb weniger Minuten beisammen. „Ich kann es immer noch nicht fassen, wie präzise er dieses Gefühlschaos auf den Punkt bringen konnte, mit welch großem Gespür er mein Wirrwarr in Musik übersetzt hatte,“ meint Clara.

Diese Platte entstand in einem musikalischen Freiraum, wo alles klingen darf, was klingen soll. So zitieren Heidi (Cello) und Roswitha Dokalik (Bratsche) in „Sink like a stone“ das jüdische Lied „Tsen Brider“ und heben dadurch die große Melancholie des Liedes, das todtraurig und doch lebensfroh zugleich sein will, auf eine noch höhere Ebene. Das besondere Zusammenspiel von Schlagzeug und Klavier macht „Love in times of war“ zum momentanen Bühnen-Favoriten der Band. Ines Perschy verleiht dem Song „The waving ones“ einen deutlich hörbaren Touch von eleganter Coolness und ohne die Cello-Spuren von Heidi Dolak würde „Frame“ immer noch an den Gitarren lastigen Inspriations-Song „Rialto“ von Laura Veirs erinnern. Für das Arrangement von „I Fall I Fall I Fall“ hatte Clara Luzia anfangs nur eine grobe Dynamik und Grundstimmung im Kopf, bis Max mit Ukulele, Baglama und Charango dem Song einen besonderen Charme verlieh.

Das neue Werk von Clara Luzia ist selbszitierend „eine Befreiung. Es ist kein Ankommen, aber ein Weg“ und ein Sich-fallen-Lassen an einen Ort, den sie selbst bestimmen kann. Auf diesem Weg begleitet sie wieder ein durchkomponiertes Artwork von Sarah Haas, und auch die Figur von Sadi Güran bleibt weiterhin an Clara Luzias Seite.

„Falling Into Place“ beantwortet eine ganze Menge Fragen und wirft dabei nicht weniger neue auf. Nicht zuletzt die, ob Clara Luzia „Forty“ in ein paar Jahren wird umbennen müssen: Diesen Song hat sie bereits mit 26 Jahren geschrieben - damals hieß er „Thirty“.

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VÖ: 17.06.2011
Staatsakt./Rough Trade

Andreas Dorau steht für intelligenten und humorvollen Pop, irgendwo zwischen Postpunk, Samplekunst und Clubmusik. Sein neues Album klingt wie eine Reise durch die gesamt Popgeschichte und spiegelt dabei doch völlig den Zeitgeist wider. Typisch Dorau eben.

“Todesmelodien” heißt das neue Werk und ist sein bisher dunkelstes und finsterstes Album geworden. Er setzt sich darin auf seine Weise mit Tod und Vergänglichkeit auseinander.
Was das Popgeschäft angeht, gibt es Kurzlebigkeit natürlich nur für die Verlierer: Stars und ihre Hits sind für die Ewigkeit und überdauern uns am Ende alle. Wer wüsste das besser als Andreas Dorau, der schon als Fünfzehnjähriger einen solchen Hit schrieb?

Nur folgerichtig erscheint uns, dass der Künstler gleich zu Beginn seines prämortalen Albums dem tragischen Musik-Produzenten Phil Spector Tribut zollt. Am 29.Mai 2009 wurde dieser wegen Mordes zu lebenslanger Haft verurteilt – sein Wall-Of-Sound (vgl. THE RONETTES “Be My Baby”) erklingt aber noch heute aus jeder Jukebox…
Spector ist eine Figur, die auf der Produzentenseite für die Popmusik ebenso wichtig ist wie Elvis Presley auf der Performerseite – und nun wartet er fatalerweise im Gefängnis auf seinen irdischen Tod. Seine Musik hat ihn gewissermaßen schon zu Lebzeiten überdauert.

Pop ist eben nicht nur Glamour – Pop ist auch ein Garant für die menschliche Tragödie. Allein deshalb scheint es nur allzu konsequent im besagten Album Opener “Größenwahn” im Spector-typischen Wall-Of-Sound die Hybris zu besingen: Irdische Anmaßung hat von jeher die Menschen ins Verderben getrieben – aber ein Stück weit gehört sie zur Popkarriere wie die Würfel zum Sensemann…

Dorau beschreibt uns in seinen Liedern die abstoßenden Flecken auf dem Pailletten-Kleid, jene schwarze Angst-Materie aus der ein Künstler einen Song erstrahlen lässt.
“Selbst korrupte, dumme Schweine: Alle werden Edelsteine” prophezeit uns so der zornige Popstar mit den Worten seines Freundes und Weggefährten Wolfgang Müller. Die Musik schuf das Hamburger Electro-Duo DIE VÖGEL (Mense Reents und Jakobus Siebels), die auch für die meisten Arrangements und Instrumentierungen die “Todesmelodien” Verantwortung übernehmen.

Den letzten metaphysischen Feinschliff erhielten die Stücke von Andi Thoma von MOUSE ON MARS.
Wo wir schon gerade beim Name-Dropping sind: Die himmlischen Studiochöre auf dem Album singt Inga Humpe.

Wenn dann “Stimmen in der Nacht” in einem nebulösen Electropop-Schlager davon erzählen, wie dem Protagonisten des nachts ein Geist erscheint, ist man endgültig im Netz der Dorauschen “Todesmelodien” gefangen.

Auf dem furiosen Album “Todesmelodien” wird nicht nur das Zwischenmenschliche politisch, sondern auch das Religiöse zur Privatsache. Und die Religion an die Andreas Dorau glaubt ist Pop.

Bevor sich dann in “Es war hell” das ganze Kunstwerk in ein flammendes Inferno zu verwandeln droht, bleibt uns am Ende immer noch die wundervolle Hitsingle “Gehen (Baby Baby)” aus der Feder von Carsten “EROBIQUE” Meyer. Beklagt wird hier der selbstverschuldete Verlust einer Liebe, aber immerhin ist dieser hochmütige, hedonistische, verfressene, geizige, immerzu neidische, sowie genusssüchtige und zornige, fauler alter Sack namens Mensch am Ende noch nicht gestorben. Er bekommt seine allerletzte Chance: Er kauft Doraus neues Album.

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Eines der neuesten Mute-Signings, S.C.U.M, veröffentlicht am 18.07.11 die erste Single aus ihrem am 09.09.11 erscheinenden Debüt Album.

‘Amber Hands’, wurde, wie das gesamte Album, in London mit Produzent Ken Thomas (bekannt für Arbeiten mit David Bowie, Clock DVA, TEST DEPARTMENT, THE COCTEAU TWINS, PSYCHIC TV SIGUR ROS) aufgenommen, und erscheint mit Remixes von Sonic Boom und Silver Apples und dem exklusiven Track ‘Fountains’. Erhältlich ist die Single als 12Inch und Download.

Vor zwei Jahren explodierte die blutjunge Band in der britischen Musikszene mit ihrer Debüt Single „Visions Arise“.
S.C.U.M sind Thomas Cohen (vocals), Bradley Baker (machines), Samuel Kilcoyne (mmog), Melissa Rigby (drums) und Huw Webb (bass) – wenn man so will Mute-Künstler der zweiten Generation: So firmiert Samuel Kilcoyne, auch als Sammy 7 – er ist der Sohn von, aufmerksame LeserInnen ahnen es bereits, Barry 7, vormals Mitglied von ADD N TO (X). Zudem war er einer der maßgeblichen Protagonisten der Londoner „underage“-Szene, die vor wenigen Jahren internationale Aufmerksamkeit erfuhr.

Die Band klingt wie eine zeitgemäße Version von Joy Division gekreuzt mit dem Pop Appeal von Hurts in einer Echo Kammer. Dunkel und majestätisch. Oder in den Worten des NME: “The cataclysmic pummelling of noise that accompanies them will turn people’s insides out.”

Nach einer ausgedehnten Europa Tournee mit THE KILLS werden S.C.U.M das europäische Festland zu folgenden Gelegenheiten bespielen.

27.06. BITTERZOET, AMSTERDAM (mit Big Deal and Beth Jeans Houghton)
28.06. BERGHAIN KANTINE, BERLIN (mit Big Deal and Beth Jeans Houghton)
29.06. FLECHE D’OR, PARIS (mit Big Deal and Beth Jeans Houghton)

Das Debüt Album von S.C.U.M wird am 09.09.2011 erscheinen.

Die Band steht für Interviews in Berlin zur Verfügung. Am 28.06. sowie zu einem späteren Termin, der noch zu bestimmen ist.

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Ab Herbst 2011 ist Deutschlands erfolgreichster Kinderlieder-Macher wieder auf bundesweiter Tournee. Die „Willkommen im Tamusiland“ -Tournee ist ein Mitmachprogramm, das mit einfachen Choreografien die großen und kleinen Zuschauer zum Singen, Tanzen und Bewegen animiert. Über 900.000 große und kleine Fans besuchten bislang seine Live-Konzerte.

2011

25.06. Luitpoldpark / Zelttheaterwoche
26.06. Ludwigshafen / Stadtfest Ludwigshafen
03.07. Rietberg / Volksbank Arena im Gartenschaupark
09.07. Frankfurt a. Main / Fanmeile der FIFA Frauen WM 2011
15.07. Frankfurt a. Main / Fanmeile der FIFA Frauen WM 2011
21.08. Bochum / Zeltfestival Ruhr 2011
24.09. Gütersloh / Stadthalle Gütersloh
Mo. 31.10. Mosbach probe
Di. 01.11. Mosbach Mälzerei
Mi. 02.11. Day Off
Do. 03.11. Aalen – Sparkasse (Eure Show)
Fr. 04.11. Kempten BigBox
Sa. 05.11. Bamberg Konzerthaus
So. 06.11. Erfurt Capitol
Do. 10.11. Magdeburg Altes Theater
Fr. 11.11. Göttingen Stadthalle
Sa. 12.11. Würzburg Congress Centrum
So. 13.11. München Circus Krone
Mo. 14.11. Köln Musical Dome
Mi. 30.11. Münster Halle Münsterland, Kongress Saal
Do. 01.12. Braunschweig Stadthalle
Fr. 02.12. Suhl Congress Centrum
So. 04.12. Stuttgart Liederhalle / Hegelsaal
Do. 08.12. Hagen Stadthalle
Fr. 09.12. Cuxhaven Kugelbacke
Sa. 10.12. Bremen Musical Theater
So. 11.12. Osnabrück Osnabrück Halle
Sa. 17.12. Lingen Theater an der Wilhelmshöhe
So. 18.12. Lüneburg Vamos

2012

Do. 05.01. Hannover Theater am Aegi
Fr. 06.01. Hamburg CCH Saal II
Sa. 07.01. Lübeck MuK
So. 08.01. Oldenburg Kongresshalle
Do. 12.01. Cloppenburg Stadthalle
Fr. 13.01. Bielefeld Ringlokschuppen
Sa. 14.01. Oberhausen Luise Albertz Halle
So. 15.01. Wilhelmshaven Stadthalle
Do. 19.01. Dortmund Konzerthaus
Fr. 20.01. Flensburg Deutsches Haus
Sa. 21.01. Dresden Schlachthof
So. 22.01. Halle / Saale Steintor
Do. 26.01. Marburg Stadthalle
Fr. 27.01 Beverungen Stadthalle
Sa. 28.01. Berlin UdK
So. 29.01. Rostock Stadthalle
Do. 02.02. Bremerhaven Stadthalle
Fr. 03.02. Stade Stadeum
Sa. 04.02. Zwickau Ballhaus
So. 05.02. Neu Isenburg Hugenottenhalle
Do. 09.02. Recklinghausen Ruhrfestspielhaus
Fr. 10.02. Niedernhausen Rhein Main Theater
Sa. 11.02. Tuttlingen Stadthalle
Do. 16.02. Aurich Stadthalle

Bei der Verleihung am 26. Mai in der Berliner Bar TAUSEND waren nicht nur Anette Humpe, die das Album zusammen mit Raabe schrieb und produzierte, und Arrangeur und Pianist Christoph Israel dabei. Mit “Küssen kann man nicht alleine” erreichte Raabe mit Rang drei seine bisher höchste Notierung in den Verkaufscharts der Top 100 AlbumCharts. Das Album ist hier seit Februar 2011 in den Charts präsent und rangierte davon alleine 15 Wochen in den Top 20.
Revolver bedankt sich bei allen TV Redaktionen die den Künstler bis hierhin tatkräftig unterstützt haben und noch unterstützen werden!!

Am Samstag den 11.06.2011 wird Max Raabe um 22.15 Uhr zu Gast bei Dickes B im RBB sein und mit Jörg Thadeusz über sein Album und seine aktuelle Tour sprechen.

Nicht verpassen!

Deutschlands erfolgreichster Kinderliedermacher will Kindern Orientierungshilfen geben

„Wer mir vorwirft, eine allzu heile Welt mit meinen Liedern zu projizieren, macht mir ein Kompliment.“ Detlev Jöcker, erfolgreichster deutscher Kinderliedermacher, scheut die Konfrontation mit Kritik nicht. „Dass es im Leben auch Schatten gibt, erfahren unsere Kinder früh genug. Ich sehe deshalb meine Aufgabe darin, Lieder zu schreiben, in denen Kinder ihre Erfahrungen und alltäglichen Freuden wiederfinden. Was Kinder stark macht, ist Geborgenheit und Lebensfreude. Das gibt ihnen Orientierung fürs Leben.“

Neuer Sound für Kinderohren
Detlev Jöcker spricht, komponiert, singt und schreibt aus der Sicht des vierfachen Vaters. Seine Kinder sind heute zwischen 17 und 36 Jahre alt. Detlev Jöcker war selbst erst 24 Jahre, als sein ältester Sohn Daniel auf die Welt kam. Ende der 70-er Jahre begann der Schauspieler und Musiker, Kinderlieder zu schreiben. „Es war die Zeit, als mein Ältester in den Kindergarten kam, und ich entdeckte, dass dort nur die alten Lieder gesungen wurden.“ Genug Motivation für Jöcker, selbst Kinderlieder zu komponieren und in Kindergärten aufzutreten. Detlev Jöckers Lieder bringen Kinder mit Spaß in Bewegung, unterstützen die Sprachentwicklung und fördern soziales Verhalten. Mit seinen Lern-, Spiel- und Spaßliedern schuf Detlev Jöcker ein neues Genre, das Kinder ganzheitlich fördert.

Erfolg im „Sauseschritt“
Der Erfolg ließ nicht lange auf sich warten, sein erster Hit „1, 2, 3 im Sauseschritt“ verkaufte sich bisher über 800.000 mal. Im Herbst 2005 veröffentlichte Detlev Jöcker „Singen und Bewegen“, eine Mitmach-DVD mit den beliebtesten Hits von Detlev Jöcker zum Singen, Tanzen und Bewegen. Sie wurde bereits mit Platin für über 50.000 verkaufte Exemplare ausgezeichnet. Auch die nachfolgende DVD „Singen & Bewegen Vol. 2“ erhielt bereits Gold für über 25.000 verkaufte Exemplare.

Der Menschenkinder Verlag
In den 80-er Jahren gründete Detlev Jöcker seinen Menschenkinder Verlag in Münster, in dem zu seinen mehr als 100 veröffentlichten Tonträgern auch Begleitbücher mit Liedern sowie Spiel- und Bewegungsaktionen verlegt werden, die Kinder ganzheitlich fördern. Dieses pädagogische Begleitprogramm wurde mit Grundschulpädagogen, Erzieherinnen und Erziehern ausgearbeitet und erprobt.

Musik als pädagogischer Ansatz
Detlev Jöcker vermittelt seine Botschaften nicht nur an Kinder und Eltern. Das neue Kinderliederseminar „Ich sing mit dir“ richtet sich an interessierte Eltern und ErzieherInnen. Mit dem Seminar will Detlev Jöcker den pädagogischen Ansatz der Musik herausarbeiten und den kreativen Umgang mit dem Kinderlied unterstützen. „Singen und Spielen mit Kindern fördert ganzheitlich ihre Persönlichkeitsentwicklung und ist hautnah erfahrene Liebe. Der Sprachschatz wird kreativ erweitert, die Intelligenz gefördert und die Bewegungskoordination unterstützt,“ so Jöcker. „Musik fördert zudem soziales Verhalten, baut Aggressionen ab und wir wecken das Interesse an der Musik bei den Kindern.“ Bisher nahmen über 120.000 Erzieherinnen und Erzieher sowie Pädagoginnen und Pädagogen an seinen Fortbildungsveranstaltungen teil.

Als Botschafter des deutschen Kinderliedes unterwegs
Musik dient für Jöcker außerdem der Völkerverständigung. Gemeinsam mit dem Goethe-Institut setzt sich der Liedermacher für die Aktion „Mit Liedern die deutsche Sprache lernen“ ein. Zahlreiche Konzert- und Seminarreisen führten ihn als „Botschafter des deutschen Kinderliedes“ durch zahlreiche Länder, unter anderem: England, Schottland, Irland, Estland, Lettland, Finnland. „Die sechs- bis neunjährigen Schulkinder zeigen deutlich mehr Interesse am Erlernen der deutschen Sprache, wenn im Unterricht Deutsch gesungen wird,“ so eine Lehrerin aus Bradfort.

Über 13 Millionen verkaufte Tonträger
Sieht man sich Jöckers Erfolg in Zahlen an, liegt der Grund für seine Motivation scheinbar auf der Hand: Seit 10 Jahren ist Detlev Jöcker der erfolgreichste deutsche Kinderliedermacher (Quelle: Gesellschaft für Konsumforschung (GfK, Nürnberg). Fast jeder zweite Käufer von hochwertigen Tonträgern greift zu den Alben von Detlev Jöcker. Über 13 Mio. Tonträger hat er bereits verkauft, Gold- und Platinauszeichnungen erhielt er bereits für 12 seiner CDs. Doch für den gebürtigen Münsteraner kommen Motivation und Antrieb aus einer anderen Quelle: „Ich stehe seit über 25 Jahren auf der Bühne und es macht mir immer noch wahnsinnig viel Spaß. Es ist natürlich anstrengend, weil wir unserem Publikum mindestens 120 Prozent geben müssen. Kinder sind eben ein anspruchsvolles Publikum. Aber wenn ich dann diese Freude und Resonanz der Kinder spüre, weiß ich, dass ich den schönsten Beruf der Welt habe.“

Detlev Jöcker auf Live-Tournee
Ab Herbst 2011 ist Detlev Jöcker wieder auf bundesweiter Tournee. Die „Willkommen im Tamusiland“ -Tournee ist ein Mitmachprogramm, das mit einfachen Choreografien die großen und kleinen Zuschauer zum Singen, Tanzen und Bewegen animiert. Über 900.000 große und kleine Fans besuchten bislang seine Live-Konzerte.

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“Lieder wie ein Samtsofa: „Die Band Moriarty beeindruckte mit einem ungewöhnlichen Musikmix ……. ”
Das französisch-amerikanische Verhältnis gilt als belastet. Stichwort “Freedom Fries”. Amerikaner, so das Klischee, halten Franzosen für arrogante Schnösel, Franzosen im Gegenzug Amerikaner für kulturlose Trampel. Aber das Gegenteil kann funktionieren.

Beispiel gefällig? Bitteschön!

Frankreich und die Staaten können sehr wohl miteinander. Moriarty übersetzen den elegischen amerikanischen Folk-Rock der 30er Jahre in die Neuzeit. Sie vereinen großartige musikalische Könnerschaft mit eingängigen Up-Beat-Songs und melancholischen Balladen. Mundharmonika, Slidegitarre und Kontrabass immer in Reichweite des amerikanischen Songbooks. Die Musiker aus Frankreich und den USA trafen sich um die Jahrtausendwende in Paris, um Songs zu schreiben, die wie Kurzfilme und Romane klingen. Das Debütalbum von Moriarty erscheint 2008 und heißt „Gee Whiz But This Is a Lonesome Town“. Transatlantische Kritikerreigen überschlagen sich vor Begeisterung. In dem transatlantischen Quintett vereinigen sich Frankreich und die Staaten so selbstverständlich wie Wasser aus der Seine und dem Mississippi: Alte Welt trifft neue Welt, Alt.country trifft Chanson, Swamp-Blues trifft Cabaret. Ein nächtlicher Folk-Mix, der keinem Jahrzehnt, keinem Jahrhundert, keinem Ort zuzuordnen ist. Banjo, Harmonica, Doublebass, ein Koffer als Trommel und die unvergleichliche Kanarien-Stimme von Rosemary Moriarty. Moriarty benannt nach Dean Moriarty , einer der beiden Hauptfiguren in Jack Kerouacs Road-Roman „On the road/Unterwegs“ (1957)

Links:
http://moriartyland.uing.net/
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Videos:

Moriarty Video “Jimmy”
Moriarty “Jimmy” Live

Moriarty EPK
Mehr Videos auf: http://www.dailymotion.com/relevance/search/moriarty

Zitate:
Moriarty beim Zeltival in Karlsruhe: „Songs, so schräg und stimmungsvoll, kindlich verspielt und druckvoll, dass man sich in jeden einzelnen verlieben und zu Hause gleich wiederhören wollte.“
Die Rheinpfalz – 1. August 2009

Das großartige Zeltival-Konzert der Band Moriarty: „Die aus Paris angereiste Truppe um Sängerin
Rosemary war nicht nur eine Entdeckung. Sondern eine Offenbarung. Unspektakulärer geht es kaum. Und intensiver auch nicht.“ - Badische Neueste Nachrichten – 31. Juli 2009

Lieder wie ein Samtsofa: „Die Band Moriarty beeindruckte mit einem ungewöhnlichen Musikmix im Kasseler Kulturzelt. … ein einzigartiges musikalisches Erlebnis.“ HNA – 25. Juli 2009

Großartiges Debüt von Moriarty in der Dreikönigskirche: Wie herrlich unangestrengt ist diese Musik, wie wundervoll unangestrengt wird sie interpretiert! Was für eine Mischung in nur zwei Abendstunden! What a band! Welch eingelöstes Versprechen!“ –Dresdner Neueste Nachrichten – 27. Januar 2009

Website:

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Single: Rider

VÖ: 06.05.11

Jagjaguwar/Cargo Records

OKKERVIL RIVER veröffentlichen mit „I Am Very Far“ beim US-Renommierlabel JAGJAGUWAR nicht nur ein neues Album – es wird der allseits erwartete Nachfolger des 2008 erschienenen „The Stand Ins“ und beinhaltet 11 neue Songs, produziert und arrangiert von Frontmann Will Sheff in Austin, New York City und Conneticut.
„I Am Very Far“ zeichnet sich durch die bisher größte musikalische Vielfalt der Band aus. Neben Streichern und Horn, Chor- und Orchesterarrangements, nahm Sheff durch den Raum geworfene Aktenschränke auf, kreierte ein Solo aus einem schnell vorlaufenden und zurückspulenden Ghettoblaster und vieles mehr.
Im Gegensatz zu der üblichen Vorgehensweise der Band, sich über Monate in einem Studio aufzuhalten, wählte Sheff eine Serie kurzer, sehr intensiver Sessions mit größerer Band, in verschiedenen Studios. Manchmal performten bis zu 12 Musiker in einem einzigen Raum live.
„Das Ziel war, meinen Verstand an Orte zu bringen, an die er nicht gehen wollte,“ erklärt Sheff.
Die Arbeit zu „I Am Very Far“ begann nach einjähriger Arbeit an anderen Projekten. Sheff steuerte Vocals zum THE NEW PORNOGRAPHERS Album „Together“ bei, schrieb einen Song für NORA JONES „The Fall“, produzierte das kommende Album der Band BIRD OF YOUTH aus Brooklyn und ROKY ERICKSONS gefeiertes Album „True Love Cast Out All Evil“ zusammen mit OKKERVIL RIVER. Anschließend wurde Sheff für seine Liner Notes zu „True Love Cast Out All Evil“ für einen GRAMMY nominiert.

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VÖ: 06.05.11

XL Recordings / Beggars Group / Indigo

„Wir hatten ein simples Ziel für dieses Album. Es sollte ein buntes Pop-Album werden.“. Drei Jahre brauchten Friendly Fires für ihren Entwurf des perfekten Pop-Albums. „Pala“ heißt das strahlende Ergebnis und ist der mehr als würdige Nachfolger zu ihrem gefeierten Debüt-Album. Das hatten die drei Jung damals noch in der heimischen Garage der Familie Macfarlane irgendwo zwischen Aufsitzrasenmäher und Wäschetrockner aufgenommen. Dem Erfolg des Albums tat die LoFi-Produktion keinen Abbruch. Mercury- und Brit-Award Nominierungen sorgten dafür, dass die Band bald in aller Munde war und ihre Songs zum elementaren Soundtrack für Clubs und die Laufstege dieser Welt wurden. Ihren persönlich größten Traum ihr erfüllte sich die Band mit zwei ausverkauften Shows in Kentish Town. Sie verwandelten die Halle im Handumdrehen in einen brasilianischen Straßenkarneval inklusive Sambatänzerinnen und bekamen dabei tatkräftige Unterstützung von Kompakt Chef Michael Mayer und Joe Goddard von Hot Chip.

Im Oktober 2009 begann die Band erste Ideen für ihr neues Album zu sammeln. „Wir sind nicht die Band, die auf Tour unendlich viele Songs im Bus oder zwischen Soundcheck und Show schreibt“, sagt Sänger Ed Macfarlane, „deshalb fingen wir quasi bei Null an“. Erste Songs entstanden in einem Studio in London, bevor man die komplette Produktion des neuen Albums wieder dahin verlegte, wo alles anfing: in die Garage der Macfarlanes im gemütlichen Städtchen St. Alban. Dort entstanden der von Kraftwerk beeinflusste Song „Chimes“, die bassgetriebene Hymne „True Love“ oder „Pull me back to Earth“, ein Song der wie eine kleine Pop-Explosion im Afro-Beat Universum klingt. „Pala“ ist eine durch und durch euphorische Platte geworden mit vielen Anleihen an den Pop der Neunziger. Große Melodien, überschwängliche Gefühle und Breitwand-Sound machen das zweite Album von Friendly Fires zum dem (Indie-)Pop-Statement 2011.

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VÖ: 01.04.11

Single: Future Starts Slow

Label: Domino Rec.

Verträumt und fiebrig, hooklastig und repetitiv, obsessiv und klaustrophobisch – diese Attribute beschreiben ‚Blood Pressures’, das vierte Album von The Kills. „Obsessiv und klaustrophobisch?“, wiederholt Jamie Hince: „Hm, das gefällt mir. Nachdem die Platte fertig war, redeten Alison und ich über das Thema: Es geht viel um Geschlechter, um Beziehungen; es handelt von Sex – daher Blood Pressures – Blutdrucke.“

„Im Moment würde ich sagen, dass es eine ziemlich düstere Platte ist“, meint Alison Mosshart. „Die Texte sind ein bisschen verdreht. Ich glaube, das sage ich über jede Platte, die ich aufgenommen habe. Wahrscheinlich sind wir beide obsessive Menschen. Besessen davon, was wir lieben, und vielleicht sogar noch besessener davon, was wir hassen. Ich muss diese Platte live spielen um herauszufinden, was sie wirklich ist und was sie wirklich kommuniziert.“

Im Gegensatz zu ‚Midnight Boom’ (2008) ist das neue Album eine Rückkehr zum Markenzeichen der Band, dem düsteren Gitarrenrock mit unerwarteten Wendungen. „Die Musik hat sich verändert, weil Alison einen großen Teil des letzten Jahres mit The Dead Weather auf Tour war“, fährt Jamie fort. „Ich empfand es als ausgesprochen befreiend, ihre Ideen zu nehmen und musikalisch zu verändern. ‚The Last Goodbye’ zum Beispiel entwickelt sich aus einem 4/4- zu einem Walzertakt.“

„The Dead Weather sind eine ganz andere Art von Band“, stimmt Alison zu. „Zum einen sind sie ein Quartett, bei dem jede Menge abläuft, und alles entwickelt sich sehr spontan. Für mich war es ungewohnt, nicht zu wissen, was als nächstes auf der Bühne passiert, nachdem ich daran gewöhnt bin, mit einer Drum-Maschine aufzutreten. Von daher glaube ich, dass ich meine Stimme nun besser als Instrument einsetzen kann, um Klänge und Geräusche zu erzeugen, die es mit Gitarren und Feedback aufnehmen können, anstatt nur die Texte herunterzusingen.“

‚Blood Pressures’ wurde in den Key Club Studios in Benton Harbor, Michigan, aufgenommen. Jamie: „Es war ein richtiges zweites Zuhause, ohne jede Ablenkung. Ich habe mich auf Sampling und Programming gestürzt und viel Zeit mit Drumkits verbracht. Als wir das Album aufnahmen, besuchte ich den Musikraum einer Schule: Bist du je in einem amerikanischen Musikraum gewesen? Die sind unglaublich riesig, mit ganzen Wänden voller unterschiedlicher Trommeln. Und ich habe jede einzelne ausprobiert.“

„Am Anfang war es ziemlich mühsam, die Drums zu programmieren. Wenn ich kein Kontrollfreak wäre, würde ich das nicht machen. Aber sobald ich mit etwas anfange, bin ich davon wie besessen. Ich mag dieses Techno-Feeling, und es kommt noch besser vor einem wirklich starren Backbeat, der sich nicht beschleunigt oder verlangsamt. Ich mag diese Spannung, und ich mag die verschiedenen Richtungen, in die Drums sich entwickeln können.“

Der Sound von ‚Blood Pressures’ ist sowohl technisch wie elementar: hypnotische, sich wiederholende Strukturen werden durch C21-Studiotechniken, psychedelische Einsprengsel und leidenschaftliche Vocals von Alison und Jamie verstärkt. In ‚Nail In My Coffin’ ist ein Keyboard – Optigan genannt – zu hören, das an ein Mellotron aus den frühen Siebzigern erinnert und von dem der Bassdrum-Sound für einen Großteil des Albums gesampelt wurde: „Es soll wie Saiten klingen“, sagt Jamie. „Ich habe die Windgeräusche einfach durch ein Tape-Echo von 1965 gezogen.“

The Kills’ Arbeitsbeziehung basiert auf einer echten Kollaboration, wobei Alison und Jamie Textzeilen, Vocal Parts – wie beim Opener ‚Future Starts Slow’ – sowie Beats und Melodien austauschen. „Ich habe in einer Menge Bands gespielt und viel zu viel darüber nachgedacht”, sagt Jamie, “dabei ist es besser, sich davon freizumachen. Alison hilft mir sehr dabei. Ich selbst tendiere dazu, viel zu lange für alles zu brauchen; sie zwingt mich dazu, spontaner zu sein.“

„An manchen Tagen bilde ich mir ein, wir wären Zwillinge”, verkündet Alison. „An anderen sind wir uns überhaupt nicht ähnlich. Wir haben uns zusammengetan, weil wir dieselben Dinge ‚mochten’. Wir hatten so vieles gemeinsam in Sachen Kunst und Musik. Wir sind beide sehr ungeduldig. Wir sind beide sehr begeisterungsfähig, aber Jamie ist ein Perfektionist. Er gibt nicht auf, bis etwas genau so ist, wie er es sich vorgestellt hat. Ich bin da anders. Ich liebe den Augenblick, den Schnappschuss, den Zufall. Oh, und ich bin Amerikanerin, und er ist Engländer … das kommt auch noch dazu.“

Diese Arbeitsbeziehung spiegelt sich besonders in den beiden Songs im Zentrum des Albums, der exquisiten Ballade ‚Wild Charms’ – gesungen von Jamie – und dem brütenden, von Alison gesungenen ‚DNA’ –, die beide Bilder von sich gegenseitig verzehrenden Feuern wecken. „Manchmal setzt man sich hin, um etwas zu schreiben, und es kommt etwas ganz anderes dabei heraus. Die beiden Songs ergänzen sich: ‚Wild Charms’ wurde aus einem Blickwinkel geschrieben, und ‚DNA’ aus einem anderen”, erklärt Alison.

„Wir schreiben unsere Stücke immer jeder für sich, nur selten arbeiten wir zusammen von Anfang bis Ende an einem Song”, sagt Alison. „Man könnte sagen, dass ich Melodie und Text auf einer Akustikgitarre schreibe, und dann nimmt Jamie die Nummern, die er mag, und arbeitet damit, schreibt richtige Musik dazu und bringt sie in Form. Seine eigenen schreibt er von Anfang bis Ende selbst. Ich glaube, dass er von seinen Songs ganz schön gepeinigt wird. Meistens höre ich sie erst in einem ziemlich späten Stadium. Er kann ziemlich geheimnistuerisch sein. Ich versuche, ihm bei den Texten zu helfen, aber häufig beschränkt sich mein Beitrag auf ein paar fehlende Zeilen.“

„Der Text zu ‚DNA’ stammt von Jamie. In der Sekunde, als er die letzte Zeile fertig hatte, sang ich ihn auch schon im Studio ein. Ich glaube, das war am letzten Abend. Ich liebe diesen Song sehr. Der Text von ‚The Last Goodbye’ ist von mir: Das ging richtig schnell. Eins dieser Stücke, bei denen der Text wie von selbst entsteht und auf einmal aus dem Nichts zu kommen scheint. Jamie hörte ihn und beschloss, dass eine Optigan-Orgel am besten dazu passen würde. So hat er etwas ganz Besonderes daraus gemacht.“

Alisons Texte sind durchweg eine Offenbarung und erinnern an alte Blues-Phrasierungen, die dann weiterentwickelt werden. „How can I rely on my heart“, singt sie in ‚The Last Goodbye’, „if I break it with my own two hands. “ Hier wandelt sich trotziges Statement schnell zu brutaler Selbstbetrachtung und ehrlichen Geständnissen: „I am no better at this than you are“ (‚Nail In My Coffin’).

„Der Blues ist auf jeden Fall eine Inspiration“, stimmt sie zu: „Ich glaube, jedes Musikstück, das ich liebe und das wirklich zu mir spricht, ist Blues oder zumindest irgendwie durch den Blues inspiriert. Blues höre ich mir nie leid. Ich fühle eine ständige Verbundenheit mit dem Blues.“

„Alison ist eine sehr produktive Texterin, sie hat stapelweise Texte“, sagt Jamie. Und sie ist in dieser Art von Musik verwurzelt. „Das ist der Sound, den sie mag. Ich selbst bin erst später darauf gekommen. Sie findet immer noch neue Elemente im Blues, und die Arbeit mit Jack White hat die Sache für sie noch spannender gemacht. Nach ‚Midnight Boom’ fühlte ich mich etwas frustriert, und der Blues ist ein perfektes Gegengewicht dazu, herumzurennen und darüber nachzudenken, Compass Point und Grace Jones zu reproduzieren.“

Dieser Eindruck von Beständigkeit ist kombiniert mit einer sehr zeitgenössischen Herangehensweise. Neben den Techno-Schnörkeln – zu Beginn der ersten Single ‚Satellite’ zum Beispiel – ist Jamies Gitarrensound stark bearbeitet worden: „Die Gitarrenparts klingen wirklich ziemlich geschliffen. Ich habe sieben Verstärker in verschiedenen Räumen eingesetzt, alle mit unterschiedlichen Frequenzen, um diesen brutalen Sound hinzubekommen. Dabei habe ich Octave Pedals und sehr altes Equipment benutzt – das Ergebnis klingt ein bisschen futuristischer.“

Zu den Künstlern, die Jamie momentan als Inspirationen zitiert, zählen Link Wray, Little Milton („der Beginn des R&B“), Dave Bartholomew (Fats Dominos Arrangeur/ Produzent) und Captain Beefheart („Er haute mich als Teenager total um, und ich war am Boden zerstört, als ich von seinem Tod erfuhr”). „Außerdem habe ich Reggae gehört: Dazu haben mich Grace Jones, Sly and Robbie und Peter Tosh gebracht. Das war die letzte musikalische Bastion, die ich noch nicht erkundet hatte.“ Jamies Liebe zum Reggae ist unverkennbar aus den mutierten Rhythmen der ersten Singleauskoppelung ‚Satellite’ herauszuhören.

Obwohl sie hervorragend vernetzt sind, haben The Kills beschlossen, ihrer eigenen Vision zu folgen: Wie Jamie über die Aufnahmen im Key Club in Michigan sagt – ganz ohne Ablenkung: „Diese Isolation war toll. Man hebt richtig ab, wenn man den ganzen Tag Musik macht. Man bekommt überhaupt nicht mit, was im Rest der Welt vor sich geht – das gefällt mir.“

Es ist diese kompromisslose Qualität, die ihnen die Bewunderung junger Gruppen eingebracht hat. Jamies Reaktion darauf: „Dass XX uns als Einfluss zitieren! Sie wollen UNS kennenlernen? Das finde ich phänomenal. Wir haben eine Menge aufgegeben, um es auf unsere Art zu schaffen. Manche unserer Sachen funktionieren, andere nicht. Aber es gibt nicht viele Bands, die dieses Feeling haben und ihre Musik über sechs oder sieben Alben entwickeln. Und man findet nicht viele Labels, die das unterstützen.“

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Die talentierte US Singer-Songwriterin Rachael Sage veröffentlicht endlich auch in Europa ihr letztes Album Delancey Street – in neuer Verpackung und mit zwei Bonustracks, produziert von Phil Ramone. Zur Zeit gibt es für die New Yorkerin zwei Independent Music Award Nominierungen, z.B. in der Kate- gorie Best Track für „Brave Mistake“. Delancey Street sollte man sich also unbedingt anhören. In Deutschland ist der Track „Big Star“ die erste Singleauskopplung, in England „Hey Nah“.
Ursprünglich ist Delancey Street im September 2010 in den Staaten erschienen – ein perfekter und ein- zigartiger Cocktail aus Pop Folk und Rock, dazu Rachaels volle und angenehm samtige Stimme. 13 wun- derbare Songs erzählen von Geschichten, die das Leben schrieb – oder wie es bei iTunes heißt: „At the core of Delancey Street is a heartfelt quality that goes beyond intellectual exercise“. Elf der Songs sind Originalkompositionen von Rachael Sage, der zwölfte Song ist eine feine und sensible Coverversion des Hall & Oates Klassikers „Rich Girl“ und Song Nr. 13 ist ein Cover von „Fame“, dies exklusiv für Europa. Beide Tracks sind von der Produzentenlegende Phil Ramone (Billy Joel, Paul Simon) produziert worden. Die digitale Edition bietet übrigens weitere zwei Bonustracks, und zwar die Akustiknummern „Every- thing was Red“ und „There Was Passion“. Hermione Hennessy, in Irland ein Nr. 1 Act, hatte Sage und Ramone miteinander bekannt gemacht und es dauerte nicht lange, bis die beiden beschlossen, mitein- ander zu arbeiten. Dazu Rachael: „Obviously it’s an enormous honor just to meet someone who’s helped create so many incredible records… so actually working together was certainly a dream come true!“
Die neuen Tracks wurden in aller Ruhe in New York während der Winterferien aufgenommen und war- ten mit einigen Top-Musikern der Stadt auf: Gitarrist Ben Butler, Bassist Conrad Korsch und ‘Saturday Night Live’ Drummer Shawn Pelton, der schon mal vor über zehn Jahren auf Rachaels Album Morbid Romantic mitgespielt hatte.

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VÖ: 26.06.11
Label: Monologue Records

Vertrieb: Rough Trade

Die Sunday Times feierte sein Debütalbum 2009 als eine der seltenen Indie-Erfolgsgeschichten. Zwei Jahre später veröffentlicht Devons bester Singer/Songwriter sein neues Album “Sweet Defeat” auf dem Independent Label Monologue Records. Das Debüt “Dead Man’s Suit” wurde durch die Einkünfte von 20,000 Downloads generiert, die sein Song “Going Home”, der eine Landrover Werbung zierte, auslöste. Das Album erhielt großartige Kritiken, zwei BBC 2 Radio Playlisten, eine persönliche Einladung von Jools Holland für seine Sendung “Later with Jools” (nachdem dieser ihn im Radio gehört hatte) und schließlich einen lukrativen Verlagsdeal.

Sein Erfolg war jedoch nicht nur auf Großbritannien beschränkt, sondern löste auch Begeisterung in vielen europäischen Ländern aus, wo er seit zwei Jahren häufig getourt ist. Allen sieht sich vor allem als Live Performer und ist in der Hinsicht sehr fleißig, so dass kaum eine Woche vergeht, wo er nicht irgendwo auftritt oder eine Liveanfrage erhält. Zu seinen vielen Bewunderern zählt beispielsweise die holländische Schauspielerin Carice Van Houten, die seine Musik entdeckte und über Twitter wiederum ihrer Gefolgschaft nahegebracht hat. Der britische Schauspieler David Morrissey benannte kürzlich in einem Interview für Q Magazine ‘Dead Man’s Suit’ als eine seiner Lieblingsplatten und James Morrison hat sich auch schon als Jon Allen Fan geoutet und wurde bei den Shows gesichtet.

Allens zweites Album wurde wieder von Tristan Longworth produziert und auch von den gleichen Musikern begleitet wie beim Debüt. Eine schöne Sammlung von elf Songs, die Reife und Geschlossenheit ausstrahlen. Auf der akustischen Basis von Americana Music bietet das Album feines Gitarrenpicking wie in ‘Last Orders’, gekonnte Lässigkeit im bluesigen ‘Lucky I guess’ ähnlich dem ‘Tulsa Sound’ von J.J. Cale bis hin zum Titelstück, einer herrlichen Upbeatnummer mit kompletter Bläsersektion, die an die besten Soulnummern eines Van Morrison erinnert.

Die häufig benutzte Bezeichnung “the new Dylan” wurde dem Sänger gerne übergestülpt wie bei vielen Sängern seines Fachs (so wie bei den weiblichen Singer/Songwritern immer “the new Joni Mitchell” gesucht wird). Natürlich führt so eine Bezeichnung oft in die Irre, oft hat sie nichts mit dem Künstler wirklich zu tun. Um es gleich zu sagen: Jon Allen ist NICHT der neue Dylan! Erst einmal ist er sehr viel größer (6.1’’), er ist Brite und seine Stimme erinnert doch eher an den jungen Rod Stewart als an Bob Dylan. Ohne ihm eine zu große Bürde aufzuladen, was ja schon manchen Sänger zu Fall gebracht hat, kann man allenfalls behaupten, dass seine Musik einen Anknüpfungspunkt zu Dylan durch den textlichen und melodischen Ansatz hat.

Allen und Dylan teilen die gleichen musikalischen Einflüsse, die man bis zum Beginn der Popmusik in den 40er und 50er Jahren zurückverfolgen kann, als Blues, Jazz, Soul, Gospel und Country aufeinanderprallten. Die heutigen Popstars kommen einem manchmal wie weiße Zwerge vor: sie tauchen plötzlich auf, verbrennen schnell, nur umso schneller abzukühlen und in der Versenkung zu verschwinden. Im Gegensatz dazu agiert jemand wie Allen unter dem Radar, eher wie ein Satellit in der Nähe großen, älteren Stars. Dylan, The Beatles, Jackson Browne, Neil Young – Koryphäen, die immer noch hell leuchten und lange Schatten werfen. Popmusik wie wir sie kennen ist vielleicht am Ende angekommen, aber wie Jon Allen möchten wir vielleicht doch nochein wenig in der Dämmerung verweilen?

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 http://www.zdf.de/ZDFmediathek/beitrag/video/1346514/DER-MARKER-vom-27.05.2011#/

Sechs Wochen in den deutschen Top 100 war das letzte Resultat dieses ‘Musikpaares’: Clara Louise und Fabian Buch. Zwar ist es die erste Single, die die beiden Nachwuchstalente als Duett veröffentlichen, jedoch haben die jungen Künstler schon vorher miteinander gearbeitet. So stammte die Weihnachtssingle ‘Merry, Merry Christmas’ in erster Linie aus den Schreibfedern von Clara Louise. Der bereits im vergangenen Jahr für den Bravo Otto nominierte Fabian Buch, der erst im Mai 2010 mit seiner Hitsingle ‘Hello, Hello’ debütierte (6 Wo. in den deutschen Singlecharts), lieferte den Grundstein für den Song mit seiner Gitarrenmelodie. Jetzt sind die zwei Herzblutmusiker auch gesanglich zusammen am Start. Mit der Duettsingle von Clara Louise ‘Happy Birthday (Once Again)’ ist Fabian Buch als Duettpartner wieder das, für das ihn seine Fans ganz besonders lieben: Akustik pur gemixt mit einer einfühlsamen und kratzigen Stimme. ‘Musik berührt mich mehr als alles andere, aber nur wenn sie echt ist’, freut sich die 18jährige Nachwuchskünstlerin Clara Louise über den gelungenen Song, der nicht nur das US-Produzententeam, welches erst kürzlich für Justin Bieber oder den UK-X-Factor Finalisten ‘JLS’, die erst gerade ihre 5. Nummer 1 - Single in England feierten und von dem der Song produziert wurde, extrem berührt hat: ‘Als Clara Louise uns den Song zum ersten Mal im Studio vorgesungen hat, kamen mir die Tränen, weil ich jemanden kannte, dem ähnliches passiert ist, wie der Person, um die es sich in dem Song dreht.’, so Emile Ghantous, der sich in
erster Linie für die Abmischung und finale Produktion des Songs verantwortlich zeichnet. Der Produzent Nasri Atweh, der die US-Hitsingle ‘Never Say Never’ für Justin Bieber produzierte, weiß: ‘Clara Louise ist eine Stimmwucht und in meinen Augen eines der vielversprechendsten Nachwuchstalente dieses Jahrzehnts.’

Die Geschichte des Songs handelt von einem Außenseiter, der in der Schule gemobbt wird und ein sehr einsames Leben führt. Seine Eltern wissen nicht über die Qualen bescheid, die ihr Sohn ertragen muss. Eines Tages will der Junge etwas verändern. Er setzt sich in ein Auto und fährt los. Er will sich befreien, ein neues Leben beginnen. Dass ein betrunkener LKW-Fahrer auf ihn zukommt, bemerkt er nicht. Der Junge stirbt an seinem Geburtstag. Dann erst bemerken auch die anderen, was sie ihm angetan haben, doch die Einsicht kommt zu spät.
„Ich habe es selbst in der Schule alltäglich erlebt, dass Mitschüler für ihr Aussehen oder einfach ihre eigene Art gehänselt wurden, und das echt auf heftigste Art und Weise. Wen wundert es da, wenn mal der ein oder andere durchdreht und mal wieder ein neuer Amoklauf in unseren Schulen stattfindet“, so Fabian Buch, der bis 2010 selbst noch das Gymnasium seiner Heimatstadt besuchte. „Alle zeigen mit ihrem Zeigefinger auf die Politik: Verbietet Gewaltspiele für den Computer oder die Playstation. Aber sind wir doch mal ehrlich: Die Sache beginnt bei jedem von uns im Kopf und mit unserem Handeln. Wenn wir unsere Mitmenschen mit Würde und Respekt behandeln, müssen wir keine Verantwortlichen mehr suchen, denn die sind wir selbst!“, will Fabian Buch aufmerksam machen.

Chris Brown, Lil Wayne, Keri Hilson, P.Diddy, Busta Rhymes, Melanie Fiona oder Justin Bieber haben einesgemeinsam: Sie standen vor der Kamera des derzeit meist gefragten US-Videoregisseurs Colin Tilley aus Los Angeles. Der viel beschäftigte Regisseur hat einen Grundsatz: die Musik und vor allem die Künstler, für die er Musikvideos dreht, müssen ihm gefallen. „Als ich von der Plattenfirma den Song bekam, war ich sofort hin und weg. Happy Birthday (Once Again) ist ein absolut gelungener Song einer sehr authentischen Künstlerin.“, so Colin Tilley. Der Hollywood-Regisseur ließ es sich nicht nehmen, mit seiner 30-köpfigen Crew das Video zur Single in Salzburg, der Heimatstadt von Clara Louise, zu drehen. Als Kulisse diente der Fuschlsee nicht unweit vom Hauptsitz des Energydrink-Vermarkters Red Bull. ‘Ich habe alles gesehen, aber das ist wohl
die beeindruckendste Kulisse, in der wir jemals gedreht haben.’, begeistert sich der US-Produzent Andrew Listermann, der sich für den reibungslosen Drehablauf in der Mozartstadt Salzburg verantwortlich zeichnete und allein im vergangenen Jahr fast 70 Musikvideos produzierte, so auch für Rihanna, Usher oder Justin Bieber. Hochkarätige Künstler und Macher haben sich also zusammengefunden, um hoffentlich Geschichte zu schreiben. Das Zeug hierzu haben Clara Louise und Fabian Buch auf jeden Fall. Bleibt zu hoffen, dass wir noch viel von ihnen hören. Von Clara Louise dürfen wir uns auf jeden Fall jetzt schon auf ihre erste Solosingle und ihr Debütalbum ‘Coke With Apple Juice’ Ende August 2011 freuen.

Über Clara Louise
( www.claralouise.com )
Die 18jährige Songwriterin Clara Louise aus Salzburg hatte schon mehrfach von sich Reden gemacht. Im Alter von 16 Jahren veröffentlichte sie bereits zwei Singles in Deutschland, die es dort in die Charts schafften (Until The End / Guilty Pleasure). Selbst unveröffentlichte Songs wie ,Same Blue Sky‘ mit über 500.000 Views auf YouTube wurden zu ,Internethits‘. Auch für Fabian Buch war sie bereits im Hintergrund tätig: Seine Weihnachtssingle ,Merry, Merry Christmas‘ entspringt in erster Linie ihren Schreibfedern und hielt sich zur Weihnachtszeit 2010 sechs Wochen in den deutschen Charts. Auch ,Happy Birthday (Once Again)‘ hat die Sängerin geschrieben. Ihre Solosingle ,Black Veil‘ und das Album ,Coke With Apple Juice‘ erscheinen ebenso im Sommer.

Wer auf Classic Rock mit kernigem Blueselementen steht, ist mit Rival Sons bestens bedient. Die Band aus Kalifornien lässt mit ihrer Musik die Siebziger wieder aufleben.

Inspirationsquellen wie z.B. Led Zeppelin oder die Black Crowes dringen deutlich durch, verdecken jedoch nicht den eigene Sound den die Rival Sons kreiert haben:
Dreckiger Gitarrensound der vor allem durch die markante Stimme Jay Buchanans auffällt.
Wem schon Bands wie Wolfmother gefallen haben, der wird den Sound der Rival Sons lieben. Am 17. Juni kommt dann endlich ihr Album “Pressure And Time” und die gleichnamige Single in die Läden.

There’s a lot missing from today’s generation of rock & roll bands: groove, soul, and swagger; but most importantly - honesty and danger. Without these elements, or ‘ways of life’, music loses its edge and it’s ability to move people. Luckily for the music and personalities of California’s RIVAL SONS, they have not abandoned this ethos.
RIVAL SONS is a raucous, maximum-blues-infused, hard rock band from Los
Angeles, who explode with the rhythm and roughness of some of the greatest rock acts of all time. From a self-released full length album (Before the Fire) and EP (self titled), to the strength of their live performances, the band gains major attention everywhere they play. Recent accolades include a stint opening up for legends like AC/DC and ALICE COOPER, several USO shows with KID ROCK, and a televised performance, center track, in the pits, at The Indianapolis 500, the world’s largest sporting event. The Huffington Post even dubbed RIVAL SONS as “one of the top 5 bands to watch” during 2010’s CMJ Music Marathon in New York City. Despite the achievements and rabid following RIVAL SONS have already attained on their own accord, any member of the band will say creating quality music and leaving a lasting impression is what matters most. Lead Vocalist Jay Buchanan, guitarist Scott Holiday, bassist Robin Everhart, and drummer Mike Miley, pride themselves on being the sum of their parts. They were brought together by a love of music, both common and uncommon influences. More importantly, they came together to bring the current state of rock and roll back to it’s finest elements (see opening statement). Their artistic chemistry is true. In their own words, they “want to give the people the rock and roll they deserve by keeping it honest, visceral, and dangerous”.
It’s that heart, the independent and fighting spirit of RIVAL SONS, which brought the band to EARACHE RECORDS fall of 2010. “There was just the right amount of audacity and bending of the rules for us to dig the idea of being on a [traditionally] death metal label.” says guitarist, Scott Holiday.

RIVAL SONS’ full length EARACHE debut, just recorded in Los Angeles, will be released worldwide in June 2011. On this record, the band has committed themselves to creating an experience that closely matches the attitude and excitement of one of their live performances. Right off of a 4 week stint on the road, RIVAL SONS wrote, recorded, and mixed the album in just 20 days; this ensures a rawness for both the listener and the band. Explains frontman, Jay Buchanan, “in the code of the Samurai, any decision must be made between 3 and 5 breaths… Writing by that code forces us to act, go with our instincts and really, truly listen to each other. Creatively, you’re bringing your most immediate instincts.” This method of writing, is not new to RIVAL SONS. Proven fruitful, this method was originally used while creating BEFORE THE FIRE. As Holiday puts it, “This is just the simplest way to not cheat ourselves or the listener. ROCK AND ROLL can’t be over-thought, and if it is, it loses it’s immediacy and instinct…it needs to be a knife FIGHT, not a knife DANCE.”
Groove, soul, swagger and danger are the ethe by which the RIVAL SONS
live and breath. They claim to have sworn an oath to keep the process and their performance to nothing less than honest. Their music sums up a time when ROCK made more than a “viral buzz”. RIVAL SONS harken back to when the thrill of rock and roll truly made a difference….And that time has been resurrected.

Website:
http://www.rivalsons.com

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Unsere italienische Wahlberlinerin Caterina Barbieri ist bei Altona TV zu Gast und spricht über ihre Musik und ihr aktuelles Album “wow”!

Zu sehen unter: http://www.boosttv.de/video/160/MISSINCAT
oder: http://www.youtube.com/watch?v=NqQDm9lAiGs

Label: Salt Records
Vertrieb: Salt Records

Robert Miles weiß mit seinem einzigartigen Trance-Stil zu verzaubern.
Mitte der neunziger Jahre schuf er mit “Children” sozusagen ein neues Genre den sog. „Dreamhouse”. Die Single Children stand gleichzeitig in 18 Ländern an der Spitze der Charts und seine weltweiten Kollaborationen mit Künstlern wie Trilok Gurtu, Robert Fripp, Bill Laswell und Nitin Sawnhey machten ihn weltberühmt. Wie man von einem Künstler mit als 14 Millionen verkauften Tonträgern erwarten kann, blickt Robert auf etliche Auszeichnungen wie den Brit Award und den World Music Award als Best-International Newcomer zurück. Eine Zeit lange wurde es ruhiger um den Schweizer da er in der letzten Zeit haupstächlich als Produzent tätig war. Und jetzt meldet sich Robert Miles mit seinem Studioalbum „Thirteen“ zurück, dass am 7.Feburar 2011 auf seinem eigenen Label Salt Records erschienen ist.

Robert Miles is one of those rare things: a musician constantly progressing, striving to rework and restructure his sound, adventuring in search of new aural frontiers untouched by others. After selling over fourteen million records worldwide, playing around the globe and working with a host of instrumental collaborators, Thirteen - his new album to be released on his own S:alt Records - looks set to continue the producer’s stellar journey ever further. A rich mix of progressive and jazz influenced compositions, Thirteen is Miles’s improvising in mood, discovering definition in short cinematic movements. With rhythm as the key, Miles’s incessantly mines layers of synthesised sound, exploring the outer limits of alternative and electronic music. A sonic leap forward from the airy experimentations of critically acclaimed previous albums Organik and Miles_Gurtu, Thirteen weaves keyboard atmospherics and percussive polyrhythm’s into a full length guaranteed to rub shoulders with the ambient considerations of past greats like Vangelis, Pink Floyd and Aphrodite’s Child.

The story of Robert Miles, born Roberto Concina, starts in the Swiss town of Fleurier in 1969, and from there a move to Italy whilst still a young boy, where a youth spent in the company of the family’s grand piano and turntables begot a passion for music that refuses to cease. It wasn’t until Miles turned seventeen though - after forming a pirate radio station and beginning to DJ live - that he realised making music was something that he could do full time: “when I realised that my feelings had been conveyed through my music, my life changed” he says, and that change was further enhanced by a deal with BMG and the release of debut Dreamland, an album that racked up 16 platinum and 12 gold discs in 21 countries around the world. With success came exposure, however, and Miles quickly became uneasy with the trappings of fame, feeling it detracted from the music, so much so that he requested to be represented on his releases as a black silhouette only, “to suggest the insignificance of image - music above everything else”. Not one to sell out then, Miles’s subsequent careers found him gradually redefining his artistic freedom, travelling the globe working with like minded artists - including early influence Bill Laswell, as well as contemporary composers such as Nitin Sawhney, Trilok Gurtu and Robert Fripp - winning a Brit award and a World Music Award, having videos banned from MTV for been ’potentially disturbing’, sculpting sounds for over 100 TV and Film pieces as well as releasing a further three albums.

Thirteen, then, is the logical conclusion to Miles’s prior experience, a relentless combination of his unerring attitude to work and constantly progressive output. “I have been working hard since 1996 to define my sound, and learnt a great deal about life, music and the World. . . Now I feel ready to move to a new phase of my creative life” he says, and that phase coalesces on Thirteen into an album that evokes Miles Davis’s Bitches Brew, Squarepusher’s skits and John Carpenter’s lucid dreams, but, like any Miles release, rarely sounds exactly like anything else. Never one to shy away from taking chances, Miles’s latest one looks set to be his most rewarding one yet.

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Robert Miles is one of those rare things: a musician constantly progressing, striving to rework and restructure his sound, adventuring in search of new aural frontiers untouched by others. After selling over fourteen million records worldwide, playing around the globe and working with a host of instrumental collaborators, Thirteen - his new album to be released on his own S:alt Records - looks set to continue the producer’s stellar journey ever further.

A rich mix of progressive and jazz influenced compositions, Thirteen is Miles’s improvising in mood, discovering definition in short cinematic movements. With rhythm as the key, Miles’s incessantly mines layers of synthesised sound, exploring the outer limits of alternative and electronic music. A sonic leap forward from the airy experimentations of critically acclaimed previous albums Organik and Miles_Gurtu, Thirteen weaves keyboard atmospherics and percussive polyrhythm’s into a full length guaranteed to rub shoulders with the ambient considerations of past greats like Vangelis, Pink Floyd and Aphrodite’s Child.

The story of Robert Miles, born Roberto Concina, starts in the Swiss town of Fleurier in 1969, and from there a move to Italy whilst still a young boy, where a youth spent in the company of the family’s grand piano and turntables begot a passion for music that refuses to cease. It wasn’t until Miles turned seventeen though - after forming a pirate radio station and beginning to DJ live - that he realised making music was something that he could do full time: “when I realised that my feelings had been conveyed through my music, my life changed” he says, and that change was further enhanced by a deal with BMG and the release of debut Dreamland, an album that racked up 16 platinum and 12 gold discs in 21 countries around the world.

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http://www.youtube.com/watch?v=-Zhy4A6Lv7A

Sarsaparilla wird gemeinsam mit Künstlern wie z.B. Joachim Deutschland und Kitty Solaris für den guten Zweck auf der Bühne performen.

Da alle Künstler auf ihre Gage verzichten, gehen die Einnahmen in vollem Umfang an eine Organisation, die sich für Kinder einsetzen, die bei Katastrophen ihre Eltern verloren haben.

Mit Wiener Charme führten sie als Gastmoderatoren durch die Sendung, präsentierten Newcomer, plauderten über ihr neues Album “Favorite Sin” und gaben live ein paar ihrer Songs wie z.B. die erste Single-VÖ “Feature” zum Besten!

Wir hatten im Januar das Highlight für 2011 versprochen und es ist immer schön Recht zu behalten. Irgendwie. Aber mal ehrlich, wer hätte das gedacht? Auch wenn jedem klar war, dass diese Platte etwas ganz besonders ist: so gereift, so entwickelt hatte man eine Künstlerin bei ihrem zweiten Album schon lange nicht erlebt. Schon allein aus diesem Grund könnte man Parallelen ziehen, zu all den Namen, die großen, historische Vergleiche könnte man bemühen, zu Platten, die zu Meilensteinen wurden, all das könnte man tun… aber genau das würde dieser Künstlerin mit keiner Faser entsprechen.

“21″ ist für Adele der Durchbruch geworden. Mit “Set Fire To The Rain” haben wir auch wieder eine neuerlichen Radiohit für den hiesigen Radiomarkt am Start. Mal davon abgesehen, dass die erste Singleauskopplung “Rolling In The Deep” immer noch vom Radiohörer geliebt wird und demzufolge weiterhin auf den höchsten Rotationen zu Hause ist. Die Leute, die dann doch noch Musik kaufen (man mag es nicht glauben), honorieren das mit der Bestnote: das Album kehrt nach 13 Wochen Top10-Positionen in dieser Chartwoche zurück an die Spitze der deutsche Verkaufscharts. “21″ ist wieder die #1 und ist mittlerweile in Deutschland Doppelplatin.

Fragen und Anfragen an Matthias Kringe

29.04.2011 Wiesbaden // Schlachthof
30.04.2011 Köln // King Georg
02.05.2011 München // Feierwerk
04.05.2011 (CH) Graz // Forum Stadtpark
05.05.2011 (AT) Vienna // Arena
06.05.2011 Halle // Objekt 5
07.05.2011 Erfurt // Unicum
10.05.2011 (CH) Winterthur // Salzhaus
12.05.2011 (CH) Luzern // Bar 59
14.05.2011 Bremen // Tower

Lee Jay Cop sind eine Rock-Kapelle. Eigentlich hätten sie James Coburn heißen müssen. Aber der ist ja auch schon tot. Mit ihrer LP „Revolution of the dog“ legen sie einen ungestümen Erstling hin, der einen ordentlich durchschüttelt, auch wenn es mal langsamer zur Sache geht. Fünf Nordlichter wollen die Welt erobern. Boss und Songwriter der Cops ist Christopher Been jr. Der „Schafhirte mit Abitur“ verbringt einige Jahre seiner Kindheit in Newcastle. Und lernt das Leben der britischen Working Class Heroes kennen. Noch als Piefke zieht es seine Familie nach Bad Marienberg. Auch da kann er richtig „im Dreck spielen“. Aber auch dort hält es ihn nicht lange und so landet er in Norddeutschland. Im verregneten Oldenburger Münsterland ist nicht viel los, außer Schule und frische Luft tanken. Christopher fängt an, Songs zu schreiben und sich nach Gesinnungsgenossen umzuschauen. Das ist aber gar nicht so einfach, denn „diejenigen, die mit Instrumenten rumlaufen, sind meistens komisch“. Auf seiner Suche findet er Johnny Sweden, der ist Schlagzeuger und rennt nicht mit Instrumenten rum. Johnny kann nicht nur den Rhythmus halten und singen, es zieht ihn auch hinter das Pult und so fangen die beiden an, die ersten Songs zu produzieren. Johnny und Christopher gründen ein paar Bands und lösen diese schnell wieder auf. Trotzdem tauchen sie mit ihren Demos irgendwann in den Top Ten Charts des weltweit größten Oasis-Fanclubs auf. Erst im Herbst 2005, kurz nachdem sich ihre letzte Formation nach ihrem ersten Berlin-Gig getrennt hat, enden die zahlreichen Band-Gehversuche.

In einem Oldenburger Keller finden sich vier Jungs zusammen, die nur ein paar Songs brauchen um zu merken, dass jetzt alles stimmt. „Wir vier haben dort zum ersten Mal zusammen gerockt und es war so etwas wie Magie am Werk. Wir spielten fünf Songs zusammen und hatten kurze Zeit später „Blues Player“ geschrieben. Das Lied handelt davon, mit einem Flugzeug abzuhauen“. Was noch fehlt, ist eine zweite Gitarre, die die heißersehnte „Wand aus Sounds“ erst möglich macht. C. von Hillesheim ist damals ein stadtbekanntes Gitarrengenie. Seine Experimentiersucht ist sprichwörtlich und sorgt dafür, dass er es in keener Band allzu lange aushält. Been Jr. spricht mit ihm und klärt die Situation. Die Band steht. Ein Schafhirte, zwei Köche, ein Boxer und ein jobbender Student legen los.

Jahrelang aufgestaute Energie entlädt sich nun. Innerhalb von knapp drei Jahren nehmen die fünf 90 Demos auf. Johnny wird immer besser am Pult und die Demos kursieren im Netz. Unzählige Konzerte quer durch Norddeutschland, darunter unter anderem mit Tomte, sind notwendige Blitzableiter und führen irgendwann auch nach Berlin. „Wir sind eine Live Band.
Auf der Bühne stehen und alles um uns herum vergessen, das ist das, was wir wollen.!“ 90 Demos in der Tasche und die ungebrochene Lust, live aufzutreten, verlangt irgendwann ja auch einen Tonträger. Kein Label zeigt auf. Kurzerhand gründet der Manager der Cops eines für die Jungs. Run United entsteht. Mit dem Label im Rücken gehen sie Anfang 2009 auf Produzentensuche. Doch erst zehn Monate später finden sie mit Sloweniens Top-Produzent Zare „Siddartha“ Pak den für ihre Zwecke geeigneten Mann. Zare versteht ihre Botschaft sofort. Anfang 2010 beginnen die Cops mit der Produktion in Hannovers Horus Sound Studios (GUANO APES, ELOY). 13 Songs werden schließlich im Mai 2010 in Ljubljana (kifkif Studio) fertig gestellt und anschließend in der Nähe von Bristol (Lee Fletcher, Fletchertronics) gemastert. Heraus kommt ein Album, das den Rahmen verlässt. Vom poppigen Antonella bis zum durchgeknallten Hippie Albtraum ADIDAS ist alles dabei, was Spannung erzeugt. Das ist verspielt und energetisch geladen. Das nimmt kein Blatt vor den Mund und kommt schnell auf den Punkt, im Falle vom Partyklopper „Monkey Shaker“ innerhalb von zweieinhalb Minuten. Christopher Been Jr schaut genau hin. Scheinheiligkeit, mediale Verdummung, Lethargie oder auch Duckmäusertumsind ihm suspekt und machen ihn auch mal wütend. Aber mehr auch nicht. „We do it for Love“ ist ein Slogan der Band. Das das so ist, spürt man. Hier sind fünf zornige, liebende junge Menschen am Werk, die den Status Quo nicht einfach hinnehmen. Die etwas bewegen. Die die „Revolution Of The Dog“ auf den Straßen sehen wollen. Und die nicht eher ruhen werden, bis sie siehaben… Die „Revolution Of The Dog“ hat gerade erst begonnen…

Wir begrüssen LEE JAY COP am Anfang ihrer großen Karriere in der REVOLVER-Familie!

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Sonnige Grüße aus Berlin,

eure Revolvers

Nachdem Within Temptation bereits mit ” Faster” in den Charts landeten, dürfen wir uns nun auf die nächste Single “Sinéad” freuen, die am 17.06.11 erscheinen wird!

VÖ: 29.04.2011

Label: Blackbird Records

Vertrieb: Soulfood

Das Revival der 80er Jahre ist nicht nur in der Modeszene in vollem Gange, sondern auch musikalisch. Landauf, landab gibt es jede Menge 80er Partys, dazu neue Alben von Duran Duran, Alphaville, Soft Cell, The Human League, A-ha … und nun Cock Robin.
Cock Robin waren eine DER Kultbands der 80er Jahre.
Ihr unverwechselbarer Stil und vor allem die prägnante Stimme von Frontmann Peter Kingsbery sind in guter Erinnerung. Der Sänger, Bassist und Keyboarder Peter Kingsbery gründete die Band im Jahre 1982 in Los Angeles. Vor allem in Europa feierten Cock Robin mit den Singles „When your heart is weak“ (1985), „The promise you made“ (1986) und „Just around the corner“ (1987) große Erfolge. Sie trennten sich 1990 und kamen 2006 mit einem neuen Album und einer unglaublich erfolgreichen Tournee inklusive zwei komplett ausverkaufter Shows im “La Cigale” in Paris zurück. Im Mai kommen Cock Robin nun erneut auf Tour.

Im Gepäck haben sie ihre ewig jungen Hits aus alten Tagen, sowie ihr neues Album „Songs from a Bell Tower“ welches komplett von Peter Kingsbery geschrieben wurde. Textlich ähnlich düster und melancholisch wie in der New Wave Vergangenheit wechseln Popsongs mit erdigen Rocknummern. Die Synthies sind Vergangenheit, außergewöhnliche, handgemachte Kompositionen mit Gitarren, Drums, Streichern, schweren Klavierakkorden und natürlich die prägnanten Stimmen Kingsberys und seines weiblichen Counterparts Anna Lacazio stehen im Vordergrund.
Der Album Opener „Now and Then“ schafft mit schweren Moll-Akkorden und Kingsbery´s unverwechselbarer Stimme auf Anhieb die melancholisch/nachdenkliche Stimmung, die das gesamte Album dominiert. „Grand“ beginnt spartanisch und intim mit Gitarre und Gesang, baut sich mit Streichern harmonisch auf und verdichtet sich bis zum Chorus immer mehr. Alles was einen guten Song ausmacht zeigt auch „Extraordinary Thing“.
Galt doch für eine gelungene Komposition und einen guten Song schon immer die Faustregel, dass er sowohl mit der Akkustikgitarre als auch mit großem Orchester gut funktionieren muss. Und spätestens wenn Anna Lacazio mit ihrer bezaubernden Stimme einsetzt, um in die Hookline einzustimmen wissen wir: Hier haben wir es mit ganz großen Songs zu tun. „Songs from a Bell Tower“ ist ein Album, dass man oft hören kann ohne sich zu langweilen. Intelligent und spannend ziehen einen die Songs in ihren Bann und machen neugierig auf die kommende Live Tour.

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Bekannt sind die Geschwister für ihre bezaubernden Klangwelten, und unvergesslichen Rythmen.

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Diesen Mittwoch, den 06.04 wird MissinCat im ZDF Morgenmagazin zu Gast sein und einen Titel ihres neuen Albums performen!

Nicht vergessen einzuschalten:  20.15h, ZDF

Ihr wolltet der Welt schon immer mal zeigen, wo der Metal-Hammer hängt? Genau hier: Beim Facebook „Are You
Metal“-Quiz könnt ihr beweisen, wie gut ihr euch mit euren Heavy-Helden auskennt und gleichzeitig ein digitales
‚Hirndrücken’ mit der gesamten Metal-Community veranstalten. Denn hier sind nicht nur eingefleischte
HELLOWEEN Fans gefordert – sondern alle, die glauben, dass sie Metal genug sind!

Zum ULTIMETALTIVEN Facebook „Are You Metal?“-Quiz hier lang !

Und nicht vergessen – teilt das Quiz mit euren Freunden und fordert sie heraus, um zu sehen, wer aus eurer
Gilde am meisten Metal im Blut hat!

Das Ergebnis ist hier zu sehen!

hier ist sie: die leichte zweite Langspielplatte des jungen Komponisten, Tonmeisters und Gentleman „Sir“ Simon Frontzek. Ein nokturnes Werk. Ein Nachtstück. Wie von selbst aus der eigenen Hand geflossen, der eigenen Spur folgend, in den After Hours des eigenen Studios selbst aufgebaut. Wo andere nachts ihren Dämonen begegnen oder Vampire pulverisieren, trifft Sir Simon lieber eine Verabredung mit sich, setzt noch mal einen Kaffee auf und macht das, was er eigentlich machen will: „Ich will eigentlich immer nur aufnehmen“.? Musik. Seit seinem 2008 erschienenen schlitzohrigen Pop-Debüt „Battle“ kommen die Bands und Singer/Songwriter zu ihm, dem sympathischen Produzenten, um bei ihm ihre Alben aufzunehmen. Denn Simon hat diesen anderen Sound, das Ohr für das Akustische. Und er bringt diese schelmische Unbekümmertheit ans Mischpult, die es braucht, um das zu verstärken, um das es wirklich geht.? „Ich mag es trocken.“ sagt Simon. Ihm geht es um tektonische Schichten. Hinter dem, was vorne ist, geht es noch einige Stufen tiefer hinunter. Vorne zu hören: Simons gezupfte Halbakustische und seine Melodien. Dahinter brodelt es, warten die Schichten auf ihren Einsatz, zuerst verhalten, dann bisweilen opulent. Oops, aus Simon Frontzek ist ein hellsichtiger Arrangeur geworden. Aus Super 8 wurde Cinemascope. ? Das gilt allerdings nicht für die Verhältnisse von denen er auf „Goodnight, Dear Mind…“ singt. Das sind die persönlichen Sachen, die sich traurig anfühlen und von Herzen kommen. „Es sind diese Begegnungen, Gespräche, Zeilen. Das, was hängenbleibt - im Alltäglichen, im Zusammensein, das sind erst mal Songfetzen und die finden dann wie von selbst und selbstverständlich zueinander.“? Sir Simon Live:
06.05.11 Hamburg // Michelle Records (akustisch)

07.05.11 Berlin // Ramones-Museum (akustisch)

03.06.11 Regensburg // W1
04.06.11 Frankfurt // Yellowstage
08.06.11 Oberhausen // Druckluft
09.06.11 Hamburg // Zentrale
10.06.11 Berlin // HBC

Infos unter:
www.sirsimonbattle.com
www.myspace.com/sirsimonbattle

Elijah Wood, Ralph Macchio, Jena Malone, Mike Watt, Art Hsu und Frank Drank im finalen Teil der Danko Jones Musik-Video Trilogie  - “I Think Bad Thoughts”!

Hier geht’s direkt zum Video…

…Oder direkt zu allen drei Teilen inklusive “Behind The Scene” und anderen Features!

VÖ: 20.05.2011
Single: „Ob ich dir treu sein kann“
VÖ: 12.08.2011
Label: R.O.T Records
Vertrieb: Universal

„Männer weinen. Frauen verführen. Trauriges TANGOWERK raubt Dir nicht die Lebenskraft. Synthesizer flirten mit einem Bandoneon. Nichts ist unmöglich.“ (NHOAH, 2011)
Last Exit – Buenos Aires. Im Jahre 2005 findet sich NHOAH in der Stadt am Rio de la Plata wieder. Bekannt ist NHOAH in Deutschland als Musikproduzent, Komponist und Musiker, zusammenarbeitend mit den verschiedensten Künstlern – von Romy Haag über Bronski Beat, The Pogues bis hin zu Mia.
Buenos Aires im Jahr 2005: Zufluchtsort vor einem Gefühl der künstlerischen Stagnation, Ausgangspunkt für Neues. Hier, inspiriert von der melancholischen Harmoniewelt des Tangos, schafft NHOAH das TANGOWERK. Neben der Musik spielt das Lebensgefühl des Tangos dabei eine große Rolle. Ein Gefühl, das leidend und kraftvoll zugleich ist. Diese Ambivalenz bestimmt die TANGOWERK-Kompositionen – in musikalischer und textlicher Hinsicht. Es wird sich im Weltschmerz verloren, ohne dabei die Hoffnung zu verlieren. Tangoinstrumente sorgen für Schwermut, Elektrobeats für Dynamik. Der Gesang ist dramatisch, wütend und sehnsuchtsvoll zugleich. TANGOWERK by NHOAH ist auch Spiegel seines stark musikalisch geprägten Lebensweges. Den Grammophonklang aus Kindertagen setzt NHOAH mit analoger Radiotechnik und Close-Harmony-Effekten um, sein Heranwachsen im Glamrock projiziert sich im Synthesizereinsatz und Glitterregen, und die Zeit in der Schwulen- und Transvestitenszene im Berlin der 1980er Jahre prägt die androgyn wirkende TANGOWERK-Ästhetik.
Für die Realisierung seines Projektes gewinnt NHOAH befreundete Künstler aus der Berliner Musik- und Kunstszene. Gemeinsam begibt sich die „Traumwerkstatt“ auf die Reise nach Argentinien. In Buenos Aires sucht die Berliner Gruppe das höchstmögliche Maß an künstlerischem Miteinander – und findet es in einem intensiven Schaffensprozess, der, geprägt durch Begegnungen mit argentinischen Musikern, Studioaufnahmen und Streifzügen durch Tango- und Varietéclubs, nicht aufhören will. Selbst wenn Mikrofone, Kameras, Scheinwerfer aus und Bandoneon und Synthesizer verstummt sind.
Im Rahmen dieser Berlin/Buenos Aires-Connection hat NHOAH mit TANGOWERK eine polystilistische Klangwelt komponiert, angesiedelt zwischen Wunsch und Wirklichkeit, Euphorie und Melancholie. Mit heiseren, hauchigen, schreienden, spottenden Stimmen, Tango-Orchester, Synthie-Pop, Schellacksound und Elektrobeats verführt TANGOWERK zum Tanz auf dem Vulkan und macht zugleich bereit für den Kampf in der brodelnden Wirklichkeit.

Homepage
http://www.tangowerk.com/
www.facebook.com/tangowerk?v=info

Kontakt – TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

“Rewrite Fiction” heisst das erste Album, das in diesem Jahr bei DevilDuck am 18. März veröffentlicht wird.
Die dazu gehörige Band heisst SCAMS und kommt aus dem Norden Englands.

Das Debütalbum des Quartetts wurde übrigens in Hamburg von Johann Scheerer (Clouds Hill Recordings) aufgenommen und vielleicht erinnert sich der eine oder andere, wie sie bei ihrem ersten Deutschland-Auftritt auf dem Reeperbahnfestival 2009 gefeiert wurden.
SCAMS besteht seit 2008 vor allem aus Andy Morgan (Gesang, Gitarre, Keyboard), der erst vor kurzem aus seiner Heimat Chester nach Leeds umgesiedelt ist, wo er mit Jamie MacNeal (Gitarre, Gesang), Adam Fenwick (Bass, Gesang) und Daniel Harvey (Drums, Gesang) neue und junge Mitstreiter fand.
Es ist nicht leicht, ihre Musik auf „Rewrite Fiction“ zu beschreiben, aber sie selbst fühlen sich von so verschiedenen Bands/Künstlern wie The Cure, Marvin Gaye, Michael Jackson, Destiny’s Child, King Crimson und Underworld beeinflusst…

Live ist die Band ebenfalls in Deutschland zu erleben

08.04.11 Hamburg // Death By Pop
09.04.11 Berlin // Karrera Klub @ Magnet
10.04.11 Neubrandenburg // Mixtape Club w/ Kabeedies
14.04.11 Hamburg // Zentrale

Weitere Infos:
http://www.wearescams.com/
http://www.facebook.com/pages/SCAMS/104315960587
www.myspace.com/wearescams
Video:

Luftanhalten. Augenreiben. Wachwerden. Und versuchen, diese atemlose, wütende Eruption zu begreifen. Seit eineinhalb Jahren haben 206 die Republik auf diversen Festivals und als Support u.a. bei Turbostaat, The Kills, (The) International Noise Conspiracy oder Jochen Distelmeyer in Aufregung und Erwartung gespielt. Jetzt ist das Debutalbum von 206 da: REPUBLIK DER HEISERKEIT.

206 sind Sänger, Texter, Gitarrist Timm Voelker, Bassist Leif Ziemann, Schlagzeuger Florian Funke. Eine Band, auf die viele gehofft haben und um die jetzt mehr als diskutiert wird. Eine neue Band aus Leipzig. Wie sie das Leben dort erfahren haben, wie sie es dort heute aushalten, davon schreit und flüstert der 23jährige Timm Völker in seinen oft verstörenden Texten. Mit fast lebensbedrohlich wirkender Wortwahl und Intensität berichtet er von einer Jugend, die nicht mehr “da” ist (”Der Junge von heute”), von einer irrlichternden Figur namens “Baader”, von Menschen, die Kiepen mit Kohlen tragen (”Hallo Hölle”) und von einem Menschen, der stolz ist auf seine Armut, weil er nichts Anderes hat (”Goldjunge”). Und 206 setzen unvergleichliche Meilensteine wie “Kratzer To The Top” und den faszinierenden Titelsong “Republik der Heiserkeit”. 14 scharfzüngige Beobachtungen gesellschaftlicher Minenfelder. 14 Bruchstücke aus einer Republik, mit denen sich keine neue errichten lässt. Jenseits abhanden gekommener Identität und Perspektive lassen sie aber Hoffnungen auf eine andere Welt erahnen.

Timm Voelker gibt nicht den Jammerlappen und nicht den Messias. Er beschreibt in bisher nicht gekannter Dichte, was heute ist. 206 machen keine marktstrategische Inszenierung. Diese Band bricht los, fackelt ab, kotzt raus, direkt und derb. Sie wütet in der trügerischen Selbst-Zufriedenheit des Zuhörers. Meilenweit weg von den sentimentalen, hohlen Posen der Mehrzahl jüngerer, deutschsprachiger Bands. Diese Musik klingt, als würden Bauhaus mit einer Adrenalinspritze im Großhirn eine Art explodierenden Blues spielen, der durch die Straßenschluchten einer zerfallenden Metropole hallt. Hat man so noch nicht gehört. Und Timm Völker bringt sich und das Publikum nicht in Sicherheit. Er polarisiert, verunsichert, fasziniert.

Tobias Levin war die Wahl der Band als Produzent. Er hatte den Enthusiasmus, den Mut und die Zeit, das Energiebündel 206 so energetisch und transparent wie möglich zu gestalten. Letztlich logisch, dass 206 nun auf ZickZack veröffentlichen, dem Label, das seit 1980 im Westen wie im Osten immer nach ungewöhnlicher, aufregender Musik sucht. Von hier aus geht es weiter. Verfolge den Prozess. Wir haben lange auf eine Band wie 206 gewartet. Jetzt werden wir noch lange darüber streiten und uns darüber freuen. Ab März 2011 auf Tournee durch die Republik der Heiserkeit.

DAS SAGEN ANDERE:

„Wäre diese Band ein Gewehr, sie hätte einen abgesägten Lauf.“ (Uni-Spiegel)

“(…) Mit bemerkenswerter Unruhe sprechschreien 206 und wärmen sich am Feuer aus brennender Aktualität.“
(Intro 3/11)

“Düster…wie X-mal Deutschland…kantig wie Abwärts. 206 hauen einen um.“
(Uncle Sally’s 3/11)

“So erscheint Republik der Heiserkeit als eine Art späte Ossi-Antwort auf Reformhölle [von Cpt. Kirk &], das ja ein zorniges Konzeptalbum zum Thema „Währungsunion aus Hamburger Sicht“ gewesen ist…Im historischen Kontext werden die Songs entschlüsselbar und lassen dieses Debüt durchaus zur postsozialistischen Diskursplatte wachsen.“
(Spex 3/11)

“206 ist mit großer Wahrscheinlichkeit die einzige Band in diesen Tagen, die in der Lage ist, deutsches Befinden präzise, kompromisslos, klug und ohne eitlen Zauber abzubilden. Album des Monats“
(Vice 3/11)

“Republik der Heiserkeit ist eine hitverdächtige Wutplatte, deren Songs hell, heiß und schnell verbrennen, immer wieder. Platte des Monats“ (Hamburg Pur 3/11)

“Republik der Heiserkeit ist das derzeit wohl nachdenklichste all der kampfeslustigen Angebote im deutschsprachigen Gitarrenrock…“ (Jan Freitag Die ZEIT 3/11)

“ (…)Zackiger Sound, den sie sich vermutlich bei Bands…wie den deutschen Fehlfarben oder der britischen Gang Of Four abgeschaut haben. 206 haben aber ein bisschen mehr Wumms als die Vorbilder.“
(Tobias Rapp UniSpiegel 1/11)

“ (…) Die Songs schneiden sich mit Text und Klang messerscharf durch Gehör und Kopf…schnörkellos und ehrlich!“
(byteFM)

„(…) 206 ist ein echter Geheimtip!“
(Rote Raupe)

„(…) 206 waren richtig gut: wild, voller Hass, gute Texte, gute Musik und ein total charismatischer Frontmann…“
(undertube.de)

„…Blicke voller Gram und rauhes Singen/Schreien, das von Wut, Verzweiflung und Entsetzen herrührt – ohne dabei rührselig und plakativ zu werden.
206 begeisterten und nahmen mit – definitiv.“
(mainstage.de)

“zwei an der schläfe
drei auf dem arm
mehr als zwanzig am kaputten fahrrad
fünfzig auf den platten
und innen viermal so viel weil
immer wenn alles okay scheint
gibt es wieder eine reingedrückt
immer wenn alles okay scheint
kriegst du wieder eine reingedrückt
du denkst:
du bist on the top
und dann
ist alles wieder weg
aber auch alles wieder offen
und nur so dreht sichs weiter
kratzer to the top”
206: kratzer to the top)

Viel ist geschehen, seit der Frankfurter Simon Konrad „Cargo City“ 2007 zunächst als Soloprojekt ins Leben gerufen hat: Mehrere Singles debütieren erfolgreich im Radio. 2008 folgt die Teilnahme am Radio-Award-Finale und auf den zweiten Longplayer “On.Off.On.Off” (2009) im letzten Jahr eine Beteiligung mit vier Songs zum Kinofilm „Vincent will meer“.

Cargo City agieren inzwischen in fester fünfköpfiger Bandbesetzung und präsentieren sich 2011 auch mit der Veröffentlichung des dritten Studioalbums „Dance/Sleep“ (VÖ: 15.4.) in verändertem Gewand. Mal euphorisch und druckvoll, mal melancholisch und emotional, hinterlässt in den Arrangements inzwischen der Bandeinfluss deutliche Spuren. „Dance/Sleep“ ist rauer geraten, auch düsterer in vielen Passagen, musikalisch wie textlich. Uptempo-Songs mit treibenden Livedrums und knarzenden Synthiesounds wie auf dem Titeltrack sowie tiefe, gefühlvolle Balladen mit teilweise dunklen Geschichten. Ein durch und durch organischer Band-Sound gepaart mit analog-elektronischen Elementen, den Cargo City auf Deutschlandtournee im April und Mai auch live vorstellen.

Cargo City auf Tour:

26.04.11  Hannover // Cafe Glocksee
27.04.11  Braunschweig // Luke 6
28.04.11  Bremen //  MS Treue
29.04.11  Düsseldorf // Pretty Vacant
30.04.11  Münster // Amp
01.05.11  Regensburg // Die Heimat
02.05.11  Innsbruck // Weekender
03.05.11  München // 59to1
05.05.11  Biberach // Abdera
07.05.11  Wiesbaden // Kreativfabrik
08.05.11  Bensheim // PiPaPo
10.05.11  Potsdam // Waschhaus
11.05.11  Hamburg // Haus 73
12.05.11  Leipzig // Werk2
13.05.11  Berlin // NBI
14.05.11  Plauen // Club Zooma
17.05.11  Frankfurt // Sinkkasten

Infos:

www.facebook.com/Cargocity

www.cargocitymusic.com 

www.myspace.com/cargocity

Revolver Radio Promotion

Joerg Hartung | 0151 240 32 336 |joerg@revolverpromotion.de

Tom Weber | 0341 3928 1010 |tom@revolverpromotion.de

2011 – Neues Jahr, neues Album, neue Tour, eigene Plattenfirma – Itchy Poopzkid sind zurück und zeigen in neuem Gewand, mit gewohnter Energie und Leidenschaft warum sie im zehnten Jahr der Bandgeschichte stärker brennen als je zuvor:
Mit Lights out London erscheint am 25. Februar 2011 das vierte Studioalbum, diesmal auf dem bandeigenen Label Findaway Records. 12 Songs, die die Punkrock-Band nun endgültig in der 1. Liga der deutschen Rockszene etablieren. Kaum eine andere Band ist in den letzten Jahren so viel getourt, hat so viel geschwitzt, gearbeitet, begeistert und damit bleibende Eindrücke bei tausenden Leuten hinterlassen. Dass die Jungs mit Lights out London nun auch wieder organisatorisch alle Fäden in den eigenen Händen halten, steht Itchy Poopzkid umso besser.

Das Video zur ersten Singe:

Diese Single und den Clip haben Itchy Poopzkid für die Tierschutzorganisation WDCS produziert, um sie im Kampf gegen den zunehmenden Unterwasserlärm durch Militärs & Ölindustrie zu unterstützen. http://sonarsucks.com/

Natürlich ist die Band auch wieder fleißig am Touren:

30.03.11  Bochum // Bahnhof Langendreer
31.03.11  Köln // Luxor
01.04.11  Hamburg // Logo
02.04.11  Berlin // SO 36
05.04.11  Frankfurt // Batschkapp
06.04.11  Hannover // Faust
07.04.11  Erlangen // E-Werk
08.04.11  CH-Solothurn // Kofmehl-Halle
09.04.11  CH-Basel // Sommercasino
13.04.11  München // Hansa 39
14.04.11  Stuttgart // Röhre
05.05.11  Graz // PPC
06.05.11  Wien // B72
07.05.11  Salzburg // Rockhouse

Weitere Infos:

www.facebook.com/itchypoopzkid

www.itchypoopzkid.de/

www.myspace.com/itchypoopzkid

Hier geht’s zum aktuellen Video “I Wish You Could Allow” !

Hier geht’s zum Video

Die Ausstrahlung ist am 19.03.2011 RTL 2, 17:00 Uhr, Wdh. am 02.04.2011 um 17:00 Uhr

Künstler: Bubble Beatz
Titel: No Sleep
VÖ: 27.05.2011
Titel: Waiting feat. Michael Holderbusch
VÖ: 15.07.2011
Label: Boiler Suit Records
Vertieb: Rough Trade

Das Phänomen Bubble Beatz

Ob auf der Openair-Bühne, im schweißtriefenden Club oder vor einem TV-Millionenpublikum: Bubble Beatz sind überall zuhause, wo es um fette Beats und ein ebensolches visuelles Spektakel geht. Die zwei Drummer Kay Rauber und Christian Gschwend sind seit 1999 gemeinsam unterwegs, um sich regelmäßig die Seele aus dem Leib zu trommeln. „Es kommt immer wieder vor, dass es am Rande unseres Blickfeldes schwarz wird. Das ist das Zeichen, dass wir kurz vor der Ohnmacht stehen“, beschreibt Kay die beispiellose Intensität, mit welcher die beiden auf ihre beeindruckende „Trashmachine“ eindreschen. Und das ist gut so. Denn diese Intensität macht die Show von Bubble Beatz zu einem Erlebnis, für das es keine Vergleiche gibt. Das Ziel ist dabei hoch gesteckt: „Wir wollen das Publikum komplett ausrasten lassen“, beschreibt Christian die Mission des Duos.
Dass sie das können, haben die Jungs an bald 500 Auftritten in ganz Europa unter Beweis gestellt, darunter an solch renommierten Festivals wie Montreux Jazz, Open Air St. Gallen, Open Air Gampel oder Fusion Festival. Neben der mitreißenden Intensität ihrer Show zeichnet die beiden dabei vor allem ein perfektes Gespür für die Verbindung aus undergroundigen Clubsounds und völkerverbindenden Drumming-Hymnen aus. Ihre bombastische Neuauflage des Faithless-Klassikers „Insomnia“ unterstreicht diese Tatsache ebenso, wie ihr fast schon surreal erfolgreicher Auftritt bei der RTL-Millionenshow „Das Supertalent“, wo die beiden Dieter Bohlen und seinen Mitjuroren bis in die Finalshow den Atem raubten. Die Teilnahme an diesem Casting-Format ist denn auch einer dieser Zufälle, die aus guten Bands große macht. „Wer als Musiker ein bisschen was von sich hält, denkt als Letztes daran, in einer Castingshow mitzumachen,“ erinnert sich Kay lachend. „Entsprechend skeptisch waren wir, als wir die Anfrage der Produzenten erhielten“. Schlussendlich siegte aber die Neugier der beiden und der Rest ist, wie man so schön sagt, Geschichte: Heute reisen Bubble Beatz quer durch Europa, spielen ihre schweißtreibende Show vor ausverkauften Hallen und erobern so die Herzen eines stetig wachsenden Publikums im Sturm.

TOURDATEN

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Die vom ZDF herbeigerufenen Rettungssanitäter leisten eine schnelle Notversorgung.
Laut erster Diganose vom Notarzt ist eine verschleppte Erkältung,
Stress und zu wenig Schlaf an dem Vorfall schuld.

Das Management: Hari geht es mittlerweile besser, er sitzt auf dem Weg
nach München im Tourbus und erholt sich.

Das Management von die Drogen betont: “Die Band distanziert sich von
jeglichen Substanzdrogen und teilt mit, dass dieser Vorfall auch nichts mit Drogen zu tun hatte.”

Das Statement vom ZDF, Bericht auf berlinonline.de und BILD.de

Und so wird das auch in Zukunft sein …!

Die Jungs von In Extremo legten heute einen unglaublichen Chart-Entry hin und führen nun die Deutschen LP-Charts an! Wir lassen die Champagnerknorken knallen!

Diese Songzeile aus der aktuellen Single “Guten Tag” (VÖ: 04.03.11)
ist wohl grade sehr passend, wenn man die letzten Tage aus dem Fenster gesehen hat.

Welche Sendung könnte da besser passen als das ZDF Morgenmagazin? Bei dieser werden die Münchner auch morgen den 08.03.11 zu Gast sein, und wir
freuen uns auf eine tolle Perfomance!

Hier geht’s zum aktuellen Video!

Am 02.04. feiert MissinCat im HBC Berlin übrigens ihre Record Release Party des neuen Albums “Wow”, das letzten Freitag erschien!

Als kleines Dankeschön an alle Fans, gibt es einen FREE DOWNLOAD !

Nicht vergessen, am 02.04. findet dann die große Record-Release-Party im HBC Berlin statt:
(Vorverkauf auf www.koka36.de AK 13 euro/VVK 11 euro)

Mehr Infos zu MissinCat gibt es hier: www.missincat.com

Die berliner Band Bonaparte ist bei einem ihrer Live-Gigs zu sehen!

Es erwarten einen Tiermasken, Akrobatik und viel Glitzer, einschalten!

Hier geht’s zum aktuellen Video “Wir sind keine Menschen”

Den Auftritt könnt ihr euch hier nochmal ansehen, hier gibts den Auftritt beim ARD MoMa.

Ausserdem zwei weitere TV- Termine auf die man sich mit Max Raabe als
Gast freuen darf:

“Volle Kanne” am 17.03.2011 und dann bei “Willkommen bei Carmen Nebel”
am 02.04.2011, beides im ZDF!

Wie auf dem gesamten Album „Wow“ wird auf Minimalismus gesetzt, kein Instrument spielt sich nach vorne oder übertönt die außergewöhnliche Stimme von Catarina Barbieri alias MissinCat.

Ausserdem gab es am 25.2. nicht nur ein bezauberndes Interview, inklusive Unplugged Perfomance der neuen Single bei Einsweiter in der ARD zu sehen, sondern auch ein Feature bei Yagaloo!

Hier geht’s zu den Links:

www.ardmediathek.de/ard/servlet/content/3517136?…
yagaloo.com/component/…/1127-missincat-im-portrait.html

Übrigens, einschalten: CD Tipp bei Volle Kanne/ZDF am 02.03. !

Ausserdem: Nach der so eben beendeten Deutschland - Tournee wird es zwei Zusatzkonzerte geben:

05.03.2011 Essen // Zeche Carl
18.03.2011 Frankfurt // Batschkapp

Wer übrigens letzten Donnerstag zufällig bei GZSZ auf RTL reingesehen hat, konnte die Jungs bei einem Gast-Auftritt in der Daily-Soap performen sehen!

Zu guter letzt: Hier der Link zum neuen Video “FULL STEAM SPACEMACHINE”

Naturfreunde erinnern IN EXTREMO vielleicht an eins dieser seltenen Lebewesen, die es eigentlich nicht geben dürfte. So lustige Einfälle der Natur wie der Quastenflosser mit seinen Bein artigen Flossen oder das Schnabeltier, das einzig bekannte Eier legende Säugetier. In diesen Wesen manifestiert sich ein evolutionärer Übergang, sie konservieren in ihren Genom eine längst vergessene Zeit, leben aber im Hier und Jetzt. Das könnte man auch von IN EXTREMO behaupten, denn in ihrer Musik manifestiert sich eine oft vergessene Klangwelt ebenso wie die Moderne, in der wir alle leben.

Um eine Ahnung dafür zu bekommen, was IN EXTREMO antreibt, was sich in dieser Band reibt und kristallisiert, warum das alles genau so sein muss wie es ist, reicht ein Bild: Die Bühne eines kleinen, idyllischen Mittelalter-Marktes, die Zupfgeige des Vorgängers ist noch nicht lang verklungen, da ertönt plötzlich eine Stimme aus dem Dunklen und fragt: “Wo ist denn hier die Steckdose?”

Skandal. Gaukler am Rande des Nervenzusammenbruchs. Das Publikum in Schockstarre. Ältere erinnern sich an Bob Dylan - als er die Besucher des New Port Folk-Festival 1965 mit seinen ersten elektrischen Set schockierte und fortan mit dem Beinamen Judas leben musste.

So etwas wie IN EXTREMO hatte der Mittelalter-Markt zu dieser Zeit weder gesehen noch gehört. Die Frage nach der Steckdose, diesen Moment dürfen wir mit etwas poetischer Freiheit als Geburtsstunde von In Extremo verstehen. Das muss so 1995 gewesen sein, dem offiziellen Gründungsjahr. Die vollständige Geschichte ist viel komplizierter, nachzulesen in Kay Lutters Buch “Spielmannsfluch” - aber mit der Frage nimmt die Idee von IN EXTREMO ihre erste und schließlich auch vollständige Form an. IN EXTREMO verstehen sich als eine moderne Rockband. Natürlich braucht die Strom. Das Recht der Narren ist seit jeher, spielerisch mit der Realität zu provozieren. Und so haben IN EXTREMO die Regeln der Gralshüter und Kulturwächter unterwandert, aber nur, um ein ungleich breiteres Publikum mit der Professionalität von Schaustellern in ihren Bann zu ziehen:

Menschen! Flammen! Sensationen! (Strom!)

Keine andere Band versteht es besser, die räudige Poesie eines François Villons mit der adäquaten Härte vorzutragen. Keiner entschlackt deutsche Hochkultur wie Goethe oder Uhland mit weniger Worten, ohne falschen Respekt zu heucheln. Niemand schafft es so effektiv, verschüttetes Kulturgut zu bergen und den längst begrabenen Glauben an das Gute zu wecken; einst bescheinigte ein Kritiker IN EXTREMO eine, “an Kitsch grenzende Hoffnung auf Freundschaft, Verständnis und das Recht, so zu sein, wie man ist.” Das kann man einfach so stehen lassen, denn wenn Hoffnung kitschig sein kann, ist diese Welt ohnehin nicht mehr zu retten.

Mit ihrem Erfolgs-Album “Sängerkrieg” konnten sich IN EXTREMO nun endgültig befreien. Nach einer bewegten Vorgeschichte im Untergrund inklusive der krediblen Verhaftung, direkt von der Bühne weg, kulminierte die musikalische Laufbahn der sieben Musiker 2008 in einem Album, das wie kein zweites das Unvereinbare endgültig verbindet. Die Elemente sind seit Jahren mehr oder weniger dieselben aber ihr Miteinander war nie inniger, das beweisen auch zwei Gold-Auszeichnungen und die Top-Position in den Charts. Dieser vorläufige kreative und kommerzielle Höhepunkt der bisherigen Geschichte von IN EXTREMO war nur der Beginn einer Fortschreibung - es geht weiter, mit denselben Mitteln und einer neuen Unbekümmertheit.

Unverkennbar bestätigt das neue, neunte Studio-Album “Sterneneisen” im Titel und Artwork, dass IN EXTREMO das Zeitalter der Maschinen und Industrialisierung für sich entdeckt haben. Bei der Vor-Produktion und der Organisation helfen schon seit geraumer Zeit Computer. Längst ist die Band dem Ruf der ausländischen Fans gefolgt und haben den Sprung über die Gewässer, nach Asien und Amerika gewagt. Ohne technisches Teufelswerk wäre weder das Reisen noch ihre aufwendige Pyro-Show möglich. Aber trotz der Tonnen von Technik muss sich IN EXTREMO keine Sorgen um die eigene Identität machen. Denn wie schrieb Robert Müller im Metal Hammer, anlässlich des letzten Albums schon ganz richtig: “So lange IN EXTREMO ihr opulentes Line-Up mit all seinen Fraktionen, Facetten und (Ersatz)Familieneigenschaften stabil halten kann, bleibt die innere Logik ihrer Musik intakt, (…) denn so wie die Jungs in der Band, leben auch die beiden Elemente ihrer Musik miteinander, nicht nebeneinander.”

Als hätte es dafür noch eines Beweises bedurft, haben IN EXTREMO mit “Sterneneisen” ein Album aufgenommen, das die Band noch geschlossener, als eine kompakte Einheit präsentiert. Bei den Aufnahmen der zwölf Songs haben die sieben auf Bewährtes gesetzt - erneut wählten sie die Principal Studios als Hauptquartier, idyllisch in einem alten Bauernhof bei Münster gelegen. Dort halfen ihnen auch wieder ihre Freunde, die “Resetti Brothers” Jörg Umbreit und Vincent Sorg, die bereits bei der Produktion von “Sängerkrieg” und den Alben zuvor für den letzten Schliff gesorgt hatten.

Das gesamte Arrangement des Albums und die zwölf Songs im einzelnen mögen beim ersten Hören außergewöhnlich, ja, einzigartig erscheinen. Aber Sänger Michael Robert Rhein alias Das Letzte Einhorn hält den Ball flach und rät uns dazu, die Unterschiede zwischen ihren Alben nicht überzubewerten: “Du legst das Teil rein und hörst: Das ist IN EXTREMO. Und so soll das sein!”

Und so wird das auch in Zukunft sein …

www.inextremo.de
www.facebook.com/officialinextremo

Kontakt – TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Er performte nicht nur die aktuelle Single “Küssen kann man nicht alleine” aus dem gleichnamigen Album (VÖ:28.01.11) , sondern war auch als Talk-Gast und  Wett-Pate  zu sehen .

Dem Live-Auftritt gibt es hier zu sehen!

Samstag 12.02.11, ZDF “Wetten Dass…?” 20.15h

Das klinge doch wie ein Chansontitel aus den 20ern. Das klinge doch wie – Max Raabe!

Mit dem gleichnamigen Album steigt Max Raabe mit einem sensationellen #8 in die Deutschen Sales-Charts LP ein!

Hier geht’s zur aktuellen Single!

(Links: Dirk Diebels, Senior Product Manager International, Roadrunner Records, rechts: Daniela Leubner, Revoler TV- Promotion)

Mit ihrem zweiten Album „21“ landet sie direkt auf Platz #1 der Album Charts, mit „Rolling in the Deep“ klettert sie auf die Pole-Position der Single-Charts und thront bereits in der dritten Woche auf der #1 der Airplaycharts. Wir freuen uns sehr, dass es uns mit einem kleinen, komplett unabhängigen Team gelungen ist, Adele auf die ersten Plätze sämtlicher Hitparaden zu platzieren. Zudem stieg das Vorgängeralbum „19“ wieder in die vorderen Chartsregionen ein. Mit „21“ hat sich Adele als Künstlerin in Deutschland etabliert. Passend dazu können wir heute melden, dass „21“ nach nur einer Woche den Goldstatus erreicht hat. Nun dürfen wir freudig und gespannt in die Zukunft einer großartigen Künstlerin blicken.

Adele Live

26.03. Hamburg, Docks
27.03. Berlin, Huxleys
29.03. München, Kesselhaus
07.04. Köln, Bürgerhaus Stollwerck /ausverkauft

Meister der Eleganz, des Melodrama und der symphonischen Erhabenheit: Within Temptation sind nicht nur eine der markantesten und charismatischsten Bands, die zuletzt aus der Metal-Szene hervorgegangen sind, sondern auch eine der größten Erfolgsgeschichten des europäischen Metal der letzten 10 Jahre. 1996 von Gitarrist Robert Westerholt und Sängerin Sharon den Adel gegründet und von Bassist Jeroen van Veen gekonnt unterstützt, ist das niederländische Quintett ausgezogen, Musik zu kreieren, die eine erlesene Balance bildet, aus dem kühnen, aufrüttelnden Strom der Kino-Soundtracks und feinstem, dunklen Rock und Metal der Moderne in all seiner brütenden Gothic-Brillanz. Während sie in den ersten Jahren ihrer Existenz in den Niederlanden eher ein gut gehütetes Geheimnis waren, schoss die Band mit der Veröffentlichung ihres zweiten Albums, „Mother Earth“, im Jahre 2000 europaweit ins Scheinwerferlicht des Mainstream. Seitdem wachsen ihre Erfolge stetig: Mehr als 2,8 Millionen verkaufte CDs und DVDs veröffentlicht in 48 Ländern, 30 Gold- und Platin-Auszeichnungen und 4 niederländische Export Awards, sowie 2 MTV European Music Awards, 2 World Music Awards und viele mehr.

Die aktuelle Besetzung von Within Temptation, vervollständigt von Lead-Gitarrist Ruud Jolie und Keyboarder Martijn Spierenburg (Schlagzeuger Stephen van Haestregt stieg 2010 aus), hat in ihrem Heimatland und darüber hinaus große kommerzielle Erfolge gefeiert. Alben wie „The Silent Force“ von 2004 und sein schwelgerischer Nachfolger „The Heart Of Everything“ verzaubern eine ständig wachsende Fangemeinde und setzen Standards in Sachen Symphonic Rock und Metal. Sie sind eine überragende Live-Band, deren extravagante Shows aufgrund des aufwendigen „Black Symphony“ DVD-Sets von 2008 legendär sind. Within Temptation haben heute als eine der größten Rockbands des Kontinents eine einzigartige Position inne, sind aber weit davon entfernt selbstgefällig zu werden – das neue Jahr beschert sowohl einen neuen Sound als auch einen völlig neuen Blickwinkel auf die einzigartige Welt der Band.

Das brandneue Album „The Unforgiving“ markiert einen radikalen Wechsel in Sachen Musik-richtung und Symbolik, wie Westerholt beschreibt: „Wir spürten sofort, dass wir nicht die gleichen Dinge noch einmal machen konnten. All die Jahre haben wir versucht unseren eigenen Sound zu erschaffen. Auf unserem letzten Album, „The Heart Of Everything“, haben wir unser Ziel erreicht. In dieser Hinsicht ist es das perfekte Album. Also war unsere Mission erfüllt und wir mussten jetzt etwas Neues tun und uns von jeglichen Regeln befreien. Wir wollten Frische, uns aber andererseits auch nicht dazu zwingen, etwas anders zu machen, ohne es zu fühlen. Es sollte natürlich sein. Es war befreiend als wir anfingen neue Songs zu schreiben und merkten ‚Ja, das drückt aus was wir heute sind und es fühlt sich gut an!’“

Als umwerfende Komposition aus hochmodernem Hardrock, schimmernden Pop-Melodien, messer-scharfen Arrangements und kraftvollen, Schatten-umwobenen Atmosphären, unterscheidet sich „The Unforgiving“ erheblich von vorangegangenen Within Temptation-Alben. Jeder einzelne der 12 Tracks besitzt eine gewaltige, einprägsame Melodie und gleichzeitig vermittelt das Album enorme Vielfalt und Wandlungsfähigkeit. Geschickt manövriert die Band vom unmittelbaren Nervenkitzel des hymnischen „Shot In The Dark“, dem wohlig metallenen „In The Middle Of The Night“ und der sich aufbauenden Bedrohung von „Faster“ (erste Radio Single) zu epischem Bombast in „Iron“, beglückender Dramatik in „Where Is The Edge“ und unwiderstehlichem „Rock/Disco Beat“ in „Sinéad“. Dies ist der Sound einer grandiosen Band in der Form ihres Lebens, die jede Facette ihres Sounds und der eigenen Musiksammlung auslotet und im vielschichtigen und nachhaltig faszinierenden Ergebnis schwelgt.

„Auf eine merkwürdige Art und Weise fühlte es sich auch an, als würden wir mit diesem Album zu unseren Wurzeln zurückkehren“, resümiert Westerholt. „Wir kommen aus den späten Achtzigern und frühen Neunzigern, das ist unsere musikalische Geburtsstätte. Man möchte immer etwas Neues schaffen, aber wir sind dabei in die Vergangenheit gegangen und haben sie gefeiert. All diese Melodien und Gefühle der Musik der damaligen Zeit – Bands wie ‘Sisters Of Mercy’ und ‘Marillion’, ‘Europe’ und ‘A-Ha’, ‘Depeche Mode‘ und ‘Metallica’. Das alles ist in uns, und es kam heraus, als wir diese Songs schrieben.“

Within Temptation haben sich diesmal ganz bewusst von den windgepeitschten Fantasien der Vorgängeralben entfernt, um sich eine frische musikalische Perspektive zu erhalten. „The Unforgiving“ ist nicht nur ein Album: Es ist auch ein Comic-Roman und eine Reihe von lang-formatigen Videoclips, die zusammen Teil einer dunklen und fesselnden Geschichte über Leben, Liebe, Rache, Zorn und Reue sind. Basierend auf einer Idee des amerikanischen Autors Stephen O’Connell (BloodRayne/Dark 48) und seiner Comic-Novelle und illustriert von Comic-Künstler Romano Molenaar (Witchblade/Darkness/X-Men), besteht „The Unforgiving“ aus 12 Songs, die sich jeweils auf die Perspektive und Erlebnisse von einem der Hauptcharaktere der Geschichte konzentrieren. „Wir wollten kein klassisches Konzeptalbum machen, bei dem man sich etwas ausdenkt und Texte schreibt, um die Geschichte zu erzählen“, erklärt Westerholt. „In der Vergangenheit haben uns Bücher oder Filme immer wieder zu einem Text oder einem Song inspiriert – so wollten wir dies auch angehen. Wir haben 12 Tracks und sie sind Soundtracks zur Geschichte.“

Obwohl Westerholt und seine Bandkollegen gespannt darauf sind, wie die Fans die düsteren Wunder von „The Unforgiving“ für sich selbst entdecken, offeriert der Gitarrist und Songwriter folgende kurze und mysteriöse Erklärung, worum es in der Geschichte geht. „Das Leben von Menschen kann sich unterschiedlich entwickeln, je nachdem woher sie kommen, wer ihre Familie ist und wer oder was ihnen begegnet,“ sagt er. „Die Erzählung handelt also davon, wie in gewissen Leben Dinge für Menschen sehr falsch laufen und manche nach ihrem Tod eine zweite Chance bekommen, um aufzuarbeiten was im Leben passiert ist. Oberflächlich betrachtet geht es um böse Charaktere , die Ihresgleichen jagen – aber eigentlich geht es vielmehr um die Geschichten hinter diesen Leuten, ihren Leben; um das was sie suchen und worum es im Leben geht.“

Zusätzlich zum Album und dem flankierenden Comic-Buch haben Within Temptation ebenso intensiv an einer anderen visuellen Adaption von „The Unforgiving“ gearbeitet. Herausgekommen sind drei Promotion-Videos im Lang-Format zu den Songs „Faster“, „Shot In The Dark“ und „Sinéad“. Alle drei beginnen mit einigen Minuten dramatischer Erzähl-Handlung bevor die Band erscheint um die Songs selbst zu performen, und dabei - vollkommen unangestrengt natürlich - stylish aussehen! „Für mich ist ein Comic-Buch nicht kindisch, es ist wie ein Film“, schwärmt Westerholt. „Mit diesen Filmen ermöglichen wir der Geschichte eine breitere Perspektive und bringen sie denen näher, die sich nicht so für den Comic interessieren. Ich habe Comics immer geliebt, aber das tut nicht jeder!“

Die anfänglichen Pläne sofort zu touren, um „The Unforgiving“ zu unterstützen, wurden nach der Ankündigung, dass das bandeigene Ehepaar Robert Westerholt und Sharon den Adel später in 2011 sein drittes Kind erwartet, auf den Herbst 2011 verschoben. Auch wenn die Fans jetzt gezwungen sind, ein paar Monate länger zu warten, bis sie ihre Lieblingsband wieder in Aktion sehen können, besteht Westerholt darauf, dass die Vorteile dieser unerwarteten Pause, die Nachteile bei Weitem überwiegen. Was auch immer passiert, das Jahr 2011 wird Within Temptation gehören…

„Wir sind in einer komfortablen Lage, weil wir das Album fertiggestellt haben, alle Videos fertig sind und wir jetzt Monate Zeit haben um richtig an der Tour und der Show zu arbeiten“, erklärt der Gitarrist. „Wir wollen diese Show wirklich zur interessantesten und anspruchsvollsten machen die wir je gespielt haben. Dieses Album ist perfekt dafür, also ist unsere kreative Ausgangsposition hervorragend.

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VÖ: 28.01.2011

Label: Cosmix Records

Vertrieb: Rough Trade

EINE EVOLUTION, KEINE REVOLUTION

Die Indie-Pop Formation Tyler legt mit „Favorite Sin“ ein neues Album vor. Und nein, die drei Musiker halten nicht, was sie mit ihrem 2005 erschienenen Debütalbum „Don’t Play“ versprochen haben, sondern legen nach. Gehörig kraftvoll, Meister der Melodien – alles im wahrsten Sinne des Wortes.

„You left me time enough to see the future new“. Eine programmatische Textzeile, die Lukas Hillebrand, Leadsänger und Kopf der Band mit dem Vornamen eines soziopathischen Leinwandhelden, seiner Hörerschaft da auf einem der vierzehn Tracks des neuen Albums um die Ohren schmeißt. Dass es nicht schaden kann, sich für ein Nachfolgealbum Zeit zu lassen, stellen Tyler mit „Favourite Sin“ eindrucksvoll unter Beweis. Über zwei Jahre bastelte die Band, deren Musik sich nur schwer in das viel geliebte Genrekorsett pressen lässt und die sich selbst als „omni-direktionaler Hybrid aus Pop, Rock und Alternative“ bezeichnet, an der am 28.01.2011 erscheinenden Platte. „Wir haben das gesamte Album zwei Mal aufgenommen. Da fragt man sich natürlich schon hin und wieder, ob man es nicht ein bisschen übertreibt mit der Perfektion. Aber es war uns wichtig, klar herauszuarbeiten, was Tyler ausmacht. Einen roten Faden zu finden, der sich durchzieht, ohne dabei Gefahr zu laufen eine durch und durch saubere Platte abzuliefern, die keine Ecken und Kanten hat“, meint Hillebrand.

Ein Mann, ein Wort. Durch und durch sauber ist „Favourite Sin“ in puncto Produktion – die ist auf so hohem Niveau angesiedelt, dass man den internationalen Vergleich keineswegs scheuen muss. Wer jedoch aalglatten Gitarrensound erwartet, wird sich schnell eines Besseren belehren lassen. Denn musikalisch präsentieren sich Alex Pohn (Schlagzeug), Peter Schönbauer (Bass) und Lukas Hillebrand (Songwriting, Vocals und Gitarre) auf ihrem zweiten Album dichter, facettenreicher und ein gutes Stück erwachsener als je zuvor. Dass seit der Veröffentlichung ihres Debutalbums „Don’t Play“ 2005 und dem aktuellen Werk eine nicht zu überhörende Evolution in puncto Sound stattgefunden hat, ist Ergebnis eines Reifeprozesses. An handwerklichen Fähigkeiten mangelte es den drei Bandmitgliedern nämlich nie – lediglich an thematischer und musikalischer Einheit fehlte es streckenweise. Bassist Peter Schönbauer bringt das Dilemma der viel beschworenen Köche und deren Brei auf den Punkt: „Wir haben unterschiedliche Zugänge zu unserer Arbeit, unterschiedliche musikalische Backgrounds, und am Anfang haben wir mehr Zeit damit verbracht, uns einig zu werden, als Musik zu machen. Aber irgendwann hat sich ein Schalter umgelegt, wir sind ins Studio gegangen und haben einfach drauf los gearbeitet. Und da haben wir erst gemerkt, wie viel wir tatsächlich rausholen können, wenn wir diese Unterschiede nicht ausmerzen sondern einfließen lassen.“

Ja, man hat den Eindruck, auf dieser Platte passt einfach alles zusammen, jedes Wort bettet sich am richtigen Akkord und passt zum nächsten „tsching“ der Hi-hat. Urban und mit ausgetüftelten, schönen Arrangements, mal düster-melancholisch, mal schwungvoll aber stets kantig, klar und kreativ kommt „Favourite Sin“ daher – ein gehörgängiges, lebendiges Konglomerat unterschiedlicher Stilmittel und Genres, das vor allem eines ist: Ein beeindruckender Beleg, dass eine Platte Pop sein kann ohne auf dreckige Sounds zu verzichten. Dass zornige Gitarren und schöne Melodien einander nicht ausschließen. Und dass man Singer-Songwriter Qualitäten mit denen einer Rock Band zu einem musikalisch dichten Netz spinnen kann, ohne an Authentizität zu verlieren.

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Adele über ihre neues Album:
“I’m very excited, nervous, eager, anxious but chuffed to announce my new album! It’s taken a while and it knocked me for six when writing it. It’s different from “19”, it’s about the same things but in a different light. I deal with things differently now. I’m more patient, more honest, more forgiving and more aware of my own flaws, habits and principles. Something that comes with age I think. So fittingly this record is called “21”. The whole reason I called my first album “19” was about cataloging what happened to me then and who I was then, like a photo album you see the progression and changes in a person throughout the years”.

Adele Live
26.03. Hamburg, Cafe Keese 27.03. Berlin, Postbahnhof 29.03. München, Theaterfabrik 07.04. Köln, Bürgerhaus Stollwerck - Ausverkauft

Am 15. April 2011 wird das neue Album von CAPTAIN`S DIARY erscheinen!

Das dritte Album des Oberhauseners wird auf dem Label “Retter des Rock” erscheinen. Für den physischen Vertrieb wird dann Rough Trade zuständig sein, um den digitalen Vertrieb wird sich Zebralution kümmern.

Während die ersten beiden Alben mit einem 4 Spur-Gerät aufgenommen wurden, ist das dritte Album im Studio von Sven Peks (Turbonegro, Jahcoustix, Letzte Instanz, Tagtraum, Astra Kid etc.) entstanden. Zu hören gibt es dann 10 deutschsprachige Songs, die bezüglich des Stils vom Liedermacher-Akustiksong bis zum Punkrocksong alles zu bieten haben!

Bereits seit gut zehn Jahren schreibt der 28-jährige Oberhausener Sebastian Müller eigene Lieder, die er mit einer Akustikgitarre und seinem Gesang vertont.

Um sich als Singer/Songwriter einen Namen zu geben, hat er CAPTAIN`S DIARY gewählt.

Seit 2004 ist er mit seiner Musik auf den Bühnen Europas unterwegs und kann auf über 200 Konzerte sowie unzählige Touren durch Deutschland, Frankreich, Österreich, Tschechien und die Niederlande zurückblicken. Dabei teilte er sich mit vielen anderen großartigen Musikern, Bands und Autoren die Bühne, von denen hier nur einige aufgezählt werden sollen: Nick Oliveri (USA), The Casting Out (USA), Sarah Bettens (K..s Choice), Kilians, Senses Fail (USA), Madsen, Carus Thompson (AUS), Jupiter Jones, Nagel (Muff Potter), Emirsian, Senore Matze Rossi, One For The Team (USA), Angelika Express, EL*KE, The Bellrays (F), Longing for tomorrow, Estrich Boy u.v.a

Im Laufe der letzten Jahre wurden sowohl die Musikpresse (Visions, Ox, Allschools Network, 3 voor 12 Niederlande, PRINZ, Coolibri, Zitty Berlin, Kulturnews Hamburg u.a.) als auch Fernsehformate ( WDR Fernsehen, Balcony TV Hamburg, Offener Kanal Berlin, Kanal 21 Bielefeld, Studio 47 Duisburg) auf CAPTAIN`S DIARY aufmerksam und äußerten begeisterte Rückmeldungen hinsichtlich seiner Musik.

Hinzu kommen Airplays, Künstlervorstellungen und Interviews auf 1Live, BBizarre Radio, Bayern2, 4FM Österreich und anderen Radiosendern.

Hier einige Auszüge aus Pressefeedbacks:

” (…) ein Talent für melancholisches, klares Songwriting (…) Melodien, die wirklich berühren.” (VISIONS)

” (…) wirklich hörenswert, wie er seine kleinen Perlen vorspielt.” (Bizarre Radio)

” Da kann man ruhig mal die Augen zumachen und an die guten alten Zeiten denken.” (Allschools Network)

“Die Songs von CAPTAIN`S DIARY sind stets aufs Neue beeindruckend. Melodisch eingängig und ruhig kann man sie mit geschlossenen Augen konzentriert genießen. Dabei fällt einem dann auch die schmeichelnde Stimme ins Ohr, die klar und deutlich über den leisen und lauteren Tönen der Gitarrenmelodie steht.” (NRZ)

Weitere Infos:
www.myspace.com/captainsdiary
www.captains-diary.de

Kontakt: robert@revolverpromotion.de

Die KarriEhre Street EP leutet die KarriEhre-Ära ein und führt Euch an KarriEhre Sound heran. Bei dieser Vorstufe zur KarriEhre LP handelt es sich um sieben energiegeladene Songs, die beim Zuhören eine regelrechte Achterbahnfahrt der Emotionen auslösen. Aggressiv, hungrig, verzweifelt und trotzdem auf einer schier unglaublichen Arroganz basierend, gehen die Songs ganz untypisch für das deutsche Rap-Game oft in verträumte, melodiöse Gesangseinlagen über, wodurch das Tempo-Feeling variiert und dadurch ständig für Abwechslung sorgt.

Diesen von S.A.I.D. und seinem Partner Alexi (Melotronicles) elektronisch angehauchten Sound nennen sie Melotronic!

Während auf der EP noch Namen wie Deso Dogg, Woroc und Eko Fresh zu finden sind, lässt der Künstler auf der LP nur Engstvertraute am Werk mitwirken.

Zur EP wurde natürlich auch ein Video gedreht, welches ab dem 12.01.2011 online sein wird!

Übernacht/KarriEhre 2011 ist ein Splittvideo von zwei Songs der Street EP und wurde hauptsächlich im Berliner Stripclub Rush Hour gedreht.
Zusätzlich zum Musikvideo wurde auch noch ein kleiner Teaser gedreht, der aggressivste Song der EP produziert von Woroc, zusammen mit Deso Dogg, der den jungen hungrigen Newcomer auf die Menschheit loslässt. Wie Ihr merkt ist die Zeit jetzt eine historische…Nach nicht enden wollenden Wochen und Monaten im Studio ist der Künstler S.A.I.D. nun endlich wieder aus seiner Höhle gekrochen, um die Früchte seiner Arbeit zu ernten.

Die KarriEhre Street EP steht Euch ab dem 12.01.2011 als Download zur Verfügung. Exklusiv auf der Künstlerhomepage und der offiziellen Myspace, und nur bis zum 11.02.2011 kostenlos!
www.s-a-i-d.de
www.myspace.com/s-a-i-d

Also seid von Anfang an mit dabei, wenn es darum geht einen neuen Stern am Raphimmel aufgehen zu sehen!
Seid von Anfang an dabei, wenn es darum geht den deutschen Rap zu reformieren!
Es wird höchste Zeit, KarriEhre!

Weitere Infos:
http://www.facebook.com/pages/SAID/163779883666311#!/pages/SAID/163779883666311
http://twitter.com/#!/SAIDkarriEhre

VÖ: 25.03.2011

Label: Smarten Up

Vertrieb: Rough Trade

Man könnte es sich an dieser Stelle einfach machen und die Kontextualisierungskeule schwingen. Dikta, das nächste große Ding aus Island. Und wir wissen ja, wie es ist mit den großen Dingern aus Island, sie klingen zumeist sehr isländisch. Also entweder gravitätisch rauschend oder verwaschen dahin getupft oder wie entrücktes Elfenseufzen. Im Falle von Dikta verhält es sich beim genaueren Hinhören aber doch etwas anders. Anders als bei vielen Acts aus ihrem Land wird der Entstehungskontext nicht derart augenfällig in die Soundsignatur ihrer Stücke eingraviert, dass sie sich augenblicklich ins Ausland exportieren ließen. Denn machen wir uns nichts vor: Da wo anstelle von Geysiren nur Schornsteine stehen, da geht man gerne seinen Sehnsüchten nach und hört sie gern, die akustischen Verheißungen aus dem Land, wo alles so märchenhaft und weit ist. Dikta wiederum bereiten keine Ansichtskarten für den Versand über die Landesgrenzen vor, bzw. ist das nicht ihr vordergründiges Motiv. Sie schreiben vielmehr an ihrer eigenen Sprache mit universalem Anspruch, die ungeachtet eines Standortes diejenigen ansprechen wird, die ein Herz in ihrer linken Brust schlagen haben. So einfach ist das. Und so schwer. Denn wie oft hat man es denn, dass dem so simpel anmutenden Format des leidenschaftlichen Popsongs wirklich und abseits sämtlicher Klischeefallen Genüge getan wird?
Auf dem aktuellen Album „Get It Together“, das nun auch außerhalb Islands veröffentlicht wird, sind es 13 Stücke, die genau das und sogar noch mehr leisten. Es sind die Stücke, in denen all das zusammen fließt, was die Band seit ihrer Gründung ausmachte, aber nun unwiderstehlich vollendet wird. Das beinahe blinde Verständnis von Haukur (Gesang, Piano, Gitarre), Jón (Gitarre), Jón (Schlagzeug) und Skúli (Bass), das aus einer Freundschaft erwachsen ist, die bereits seit ihrer Kindheit anhält. Das Gespür für gefühlstiefe Prägnanz, die über Akkorde, Harmonien und die Texte augenblicklich das Kopfkino der eigenen Erinnerungen anwirft. Auch das Gespür, das ihre sentimentalen Momente vor dem Abgleiten ins Triviale bewahrt und die beinahe beispiellose Gabe, in ihrem Grundtenor eine unerschütterliche Hoffnung glühen zu lassen. Schließlich auch das Talent lupenreine Hits zu schreiben, die in der Live-Situation gern zu massiven Walls of Sound gesteigert werden.
Stücke wie das behutsam arrangierte „Final Call“, dessen Cello-Umarmung aus jeder Enttäuschung einen Hoffnungsschimmer hervor streichelt, nur wenige Momente, bevor im darauffolgenden „Let Go“ eine der stärksten Hooklines des Albums von wuchtigen Riffbrandungen eingeleitet wird. Wobei es müßig ist, hier die besonders eindrucksvollen Momente unterstreichen zu wollen, wenn es auf „Get It Together“ davon doch so viele gibt.
Es wird bereits jetzt gern kolportiert, dass Radiohörer in Island bei den Stationen anriefen, um sich zu erkundigen, ob die Sender neben Dikta vielleicht noch andere Künstler im Repertoire hätten. Tatsächlich ist „Thank You“, die erste Single aus dem Album, der am häufigsten im isländischen Radio gespielte Song aller Zeiten. Tatsächlich ließ sich Produzentenlegende Ross Robinson zu der Bemerkung hinreißen, Haukurs Stimme ließe den Hörer vom Boden abheben. Tatsächlich ist Dikta Islands populärste Band. Und tatsächlich ist es an der Zeit, dass diese Band auch hierzulande den Ruf des gut gehüteten Geheimnisses ablegt und den Platz einnimmt, der ihr zusteht. Den der Band, die du nie vergisst.

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Hier der Bericht über Ritzy Bryan und ihre Band, deren Album “Big Roar” am 21.02.11 erscheint.

Oben drauf ein Unplugged Mitschnitt von der ersten Single “Austere” für SPIN-Sessions!

Das Video zu “Rolling In The Deep” hatte diese Woche Weltpremiere und wird schon heiß in diversen Foren diskutiert. Wir empfehlen, sich selbst ein Bild zu machen: http://www.mtv.de/videos/22478747-adele-rolling-in-the-deep.html

“Rolling In The Deep” von Adele und Paul Epworth geschrieben und produziert und wird von Adele selbst als “dark bluesy gospel disco tune” beschrieben. Die Single ist die erste Auskopplung aus ihrem am 21.Januar 2011 erscheinenden Album, das in in Malibu im Studio des legendären Rick Rubin (Johnny Cash, Jay Z, Red Hot Chilli Peppers) und in London beim kaum weniger bekannten Paul Epworth (Plan B, Bloc Party, Florence) entstand. Die zweimalige Grammy-Gewinnerin Adele nennt u.a. Wanda Jackson, Yvonne Fair, Andrew Bird, Mary J Blige, Mos Def, Elbow, Tom Waits und Kanye West als Key-Einflüsse für “21”.

Zu sehen gibt es die beiden Videos hier

 1.12. - 23h: LETZTE INSTANZ

09.01. - 23h: HELLOWEEN

“Rolling In The Deep” von Adele und Paul Epworth geschrieben und produziert und wird von Adele selbst als “dark bluesy gospel disco tune” beschrieben. Die Single ist die erste Auskopplung aus ihrem am 21.Januar 2011 erscheinenden Album, das in in Malibu im Studio des legendären Rick Rubin (Johnny Cash, Jay Z, Red Hot Chilli Peppers) und in London beim kaum weniger bekannten Paul Epworth (Plan B, Bloc Party, Florence) entstand. Die zweimalige Grammy-Gewinnerin Adele nennt u.a. Wanda Jackson, Yvonne Fair, Andrew Bird, Mary J Blige, Mos Def, Elbow, Tom Waits und Kanye West als Key-Einflüsse für “21”.

Die Single “Rolling In The Deep” wird am 31.12.2010 exklusiv auf i-tunes veröffentlicht und ist eine Woche später auf allen anderen Plattformen verfügbar, die parallele Veröffentlichung einer Maxi-Single CD ist aufgrund der hohen Nachfrage bereits ebenfalls in Planung.

Mit ihrer neuen Single “Altogether Ooky” (VÖ: 03.12) steigen die Jungs ab Freitag in die MTV “Overnight” und “Brand:Neu” Rotationen ein!

“Rolling In The Deep” von Adele und Paul Epworth geschrieben und produziert und wird von Adele selbst als “dark bluesy gospel disco tune” beschrieben. Die Single ist die erste Auskopplung aus ihrem am 21.Januar 2011 erscheinenden Album, das in in Malibu im Studio des legendären Rick Rubin (Johnny Cash, Jay Z, Red Hot Chilli Peppers) und in London beim kaum weniger bekannten Paul Epworth (Plan B, Bloc Party, Florence) entstand. Die zweimalige Grammy-Gewinnerin Adele nennt u.a. Wanda Jackson, Yvonne Fair, Andrew Bird, Mary J Blige, Mos Def, Elbow, Tom Waits und Kanye West als Key-Einflüsse für “21”.

Die Single “Rolling In The Deep” wird am 31.12.2010 exklusiv auf i-tunes veröffentlicht und ist eine Woche später auf allen anderen Plattformen verfügbar, die parallele Veröffentlichung einer Maxi-Single CD ist aufgrund der hohen Nachfrage bereits ebenfalls in Planung.

Exemplarisch für die reihenweisen “Chapeau!”-Rufe und Lorbeeren, die Adele in diesen Tagen allerorten erhält, einen interessanten Beitrag von “Mr.American Music Industry” Bob Lefsetz zum Thema, der diese Woche erschien.

Cäthes deutschsprachige Popmusik kann mutiger und ehrlicher nicht sein. Die in Hamburg lebende Sängerin nimmt in ihren Texten kein Blatt vor den Mund und überzeugt mit ihrer rotzigen Röhre, die einem nicht mehr aus dem Kopf geht. Ihre Musik ist laut, verspielt, ansteckend und außergewöhnlich. Auf so eine Künstlerin wie Cäthe hat man in Deutschland lange gewartet. Endlich ist sie da! Bevor im September 2011 ihr ungewöhnliches und erfrischendes Album „Ich Muss Gar Nichts“ erscheint, schenkte sie uns Ende Januar 2011 bereits die 5 Track EP „Senorita“, die schon eindrucksvoll zeigt, was für ein Talent hier am Werke ist.
Als Cäthe an einem grauen Novembertag 1982 in Staßfurt zwischen Berlin und Magdeburg geboren wurde, war sie noch das kleine Sandkörnchen Catharina Sieland, wie man es zu Millionen am Ufer der nahen, breiten, dahinfließenden Elbe finden kann. Aber dieser Novembertag war ein Sonntag. Bald nahm das Geheimnis seinen Lauf. Schon früh begann das Sandkörnchen zu trällern, im Kindergarten, in Treppenhäusern, wo sich die Gezwungenermaßen-Zuhörer noch die Ohren zuhielten oder sich Stille mit Bonbons erkauften. Dennoch: Allen Unbilden zum Trotz, die Musik war längst in ihrem Herzen. Die Eltern waren froh darüber. Ihr Vater besaß zwar Beatles- und Rolling Stones-Platten, konnte aber selbst nicht musizieren, und die Mutter liebte Goethe, besaß jedoch nicht den Drang, selbst zur Feder zu greifen.

Cäthes Kindheitsträume endeten wie die aller Mädchen, am Meer, in der Ferne oder über den Wolken, die Realität dagegen reichte meistens nur bis auf den Campingplatz am Plauer See. Aber auch dort war es schön, weil man zusammen mit dem Bruder und den Großeltern Terence Hill und Bud Spencer schaute und Mensch-Ärgere-Dich-Nicht spielte.
Die Ausreise wenige Monate vor der Wende von Staßfurt nach Aalen in Baden-Württemberg war ein tiefer Einschnitt in das Leben der Siebenjährigen, der aber den Wunsch zum Singen nur verstärkte. Nun lag der kleinen Catharina plötzlich die ganze Welt der Töne zu Füßen. Ihr erster Eklat im Westen bestand darin, dass sie ihrer Barbiepuppe einen Kurzhaarschnitt verpasste. „Sie sollte so aussehen wie ich.“ Auch Cäthe war schlank wie eine Barbiepuppe, trieb Sport, tanzte Rock n´ Roll und war wendig wie eine Wildkatze. Sie konnte aus dem Stand durchstarten, explodieren, beinahe platzen und dann wieder bockig sein wie ein wolliges Schaf.
Mit zwölf kaufte ihr der Vater eine Gitarre. Bald gab es kein Halten mehr. Die Musiker-Karriere lag wie eine Autobahn vor ihr. Mit vierzehn gab sie ihr erstes Konzert in der Kneipe von Bobby Brown. Fast wäre sie vor Lampenfieber zersprungen. Aber alles ging gut. Von nun an ist Cäthe auf der Suche ihres Lebens, auf der Suche nach sich selbst. Aber Cäthes Mutter wollte bei der Suche mitspielen. Sie fand eine Kunstschule für Schmuck und Design für die Tochter. Das war nicht schlecht, aber die Fachschule für Musik- und Gesangsausbildung in Dinkelsbühl gefiel dem Musiktalent besser. Dort erlernte sie selbst Dirigieren. Ein Sandkorn bleibt man vorerst auch nach dem besten Schulbesuch, wenn nicht ein Glücksfall eintritt. Und er trat ein. Cäthe hatte schon in der Schule eigene Lieder geschrieben, sie am Wochenende, wenn alle nach Hause fuhren, in ein verstimmtes Klavier gehämmert und auf Tonträger aufgenommen, sich autodidaktisch zum Songwriter entwickelt. Sie hätte Englisch schreiben können, doch sie schrieb Deutsch, „weil ich mich so besser ausdrücken kann“, und sie wollte ihre Lieder in Deutsch singen. Selbstgeschriebene Texte, die bei ihr immer autobiografischen Bezug haben, dienen der Selbstfindung, das Wichtigste vielleicht für einen angehenden Künstler. Aber Cäthe wusste bald, vor den Erfolg haben die Götter den Schweiß gesetzt. Sie jobbte u.a. als Sexshopverkäuferin, Weihnachtsmann und Stuhlabbeizerin. Nachts schreibt sie wie besessen Lieder – immer auf der Suche nach neuen Möglichkeiten. Ihr Weg führte über Mannheim schließlich nach Hamburg, wo sie an einer Hochschule einen mehrwöchigen Popkurs absolvierte. Hamburg gefiel ihr, und 2006 zog sie ganz in die alte, schöne Hansestadt. Mit Kallas, Flozze, Kriton und Philipp baute sie sich eine Band auf, die es mit ihren Instrumenten versteht, das scheppernde Herz der Musik anzutreiben und die mutige Popsängerin, die alle Facetten auf der Bühne auslebt, auf ihrem ungewöhnlichen Pfad zu begleiten. Sie schrieb Lied auf Lied und die Anzahl ihrer Fans wuchs von Tag zu Tag.
Auf ihrem Debütalbum „Ich Muss Gar Nichts“ singt sie ehrlich und befreiend über Gefühle und Eindrücke, die sie beschäftigen. Sie lebt sich aus, lässt ihre wilde Seele regieren und erzählt Geschichten, die das Leben schreibt. Sie ermahnt sich, das Leben selbst in die Hand zu nehmen und sich nicht von Ängsten beherrschen zu lassen („Senorita“), singt über Beziehungen („Wahre Liebe“), Vagabunden („Tiger Lilly“) oder darüber wie leicht es sein kann, schwer zu sein („Leicht Schwer Zu Sein“). Cäthe kann laut sein und rockt gewaltig, aber auch die leisen Töne stehen ihr hervorragend, wie auf „Bleib Hier“ oder beim Titelsong „Ich Muss Gar Nichts“.
In Philipp Schwär findet Cäthe den richtigen Produzenten für ihre selbst komponierten Stücke. 13 davon nahmen sie im Sommer letzten Jahres mit ihrer Band und einigen Gastmusikern in den Hamburger Home Studios auf.
Aus dem Sandkorn von Staßfurt ist heute in Hamburg eine Perle geworden. In wenigen Monaten wird Cäthe ihr erstes Album herausbringen. Erst dann werden sie und ihre Bewunderer erfahren, ob diese schmächtige, schreibende und singende Musikathletin es geschafft hat, ob die Verwandlung vom Sandkorn zur Perle kein Märchen ist.

www.caethe.com

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Wenn Melancholie Musik wäre, sie würde klingen wie Sarsaparilla. Die Lieder von Brandon Miller schaffen das durch ihre einzigartige Mischung aus Folk, Singer/Songwriter und Pop. Mal singt der gebürtige Amerikaner mit zarter, mal mit fester Stimme – immer vereinnahmend und dabei doch subtil. Seine musikalische Begleitung wie auch seine Bandmitglieder variieren ständig. Das fängt an bei der klassischen Akustikgitarre mit Schlagzeug und Bass, geht über schwebende Trompeten- und Violinensolos bis hin zu futuristischen Sci-Fi-Sounds.
In den letzten zwei Jahren sind allein vier Alben in Eigenregie entstanden, zunächst in Philadelphia, später in seiner Wahlheimat Berlin. Musikalisch beeinflusst haben ihn besonders Led Zeppelin, Pixies, Tom Waits, Radiohead und sogar Beethoven. „Auch wenn ich nicht unbedingt so klinge wie sie, mag ich sehr, wofür sie stehen.“ Sarsaparilla selbst steht in der Zeit entweder im Studio oder mit befreundeten Musikern auf den Club- und Festivalbühnen dieser Welt. So erspielt er sich erste Aufmerksamkeit in der alternativen Musikszene.
Und warum der Name Sarsaparilla? Eigentlich heißt so ein Brombeerwein – als Volksmedizin in Mittelamerika im Dauereinsatz – der das Blut reinigen und den Körper entgiften soll. In den USA gilt der Saft längst als Kultgetränk, der schon bei „The Simpsons“ oder „The Big Lebowski“ eine Rolle spielte. Aber das waren alles nicht Millers Beweggründe. Die sind viel persönlicher. Der Singer/Songwriter benennt sich danach, als ihn sein Großvater auf dem Totenbett um ein kaltes Sarsaparilla bittet. Dieses Schlüsselerlebnis bringt Brandon Miller dazu, erste Songs zu schreiben, aufzunehmen und damit bald durch Clubs zu tingeln.
Der Liebe wegen ist er nach Berlin gezogen. „Außerdem gibt es hier im Vergleich zu Philadelphia mehr Natur, weniger Waffen, besseres Bier und tolle Möglichkeiten für Musiker“. Aktuell bereitet sich Brandon Miller in der Hauptstadt auf seine erste eigene Tour zum Album „Everyone Here Seems So Familiar“ vor, das am 21. Januar 2011 bei Revolver Distribution Services in Deutschland, Österreich, Schweiz erscheint. Wie das klingt? Schwermütig schön. Oder um es mit Sarsaparillas Worten zu sagen: „Let’s go to the sea to see the sea and in the sea we will the see what we are meant to be…”

Presse Zitate:

Tip Berlin (Tagestip am 21.1.2011)
Diese Platte überrascht. Entgegen dem Solo-Wahn der letzten Jahre gelang dem Amerikaner Sarsaparilla ein intimes kammermusikalisches Gitarrenalbum, das näher an Cohen als an José Gonzales erinnert. Der Liebe wegen ist er nach Berlin gezogen. Wenn diese Liebe so vertont wird, darf sie sich glücklich schätzen.

Rolling Stone Februar 2011
Auf seiner ersten Veröffentlichung in Deutschland führt der US-Singer Songwriter Brandon Miller
die besten Cuts seiner bisherigen Album zusammen. Synthies und Lo-Fi-Beats erweitern Millers
eigenwilligen melodische eindringliche Indie-Akustikgitarren-Lieder.
3 ½ Sterne

Kieler Nachrichten (18.1.2011)
Sarsaparilla Everyone here seems so familiar (R.D.S./Cargo)
Sarsaparilla ist ein Brombeerwein, der als Volksmedizin in Mittelamerika als blutreinigend und entgiftend gilt. Sarsaparilla ist auch: Brandon Miller. Der in Philadelphia geborene Wahlberliner hat in den letzten zwei Jahren vier Alben in Eigenregie aufgenommen. Nun erscheint ein Querschnitt dieses Schaffens auf seinem offiziellen Debüt. Mit klassischen Instrumenten von der Strom- und Akustikgitarre über Violine bis hin zur schwebend-dezent eingesetzten Trompete verleiht der Singer/Songwriter seinen dreizehn Lofi-Folksongs, die hier und da mit futuristischen Elektro-Sounds der Berechenbarkeit eine erfrischende Absage erteilen, organische Tiefe und Originalität. Anspieltipps: „Seduce“ und „Earthling“.
Bewertung: drei von fünf

Das Dosierte Leben Numero 68 / Reh-Zensionen
Und wer nach dieser ohnedies schon entspannten Musik nochmals einen artähnlichen Chillout möchte, wird hier allerbestens bedient. Filigran, folkesque, melancholisch, sentimental - leider sind diese Termini zu oft gebraucht, dass sie auffallen zur Charakterisierung einer Musik, aber hier passt es. Verleiht jeder Jahreszeit einen Verstärkungseffekt ihrer angenehmen Seiten. Gerne zu genießen mit einem Glas mittelamerikanischen Brombeerweins, der den Bandnamen, der ja eher finnisch anmutet, erklärt.

Stadtblatt Oldenburg Februar 2011
„Everyone Here Seems So Familiar“. Brandon Miller ist US-Amerikaner mit Wohnsitz Berlin. Singer-Songwriter,
Folk und Pop mit Trompete und Violine. Dazu ein Brombeerwein.

Szene Augsburg 1.11
„Wenn Melancholie Musik wäre, würde sie klingen wie Sarsaparilla!“, steht da im Info. Treffender hätte man das kaum beschreiben können. Hinter diesem bizarren Namen steht der amerikanischen Songwriter Brandon Miller, der seit einigen Jahren seine Zelte aufgeschlagen hat. Miller spinnt feine und subtile Songs, etwas Pop hier, viel Folk da. Songs die so introvertiert klingen, als wären sie nie für die Öffentlichkeit geschrieben worden. Schönes Album.
Drei von fünf Sternen

http://myspace.com/sarsaparillamusic

http://www.facebook.com/SarsaparillaMusic

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VÖ: 21.01.2011

Single: “Rolling In The Deep”

VÖ: 14.01.2011

Label: XL Recordings/Beggars Group
Vetrrieb: Indigo

Das erste Highlight für 2011 ist da: Adele kündigte soeben ihr lang erwartete zweites Album für den 21.Januar 2011 an!

Vorab wird es natürlich eine Single geben: “Rolling In The Deep” heißt das gute Stück, das am 14. Januar 2011 digital erhältlich sein wird. Der Song wurde von Adele und Paul Epworth geschrieben und produziert und von Adele selbst als “dark bluesy gospel disco tune” beschrieben.

Über ihr neues Album sagt sie : “I’m very excited, nervous, eager, anxious but chuffed to announce my new album! It’s taken a while and it knocked me for six when writing it. It’s different from “19”, it’s about the same things but in a different light. I deal with things differently now. I’m more patient, more honest, more forgiving and more aware of my own flaws, habits and principles. Something that comes with age I think. So fittingly this record is called “21”. The whole reason I called my first album “19” was about cataloging what happened to me then and who I was then, like a photo album you see the progression and changes in a person throughout the years”.

Ein Grossteil des Albums entstand in Malibu im Studio des legendären Rick Rubin (Johnny Cash, Jay Z, Red Hot Chilli Peppers) und in London beim kaum weniger bekannten Paul Epworth (Plan B, Bloc Party, Florence). Adele nennt u.a. Wanda Jackson, Yvonne Fair, Andrew Bird, Mary J Blige, Mos Def, Elbow, Tom Waits und Kanye West als Key-Einflüsse für “21”.

Trotz ihres noch jungen Alters kann Adele bereits auf eine beachtliche Karriere zurückblicken. Mit 19 erhielt sie als erste Künstlerin den BRITS Critics’ Choice Award. Ihr Mercury-nominiertes Debütalbum “19″ stieg direkt auf Nr. 1 der UK-Album-Charts, wurde mit Doppel-Platin ausgezeichnet und verkaufte mehr als 2 Millionen weltweit. Ihre Debütsingle “Chasing Pavements” war ebenfalls ein Riesenhit, erreichte Nr. 2 in den UK und wurde rund um den Globus zum Erfolg. 2009, mit gerade mal 20 Jahren, erhielt Adele 2 Grammys: Best New Artist and Best Female Pop Vocal Performance. Adele hatte wahrlich einen guten Start; aber aufgepasst: Kapitel 2 beginnt gerade erst!

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Die Musik der Dänin Marie Fisker ist eine feine Mischung aus alternativem Rock und Country, die zusammen eine bittersüße Bildsprache entwickeln. Die Instrumentierung hat Marie einfach aber effektiv gehalten. Vergleiche zu PJ Harvey, Patti Smith und Mazzy Star liegen nahe.
Marie Fisker wurde 1976 in Kopenhagen geboren. Anfang 2000 richtete sie ein Studio im Hinterhof eines alten Hauses im Zentrum von Kopenhagen ein. Dort komponierte sie Lieder, nahm Demos auf und lud Musiker ein, sie im Studio zu begleiten. Der so entwickelte eigene musikalische Klang prägt auch ihr Debütalbum, das sie zusammen mit dem Schlagzeuger Jakob Høyer (ex-The Raveonettes) produziert hat.
Am beeindruckendsten war sicherlich ihre Zusammenarbeit mit Anders Trentemøller, die schließlich in einer Einladung zum Roskilde Festival 2009 gipfelte, wo Marie Fisker vor 50.000 Zuschauern auftrat. Eine „heftige und überwältigende Erfahrung“, wie sie danach einräumte. Jedoch war dies nicht ihr erster Auftritt auf dem Roskilde Festival, schon 2005 spielte sie dort. Die Verbindung zu Anders Trentemøller wurde im Mai 2010 mit der weltweiten Veröffentlichung seines neuen Albums Into The Great Wide Yonder fortgesetzt. Marie singt auf der ersten Single des Albums und wird ihn auf einer ausgedehnten Tournee im Herbst 2010 begleiten, darunter fünf Auftritte in Deutschland. Das Video ist unter www.anderstrentemoller.com verfügbar („Sycamore Feeling“).

Natürlich darf MTV auf so ein Highlight nicht verzichten und “Underwear” ist ab kommenden Samstag bei “Overnight” zu sehen!

Die Bayernmetropole kann sich auf etwas gefasst machen, es wird wieder unglaublich viel zu sehen geben. Star-Tätowierer, aufregende Live- Shows und alles was das “wilde” Herz begehrt. Auch Lucky Diamond Rich wird mit von Partie sein, der meisttätowierteste Mensch der Welt, der einen nicht nur mit seinem Aussehen, sondern auch mit seiner Bühnenshow unverweigerlich in seinen Bann  zieht.

Auch bei MTV Home war Lucky zu Gast und begeisterte bei Taff zahlreiche Passanten.

Nächstes Wochenende also auf jeden fall frei halten, und staunen!!!

04. & 05. Dezember 2010 München, Event-Arena/Olympiapark

VÖ: April/Mai 2011

Single: “We Should Be Lovers”

Label: Roadrunner

Vertrieb: Warner

Anders als viele Bands, haben sich Royseven nicht in der Schule oder auf der Uni getroffen – man lernte sich über gemeinsame Freunde bzw. über eine Anzeige in einem Dubliner Musikmagazin kennen. Sänger Paul Walsh und Gitarrist Eamonn Barrett schalteten eine Anzeige im Hot Press Magazin, um einen neuen Schlagzeuger zu finden. Sie sprachen mit vielen potentiellen Kandidaten, entschieden sich aber schnell für Darragh Oglesby, der kurze Zeit später Paul O’Hara als neuen Keyboarder vorschlug. Schließlich stiegen Bassist Bernard O’Neill und Gitarrist Sam Garland in die Band ein und damit war die Royseven Familie endlich vollständig. Und obwohl alle Musiker bereits zuvor in diversen Bands gespielt hatten, fühlte es sich dieses Mal bereits bei der ersten Probe für alle richtig an. „It was very natural”, erinnert sich Bernard „it was clear we’d be able to work and create together. More than that, we knew that each of us shared the same goals and ambition, which was reassuring.”

Drei Jahre ist es her, dass Royseven ihr, von den Kritikern gefeiertes, Debütalbum „The Art Of Insincerity“ veröffentlichten. Mit Top Ten Singles und einer Top Twenty Chartsplatzierung in der irischen Heimat zogen sie aus, das europäische Festland zu erobern. Es folgten Europatouren als Support sowie Headliner- und Festivalshows bei Rock am Ring/Rock im Park und Oxegen, um nur einige zu nennen. In den vergangenen Jahren sind die sechs Iren nicht nur als Band zusammengewachsen, sondern konnten ihre songschreiberischen Fähigkeiten und ihre Live Performance weiterentwickeln, während sie an der Entstehung ihres zweiten Albums You Say, We Say arbeiteten.

Ein, zwei Jahre Songs schreiben, zusammen durch Irland reisen, Demos aufnehmen, TV- und Radio Shows spielen und ein paar Ausflüge aufs europäische Festland haben obendrein dazu beigetragen, dass sich die Jungs auch menschlich nähergekommen sind. „I suppose you have to become a group before you can write music that reflects a group” stellt Sam fest, „of course it’s harder with six people. But throughout the gigs, travelling and rehearsals, we were actually, unknowingly, laying the foundations for our best work and with You Say, We Say it feels like we’ve finally arrived.”

„The spell that was created has finally come and passed….”
-No Romance

„We wrote the new record as we toured and that helped us tap into a style that worked for both us and the audience. In addition, we had the time to write as a group rather than one person presenting an idea in rehearsals, so we all got to contribute.”

You Say, We Say wurde innerhalb von neun Monaten in Hamburg aufgenommen. Das Sextett tat sich mit Produzenten-Team Andreas Herbig und Jem zusammen, um aus über 30 geschriebenen Songs, die sie für die Albumaufnahmen vorbereitet hatten, die besten zwölf Songs auszuwählen und aufzunehmen.

„We started by playing all the songs live, then we’d chat about which tracks were the strongest and work on their arrangements,” sagt Sänger Paul Walsh. „I guess we spent that first week or two getting to know each other and figuring out where we collectively wanted the album to go.”

„The most amazing part of the process was re-writing some songs as we recorded them, we’ve never worked that way before- we’d usually decide what we’re going to do, then do it – we have to work that way as there’s so many of us!! It was fascinating to watch the music change shape day by day.”

Viele mögen sich die Entscheidungsfindung in einer so großen Band kompliziert vorstellen, aber Royseven gingen ganz diplomatisch an die Sache ran: „We each have different musical backgrounds and experience to draw on with some varying tastes, so it was important to make sure that they were all represented on this record. We also wanted to benefit from the experience and creativity of Andreas and Jem. It’s such a learning curve to work through your music with producers who know instinctively how to maximize a song’s potential.”

“I’m checking you out, I’m not checking in…”
-We Should be lovers

You Say, We Say ist in erster Linie ein Up Tempo Album mit Refrains zum mitsingen und einprägsamen Geschichten über’s Ausgehen, Sex mit Unbekannten, Fernsehprediger und Horrorfilme. Den Soundtrack dazu bilden treibende Gitarren, teils sphärisch anmutende Synthie Klänge und ein charakteristisches Schlagzeug.

Gerade bei Roadrunner Records unter Vertrag genommen, sind Royseven bereit, dem Publikum eine erfrischende Palette von Songs sowohl auf Platte als auch live zu präsentieren. Die Bandmitglieder teilen eine ganz bestimmte Vorstellung von Identität und haben dementsprechend ein Album geschaffen, das angefüllt ist mit Eigenständigkeit und Persönlichkeit.

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Royal Republic - We Are The Royal Tour 2011

07.02.11 Stuttgart - Keller Klub
08.02.11 Würzburg - Postclub
09.02.11 Weinheim - Cafe Central
10.02.11 Saarbrücken - Garage
11.02.11 Nürnberg - Hirsch
12.02.11 Dresden - Beatpol
13.02.11 Berlin - Magnet
15.02.11 Hamburg - Logo
16.02.11 Münster - Sputnikhalle
17.02.11 Aachen - Musikbunker
18.02.11 Düsseldorf - Stone im Ratinger Hof
19.02.11 Bremen - Lagerhaus

Ausserdem: Wer das unglaublich gute Video zur Single “Underwear” noch nicht zu Gesicht bekommen hat, kann sich es hier ansehen!

Nach fast drei Jahren ein lang ersehntes musikalisches Lebenszeichen von Senore Matze Rossi.

“Vier Geschichten von Geistern, Mädchen, Elefanten und Schildkröten”.

Hinter diesem langen Titel steht eine vier Lieder starke EP. Sie ist Auftakt einer Online-EP-Trilogie. Das heißt, alle vier Monate gibt es weitere vier neue Songs. Zum Abschluss der Trilogie erscheinen alle zwölf Songs auf einem Album, welches dann nur auf CD und Schallplatte zu erhalten ist.

Wenn man Sänger/Gitarrist/Songwriter Matze Nürnberger fragt, wie er die neueste EP beschreiben würde, sagt er die Lieder haben “Kopf, Herz, Arsch, Beine und Zähne.”
Endlich ist es ihm und seiner Band gelungen das Gefühl, welches sie Live zu einer festen Größe gemacht hat, auch ins Studio zu transportieren.

Also weg vom einsamen Singer/Songwriter?

“Ich denke man sollte im Leben immer alles ausgiebig und exzessiv zelebrieren. So habe ich die ruhige und leise Zeit nach Tagtraum gebraucht um jetzt wieder die Gitarre aufzureißen und richtig Radau zu machen. Auf der anderen Seite zelebriere ich aber auch weiterhin meine Solokonzerte. Es ist immer gut einen Ausgleich oder ein Gegengewicht zu haben.”

Seine Band mehr in den Entstehungsprozess der Stücke einzubeziehen lag auf der Hand. “Ich war nach drei Alben im Alleingang irgendwie nicht mehr wirklich glücklich die Songs alleine fertig zu schreiben.” Gerade durch die intensiven 200 Konzerte (seit 2008), die er mit seinen Freunden geteilt hat, ist auch der Wunsch gewachsen die neuen Lieder zusammen aus zu arrangieren. So soll es sein wenn das Ich Gefühl einem Wir Gefühl weicht.

Romantisch gesagt: Vier Freunde, die in eine Richtung gehen, gute Songs machen, zusammen touren, für ein gemeinsames Ziel kämpfen, eigentlich ganz einfach. “So ein Gefühl hatte ich seit Tagtraum nicht mehr und ich wusste auch gar nicht wie sehr mir das gefehlt hat.”
Zur Live-Band von Senore Matze Rossi gehören Sven Peks (Patentblau5, Clockwise From Top, Boink!), Tobias Götz (Tagtraum, Phonogam, Signals To Aircraft) und Marius Leja (Patentblau5).

Noch nie war Matze Rossi so vielseitig, stilsicher und selbstbewusst. Schon diese vier Lieder alleine bilden eine 15-minütige musikalische Achterbahnfahrt, die in Deutschland ihresgleichen sucht. Dank Gitarrist, Produzent und Engeneer Sven Peks muss sich diese deutsche Indie-Produktion nicht mehr hinter englischen oder amerikanischen Bands verstecken.
Alles klingt wie aus einem Guss, wie das Abstreifen des letzten Funkens Schüchternheit, alles zu geben und mit großen Gesten aber leichtfüßigen Schritten nach vorne zu preschen. - “endlich wissen wir wohin wir damit wollen”. Man spürt die Selbstverständlichkeit, es mit allem und jedem aufnehmen zu können.

“Vier Geschichten von Geistern, Mädchen, Elefanten und Schildkröten” ist also die konsequente und logische Weiterführung nach zwei sehr fragilen Soloalben und dem letzten, ruhigem Bandalbum “Und wie geht es deinen Dämonen?”
Trotz deutscher Texte fühlen sich Matze und seine Band eher weniger in der deutschsprachigen Musiklandschaft zu Hause. Man vergleicht sie oft mit Death Cab For Cutie, Pedro The Lion, Waxwing, Fugazi und The Thermals.
Und sind wir mal ehrlich, gerade im deutschsprachigen Bereich kann man mit solch einer Attitüde viele Fehler machen. Aber hier gibt es kein Anbiedern, kein Konstruieren, keine kryptisch obercoolen Textstellen, die eigentlich keine Bedeutung haben.
Matzes Texte sind nicht einfach nur Texte. Es sind Geschichten und kleine Gedichte, die Erlebnisse, Gedanken, Erinnerungen und Gefühle mit denen des Zuhörers verbinden.

Die Momente voller Magie, die sich so viele Bands wünschen, schaffen eine intensive Verbindung zwischen Hörer und Musiker. Es gelingt Matze und seiner Band mit den neuen Stücken einen Schritt in Richtung Öffentlichkeit zu gehen, ohne dabei auch nur einen Kompromiss zu machen.

Während sämtliche großen Bands an der Musikindustrie verzweifeln und die kleinen das Handtuch schmeißen ist es nur gut, dass Matze durch die D.I.Y. Haltung seine Unabhängigkeit bewahrt hat. Er behält weiter sämtliche Fäden selbst in der Hand und so erscheinen die Online-EPs und das Album im Sommer 2010 wieder in Eigenregie auf dem Label Dancing In The Dark.

Diskographie Senore Matze Rossi:

solo(w) boy, so-low CD 2004

Und wann kommst du aus deinem Versteck CD 2006

Und wie geht es deinen Dämonen CD 2008

Vier Geschichten von Geistern, Mädchen, Elefanten und Schildkröten! Online EP1 2010

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“Rolling In The Deep” von Adele und Paul Epworth geschrieben und produziert und von Adele selbst als “dark bluesy gospel disco tune” beschrieben. Die Single ist die erste Auskopplung aus ihrem am 21.Januar 2011 erscheinenden Album, das in in Malibu im Studio des legendären Rick Rubin (Johnny Cash, Jay Z, Red Hot Chilli Peppers) und in London beim kaum weniger bekannten Paul Epworth (Plan B, Bloc Party, Florence) entstand. Die zweimalige Grammy-Gewinnerin Adele nennt u.a. Wanda Jackson, Yvonne Fair, Andrew Bird, Mary J Blige, Mos Def, Elbow, Tom Waits und Kanye West als Key-Einflüsse für “21”.

Elektro-Pop-Gospel-Funk oder so ähnlich. Yeasayer legen sich mit ihrem zweiten Album “Odd Blood” zu keinem Zeitpunkt fest und machen es sich zwischen den Stühlen gemütlich.

Vor zwei Jahren hatten sie keine Chance: Der musikalische Schmelztiegel Brooklyn/New York brachte derart viele Bands ans Tageslicht, dass Yeasayer aufgrund ihres kruden Soundverständnis mit TV On The Radio & Co nicht mithalten konnten. Obschon das Debüt “All Hour Cymbals” ein echtes Highlight war, vermischte die Band um Frontmann Chris Keating Indiepop mit psychedelischem Discobeat ohne dabei gewollt innovativ zu klingen. Die amerikanische Presse - allen voran die New York Times - goutierte dies mit stürmischen Beifall, doch außerhalb der eigenen Heimat konnten Yeasayer kaum Aufsehen erregen.

Nun legen sie “Odd Blood” vor und perfektionieren ihren musikalischen Ansatz. Die Songs sind unverschämt eingängig und geben zugleich Rätsel auf. Ähnlich wie bei Animal Collective oder Hot Chip macht genau diese Dissonanz den Reiz der Beiträge aus und Yeasayer wissen nur zu gut, dass Gleichförmigkeit in der Rockmusik langweilig ist und es viel mehr durchgeknallte Typen wie sie geben sollte.

“Odd Blood” erwischt einen so kalt, wie der Tiefschlag den taumelnden Boxer. Yeasayer legen ein famos-kompaktes Werk vor, das kommerziellen Erfolg allein deswegen verdient, weil es ihn nicht einfordert. Soviel Mut zum Risiko: einfach sagenhaft.

Mit Ihrer herrausragenden neuen Single „Madder Red“ koppeln Sie jetzt rechtzeitig zur Tour die unangefochtene Hymne ihres Album aus.

VÖ: 18.03.2011

Single: “Demons”

VÖ: 18.03.2011

Label: ADA Global
Vertrieb: Warner

Das ist Pop.

Pop verlässt uns nicht. Pop ist in Herz und Seele der vier Jungs, die aus einem Ort kommen den sie als “Mitten im Nirgendwo” bezeichnen. Sie alle gehen einen Weg, den schon viele vor ihnen versucht haben zu gehen, doch sie wissen einfach wie man Pop macht den man nicht vergisst: glänzende Melodien legen sie über tanzbodenfreundliche Bässe, treibende Rhythmen und Synthesizer-Linien, die einem so schnell nicht mehr aus den Ohren gehen. Man mag da kaum fassen, dass dies alles in den kleinen Schlafzimmern entstand.

Alles begann in Kings Cliffe, einem Ort mit etwas 1000 Einwohnern in den Hinterländern von Northhamptonshire und zwei Brüdern, Ben and Ross Duffy, die schon als Teenager begannen mit Daniel Soler Musik zu machen, dessen Nachname später noch eine große Rolle spielen würde.
Später hinzu kam Andrew Lindsay, mit dem auch Live-Drums und Sytnthies ihren Einklang in der Musik fand.
Ihre Liebe zur Dance und Club-Music (The Chemical Brothers, Daft Punk, Soulwax, and SMD) inspirierte die Jungs eigene Tracks auf ihren Laptops zu erschaffen, die auf Festivals und in Clubs Menschen zum tanzen und singen bewegen sollte, Gefühle und Reaktionen erwecken sollte.
Sommer 2008 war Fenech Soler dann geboren.

Die Single “Stop And Stare” die bereits im Frühjahr veröffentlicht wurde, stieg sofort in die Top Ten der englischen Dance und Indie Single-Charts, was Fenech Soler dazu antrieb ein ganzes Album herauszubringen das Februar/März nächsten Jahren erscheinen wird.

Fenech Soler sind bereit euch zu begeistern, euch das Radio lauter drehen zu lassen und die Lichter auf der Tanzfläche glühen zu lassen!

Das ist Pop.

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VÖ: 25.02.2011

Single: Austere

Label: ADA Global

Vertrieb: Warner

There’s something panoramic about The Joy Formidable’s music - their mountainous, fuzzed out riffs and ferocious, earthy rhythms shrouded in ethereal haze. It sounds like where they’re from: Childhood friends Ritzy Bryan (vocals, guitar) and Rhydian Dafydd (bass, vocals) grew up in rural North Wales, surrounded by rolling green hills and little else. “There’s a beauty and a loneliness to the landscape there,” says Dafydd. “We had no neighbors growing up,” Bryan notes. “I think my parents looked for a house with no neighbors so they could play their music as loud as possible.” For her part, Bryan loved the isolation. Growing up as an only child, the singer immersed herself in her parents’ enormous record collection and the classical guitar studies she took on at the age of seven. “I loved playing guitar by myself, back then I was quite introverted with my music,” she says.
Bryan and Dafydd had been writing music separately from one another, and worked together in a couple of short-lived local bands after finishing school. They knew they wanted to collaborate, but didn’t manage to make it work until a few years ago. “We kept missing each other,” Ritzy says. Bryan went off to Washington, D.C “on a whim” and returned to Wales in 2008 with renewed focus. “My family situation wasn’t easy to go back to” says Bryan. “I came back out of necessity and found a lot of
sanctuary recording with Rhydian and having this new band to concentrate on.”For six months, the pair wrote together, experimenting with different sonic approaches. “We’d go for walks in the hills between recordings,” Dafydd remembers. “We’d write for hours and hours,” adds Bryan, “and if we got frustrated, we’d go stomp it out, up and down the mountains.” But as the sessions began yielding signature tunes like “Austere” and “Cradle” - tracks that combined the duo’s interest in thick, textured noises with clear, shimmering pop hooks - they knew they’d found their sound. “We’d always been into writing strong melodies,” Bryan says. “The sparks really flew when we started messing with things that
were choral and symphonic, mixed with what both of us had already enjoyed separately: dirty, loud, rhythmic guitars and thick bass-lines.”
The Joy Formidable released “Austere” in July 2008, followed by “Cradle” on double 7″ later that  summer, and quickly produced an eight-track EP, A Balloon Called Moaning, which they released themselves in the U.K. in early 2009. Having relocated to London and recruited drummer Matthew Thomas, the trio quickly earned a reputation for blistering live performances. “We love and encourage the beautiful double-pedal,” says Bryan, with a chuckle. “We do lean towards a slightly metal aesthetic when it comes to drums, which makes it very loud and heavy and all the things we want to be as a live
entity. The new album definitely explores those elements, and that’s because of Matt being in the band.”
The trio spent 2009 touring the U.K., Europe and Australia with bands including Editors, Temper Trap and Passion Pit, mastering tiny clubs and festival stages alike. Their introduction to American audiences came early this year, when Passion Pit invited The Joy Formidable to open a pair of sold- out shows at New York’s Terminal 5. In late April, they teamed with a new label started by Passion Pit’s Ayad Al Adhamy, Black Bell Records, to release A Balloon Called Moaning in the U.S. The New York Times’ Jon Pareles praised the EP’s “cryptic lyrics that glint with urgency,” and said that “the music
regenerates the turbulent haze of 1990s rock, but it’s less tormented and more anthemic, confident of the pop structures at its core.” They’ve also earned critical raves from NME, The Guardian, the London Times, Spin and Pitchfork, heavy rotation on Sirius XM’s indie rock channel, Sirius XMU, and praise from Garbage’s Shirley Manson and Courtney Love, among others. This summer, The Joy Formidable signed with Canvasback/Atlantic Records, and will release their debut album for the label, The Big
Roar, early next year. When they weren’t on the road, the band worked on writing and tracking the material for The Big Roar.
“We recorded in a tiny corner of our London bedroom” Bryan says. “It was great, because you could capture that moment when you wake up in the middle of the night with a melody or an image or a lyric.” Working on and off for a year, The Joy Formidable crafted a remarkable collection of modern
rock songs that explore what Bryan describes as “the possibility of victory in a hopeless situation.” Adds Dafydd: “The album covers a lot of emotional range. It’s captured the battle between the eternal optimist and the manic depressive.”
They produced The Big Roar themselves - with help from engineer Neak Menter - and traveled to Los Angeles this summer to mix it with producer Rich Costey (Muse, Foo Fighters, Glasvegas). A single from those sessions, “I Don’t Want To See You Like This,” is due out this autumn, with the full-length to follow in early 2011.
The Joy Formidable will headline the Emerge NME Radar tour in September and October, making stops at various venues throughout the UK, and return to the U.S. for a headlining run in Novembe.

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DIE BLOODHOUND GANG VERÖFFENTLICHT AM 26. NOVEMBER IHR ERSTES GREATEST-HITS-ALBUM! +++
DIE CHAOS-TRUPPE AUS PENNSYLVANIA PRÄSENTIERT DARAUF NEBEN SÄMTLICHEN HITS AUCH DIE BRANDNEUE SINGLE „ALTOGETHER OOKY“ UND DEN TRACK „DISCO POGO“ VON DEN ATZEN FEATURING JIMMY POP!
Kaum eine Band hat in den vergangenen 15 Jahren für ähnlich viel Furore gesorgt wie die Bloodhound Gang: Der unverbesserliche Haufen aus Philadelphia ist für seine wilden
Exzesse und Trinkteufel-Stunts genauso berüchtigt wie für die haarsträubenden Songtexte aus Jimmy Pops Feder und – nicht zuletzt – die grandios-eingängigen Melodien ihrer zahlreichen Hymnen. Zwischen den Mittneunzigern und dem Jahr 2005, als
die fünfköpfige Crew mit „Hefty Fine“ ihr letztes Studioalbum veröffentlichte, waren sie
gewissermaßen Dauergäste in Deutschland und zeigten ihren Fans mit jeder Performance, wie viel Schnaps so eine Leber doch verträgt und wie wohltuend es sein kann, einfach mal zu absolutem Trash-Sound abzufeiern: Sie zelebrierten ein Jägermeister-Gelage nach dem anderen, pinkelten dem Rest der Welt immer wieder ans Bein, hatten jedoch zugleich auch jede Menge eingängige Songs im Gepäck, die nicht nur in Deutschland die Spitzenplätze der Charts erobern sollten. Mit der Veröffentlichung ihres ersten Greatest-Hits-Albums, das am 26. November erscheint, schlägt die Gang nun endlich das nächste Kapitel ihrer Karriere auf… Selbstverständlich sind auf dem kommenden Album sämtliche Hits von ihren vier Studioalben versammelt: Neben absoluten Highlights wie „Fire Water Burn“, „Along Comes Mary“ (Platz #6 in den deutschen Singlecharts), „The Bad Touch“ (#1 in Deutschland), „Foxtrot Uniform Charlie Kilo“ (#15) oder auch „Uhn Tiss Uhn Tiss Uhn Tiss“ (#15) ist auch der erst 2007 entstandene Song „Screwing You On The Beach At Night“ darauf enthalten. Abgerundet wird ihre erste Best-of-LP durch die brandneue Single „Altogether Ooky“, die von Neil Avron abgemischt wurde, sowie durch den Bonus-Track „Disco Pogo“ von Die Atzen featuring Jimmy Pop. Insgesamt präsentieren der Sänger und seine Mannen wieder einmal die ultimative Chaos-Melange aus unterschiedlichsten Stilen und Referenzen – eine Mischung, die einen entweder zum Lachen bringt, einem den Atem raubt oder aber in ein tiefes Loch Unverständnis wirft.
Aber werfen wir doch kurz einen Blick in die Vergangenheit: Gewiss wird sich jeder noch an ihren bekloppten Smash-Hit „The Bad Touch“ aus dem Jahr 1999 erinnern: „You and me baby ain’t nothing but mammals, so let’s do it like they do on the Discovery Channel.“ Da dürfte der Groschen doch eigentlich gefallen sein. Der Song wurde von Frontmann Jimmy Pop eines Nachts geschrieben, als er gerade durch die Kabel-Kanäle zappte. „The Bad Touch“ wurde schließlich ihr größter Hit, der Song katapultierte die Bloodhound Gang schlagartig ins internationale Rampenlicht. Plötzlich traten sie in Sendungen wie der US-amerikanischen „Tonight Show“ auf. Sie konnten sich mit einem Mal eigene Häuser leisten. Und um den gesamten Globus reisen, um ihren Sound live zu präsentieren. Was zugleich bedeutete: Sie kamen auch nach Deutschland, wo sie eine Jägermeister-Nacht nach der anderen feierten… Dabei erfolgte der Startschuss für die Bloodhound Gang schon viel früher: Nach ihrer Gründung im Jahr 1992 hatte die Gang bereits im November 1994 mit „Dingleberry Haze“ ihre erste Mini-LP veröffentlicht. Obwohl davon immerhin über 100 Stück verkauft wurden, wollte der finanzielle
Durchbruch aus irgendeinem Grund noch nicht so recht einsetzen. Im März 1995 unterzeichneten sie dann einen Vertrag mit Columbia Records, wo sie ihr offizielles Debütalbum „Use Your Fingers“ veröffentlichten. Nun kamen schon viel mehr Menschen zu ihren Konzerten, Platten verkauften sie trotzdem nicht. Die Band verlor ein paar Mitglieder und kurz darauf auch ihren Plattenvertrag. Im März 1996 bestand die Bloodhound Gang aus Jimmy Pop, Lüpüs Thünder, Evil Jared Hasselhoff, DJ Q-Ball und Spanky G. Sie begaben sich wieder ins Studio und meldeten sich nach drei Monaten Kettenrauchen, Hardcore-Saufen und Frauentauschen mit der LP „One Fierce Beer
Coaster“ zurück. Das Album ging ordentlich durch die Decke (auf Anhieb Top-15 in den deutschen Charts), und weil die Bewohner der Alten Welt vom hirnverbrannten Sound der Bloodhound Gang nicht genug bekommen konnten, starteten sie mit dem Nachfolger „Hooray For Boobies“ (1999) nun so richtig durch: Es regnete Platinauszeichnungen in Deutschland, Österreich und der Schweiz, und die bereits erwähnte Single „The Bad Touch“ ging hierzulande geradewegs auf Platz #1 der Media Control Charts. Trotz der Erfolgsserie warf bei der Gang schon wieder ein Mitglied das Handtuch:
Kurz nachdem die Aufnahmen zum Album beendet waren, verließ Schlagzeuger Spanky G die Band und wurde von Willie The New Guy ersetzt, womit das Line-Up wieder komplett war. Im Jahr 2004 erwachte die Bloodhound Gang dann aus einem kurzen Winterschlaf – und ihre Erfolgsserie sollte (was viele kaum fassen konnten) noch immer nicht abreißen. Nachdem ihr Song „Fire Water Burn“ auch in „Fahrenheit 9/11“ von Michael Moore zu hören war, kehrten sie nach Europa zurück, um ihr verzerrtes Weltbild auf ein Neues zu zelebrieren und ihr viertes Album auf die Menschheit loszulassen: „Hefty Fine“, auf dem auch die anrüchigen Singles „Foxtrot Uniform Charlie Kilo“ und „Uhn Tiss Uhn Tiss Uhn Tiss“ vertreten waren, erreichte im Handumdrehen Goldstatus in Deutschland. Seither gab’s selbstverständlich noch mehr Jägermeister; und während die Bandmitglieder – inzwischen sind das Sänger Jimmy Pop, Bassist Evil Jared Hasselhoff, DJ Q-Ball,
Schlagzeuger The Yin und Gitarrist Denial P. Cartier – ihre (Trink-)Zelte zwischenzeitlich sogar in Berlin aufschlugen, gab es auch musikalisch noch weitere Lebenszeichen wie beispielsweise den Track „Disco Pogo“, für den Die Atzen Jimmy Pop als Vokalgast ins Studio holten. Es mag daran liegen, dass ihr Sound so unfassbar eklektisch ist, oder aber einfach daran, dass die Booking-Agenten keine Ahnung von ihrem Job haben – auf jeden Fall hat sich die Bloodhound Gang seit Mitte der neunziger Jahre hunderte von Bühnen in über 50 Ländern mit Künstlern aus jedem erdenklichen Genre geteilt. Und dabei ganz beiläufig über sechs Millionen Platten verkauft. In ihrem Repertoire ist für jeden Geschmack etwas dabei: „Es ist ein Mix aus allem. Im Grunde genommen die
Art von Musik, die man hört, wenn man zu Hause ist, ein billiges Bier trinkt und seine Frau schlägt“, so Jimmy Pops Kommentar. Sie passen auch im Jahr 2010 in keine der gängigen Schubladen. Das ist letztendlich auch der Grund, warum ihr Greatest Hits-Album in den kommenden Jahren auf unendlich vielen Partys und Saufgelagen laufen wird.

Kontakt TV Promotion
Matthias Kringe

matthias@revolverpromotion.de
Tel.: 030/62735171

Am 25. 11 wird Tukur zu Gast beim ARD Morgenmagazin sein, und wir empfehlen einzuschalten !

Nach gefühlten zig aber tatsächlichen sechs Jahren Zugehörigkeit im Musik-Biz veröffentlichen I LIKE TRAINS erst heute ihr zweites Album. Zwar führte der Weg der aus Leeds stammenden Kapelle bereits zu solch klangvollen Labelnamen wie Beggar’s, Banquet oder Fierce Panda, doch entsprangen dieser durchaus fruchtbaren Liaisons zumeist EPs und Singles.

Abgesehen vom Debütalbum “Elegies To Lessons Learnt” aus dem Jahre 2007.
Doch Label-Hopping ist out, eigenes Ding ist fürchterlich „in“. Und so gründeten I LIKE TRAINS mit ILR ihr höchsteigenes Label und präsentieren via ebendiesem am 29. Oktober mit “He Who Saw The Deep“ den zweiten voll ausgestatteten Silberling.
Aus den gewöhnlich gut informierten Kreisen drang bereits die Kunde, dass es sich bei den Songs auf diesem neuen Longplayer um eine tollkühne Mischung aus rhythmischen Gitarrenstücken, tiefem Bariton Gesang, üppiger Orchestrierung und stampfendem Schlagzeug handeln soll. Was auch immer…
Sicher ist nur, dass I LIKE TRAINS im Jahre 2004 in Leeds zusammen fanden und in der fruchtbaren Erde called Musikszene dieser Stadt gedeihen konnten. Ihre erste Single erschien 2005; weitere Singles, EPs und ein Album folgten bei den oben erwähnten Indie Labels sowie Dance To The Radio und Fantastic Plastic. Dazu gesellten sich Touren durch das Vereinigte Königreich, Europa, Russland und die USA, zuletzt tourten sie mit den EDITORS im Frühjahr dieses Jahres quer durch Europa.

I LIKE TRAINS Showcase
- 09.11.2010 Berlin, Bang Bang Club -

VÖ: 22. Oktober 2010

Single: “Desillusion”

Label: “Staatsakt”

Das Leben als Coverversion

Ich kann mich noch gut daran erinnern, wie ich an einem trüben Tag im August 2009 auf meine Mitfahrgelegenheit von Berlin nach Hamburg wartete. Als Treffpunkt war das Cafe “Entweder Oder” in Berlin- Prenzlauer Berg ausgemacht. Dachte ich zumindest. Eines von diesen unter Prenzlauer-Berg-Hassern unbeliebtes, von Touristen sehr gern frequentiertes Café der Marke: “Wie wir Ostdeutschland schick gemacht haben”. Ich wartete dort eine geschlagene Stunde auf Christiane Rösinger und Andreas Spechtl, die mich netter Weise auf ihre Fahrt ins Clouds-Hill-Tonstudio nach Hamburg mitnehmen wollten. “Hallo Andreas, ja…Wo sitzt ihr denn? Was? Im Eingangsbereich. Na, ich sitze draußen. Was? Ihr sitzt auch draußen? Komisch… Ich kann Euch weit und breit nicht sehen…” Nach fünf Minuten Orientierungsschlagabtausch am Telefon beschließen wir gegen Ende endlich einmal den Treffpunkt zu überprüfen: “Ich sitze im “Entweder Oder”, “Hä? Ich dachte wir treffen uns im “Sowohl als auch”?”, “Nein, ich glaube wir hatten “Entweder Oder” gesagt” Die Fahrt nach Hamburg schließlich ist mir nicht weniger wortverspielt und sprachverliebt in Erinnerung: “Wir wollen das Album “Songs Of L. And Hate nennen - in Anlehnung an das “Songs Of Love and Hate”- Album von Leonard Cohen“ „Eine Coverplatte?“ „Nein, keine Coverplatte! Wir wollen einfach nur den Titel übernehmen. Und eben „L.“ statt Love“ “L. statt Love?” “Ja, weil die Liebe so ein abscheuliches Wort ist für eine so verachtungswürdige Sache, dass man es lieber gar nicht erst aussprechen sollte…“

“Songs Of L. And Hate”
Ich kann mich nicht daran erinnern, wann jemals durch die Abkürzung eines einzigen Wortes irgendeines allgemein bekannten Popalbumtitels ein neuer Albumtitel entstand: „Harvest M.“, „P. Sounds?“, „Old N.?“ Aber es geht ja noch weiter: Auf dem Cover von “Songs Of L. and Hate” findet sich dazu auch noch eine gelungene Adaption des legendären “Bringin ? it all back home”-Covers des Zitatkönigs Nummer-Eins: Bob Dylan. Auf dem Foto wird der große Bob Dylan von Cate Blanchet gespielt, die nun wiederum von Christiane Rösinger gedoubelt wird - und die rauchende Grazie im roten Kleid wird hier zum reizenden Jüngling im roten Anzug: Andreas Spechtl. Dass in der beschwingten Agit-Poet-Single “Hauptsache Raus” auch noch der Romantiker Heinrich Heine zitiert wird und mit “These Days” die von Jackson Browne für Nico geschriebene Stubenhockerblues-Symphonie so wunderbar herzergreifend ins Deutsche übersetzt wurde, lässt die Popfolkhistorie auf “Songs Of L. And Hate” aus allen Nähten platzen, während die vom Klavier getragenen Songs doch eigentlich eher an das Instrumentarium einer John Cale-Platte erinnern, und Christiane Rösinger nach eigener Aussage doch eigentlich immer eher ein Neil-Young denn Bob-Dylan-Fan war…

Das Leben ist keine Produzentenidee
Dass sich die vielleicht größte, lebende deutsche Poptexterin hier so offensichtlich wie gleichermaßen unterschwellig in den Referenz-Tempel der männlichen Popheiligen begibt, unterstützt von dem kongenialen S.C.U.M.-Pop-Folkloristen Andreas Spechtl von der Gruppe Ja, Panik, der sich für nahezu alle Instrumente und Arrangements verantwortlich zeigt, sollte der männliche Jäger- und Briefmarkenpopper mit den Billy-Regalen voller Dylan-Boxsets und Greil Marcus-Expertisen lieber gleich als Glücksfall begreifen. Es geht hier nämlich gleichermaßen um größt-mögliche Respekterweisung wie eben auch darum. der alten Punk-Maxime die Treue zu schwören: „D.I.Y! Do it yourself: No Gods, No Masters!“ Und ohne jetzt - nur weil eine Frau sich auf dieser Platte für die Komposition dieser wundervollen Lieder verantwortlich zeigt gleich auf Genderpopgespräche kommen zu wollen: Zeigen Sie mir in diesem Popkopieland Deutschland doch mal eine erwachsene Songschreiberin jenseits der 40, der es gelungen ist, abseits der männlichen Unterhaltungsindustrie mit ihrem Angestelltenzirkus aus Verlagen, Songschreibern und Produzenten ihre eigene Musik zu veröffentlichen.

Liederzyklus
So erzählt uns Christiane Rösinger auf “Songs Of L. And Hate” Lieder vom eigenen Leid. Von der damit verbundenen Lethargie, von der ewig plagenden Liebe und von dem daraus resultierenden, wundersamen Leben. Auf der Besetzungscouch sitzt ein Leonard, oder ein Lars, oder Liane, oder Lisa, oder welche L ’s einem sonst so in diesem lakonischen wie lustvollen Leben so begegnen. “Entweder Oder” meinen Sie? Nein, ich bin mir jetzt ganz sicher: „Sowohl als auch!“ Das ganze Leben spielt sich auf diesem Album ab. Ein abgeschlossener Liederzyklus, von Januar bis Dezember, von Frauen und Männern, Familien und den ewigen Singles, aus dem Westen und aus dem Osten. Wien, Berlin, und ganz bestimmt auch das alte Hamburg… Jedes weggelassene Lied auf diesem Album hätte einen argen Verlust bedeutet: Für das Leben - und die Liebe. Für die Originale, und ihre
Diebe…

Text: Maurice Summen

Über ihr neues Album sagt sie : “I’m very excited, nervous, eager, anxious but chuffed to announce my new album! It’s taken a while and it knocked me
for six when writing it. It’s different from “19”, it’s about the same things but in a different light. I deal with things differently now. I’m
more patient, more honest, more forgiving and more aware of my own flaws, habits and principles. Something that comes with age I think. So fittingly
this record is called “21”. The whole reason I called my first album “19” was about cataloging what happened to me then and who I was then, like a
photo album you see the progression and changes in a person throughout the years”.

Ein Grossteil des Albums entstand in Malibu im Studio des legendären Rick Rubin (Johnny Cash, Jay Z, Red Hot Chilli Peppers) und in London beim kaum
weniger bekannten Paul Epworth (Plan B, Bloc Party, Florence). Adele nennt u.a. Wanda Jackson, Yvonne Fair, Andrew Bird, Mary J Blige, Mos Def, Elbow,
Tom Waits und Kanye West als Key-Einflüsse für “21”.

Trotz ihres noch jungen Alters kann Adele bereits auf eine beachtliche Karriere zurückblicken. Mit 19 erhielt sie als erste Künstlerin den BRITS
Critics’ Choice Award. Ihr Mercury-nominiertes Debütalbum “19″ stieg direkt auf Nr. 1 der UK-Album-Charts, wurde mit Doppel-Platin ausgezeichnet und
verkaufte mehr als 2 Millionen weltweit. Ihre Debütsingle “Chasing Pavements” war ebenfalls ein Riesenhit, erreichte Nr. 2 in den UK und wurde
rund um den Globus zum Erfolg. 2009, mit gerade mal 20 Jahren, erhielt Adele 2 Grammys: Best New Artist and Best Female Pop Vocal Performance.  Adele
hatte wahrlich einen guten Start; aber aufgepasst: Kapitel 2 beginnt gerade erst!

Kontakt:

Radio: joerg@revolverpromotion.de / tom@revolverpromotion.de

Interviewmöglichkeiten mit Adele in Hamburg 17.11./ 18.11. 2010

Single VÖ: 14.1.2011
Album VÖ: 21.1.2011

Jetzt ist sie da, die erste Single aus dem kommenden Kitty-Solaris- Album: “Get used to it“ wurde produziert mit dem serbischen Komponisten und Pianisten Nicola Jeremic im Berliner Echoplex Studio, nicht nur dass der Song einen sehr erfrischenden Sound mit Elektro Beats sein eigen nennen kann, Balkan-Trompeten und su?damerikanisches Flair zeigen auf eine bemerkenswerte Weise die Perspektive der Ku?nstlerin Kitty Solaris.
“Get used to it“ ist locker und leicht, und fa?ngt auf ironische Weise die Fragestellungen ein, die sich einem im Leben immer mal wieder stellen. Leidenschaft oder Vernunft, Gefu?hl oder Verstand, Spaß oder Arbeit. Im besten Fall la?st sich alles miteinander kombinieren.
Am Anfang gab es nur den Song mit Gesang + Gitarre: Dazu kamen Percussion, die spontan auf einem Stuhl und der Ru?ckseite einer Gitarre eingespielt wurde, sowie Bass, Beats, Keyboard von Nikola Jeremic, Gitarren von Steffen Schlosser und Trompeten von Damir Bacikin.
Die Aufnahmen entstanden in einem kreativen Fluss und den Spaß, den die Musiker beim Aufnehmen hatten, ho?rt man in jedem Moment. Der Moment ist wichtig und die Musik ist der Soundtrack fu?r diesen Moment. Wenig Bru?che und einfache Strukturen: Das ist Pop, der mit einfachen Melodien den Ho?rer einfa?ngt. Get used to it!
Das neue Kitty Solaris Album wird “Golden Future Paris” heißen und wird am 26.11.2010 erscheinen.

–> www.myspace.com/kittysolaris

Das Album “Out Of Our Minds” erschien bereits am 02.04.2010, dynamisch, vielseitig und unabhängig produziert, ein konzeptuelles Projekt, welches ein Solo-Album, einen Kurzfilm, ein Comicbuch, Live-Performances, sowie Galleriepräsentationen beinhaltet.
„Out Of Our Minds“ ist der Nachfolger des 2004 erschienenden Debuts „Auf der Maur“. Es wurde in Deutschland via Roadrunner Records veröffentlicht.

Hier gibt’s das neue Video zu sehen!

Man darf wieder gespannt sein,  denn Hans Klok wird auch dieses mal sein Publikum in die Welt der Magie und Illusionen führen.

Eine abgesägte Schrotflinte ist nicht unbedingt die präziseste aller Waffen, aber sie hinterläßt eindeutig einen Eindruck.
Das könnte als passende Metapher für die drei Schwestern von ‘Sawoff Shotgun’ dienen. So unterschiedlich die Charaktäre von Sonia, Monica und Susanna sind, so stringent und kraftvoll ist der Eindruck, den man durch Ihr Auftreten und Ihre Musik gewinnt. Don’t mess with the family !
Das erste Album ‘Never mind the Botox‘ wurde 2009 released. Zahlreiche Gigs folgen, Amadeus-Award Nominierungen, FM4 Tours, die Musik findet sich in TV und Kult-Spielfilmen und die Lust auf ein Nachfolgealbum wächst.
Die Tracks auf dem neuen Werk “For Our Sanity”  sind eine furiose Mischung aus Electronics und Club-Sounds, mashed up mit Gitarren, Ukulele, Vibraphon und Toy-Pianos.
Wo CocoRosie gender-benden, dekonstruieren die Shotguns in ‘Feet, Not Inches’ den Machsimo mit dem Zollstab. Der Kinderchor auf ‘Kids On Coke’, ein ironischer Kommentar auf den Whizz-Kid-Wahnsinn an der Wallstreet, wurde von Waldorf-Schülern gesungen, um auch hier dialektisch zu torpedieren, und wenn die Damen slogan-stark wie ‘Le Corps Mince De Francoise’ quasi als Gute-Nacht-Gruss vermelden : ‘We are the cleanest girls in town’ sollte man dennoch mit dem Ultraviolett-Licht das Bettlaken durchleuchten . . .

Ihr aktuelles Video zu “Kids On Coke” :

Sawoff Shotgun auf Tour:

22.04.11  AT, Graz // Postgarage
28.04.11  AT, Wien // B72
29.04.11  AT, Salzburg // ARGE
30.04.11  AT, Herzogsdorf // Noppenair-Festival
13.05.11  Hamburg // Astra Stube
14.05.11  Berlin // KaffeeBurger
19.05.11  AT, Linz // Posthof
11.06.11  München // Theatron Festival
19.08.11  AT, Frequency Festival / RedBull Brandwagen

Weitere Clips:
Feet, Not Inches (Live): http://www.youtube.com/thesawoffshotgun
The Black Box Of Our Love: http://www.youtube.com/watch?v=xNfu5dISdVM
Unter der Dusche: http://www.youtube.com/watch?v=Cb4rXnrAjt0

Infos:
http://www.facebook.com/pages/Sawoff-Shotgun/102649864880
www.myspace.com/sawoffshotgun
www.sawoffshotgun.com

VERSTECK
Vorwärts treibende sich selbst überholende Drums, eine psychotisch wavige Gitarrenlinie setzt
ein und nach knapp zwei Minuten fordert uns Erik Lautenschläger mit verzerrter Stimme auf die Bühne zu treten, um uns dann kurz darauf im großen einzigen Refrain gleich wieder zu verjagen – danach ein Synthi Outro, ein Knall – Ende. „Schreien“, der erste Song auf „Versteck“, ist eine Walze. Bitter und gerecht, drückt er dich an den Boden. Gut, dass du jetzt wach bist. Steh auf und wende den Blick.

ERIK & ME
Zwei Kanadier, zwei Frauen und Erik Lautenschläger - das sind Erik & Me im Jahr 2010. Nicht nur, dass die 2004 gegründete Berliner Band eine imposante Metamorphose hinter sich hat, sie präsentiert sich auf ihrem zweiten Album gnadenlos gereift, soundlich gestrafft und ausdrucks stark wie nie. – Die fünf leben und musizieren in der Hauptstadt.
>> Erik Lautenschläger / Dave Bennett / Merle Bennett / Heike Becker / Tyson Nailor .

160 ZEICHEN >> VERSTECK
Sind das noch Erik & Me?
Die Berliner Band, die mit ultra-ästhetischem Anspruch im Jahre 2008 ihren Erstling „Hundertsechzig Zeichen“ ein homogenes, in sich ruhendes Album mit lyrischen Texten herausbrachte?
Ja, es bleibt in seiner Schönheit das erste große Initial einer Bandgeschichte, die nun zwei Jahre später ihr entsprechendes Sequel erfährt. Erik & Me schreiben an der Stelle fort, an der sie auf ihrer ersten Platte angekommen waren. Mutiger, mächtiger und kompromissloser als je zuvor. Somit ist „Versteck“ mehr als nur die  zweite, meist als „schwierig“ titulierte Platte. Es scheint, als wohnten wir einer Neo-Rauch-Vernissage bei und hatten erst ein Bild gesehen. Die großformatigen kommen noch.

FLÜSTERN & SCHREIEN
Alles vereint die Stimme von Erik Lautenschläger, der sich seltener ins hohe Falsett verirrt und jetzt angriffslustig und noch facettenreicher klingt. Seine Texte sind eindeutiger und schießen ein ums andere Mal stakkatohaft aus der dichterischen Deckung („Los kauf Dir ein Souvenir oder gleich drei zum Preis von zweien“ – aus „Genug“). Diese Platte zeigt die eindrucksvolle Wandlungsfähigkeit einer gefestigten Band. Erhebt den Betrachter auf verschiedene Perspektiven. Teilt das Spektrum an Blickwinkeln mit ihm. Erik & Me wandeln sich von Song zu Song, mal mit orchestraler Indie-Gewalt („Genug“), dann ein Beach-Boys Chor („Einsam“) und wenn man beim letzten Song dem ruhigen County-Walzer „Unsichtbar“ angekommen ist, möchte man glau ben vergessen zu haben, wie die Platte begann.

Die Band startet mit einem Record Release Konzert am 22. Januar 2011 im Magnet Club Berlin, eine bundesweite Tour folgt im April.

–> www.erikandme.de

Kontakt – TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzer Str.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe
Tel: + 49-30/ 627 351 71; Fax: + 49-30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de

Album: MEGA MEGA MEGA

Single 1: After Dark feat. MYSTERY JETS | 12.August2010

Single 2: Addicted To You feat. BASHY | VÖ: 9.November2010

Label: DOMINO

Nach “After Dark” schmettern die Herren von The Count & Sinden mit “Addicted To You” die zweite Single von ihrem hochgelobten Debüt Mega Mega Mega vor die Füße.

Zwischen House, Techno, Dancehall, Hip Hop, Elektro, Ragga, Garage, Afrobeat, Booty Bass, Latin Funk & Baile stehen The Count & Sinden und erfreuen sich am ungestümen Rave.

Während es bei “After Dark” Unterstützung von den Mystery Jets gab, verbünden sich The Count & Sinden bei “Addicted To You” mit Bashy, Englands neuem Geheimtipp, der ansonsten gern auch mit den Gorillaz kollaboriert.

Mit dem hymnenartigen Refrain und den catchy Vocals ist “Addicted To You” ein Song mit viel Herz und riesigem Club-Potenzial. Remixe von u.a. Lone, Manhattan Clique und WAFA komplettieren die Single perfekt.

The Count & Sinden machen keine Gefangenen und sind, ohne sich zu entschuldigen, wild, hedonistisch und verspielt. Come and join the rave!

–> www.myspace.com/countandsinden

VÖ: 18.Februar 2011

Label: Iceberg Records

Die The-Blue-Van- Geschichte geht weiter. Nicht nur, dass die vier sympathischen Dänen auf eine sehr erfolgreiche weltweite Veröffentlichungen des Albums „Man Up“ zurückblicken können, die Songs des Ausnahmealbums können auf eine breite weltweite Synchronisations-Platzierung zurückblicken: u.a. in den internationalen TV Serien „CSI New York“, „Royal Pains“, „90210-Beverly Hills“ „NCSI Los Angeles“, Thema-Song in allen Episoden der RTL Serie „Count-Down - Die Jagt Beginnt“ 2010 sowie der Apple iPad Werbung - nebenbei absolvierte die Band auf ihrer Asientournee noch einen royalen Staatsbesuch in Vietnam - kurzum: die letzten beiden Jahre waren für The Blue Van durchaus zwei erfolgreiche Jahre.

Nun gehen sie mit einer neuen Single an den Start: „Love Shot“ ist die erste Auskopplung aus dem 4. Studioalbum mit dem gleichnamigen Titel. Das Album wird am 18 Februar 2011 in Deutschland, der Schweiz und Österreich veröffentlicht. ”Love Shot” ist wie das vorige Album von Mark Wills, Dan Hougesen und The Blue Van produziert.

“Das Vorgängeralbum  ”Man Up” - war ein wichtiger Schritt auf dem Weg, um aus den Rahmen und Boxen auszubrechen, worin die Musikkritiker und Journalisten es lieben, uns einzuordnen. Jetzt machen wir reinen Tisch…”  - es besteht kein Zweifel, dass die Jungs von The Blue Van ihre musikalische Geschichte bis in die Fingerspitzen kennen. Es ist gerade dieser Respekt für die Tugenden des klassischen Rocks, gemischt mit einer grenzensuchenden und fast provozierender modernen Rock-Produktion, der die Band einen einzigartigen Ausdruck gibt. „Love Shot“ ist die endgültige Auseinandersetzung mit den Dogmenregeln des Garage- und Retro-Rocks und wird sicherlich einige Genre-Reiter und Musik-Snobs dazu bringen Alarm zu blasen. Das ist halt auch die Absicht.

“Love Shot“ ist eine Ode zu der größten Faszination, die man von einem anderen Menschen haben kann, ein Gefühl, eine Stimmung und gleichzeitig einen Tribut zu dem Menschen, der es wagt sich vollständig hinzugeben – koste es, was es wolle. Nicht nur, dass es das Thema im textlichen Universum ist, es wird auch das vorherrschende Thema für die Musik des kommenden Albums sein. Der Song ist jetzt schon in ihrem Heimatland ein absoluter Airplayhit: nicht nur, dass “Love Shot” Single der Woche im nationalen dänischen Mainstreamradio DR P3 war, er blieb auch ganze 3 Monate lang auf der höchsten Rotation des Quotenstation in unserem Nachbarland und war ein Top10 Airplaychart Erfolg.

The Blue Van besteht aus:

Steffen Westmark: Lead Vocal & Gitarre

Søren O. Christensen: Gitarre, Tangenten & Backing Vocal

Allan F. Villadsen: Bass

Per M. Jørgensen: Schlagzeug, Percussion & Backing Vocal

–> http://www.thebluevan.com

Der Morgen danach.
Man hatte Visionen im Gepäck, die die Welt verändern sollten. Große Worte fielen und nach jedem Adrenalinstoß schwor man sich erneut die Freundschaft. Man inhalierte den Moment der Leichtigkeit und hörte die Musik der Beatles. Zwischen Träumen und Ängsten hatte man sich an Pink Floyd berauscht, zu Radiohead das letzte Bier getrunken. Indie? Pop? Was macht das schon? Später dann der Spaziergang unter dem Sternenhimmel, Arm in Arm. Grölend durch die Straßen. Laut sang man im Chor: „I thought I was someone else, someone good!”
Der Morgen danach. Katerstimmung. Kaffee und Zigaretten. Abhängen zwischen den Welten.
Ein Soundtrack.
MORNING BOY ist all das. Ein Blick auf das Leben. Mit Indie-Pop und großen Bildern. Seit das Frank- furter Quartett die EP „For Us, The Drifters. For Them, The Bench.“ (2008) veröffentlichte und von Waggle-Daggle Records unter Vertrag genommen wurde, hat sich der Kosmos von MORNING BOY auf den Kopf gestellt. Die erst Single „I Sold My Heart Today“ (2009) zirkelte um die romantische Triebfeder, den energetischen, druckvollen Song. Zum Schwelgen und Faust in den Himmel recken. Und schreien: „So ist es!“
Mit dem Album „We Won‘t Crush“ liegt jetzt der erste Longplayer MORNING BOYs vor, der energiegeladen und sphärisch den Pop zelebriert ohne dabei in Kitsch zu verfallen. Treibende Beats, auftürmende und sich steigernde Sounds und die melancholische Grundstimmung bilden den Rahmen für ehrliche Songs, die im Player ebenso gut funktionieren wie live auf der Bühne.
Das Album wurde produziert von Simon Rauland und Morning Boy im Fundindelve Recording Arts Studio in Eppstein bei Frankfurt am Main. Gemastert wurden die Aufnahmen von Michael Schwabe (Kilians, Kettcar, Einstürzende Neubauten, Tele) im Monoposto Studio in Düsseldorf.

Weitere Infos:
www.morningboy.com
www.myspace.com/morningboymusic
www.facebook.com/morningboy

Pressebereich:
http://morningboy.com/wewontcrush/

Die Jungs haben die akutelle Single “Say You’ll Haunt Me” performt, natürlich akustik!

27.10.2010 - Aachen, Nightlife (Helloween Special als Preview)
29.10.2010 - Hamburg, Ballroom
29.10.2010 - Neunkirchen, Club Cäsar
29.10.2010 - Nürnberg, Rockfabrik
29.10.2010 - Leipzig, Hellraiser
30.10.2010 - Berlin, HardRock Cafe (mit Band-Anwesenheit / im Rahmen der Halloween Party)
30.10.2010 - Nersingen, Rock’s
30.10.2010 - Cuxhaven, Sportsbar Otterndorf
30.10.2010 - Bremen, Aladin
30.10.2010 - Oberhausen, Helvete Metal Club
30.10.2010 - Essen, Turock
30.10.2010 - Hildesheim, Rockclub
30.10.2010 - Augsburg, Rockfabrik
30.10.2010 - Frankfurt, Final Destination
30.10.2010 - Darmstadt, Steinbruch Theater
30.10.2010 - Bochum, Matrix
31.10.2010 - Köln, Fabrik
31.10.2010 - Ludwigsburg, Rockfabrik
31.10.2010 - Lübeck, Angus Rock Kneipe
03.11.2010 - Aachen, Nightlife
04.11.2010 - Berlin, Blackland
05.11.2010 - Berlin, K17
05.11.2010 - Leverkusen, Shado

Am 12.11.10  wird Sea Wolf ihr zweites Album “White Water, White Bloom” endlich in Deutschland veröffentlichen. Dieses enthält im Gegensatz zur US-Version zwei Bonus-Tracks, die dem Debüt entnommen sind.

Hinter Sea Wolf steckt vor allem Alex Brown Church und natürlich ist auch “White Water, White Bloom“ wieder zu einem großen Teil aus seinem Kopf entstanden, aber die helfenden Musiker haben sich mittlerweile live zu einer Band zusammen gefunden, was man der Entwicklung der Musik entsprechend anhört. „I couldn’t have known beforehand what the next record would sound like“, so Church, „but I did know I wanted it to be bigger, with a band feel, rather than another series of intimate confessionals.“

Der Großteil der Songs auf „White Water, White Bloom“ entstand in Montreal, in der Wohnung von Churchs Freundin und so finden sich die Gegensätze seiner Heimat Kalifornien und den langen Wintern Montreals auch in den Texten wieder.

“White Water, White Bloom” wurde übrigens von Mike Mogis (Bright Eyes, Monsters Of Folk) produziert.

Das wunderbare Video zu “Wicked Blood” gibt es hier:

Sea Wolf “Wicked Blood” from Alan Tanner on Vimeo.

In kleinerer Formation lässt uns Sea Wolf im Dezember endlich auch in den Genuss einiger Akustik-Shows kommen. Als Support von Kashmir.

02.12.10  Stuttgart // Die Röhre
03.12.10  Dresden // Beatpol
04.12.10  München // Backstage
05.12.10  Köln // Luxor
07.12.10  Frankfurt // Mousonturm
08.12.10  Bochum // Zeche
09.12.10  Berlin // Postbahnhof
10.12.10  Hamburg // Uebel & Gefährlich

Am 12.11.10 erscheint hierzulande übrigens auch das Debüt “Leaves In The River”, welches nie offiziell in Deutschland veröffentlicht wurde, in digitaler Form.

Weitere Infos:

http://www.myspace.com/seawolf

Die neue Single “Bottom Of Well” erscheint schon am 05.11., und
lässt das Herz eines jeden Rock’n'Roll Liebhabers höher schlagen!

Hier kann man sich bereits das Video ansehen!!

Hier gibt’s die ganze Sendung online zu sehen!

Dazu war Lucky heute (14.10) auch bei Taff auf ProSieben zu sehen, sobald es den Beitrag online gibt, werde wir ihn online stellen.

Lucky Diamond Rich ist übrigens im Guiness Buch der Rekorde eingetragen als meisttätowiertester Mann der Welt und wird im Rahmen der Wildstyle & Tattoomesse mit Performances und Tattoostudio am Start sein !

Die Geschichte der kleinstadthelden beginnt – richtig – in einer kleinen Stadt. Osterholz-Scharmbeck heißt die und liegt in der Nähe von Bremen. Die Wege sind kurz in so einer kleinen Stadt. Ein paar Schritte rüber zu den besten Freunden, ein paar Meter weiter bis zum Proberaum. Eigentlich ist alles da, was man braucht. Aber erst der Schritt hinaus in die weite Welt macht aus den Jungs aus der kleinen Stadt die Helden der Kleinstadt – kleinstadthelden, eben weil sie den Schritt gewagt haben, nicht nur Kleinstadt zu sein. „Wir packen die Sachen. Au revoir!“.

Eine Band wie die kleinstadthelden entsteht, wenn Herzblut und Abenteuerlust zusammentreffen. Wenn Sandkastenfreunde sich entschließen, mit ihrer Musik neue Räume
zu erschließen. Raus aus der Kleinstadt, rein ins Leben. Simon Lam (git/voc), Felix Weidenhöfer (git/piano/voc) und Nils Freesemann (bs) suchen sich ihren eigenen Weg. Dabei begleitet sie Uli Wortmann – zunächst im Studio als Produzent, seit Mitte 2008 auch als Schlagzeuger der Band. Ihre Musik ist unbekümmert und ungestüm, Songs für die Großstadt mit der ungebremsten Energie des Aufbruchs. Hier wird nix festgefahren, hier ist alles echt. Das ist das Leben aus der Sicht von vier Jungs Mitte 20. Manchmal stecken dann große Wahrheiten in kleinen Songs. Weil sie von Herzen kommen.

kleinstadthelden sind rastlos. Seit Bandgründung 2004 sind die vier ständig auf Achse, ständig unterwegs, der Ticker steht bei über 150 Konzerten. Sie müssen raus zu den Menschen da draußen. Von Angesicht zu Angesicht lassen sich persönliche Geschichten immer noch am besten erzählen, tiefe Gefühle teilt man nur ungern mit Fremden, lieber mit Freunden.

Freunde wurden auch viele der Bands, mit denen sie bisher die Bühne teilten: Im Mai 2009 wählten Silbermond die Band persönlich aus vielen Bewerbungen für den Support-Slot in Bremen aus, New Model Army luden sie bereits mehrfach als Vorband ein, mit NENA teilten sie die Bühne und mit Revolverheld. Weitere Supports für Muff Potter, Jupiter Jones, Schrottgrenze und viele andere Bands komplettieren die „Hall of Fame“. Nach dem Gewinn des renommierten Bandwettbewerbs „Live in Bremen“ im Mai 2009 gab es die ersten Auslandsauftritte in Holland und Frankreich, wo die Band jeweils begeistert aufgenommen wurde. Im November 2010 ist eine Island-Reise geplant, von Oktober 2010 – März 2011 sind bereits etliche neue Shows gebucht.

Beim Bundesvision Song Contest 2010 traten kleinstadthelden für ihr Bundesland Bremen an. Mit der von Oliver Pinelli (u.a. Der Graf/Unheilig, In Extremo, Christina Stürmer, Cassandra Steen, …) produzierten Single „Indie Boys“ belegten sie den 11. Platz – ein toller Erfolg für die kleinste Band aus dem kleinsten Bundesland. Im Vorfeld des Contests hatte die Band die Single auch schon bei „TV total“ präsentiert. Bei der Bekanntgabe der Bands wurden sie von Lena Meyer-Landrut als eine ihrer „Lieblingsbands“ des Wettbewerbs bezeichnet.

Am 29.10.2010 erscheint nun über mossBEACH music in Kooperation mit kleinstadtplatten (Vertrieb rough trade) die zweite Single von ihrem aktuellen zweiten Album „Osterholz-Scharmbeck“ (VÖ 10.09.2010). „Nicht nur“ zeigt die Band von einer etwas nachdenklicheren Seite. Die Single ist Titelsong des Kinofilms „Kleinstatthelden“, der am 21.10.2010 in die Kinos kommt.

Um den Mix kümmerte sich Clemens Matznick (u.a. Revolverheld, Livingston, Guano Apes, Donots). Gemastert wurde die Nummer von Chris von Rautenkranz (u.a. Die Sterne, Blumfeld, Tocotronic, Superpunk). Für die Aufnahme zeichnete wie immer kleinstadthelden-Schlagzeuger Uli Wortmann im Farida Studio zu Osterholz-Scharmbeck verantwortlich. Er hatte auch das Debütalbum der Band „Resignation und Aufstehen“ (2008) produziert.

kleinstadthelden haben die Kleinstadt hinter sich. „Nichts erinnert mehr daran, wie es einmal war.“ Und die Geschichte geht weiter. Losrennen und nicht zurückschauen.

VÖ: 05.11.2010

Label:  Starwatch

Vertrieb: Sony

Seit über einem Jahrzehnt bauen Gregorian die musikalische Brücke zwischen dem gregorianischen Gesang aus dem Mittelalter und der Pop- und Rock-Musik der Gegenwart. Der kreative Mastermind Frank Peterson hat mit Gregorian nicht nur ein äußerst erfolgreiches Gesamtkunstwerk, sondern mit seiner Idee eine neue Form der Neo-Gregorianik und somit ein neues Genre geschaffen. Der eigene, unverwechselbare Sound von Gregorian hat Fans in der ganzen Welt. Die bisher veröffentlichen Tonträger wurden in den ersten zehn Jahren weltweit über 5 Millionen Mal verkauft. Mehr als 1 Million Besucher haben Gregorian bei ihren Konzerten bislang live gesehen.Dass Gregorian es auch musikalisch lauter können, ohne das Geringste ihrer Authentizität einzubüßen, wurde bereits mit der Veröffentlichung “The Dark Side” (2004) unter Beweis gestellt. Auf der neuen CD “The Dark Side Of The Chant” nimmt Frank Peterson den Zuhörer abermals mit auf eine musikalische Reise und präsentiert die großen Rock-Hymnen der Musikgeschichte, aber auch Rock-Hits der Gegenwart auf meisterhafte Art. Nie zuvor wurden Songs wie “Hells Bells” (AC/DC), “Frozen” (Madonna), “Bring Me To Life” (Evanescence), “Lucifer” (The Alan Parsons Project) oder “Stripped” (Depeche Mode) in einem solch grandiosen mehrstimmigen Sound aufgenommen. Mit “Born To Feel Alive” präsentieren Gregorian die weltweit erste englische Version des Hits “Geboren um zu Leben” von Unheilig. Ein weiteres Highlight ist die Aufnahme “O Fortuna”, die sicherlich nicht nur die Liebhaber von Carl Orff und insbesondere die Fans von “Carmina Burana” begeistern wird.Mit der neuen CD “The Dark Side Of The Chant” (Veröffentlichung am 05.11.2010) werden Gregorian auch 2011 auf große Tournee gehen. Geplant ist die bisher größte und aufwendigste Bühnenshow seit Bestehen des Projekts. Frank Peterson verspricht abermals eine grandiose Inszenierung und eine große musikalische Vielfalt. Neben dem Repertoire aus der neuen CD werden Gregorian auch die Highlights aus ihren bislang über 150 Aufnahmen präsentieren. Auftakt ist am 02. Februar 2011 in Hamburg. Neben Deutschland, Österreich und der Schweiz wird die Tournee 2011 Gregorian auch ins Ausland unter anderem nach Russland, Polen, Estland, Litauen und Kroatien führen.

Revolver Promotion Leubner/Kringe
Görlitzer Str. 52, 2.HH, 4.OG 10997 Berlin
Daniela Leubner
Tel.: 030/6273573
mail to: dani@revolverpromotion.de 

Wer die Sendungen verpasst hat, kann diese nachträglich online ansehen!

ZDF Morgenmagazin

ZDF Markus Lanz

Das neue OK Go Album “Of the blue colour of the sky” (2 Disc Deluxe Edition) erscheint hierzulande übrigens am 22.10.2010 !

MCBEE drops science and street knowledge on his upcoming EP “Return Of the King Pin” (VÖ: 05.11.2010)

Zulu King Entertainment präsentiert mit der neuen Mini-EP von MCBEE ein weiteres schlagkräftiges Release.

MCBEE stammt von den Strassen Lynwood’s C.A. und wuchs in Hunington Park auf. Er repräsentiert Hunington Park in der Musikszene weltweit.

MCBEE sammelte bereits umfassende Erfahrung, indem er andere Independent-Acts produzierte. Jetzt hat er sich endlich dazu entschlossen diese Erfahrungen für sein eigenes Debüt-Album zu nutzen.

Der Künstler selber sagt hierzu: “It’s been a minute since I have actually focused on my own status, usually I’m working with others or combining projects, but this time I’m representing myself”.

Ähnlich dem gleichnamigen Marvel Comic Helden “The King Pin” sieht MCBEE sich als gegner des Mainstream-Kapitalismus.
Seine Waffen sind das Mic und das Studio.

Als Einstimmung auf das Album (welches 2011 erscheinen wird) veröffentlicht MCBEE am 05.11.2010 die Mini-EP “Return of the King Pin”.
Die EP enthält (neben 6 weiteren Songs) die erste Single “Gs Up!” feat. Ak-Swift & Harv Dent.

Das Video zur Single findet sich hier

“Return of the King Pin” soll allen Hip Hop/Rap-Hörern die Augen öffnen. MC selbst bringt es auf den Punkt: “We are basically losing the identity of Rap music, through mind manipulation and marketing, concepts that actually are government controlled. Free media is being screened in a global syndicate era. Controlling the way we think, eat, live, and also feel. Proproganda is the marketing tool which can be used as a modern weapon. I joined the Zulu Nation because I share its belief in eternal Mathematics, with in Science and the exploration of all circles in the realm of life and beyond. Positive over the negative which is an eternal equation. We need to bring Hip Hop back because Hip Hop was the voice of all Urban Societies. Urban fashion is one of the most prolific fashions of all time, the reason why…. its human, it describes its society and reflects on where it (society) is and what it is.
That’s Hip Hop!!!!”

Live ist MC BEE im Oktober als Support für die Legende KURTIS BLOW auf der 30 ANNIVERSARY BREAKS TOUR zu sehen:

06.10.2010 Nürnberg // Hirsch
10.10.2010 Frankfurt a. M. // Batschkapp

Kontakt: robert@revolverpromotion.de

Weitere Infos/Links:
www.ZuluKingEnt.com
http://www.youtube.com/watch?v=tHiGwT3QUOw
http://www.youtube.com/watch?v=1LGWa56KTL8
http://www.facebook.com/profile.php?ref=profile&id=1505004888
http://www.youtube.com/watch?v=28AMcpDSHX8
http://www.facebook.com/album.php?aid=72255&id=1505004888&ref=mf
http://www.myvideo.de/watch/7689784/Gs_Up_MCBEE_feat_Ak_Swift_Harv_Dent
http://www.lastfm.de/user/zulukingwarrior
http://www.myyou-fm.de/user/zulukingwarrior2002/inhalte?X-Progress-ID=0e5b8d7f3266ef6c0309876720b04eaf

Hier geht’s zum Trailer!

Die Blockflöte des Todes ging mit “Alles wird teurer” für Sachsen ins Rennen, Sebastian Hämer vertrat mit “Is’ schon Ok”das schöne Mecklenburg-Vorpommern !

Voraussichtlich werden OK Go Ende November in Europa erwartet !

Hier geht’s direkt zum Video!

Hier geht’s direkt zum Video !

Das ersehnte Video der Single “Solace” (VÖ: 22.10.10) hatte am 19.9 um 18h Premiere auf TAPE.TV! Das Geschwisterpaar verzaubert durch sanfte elektronische Klänge, Klavier und eine bezaubernde Stimme. Wer sich das nicht entgehen lassen möchte, sollte sich schnellsten hier das neue Video ansehen!

Oder auf der Homepage reinhören!

VÖ: 22.10.2010

Label: Smarten- Up

Vertrieb: Rough Trade

In seiner drei Jahrzehnte überdauernden Karriere hat John Watts einen beträchtlichen Output geschaffen. Sein variationsreicher Stil zu schreiben vermischte sich im Laufe seiner Schaffensperiode mit unterschiedlichen musikalischen Formen, deren Ursprung immer wieder im Punk und New Wave zu finden ist. Über allem thront die auch 2010 immer noch einzigartige Stimme.
Die Entstehungsgeschichte seines neuen Albums ist abenteuerlich und begann bereits Ende 2008 mit dem Drummer Sam Walker und Keyboarder Matthew Gest in Brighton. Nachdem das Programm bereits live gespielt worden ist ging es mit dem Ray Charles-Produzenten/Engineer Steve Forward ins Real World Studio. Die Aufnahmen inklusive der Gesänge waren in Peter Gabriels wunderbaren Räumen in einer 5-Tage-Session im Kasten. So wurde die Grundlage für kraftvolle, stimmungsvolle Songs wie „The Wave“ oder „Feature Film“ gelegt
Sehr viel später reisten alle Mann ins belgische Gent um einige Mitglieder der Flat Earth Society (Kristof Roseeuw, Bart Maris, Tom Wouters, Lode Vercampt) aufzunehmen. Sie hatten alle Freiheiten zu improvisieren, für 11 Songs reichte ein Tag und fertig waren orchestrale Samples. Was John Watts und Steve Forward damit angestellt haben kann man zum Beispiel wunderbar in den Songs „Head On“ oder „Perfect Timing“ hören.
Dann ging es nach Paris, hier und da noch ein paar Overdubs und dann wurde in Simon Cloquet’s Human Studios im historischen Les Frigo gemischt.
Neben all diesem Aufwand und fettem Sound beglückt uns John Watts auch mit einigen persönlichen und wie immer zynisch-poetischen Songs wie „The Greatest Gift“.
John Watts blickt auf einen Katalog von 17 Alben und erzielte Plattenverkäufe von mehr als 2 Millionen. In 2011 erscheinen zum 30-jährigen Veröffentlichungstag Neuaufnahmen des Kult-Albums Red Skies Over Paradise. Zuvor möchte er jedoch die Aufmerksamkeit auf sein aktuelles Soloalbum lenken.

TV-Promotion
Revolver TV Promotion
Daniela Leubner
Tel: +49 (0) 30 - 627 351 - 73

dani@revolverpromotion.de  

Er wird nicht nur Talkgast sein, sondern auch das ein oder anderes Liedchen zum besten geben!

Den Anwärter des Bundesvision Song Contests sollte man auf keinen Fall verpassen,

also einschalten !