Diese Band ist ein Phänomen. Kaum ein Newcomer aus einem vergleichbaren Genre in den letzten Jahren, der über einen Zeitraum von über einem Jahr nach Veröffentlichung des Debüts noch immer so in aller Munde ist. The XX haben mit ihrem selbstbetitelten Debüt scheinbar alles erreicht, was eine Band mit einem Debüt erreichen kann.

So minimalistisch wie der Bandname von The XX ist auch ihr Sound. Irgendwo zwischen Mazzy Star, The Cure und My Bloody Valentine, stilisieren sie einen ebenso düsteren wie kristallklaren Sound, wie man ihn lange nicht gehört hat. Der NME proklamierte ihren Sound sogleich zum momentanen In-Sound für London. Die gehauchten Vocals, die fast schon splitternackten Gitarren und spärlichen Samples erinnern an den düsteren Dream-Pop der Achtziger und klingen dennoch aufregend neu. Fans wie Journalisten sehen in The XX eine der relevantesten Bands ihre Zeit, die gleichermaßen die Herzen berührt wie entzückt.

Das selbstbetitelte Album dominierte die Jahresendcharts rund um den Erdball und die Konzerte der Band waren ausverkauft noch bevor sie offiziell angekündigt wurden - aber mehr noch: Das Album “The XX” wird sich nächste Woche wieder in den Albumcharts zurückmelden (Verkaufstrends aktuell Top50 in Deutschland; Top20 in UK).

Mit der aktuellen Single “Islands” koppeln sie für die anstehende Tour eine der radiokompatibelsten Nummern aus - die Single ist seit heute im MPN verfügbar. Wir empfehlen diese für Eure nächsten Abhören.

Album: The Element Rebellion

VÖ: 27.08.2010

Label: Ferryhouse

ONE FINE DAY holen weit aus zum großen Schlag… und es gibt richtig was vom bunten Teller, denn mit dem neuen Album The Element Rebellion wurde vieles anders und alles richtig gemacht.

Im Dezember 2009 begann die inzwischen vierköpfige Band (Ex-Gitarrist Roman Rossbach rebelliert ab sofort an der Solofront) neue Songs zu schreiben und schon wenige Wochen später war spürbar, dass da etwas ganz besonderes passieren würde.

Mit diesem Gefühl machten sich ONE FINE DAY auf die Suche nach einem geeigneten Produzenten, schauten dabei über Grenzen und wurden mit Pelle Gunnerfeldt in Stockholm, Schweden fündig. Er schien einfach der Richtige für diese neue Platte zu sein … weil sich seine Discografie wie das Who is Who der bandeigenen Plattensammlung liest: The Hives, Refused und The (International) Noise Conspiracy. Zudem war er die treibende Kraft bei den genialen Fireside und weil Pelle für alles steht, was ONE FINE DAY mit ihren neuen Album sagen wollen. Auch er ist ein Rebell!

Gesucht und gefunden also. Vier Wochen verbrachten ONE FINE DAY insgesamt in seinem Studio in Stockholm, das Musikgeschichte atmet und in dem nichts aus diesem Jahrhundert zu kommen scheint. Auf der Bandmaschine, auf der einst Pink Floyd aufgenommen haben, mit Mikrofonen, Instrumenten und Verstärkern, denen man die Jahre im positivsten Sinne anhört, wurden die Songs live eingespielt. Der Computer musste sich mit seiner Rolle als technisches Hilfsmittel zufrieden geben und mit jedem Tag machte sich mehr und mehr ein breites, zufriedenes Grinsen bei allen breit.

Befreiend, mächtig und frisch klingt das was einem da aus den Boxen entgegen schallt. Mit Texten, so geradeaus wie nie zuvor, werden Flaggen der Bekenntnis gehisst. Klar, es geht um Liebe und Angst… Klar, es geht um gewinnen und verlieren… Aber es geht immer, ob nun textlich oder musikalisch, auch um Rebellion.

Rebellion als das eine Element, das vorantreibt, das verändert, das uns an uns wachsen lässt und uns so sehr definiert wie kaum ein anderes Element. Wer sich nicht aufgibt, der rebelliert. Ständig.

Gegen Stillstand, gegen Ablehnung, gegen Ignoranz, gegen Kälte. Das einzufangen gelingt ONE FINE DAY auf „The Element Rebellion“ mit einer Leichtigkeit, der man ihre Authentizität mit jedem Ton anhört und die einem den Spaß am Rebellieren zurückgeben kann … wenn man sich darauf einlässt.

Für ONE FINE DAY ist dieses Album ein Meilenstein, eine mehr als willkommene Veränderung hin zum Wesen der Rockmusik und ihrer ganz eigenen Mission. Ohne Kompromisse.

www.myspace.com/onefinedayband

http://www.youtube.com/watch?v=5byfBT47Kp0

Tom Cruise und Cameron Diaz stehen zur Zeit für die Action-Komödie KNIGHT & DAY vor der Kamera.

Die Dreharbeiten der Twentieth Century Fox/New Regency Ko-Produktion hatten zunächst unter dem vorläufigen Arbeitstitel „Untitled Wichita Project“ begonnen.
James Mangold (TODESZUG NACH YUMA, WALK THE LINE) führt die Regie von KNIGHT & DAY nach einem gemeinsamen Drehbuch mit Scott Frank (MINORITY REPORT, OUT OF SIGHT).

Für die Produktion zeichnen Cathy Konrad (TODESZUG NACH YUMA, WALK THE LINE), Steve Pink (EIN MANN, EIN MORD) und Todd Garner (DER KAUFHAUS COP) verantwortlich. Ausführende Produzenten sind Joe Roth (THE GREAT DEBATERS), E. Bennett Walsh (KILL BILL) und Arnon Milchan (MR. & MRS. SMITH).
In KNIGHT & DAY erleben Cruise und Diaz ein glamouröses und lebensgefährliches Abenteuer, in dem nichts und niemand – nicht einmal das flüchtige Paar selbst – so sind, wie sie scheinen.

Inmitten von wechselnden Allianzen und unerwarteten Betrügereien jagen sie über den ganzen Globus und ihr Überleben hängt ab vom Kampf um Wahrheit vs. Vertrauen.

KNIGHT & DAY wurde in Massachusetts gedreht. Mangold hat an weiteren Drehorten rund um die Welt u.a. in Spanien, Oesterreich und in den Tropen gefilmt.
Ko-Star Peter Sarsgaard (AN EDUCATION) ist dem Pärchen als Federal Agent ständig auf den Fersen.

Viola Davis (GLAUBENSFRAGE) versucht als CIA Chefin, die wirkliche Absicht hinter ihren aufsehenerregenden Aktivitäten zu entschluesseln.

Paul Dano (THERE WILL BE BLOOD) spielt das exzentrische Genie hinter einer revolutionären Technologie und Olivier Martinez (UNTREU) stellt einen skrupellosen Waffenhändler dar. Weitere Darsteller sind Maggie Grace (96 HOURS) und Marc Blucas (BUFFY – IM BANN DER DÄMONEN).

Twentieth Century Fox startet KNIGHT & DAY am 22. Juli 2010 in Deutschland.

Die Platin-Rock-Band,FILTER veröffentlicht ihr fünftes Studioalbum “The Trouble With Angels” im September über Nuclear Blast Records. Fans von “Short Bus” und “Title Of The Record” werden in Ekstase ausbrechen - Richard Patrick kehrt zu seinen Industrial-Wurzeln zurück.

Kevin Day, Besitzer des US-Labels Rocket Science: “Ich kenne Richard seit einer langen Zeit und war schon immer Fan seiner Musik und dem FILTER-Sound, seit das erste Album erschienen ist. „The Trouble With Angels” ist so spannend, weil es eine starke Rückkehr zur musikalischen Düsternis, zu diesem Maschinellen ist, die FILTER erfunden und definiert haben.”

Von Bob Marlett (Black Sabbath, Atreyu, Saliva) produziert, beginnt das Album direkt mit „ The Inevitable Relapse” mit seinen donnernden Saiten, seinen isolierten Bass-Lines, die den FILTER-Sound sowohl heraufbeschwören als auch modernisieren. „Die Leute denken, „The Inevitable Relapse” handelt von Abhängigkeit, Konsum, und Besessenheit. Aber da liegen sie falsch.” so Richard Patrick. “Es ist ein Love-Song.” So hart wie dieses Lied klingt, so soft und berührend kann ein Track wie “Fades Like A Photograph” sein, der die erste Single des Albums darstellt. Das Meisterstück eines Genies und musikalischen Visionärs.

Richard Patrick hat “Angels” sowohl lyrisch als auch musikalisch auf das nächste Level gebracht und schart für die kommende US-Tour einige der besten im Geschäft um sich. Die Live-Band besteht aus Patrick am Gesang und der Gitarre sowie Gitarrist Rob Patterson (Korn, Otep), Basser Phil Buckmann und dem langjährigen FILTER-Schlagzeuger Mika Fineo. An einer Europa-Tournee wird derzeit gearbeitet.

Gut zu wissen:
? Die erste Single „Fades Like A Photograph” wurde auch in Roland Emmerichs aktuellen Blockbuster „2012″ verwendet.
? Richard Patrick ist der Bruder der berühmten Hollywood-Schauspielers Robert Patrick, der den T-1000 Cyborg in “Terminator II: Tag der Abrechnung” spielte.
? FILTER haben bis dato mehr als 2 mio. Platten verkauft!

www.officialfilter.com

Nach vielen Konzerten in der Schweiz, Deutschland und Österreich, 2 Releases in 2 Jahren, Auftritten an den grössten Festivals in der Schweiz und unvergesslichen Shows kommt man nicht mehr um sie herum: SLAG IN
CULLET (CH)!

Das junge Trio aus Basel veröffentlichte 2007 die erste Single „…like taking cover behind”, rockte das Gurtenfestival 2008 und verschwand danach im Studio. Mit den Aufnahmen von GURD Mastermind V.O. Pulver im Gepäck und vielen Clubshows in der Schweiz konnten Slag In Cullet im Frühjahr 2009 die
Aufmerksamkeit von Labels aus Deutschland und England auf sich ziehen - und es passierte, was einem Märchen gleicht:  Über die Musikplattform Myspace wird der A&R vom englischen Label Headroom Records auf die Band aufmerksam und fliegt im Mai 2009 in die Schweiz, um Slag In Cullet live zu sehen. Noch in der selben Nacht unterschreibt die Band und Ihre Vertreter bei Headroom Records UK, der Deal ist perfekt!

Weit gefehlt wer meint damit wäre schon alles erzählt, denn im Sommer 2009 haben Slag In Cullet bereits eine der grössten und renommiertesten Bühnen des Landes gerockt: Die Sitterbühne des Openair St. Gallen!

Darauf folgend wurde in der Schweiz die Debütsingle „Rubber Heart” (09/2009) inklusive Videoclip veröffentlicht, welche auf Anhieb die Rotation auf MTV Schweiz und allen wichtigen Radios in der Schweiz erreichte! Nach dem Schweizer Release vom Debut Album „Time To Explode”  (10/2009) und
einer damit verbundenen Clubtour quer durch das Alpenland folgte im März 2010 der Release von „Time To Explode” in Deutschland und Österreich im Vertrieb von Sony Music. Damit verbunden erste Shows in Berlin, Innsbruck und anderen Städten.

Mit ihrem aufwühlenden Rock wollen Slag In Cullet  vor allem eins: den Zuhörer emotional berühren. Stilistisch lassen sie dabei leise Passagen auf brachiale Parts krachen - ein Gegensatz, der zu einer unglaublichen Intensität führt. “Die Inspiration dafür kommt aus dem Leben selbst”,  sagt Andy Röösli, Sänger der Band.

Mitte Mai 2010 erscheint nun das neue Video zur zweiten Single „Blame”.

Slag In Cullet ist eine Band, deren Energie, Dringlichkeit und Expressivität vor allem Live sehr beeindruckt. Diese Energie kann man im Sommer an diversen Festivals erleben! Slag In Cullet spielen im Sommer 2010 unter anderem am GREENFIELD FESTIVAL! Im Herbst 2010 zieht es Slag In Cullet dann auf eine ausgedehnte Clubtour durch Deutschland, Österreich und die Schweiz.

Line-up:
Jonathan Davis - Vocals
James “Munky” Shaffer - Guitars
Reginald “Fieldy” Arvizu - Bass
Ray Luzier - Drums

Ihr eigenes Denkmal in der Geschichte des harten Rock haben sie sich selbst schon längst geschaffen: Hervorgegangen aus dem tristen Bakersfield/ Kalifornien - einem bisweilen düsteren und beklemmenden Ort, an dem es für jegliche Arten von Zivilisationskrankheiten scheinbar nur einen einzigen Weg der Erlösung gibt: Und zwar in Form ihrer seltsam verdrehten Gitarrenriffs, den offbeat-lastigen chaotischen Funky-Beats, dem markant-schizophrenen Monster-Bass und nicht zu vergessen Jonathan Davis` unverwechselbaren, irgendwo zwischen Karthase und psychotischem Wahnsinn oszillierenden Weirdo-Vocals.

Schon auf dem 1994er Debüt klangen Korn wie keine andere Band auf diesem Planeten - unumstößliche Hardfacts, die die Nu-Metal-Pioniere auch mit ihrem neuen Album „Korn III - Remember Who You Are” wieder einmal eindrucksvoll untermauern!

Nicht weniger als 30 Millionen verkaufte Einheiten ihrer insgesamt acht Vorgängeralben konnten Frontmann Jon Davis und seine Korny motherfuckers während ihrer 16jährigen Vorzeige-Karriere unters Volk bringen. Ausgezeichnet mit zwei Grammys (für den besten Videoclip „Freak On A Leash” vom 1998er Output „Follow The Leader” und für die beste Metal Performance für „Here To Stay” vom 2002er „Untouchables”-Longplayer) absolvierte man bisher unzählige Sold-Out-Shows rund um den Erdball und etablierte nicht zuletzt mit der legendären „The Family Values Tour” erfolgreich seine eigene Mega-Tour. Trotz allem Ruhm und den mannigfaltigen Verlockungen des Showgeschäfts ist Korn zu jeder Zeit die rohe und unzähmbare Supermacht geblieben, als die man seit Anbeginn grenzenlos von seiner treuen Zuhörerschaft verehrt wird: Die Verkörperung eines Lebensgefühls, die Stimme einer Generation.

Eine Stimme, die Korn auch mit ihrem neunten Studiorelease „Korn III - Remember Who You Are” wieder mit der gleichen Energie, dem gleichen Feeling und dem selben Charisma wie zu Anfangstagen ertönen lassen. Jeder Song eine kleine Reminiszenz an die Geburtsstunde einer Szene, ohne sich jedoch neuen Einflüssen zu verschließen. „Remember Who You Are” ist genau das, was sein Titel suggeriert: Eine Rückkehr zu den Wurzeln, ebenso wie auch der Ausblick in die Zukunft; in eine dezent finstere Zukunft freilich. Das missing link zwischen dem bahnbrechenden Gestern und einer nicht weniger wegweisenden Gegenwart.

“This album is a reflection of us being a band since 1993″, erklärt Sänger Jonathan Davis. “We worked hard on the previous records, and we experimented a lot. For Remember Who You Are, the four of us got together in a small room with the intention of writing an old school Korn record.

This album is a perfect mixture of everything we’ve done, and this version of the band is the best ever.”
Alles zurück auf Anfang, mit dem Wissen und dem Können alter Hasen jedoch. Beste Voraussetzungen also, einen ähnlichen Genre-Klassiker wie ihr selbstbetiteltes Erstlingswerk zu erschaffen.

Eine Glanzleistung, an der ein gewisser Ross Robinson nicht ganz unschuldig ist - haben sich Korn doch nach langer Zeit wieder mit ihrem einstigen Komplizen im Geiste und berüchtigten Starproducer (der ersten beiden Alben) verbündet, um 10 ungefilterte Aggressionsanfälle und unberechenbare Wutausbrüche in kreative Bahnen zu kanalisieren: Angefangen beim puren Gänsehautalarm von „Oildale (Leave Me Alone)”, über die explosive Freak Out- und Lärmorgie „Move On”, bis hin zu den beinahe tödlichen Dissonanz-Attacken von „Fear Is A Place To Live” - 2010 wird ihr großes Jahr: Korn reloaded 3.0!

“Ross helped us remember what we used to do this for. It was more psychological than anything. Ross was right there pushing me and he drove me insane. I sing about a lot of things that hit really close to my heart and he knew how to trigger that. I nearly fucking broke down at the end of almost every song, but I got it all out.”

Eine künstlerische Extrem-Erfahrung, die auch Gitarrist James „Munky” Shaffer mit dem quirligen Mixmeister gemacht hat.
“Teaming up with Ross has brought that raw, emotional feeling back to the music. Ross is the only person in the world that’s ever been able to draw us to that place. He reminds us why we’re here, why these songs are important to our fans and why what we do as a band relates. He made us remember how our music saves lives, and he came into the picture at the perfect time. We had no record label and just wanted to make a great album. Ross stepped in at the right moment to hit the reset button.”

Spartanisch, fast bis auf die hageren Musikerknochen abgespeckt sind Korn auf „Remember Who You Are” zu Werke gegangen. Mit wehenden Fahnen zurück zum Wesentlichen: Kein übertechnisierter Pro-Tools-Einsatz, keine nachträglichen Einzelspuren, kein verwässerndes Post Editing. Einzig und alleine die ungezügelte Rock-Power, kollektiv entfesselt von vier Ausnahmekünstlern im Ausnahmezustand. Ein fast klaustrophobisches Chaos, ganz altmodisch auf analogen 2-Zoll-Bändern im kaum schuhschachtelgroßen Bandstudio „The Cat Box” in Los Angeles eingefangen. Basser Reggie „Fieldy” Arvizu erinnert sich:

“In that room, even if I turned my bass head, it would hit somebody. Getting back in there was like a family reunion. We felt like brothers again. Being older and setting egos aside, we were able to focus on making the best record we could.”

Ein stilles Wasser war Sänger Jonathan Davis bekanntlich noch nie - um so tiefer hat der exzentrische Bühnenderwisch diesmal auf Songs wie „Never Around”, „Are You Ready To Live?” oder „The Past” gegraben.

“A lot of people dwell on the past, and they feel guilt. There’s nothing you can do about the past because it’s gone and it’s blown up. We’re here now. I let everything flow, while I was coming up with lyrics. They’re about me living my life for others when I shouldn’t, people-pleasing all of the time, stress, guilt and all kinds of emotions we live with everyday that destroy us and tear us down. I write about all of the fake people around us and how I always try to fix other people’s problems. I write what I feel, and it comes out naturally. I’ve got a lot of shit built up inside me; that doesn’t go away.”

Und auch Ex-Tour-Schlagzeuger Ray Luzier, der nach dem Weggang von Brian „Head” Welch und Drum-Vorgänger David Silveria als jüngstes Mitglied mittlerweile zum festen Bestandteil des Korn-Universums geworden, hatte entscheidenden Anteil an der Durchschlagskraft von „Remember Who You Are”.
Fieldy: “Ray is like the missing Korn member we never had. He just fits so well. When we found him, it just clicked because his playing sounds like Korn. He plays with me, and the way that he plays is exactly what I needed. We know what we’re doing on stage with each other, and everybody’s on the same page. I’ve waited my whole career for Korn to sound like we do now.”

Warten, das sich gelohnt hat; für Korn und ihre weltweite Fanbase gleichermaßen. Selbstfindung im Bakersfield-Style. Nicht nur für Jonathan Davis ist der Albumtitel schwerstens selbsterklärend.

„It comes down to one question: ‘Who the fuck am I?’ It’s about remembering where we came from. The title sums up everything I’m talking about lyrically. During the first two records, we were kids, and we didn’t have anything. We were making music, having fun and not worrying. I went back to that place where I wasn’t worried. I wanted to be completely honest with my feelings, express myself and let them out. People get so wrapped up in social communities, the Internet and technology that they forget who they are and what life’s really about. I fucking forgot who I was until I did this record. This album is just a bass, a guitar, drums and my vocals. I look at the records we’ve done as slots in time, and I believe Remember Who You Are is very special.”

Fieldy ergänzt: „We want to take you on a rollercoaster with this record. There are spacey and weird parts where the bass can breathe and there are some heavy moments. On Remember Who You Are, I’m doing what I really wanted to do on our first record.”

„Korn III - Remember Who You Are” ist die Einladung zu einem wilden, brutalen Ritt zwischen den Extremen. Ein etwas anderes Geschenk an die Welt und nicht zuletzt an die Menschen, die Korn zu dem gemacht haben, was Jon Davis und Co heute darstellen: Die Fans. Abermillionen von Kids rund um den Erdball, die in Korn-Shirts am Erstverkaufstag vor Plattenläden kampieren und keine Show der verrückten Kalifornier verpassen. Für Davis eine Lebensaufgabe.

„I love doing what I do. I love helping kids. I love hearing fans say, ‘You got me through this or that.’ It makes me feel like I’ve done something positive. I want kids to feel what I’m saying and really hear it. I’d love for the new songs to provoke them to think about what goes on around them. We’re very fortunate to keep doing what we’re doing, still be relevant and create music that invokes feelings from people.”

Das Anglo-Schwedisches Sextett wurde 2002 von den Sjunesson-Brüdern mit dem Ziel gegründet, Melodie, Eingängikeit und Heaviness zu kombinieren und auf ein ganz neues Level zu bringen. Über die Jahre kreierte die Band eine einzigartige Mixtur, die heute als der typische SONIC SYNDICATE-Sound bekannt ist! Nach zahllosen erfolgreichen Tourneen (u.a. mit NIGHTWISH & IN FLAMES), Auftritten auf Mega-Events wie Rock am Ring / Rock im Park und zwei extrem gut verkaufenden Alben ist die Band mit einem weiteren, unumstößlichen Statement zurück: „We Rule The Night” erscheint am 27. August 2010! Ein Album so unterschiedlich wie Tag und Nacht, besticht vor mit seiner Vielschichtigkeit, die sich vor allen Dingen in den Vorab-Singles „Revolution, Baby!” (treibender Modern Rock), „My Own Life” (emotional & balladesk) und „Turn It Up” (eine astreine Tanznummer) manifestiert.

Die Band dazu: „”We Rule The Night” ist das Resultat von allem, was SONIC SYNDICATE war und wurde. Als unser neuer Sänger Nathan 2009 in die Band kam, entfachte sich ein Feuer und alles fühlte sich, zum ersten Mal in allen Bereichen total natürlich an. Wir hatten mehr Spaß als jemals zuvor, die Musik begann wie Wasser zu fließen - “We Rule The Night” ist das aufregendste Album, das wir bisher aufgenommen haben!”

Neben ihren Bühnen- und Verkaufserfolgen, ist die Band auch in der virtuellen Welt omnipräsent. Ihre Videoclips wurden auf YouTube bereits über 13 Mio. mal aufgerufen, die Freundeszahlen auf Web 2.0 Communitys wie Facebook (über 105.000) und MySpace (über 30.500) sprechen eine klare Sprache und steigen täglich weiter. Bassistin Karin wurde neben ihrem Engagement bei SONIC SYNDICATE außerdem auch in der Modelwelt wahrgenommen und wurde so bereits für Magazine wie dem Kinkats oder Revolver abgelichtet.

Neben massiver Anzeigenkampagnen in sämtlichen relevanten Print- und Online-Medien stehen außerdem große Kooperationen mit Amazon.de, EMP, iMusic1 sowie New Yorker, VOX auf dem Plan. Des Weiteren wurden mehr als 52.000 Kinospots während der Aufführung des neuen „Twilight”-Films gebucht.

VÖ: 27.08.2010

Label: India Records

Vertrieb: Rough Trade

Seth Lakeman ist ein verdammt smarter Bursche. Seit Jahren gilt der begnadete Sänger, Songwriter und Multiinstrumentalist aus der Grafschaft Devon, der besonders auf der Violine richtig aufblüht, als einer der talentiertesten und wegweisendsten Folkmusiker Englands. Spätestens mit seinem neuen und nunmehr fünften Album „Hearts And Minds” hat Lakeman, dessen Erfolgskurve in den letzten Jahren stetig gestiegen ist, einen wahren Quantensprung in seiner ohnehin schillernden Karriere gemacht. Das liegt einerseits an seinen neuen Songs, die persönlich motiviert, jedoch wesentlich universeller wirken denn je und die neben den für ihn typischen Mythen seiner Heimat höchst zeitgemäße Themen aufgreifen, andererseits auch daran, dass er mit Tchad Blake (Elvis Costello, Peter Gabriel, Tom Waits) einen Produzenten gewinnen konnte, der es aufs Beste versteht, den künstlerischen Horizont seiner Schützlinge intuitiv zu erweitern. So muss man Seth Lakeman nicht mehr nur als „new folk hero” (The Times) betrachten, sondern als einen vielgestalten Künstler, der der aktuellen Musikszene mit viel Esprit neue und erfrischende Impulse verleiht.

Das beginnt schon mit dem Titelsong von „Hearts And Minds”, einer harschen Abrechnung mit jenen Institutionen, die die Finanzkrise ausgelöst haben. Die Beschäftigung mit den Notlagen der ehrlich arbeitenden Bevölkerung und der Dringlichkeit des Gemeinschaftssinns in harten Zeiten kommt auch in anderen Songs wie „The Watchman” und „Hard Working Man” zur Geltung. Da spürt man, dass Seth Lakeman diesmal bewusst seine Herzensangelegenheiten in die Waagschale seines künstlerischen Schaffens gelegt hat. „Das ist schon ein prekäres Thema, aber es ist definitiv auch sehr präsent”, erklärt Lakeman. „Freunde von mir haben ihre Jobs verloren und die Art und Weise, wie die Menschen von der Finanzkrise betroffen worden sind, hat mich darüber nachdenken lassen, wie Musik die Menschen vereinen kann und für ihre Überzeugungen kämpfen lässt. Mir geht es weniger um Politik als um den Spirit, darum, wie man Menschen aus einem bestimmten Grund zusammenbringt. Folkmusic steht für die Gemeinschaft von Menschen, sie handelt von ihnen, stammt von ihnen und ist für sie gedacht. Deswegen ist ‘Hearts And Minds‘ auch der Schlüssel- und Titelsong des Albums.”

Dass Lakeman auf „Hearts And Minds” derart zeitgemäße Themen aufgreift, erklärt nur zum Teil, dass dieses Album so stark im Einklang mit der Stimmung dieser Tage steht. Nach der Mercury-Prize-Nominierung für sein Album „Kitty Jay” im Jahr 2005 und den zwei BBC Folk Awards für sein prächtiges Nachfolgealbum „Freedom Fields” gelang ihm im Sommer 2008 mit dem UK-Top-Ten-Erfolg seines von der Kritik hoch gelobten Albums „Poor Man’s Heaven” der bis dato größte kommerzielle Erfolg. Seitdem hat sich die Musikwelt spürbar zu seinen Gunsten verändert. Die jüngsten Erfolge von Acts wie Mumford & Sons, Noah & The Whale und Laura Marling fallen in die Zeit, in der auch Seth Lakeman sein Durchbruch gelungen ist. Auch wenn er zu bescheiden ist, sich dies als seinen Verdienst anzurechnen, besteht kein Zweifel, dass er entscheidend dazu beigetragen hat, dass Folk mit all seinem Reichtum und seinen Möglichkeiten heutzutage wieder immensen Zulauf hat und ungemein populär ist. „Instrumente aus Holz sind wieder cool”, frohlockt er. „Banjos, Mandolinen, Akustikgitarren und Violinen sind wieder richtig beliebt, so dass ich sehr froh bin, meiner Sache treu geblieben zu sein.”

Seth Lakemans Musik fundiert grundsätzlich auf seinen mitreißenden Performances - da bildet auch „Hearts And Minds” keine Ausnahme. Während seiner weltweiten Konzerttournee zu Beginn des Jahres 2009 hatte sich der Musiker drei Monate Auszeit
genommen und im Zuge eines kreativen Hochs gleich 25 Songs geschrieben. Noch bevor er wieder zurück auf Tournee ging, nahm er mit seiner Band Demos auf, um den Songs unterwegs noch mehr Kontur zu verleihen. Gegen Ende des Jahres, zwei Tage nach Beendigung der Tour, ging er direkt ins Studio, um „Hearts And Minds” in Angriff zu nehmen.

Während er alle bisherigen Alben daheim in Devon respektive Cornwall aufgenommen und gemeinsam mit seinem Bruder Sean produziert hatte, vertraute er diesmal seine Songs dem renommierten amerikanischen Produzenten Tchad Blake an. In den Giant Wafer Studios mitten in Wales wurden im November 2009 in nur zwei Wochen 20 Songs aufgenommen. „Mit Tchad verhielt es sich so, dass er jeden Song, der nicht nach spätestens fünf Takes stand, einfach fallen gelassen hat”, erinnert sich Lakeman. „Ihm ging es vor allem darum, den besonderen Moment einzufangen. Das war ganz schön cool, recht ausgefallen und hat den Sound gefördert. Was die Produktion betrifft, hatte ich immer gemeinsam mit Sean das Sagen, und jemanden zu fragen, der so profiliert, ambitioniert und erfahren ist wie Tchad, war für uns schon eine große Sache. Es war einfach aufregend, ein richtiges Abenteuer. Irgendwie war es auch erfrischend, weil ich mich besser auf mein Songwriting konzentrieren konnte und auf ein experimentierfreudigeres Spiel, statt mir über das endgültige Resultat Gedanken zu machen. Das nahm auch den Druck weg.”

Das Resultat ist von denkbarer Vielfalt und schlichtweg umwerfend. Nach dem sehr rock- und rhythmusbetonten Album „Poor Man‘s Heaven” öffnet sich „Hearts And Minds” auf unterschiedlichste Weise neuen Klangstrukturen und Songtexturen, die weit über das Folk-Genre hinausweisen, und überzeugt durch wundervolle und detailfreudige Arrangements. Neben Seths angestammter Band, bestehend aus seinem Bruder Sean an der Akustikgitarre, Simon Lea am Schlagzeug und Ben Nicholls am Kontrabass, wurde noch der Multiinstrumentalist Benji Kirkpatrick von der Formation Bellowhead als vollwertiges Bandmitglied hinzugezogen. Dessen Beiträge (Mundharmonika, Banjo und Backgroundgesang) betrachtet Seth Lakeman als einen der wesentlichen Faktoren dafür, dass „Hearts And Minds” so ausgereift klingt. „Allein melodisch ist das ein absoluter Fortschritt”, so Lakeman. „Das klingt wirklich mehr nach einer Band im Stile von Dave Matthews, nach einer englischen Folkrockband. Da gibt es dieses wunderbare Banjo und dazu kongenialen Backgroundgesang und richtig kraftvolle Refrains. Das hat der Platte wirklich gut getan und mir als Songwriter neues Selbstvertrauen gegeben. Ich wollte unbedingt, dass es nach einer richtig starken Band klingt.”

Bei den ruhigeren Songs finden die Musiker zu einer Gelassenheit und Intensität, die wahrlich atemberaubend ist. „Changes”, aufgebaut um einen gespenstisch anmutenden Basslauf, wirkt ganz bedächtig, nahezu spartanisch und ist doch ungemein hypnotisch, besonders durch Seths Pizzicato-Spiel auf seiner Violine und seinen beschwörenden Gesang. „Spinning Days” hingegen, ein eindringliches Lamento auf gefallene Soldaten, erzeugt seine besondere Atmosphäre mit sanft staubtrockenem Gitarrenspiel. „The Circle Grows”, das an John Martyn erinnernde große Finale des Albums, wartet schließlich wieder mit düsterem und unheimlichem Unterton auf, um diesem Song über Betrug und Korruption das richtige Korsett und dem Sprichwort „Des einen Leid ist des anderen Freud” ein musikalisch adäquates Profil zu verleihen.

Während Lakeman die durch die Finanzkrise ausgelöste Misere seiner Freunde mit Wut und Leidenschaft kommentiert, sieht er sich im gleichen Maße viel stärker befähigt, auch nach innen zu schauen. „Als ich mit dem Songwriting begann, habe ich zunächst mit dem Geschichtenerzählen experimentiert und mich oft auf meine Herkunft bezogen, aber nun habe ich einen bedeutenden Schritt in Richtung eines Singer-Songwriters gemacht, der definitiv viel subjektiver und persönlicher schreibt. Das hat viel mit dem zu tun, was in meinem Leben passiert ist. Ich fühle mich persönlich viel stärker geerdet und das hat mir das nötige Selbstvertrauen gegeben, meine eigenen Gedanken besser zum Ausdruck zu bringen.”

So wirken die Liebeslieder auf „Hearts And Minds” denn auch wie kleine Freudensprünge, allen voran „Tiny World”: mit seiner putzmunteren Geigenmelodie und dem unwiderstehlichen Mitsingrefrain fürwahr ein potentieller Sommerhit. „See Them Dance”
ist ein nicht minder das Herz erfüllender Song, bei dem Geige und großartige Rhythmen den Ton angeben. Und „Tender Traveller” zeichnet auf bemerkenswerte Art und Weise Lakemans persönliche Reise nach, seinen „winding pathway”, auf dem er als Songwriter on the road über Jahre gereift ist, ohne das Bewusstsein für den Seelenfrieden zu verlieren, den er bei jeder Rückkehr in seine Heimat findet.

Auch wenn auf „Hearts And Minds” denkbar weit gefasste Themen aufgegriffen werden, ist auf dem neuen Album seine enorme Heimatverbundenheit immer wieder spürbar. Schließlich ist Seth im beschaulichen Dartmoor aufgewachsen, wo seine Eltern einen florierenden Folk-Club betrieben. Schon in seiner Jugend hatte er mit seinen beiden Brüdern Sean und Sam musiziert. Mit all den Geschichten, Legenden und Mythen seiner heimatlichen Umgebung war er schon früh vertraut. „Hearts And Minds” wäre wohl kein waschechtes Album von Seth Lakeman, würden nicht auch hier wie so oft in seiner Vergangenheit ein paar jener mystisch-mythischen Geschichten auftauchen, die seit Generationen unter Familien und Freunden weitergereicht werden. So erzählt er in „Preacher’s Ghost”, musikalisch vage an die Countrymusik aus den Appalachen angelehnt, die Geschichte von Billy Bray, einem Bergmann aus dem Cornwall des 19. Jhdts., der sich vom Trunkenbold zu einem berühmten Methodistenprediger entwickelte. Die Geschichte basiert auf dem Buch „The King’s Own Son”, das Lakeman von seinem Großvater geschenkt bekommen hat. Noch magischer wirkt „Signed And Sealed”, die Geschichte von Jan Tregeagle, einem grausamen Magistraten aus dem 17. Jhdt., der einen Pakt mit dem Teufel eingeht und dessen verfluchte Seele seitdem durch das Bodmin Moor geistert.

Diese Mischung aus Mythen vergangener Zeiten, zeitgemäßer gesellschaftlicher Relevanz und lyrischer Poesie macht „Hearts And Minds” zu einem einmaligen Album, mit dem Seth Lakeman einen „bedeutenden Schritt nach vorn” (Uncut) vollzieht. „Musik muss mit einem selbst wachsen, muss sich mit dir selbst bewegen”, lautet Lakemans eigenes Fazit. „Wir haben als Band definitiv einen Gang hoch geschaltet und das gilt auch für mich als Songwriter. Das Album ist universeller, denn ich will, ist, dass mehr Menschen ihre Freude daran haben.” Seth Lakeman ist mit „Hearts And Minds” als Songwriter, der für den stilübergreifenden Folk unserer Zeit neue Maßstäbe zu setzen weiß, vollends zur Entfaltung gelangt. Mag er auch seine jüngste Single „Tiny World” nennen, seine Musik ist ein Universum für sich. Unsere Herzen zu gewinnen und unser Bewusstsein zu schärfen, dürfte ihm mit diesem Meisterstreich spielerisch leicht gelingen.

© 2010 India Records

www.sethlakeman.co.uk

16.07. live mit dem song “radar detector” bei mtv home
ab dem 19.07. Interview auf Offen und Live Magdeburg und Radio Fritz
04.08. Interview und Liveeindrücke vom MELT! Festival bei 3 SAT Bauerfeind

Vier Jahre später melden sich Frontmann Corey Taylor, die Gitarristen James Root und Josh Rand, Basser Shawn Economaki und Drummer Roy Mayorga nun mit ihrem neuesten Gassenhauer deluxe zurück: „Audio Secrecy” - einem leidenschaftlichen, wild entschlossenen Arschtritt-Monster, welches die tausend und eine faszinierenden Facetten Stone Sours erstmalig in Perfektion verkörpert. In sich verschachtelt, auf unzähligen künstlerischen Ebenen. Und befreit von jeglichen stilistischen Beschränkungen. Spiel ohne Grenzen.
„Dieses Album stellt all das dar, was ich schon immer auf einem Album verwirklichen wollte”, erklärt Taylor. „Das Zeug ist heavy, melodisch, es ist düster, langsam und es gibt irgendwie auch Licht am Ende des Tunnels. Und es ist einfach wunderschön. Bei jedem Hören ist es anders, man hört immer andere, neue Sachen heraus!”

Aufgenommen wurde „Audio Secrecy” zusammen mit dem schon seit „Come What(ever) May”-Zeiten besten bewährten Producer Nick Raskulinecz (Foo Fighters, Alice In Chains, Deftones…) in den Blackbird Studios in Nashville/ Tennessee. Mit einer wahrlich außergewöhnlichen Freizeitgestaltung neben den Recordingarbeiten: So hat man sich kollektiv in einem echten Spukhaus mit fortgeschrittenem Abbruchcharakter einquartiert, mit weit reichenden Folgen, wie Taylor lachend berichtet.
„Diese Hütte war wirklich die Hölle auf Erden. Alt, verkommen, alles war kaputt. viele der Wasserleitungen waren leck oder verseucht mit angriffslustigen Wespen und ekligen Spinnen. Außerdem habe ich mich ständig verlaufen, weil es so verdammt viele Räume gab. Irgendwie hatte es erschreckende Ähnlichkeit mit dem Haunted Mansion in Disney World - dieses Haus hat uns erst in die richtige Stimmung für dieses Album versetzt. Eigentlich sollten wir ihm in den Booklet Credits danken…”

Dankesgründe gäbe es mehr als genug auf „Audio Secrecy”: Angefangen mit dem stromschlag-ähnlichen „Mission Statement”, welches die Tür zum Album mit voller Wucht aufstößt.
„Dieser Song knallt dir voll ins Gesicht und zieht dich an den Haaren in seine Höhle wie ein Urzeitmensch”, charakterisiert Corey Taylor augenzwinkernd das Stück, welches vor Albumrelease für kurze Zeit als Gratis-Download über tausend rekordverdächtige Male pro Stunde herunter geladen wurde.
Als weiteres, definitives Highlight auf „Audio Secrecy” präsentiert sich die mitreißende Rockballade „Say You`ll Haunt Me”, die neben „Hesitate” den Kern des Album bildet: Nach guter alter „November Rain”-Manier lassen sich Stone Sour tief in die Karten blicken auf ihrer gelungenen Gratwanderung zwischen Melodie und Melancholie; klassisches Streicherorchester im Rücken und sehnsüchtigen Refrain im Sinn.
„Was die Lyrics angeht, schreibe ich diesmal ganz klar von einem viel persönlicheren Standpunkt als früher. Ob ich über meine Beziehungen berichte, von meinen Emotionen als Vater oder davon, endlich meinen soul mate zu finden - ich packe alles auf den Tisch! Jeder kann es mit eigenen Ohren hören, fühlen und einen Großteil sicher auch selbst nachvollziehen!”

Ein wenig geheimnisvoller gestaltet sich dagegen der sorgsam gewählte Albumtitel „Audio Secrecy” - ein weiteres, seltsames Wortspiel frei nach Corey Taylors Vorliebe für Rätsel, Numerologie und sonstige Zodiac`eske Denksportspiele. Gehirnjogging nach Des Moines-Brauchtum.
„Ich bin ein großer Fan von Doppeldeutigkeiten und metaphorischen Sprichwörtern”, gibt der dauerbeschäftige Thirty-Something unumwunden zu. „Es gibt so viele verschiedene Bedeutungsebenen, was diese beiden Worte im Zusammenhang ausdrücken könnten! Wie eine Zwiebel, die man langsam Schicht um Schicht schält. Manchmal bin ich selbst ganz überrascht. Holy fuckin shit, man! Die Bedeutung des Titels hängt ganz davon ab, wer ihn benutzt. Das Großartige ist, dass er so offen und so frei interpretierbar ist - er könnte theoretisch alles Mögliche bedeuten. Als ich anfing, das erste Mal über diesen Titel zu reden, befanden ihn einige Menschen als wirklich sehr düster und beklemmend. Fakt ist, dass er die Leute zum Nachdenken bringt.”
„Außerdem erinnert mich der Titel wenig an diese ganzen großartigen Songs und Stücke aus den 70ies”, fährt Taylor fort. „Die Aufnahmetechnik war damals noch nicht soweit, das Zischen, Brummen und Knistern herauszufiltern - doch gleichzeitig waren es doch gerade diese kaum wahrnehmbaren Störgeräusche, die die Aufnahmen so einzigartig machten. Der X-Faktor, diese kleinen, dunklen Zwischentöne. Auch auf `Audio Secrecy` geht es eher um die Sachen, die man nicht hört und nur unterbewusst wahrnimmt.”

Und auch das Stück „The Pessimist” lässt so einiges an purer Power von der Kette mit seinem fast Schweizer uhrwerk-gleichen Präzisions-Metal-Shredding. Gitarrist Josh Rand erinnert sich zurück an die Aufnahmen: „Der Track ist mit Sicherheit der härteste, den wir bisher eingespielt haben. Ich habe alleine eineinhalb Tage damit zugebracht, die Hindu Tonleiter für diese sehr östlich klingende Melodie zu üben.”
„Unser großer Vorteil ist, dass wir in Stone Sour gleich fünf verschiedene Songschreiber haben”, fügt Taylor hinzu. „Jeder von uns hat seinen Teil dazu beigetragen, dass das Material dieser Platte wirklich lebendig klingt. Wir haben unseren Sound diesmal definitiv erweitert. Wir haben nach dem letzten Album einen enormen Vertrauensschub bekommen als Band. Uns wurde plötzlich bewusst, dass wir tatsächlich ein echtes Publikum hatten und noch einen ganzen Schritt weiter gehen, etwas wagen und experimentieren könnten. Unsere Chancen nutzen, auf den Dingen aufbauen, die wir uns mit den ersten beiden Alben geschaffen haben - das haben wir mit `Audio Secrecy` auf ganzer Länge definitiv erreicht.”

„Ich versuche nicht, die Welt mit meinen Songs zu ändern”, erklärt Corey Taylor abschließend. „Ich will nur ein wenig Musik machen und mir den ganzen Scheiß von der Seele singen, der mich manchmal belastet. Letztendlich hoffe ich, dass die Leute das Album mögen werden und ein paar catchy Refrains finden, die sie monatelang nicht mehr vergessen und ständig vor sich her singen. Ich hoffe sehr, es regt sie zum Nachdenken oder sogar dazu an, ihre eigenen Bands zu gründen. Aber am meisten hoffe ich, dass die Leute spüren, dass unser neues Album die lange Wartezeit wirklich wert gewesen ist! Das wäre ein großartiger Lohn für uns alle!”

www.stonesour.com

Album: „Havanization”

VÖ: 27.08.2010

Single: “Carnaval” (duo Camille)

Label: Naiive

LC-Code: 00540

Raúl Paz ist das Leben. Der kubanische Sänger und Songwriter verharrt nicht wie seine Landsleute vom Buena Vista Social Club in der Vergangenheit, sondern er ist die Stimme der kubanischen Jugend.

Freilich, es gibt neben den gefühlten 80 Jahren Altersdifferenz einen entscheidenden Unterschied zwischen Raúl Paz und den Altvorderen aus dem nostalgietriefenden Wenders-Epos. Raúl Paz hat nicht in Kuba ausgeharrt, bis er künstlerisch austrocknete und ihm nur noch das Meckern, Träumen und Erinnern blieb. Er bündelte seine Kräfte, siedelte 1996 nach Paris über und kam gerade zur rechten Zeit in der französischen Hauptstadt an, um den frankokubanischen Boom um die Jahrtausendwende entscheidend zu prägen. Seither findet er vor Lebensfreude strotzende Mischungen zwischen Latin und Pop, die sich jenseits aller Latinpop-Konventionen ihr Publikum erobern. Gerade wer mit Salsa, Rumba und Son sonst weniger viel am Hut hat, kann in „Havanization“ eine interurbane Lebendigkeit entdecken, die man in kubanischer Musik sonst selten findet. Raul Paz trägt in die Rhythmen seiner Heimatstadt das Wissen um HipHop, Chanson und Britpop hinein. Auch wenn er ausschließlich Spanisch singt, scheint er doch eine international verständliche Sprache zu beherrschen, die man in London, Berlin und Paris genauso versteht wie in Havanna und Madrid.

„Havanization“ ist das wirksame Gegengift zu jeder Form von Vereinnahmung und Fremdsteuerung; Raúl Paz hat auf diesem Album einen überzeugenden Weg gefunden, seine Erfahrungen aus Frankreich und den USA nach Kuba zu tragen. Seine Musik braucht keinen Überbau. Sie kann einfach als das genommen werden, was sie ist: eine überaus fröhliche, kraftvolle, bunte Mischung von Songs, die mit allen nur denkbaren Zutaten angereichert ist, unmittelbar vom Ohr in Beine, Bauch und Blut übergeht und auch beim hundertsten Hören noch voller Überraschungen steckt. Sie ist ebenso partytauglich wie anspruchsvoll. „Havanization“ ist aber auch die kulturelle Zustandsbeschreibung eines Landes in Transformation aus der Perspektive eines sensiblen Beobachters und kühnen Zukunftsarchitekten.

„Carnaval“ - ein wimmelnder Marktplatz der Kontinente ist die erste Singleauskoppklung aus dem am 27.08. erscheinenden Album „Havanization.

VÖ: 27.08.2010

Label: Pflanz einen Baum

Vertrieb: Rough Trade

ALIN COEN BAND

Davon will man mehr, ständig auf repeat.“ - „Eine Stimme mit Suchtpotenzial.“ Begeistert sprechen Kritiker und Fans von Alin Coens zart-melancholischen, zugleich selbstbewussten Liedern. Die Musikzeitschrift Melodie & Rhythmus beschreibt es so: „Einige Gefühle fallen von einem ab wie nutzloser Ballast und manche werden durch ihre Lieder regelrecht ans Licht gefeuert.“ Ihre Songs erzählen vom Hoffen und Scheitern, vom Lieben und Loslassen. Man hört sie nicht nur, man erlebt sie. Ihre Musik entspringt dem Folk, durchwandert den Pop – und trifft mitten ins Herz.

Alin Coen, 1982 in Hamburg geboren, ist als Tochter einer deutschen Ärztin und eines mexikanischen Künstlers zweisprachig aufgewachsen. Als Jugendliche reiste sie nach Indien, Osttimor, Kanada und lebte auch mal ein Jahr in Australien. Auf der Suche nach Bullerbü landete sie mit neunzehn in Schweden und entdeckte bei einer offenen Bühne ihr Talent als Komponistin und Gitarristin. Im Herbst 2003 zog sie nach Weimar um Umweltschutztechnik zu studieren. Alin verbrachte aber mehr Zeit mit der Gitarre als im Hörsaal und gründete vier Jahre später, mit Jan Frisch (28) an der Gitarre, Philipp Martin(25) am Bass und Fabian Stevens (28) am Schlagzeug die Alin Coen Band. Jan war Architekturstudent und gab nebenher Konzerte mit seinen Liedern. Philipp und Fabian ließen während ihres Jazzstudiums keine Session aus. In den vergangenen drei Jahren wuchs aus vier einzelnen Musikern eine Band mit einem Sound, der den Ohren schmeichelt. Und mit besonderen Fähigkeiten: sie passen mit all ihren Instrumenten (inklusive Schlagzeug, Bassanlage und vier Gitarren) in einen Golf und können mit sieben Keulen jonglieren.

Die Alin Coen Band ist eine der fünf Nachwuchsbands, die 2008 am legendären „Popcamp“ teilnehmen durften, dem Meisterkurs für Popmusik des deutschen Musikrats. Im August tourte die Band durch Kanada, trat u.a. in Vancouver und Victoria auf. 2009 eröffnete sie Konzerte für Jacob Dylan, Starsailor, Philipp Poisel, Regina Spektor und Amos Lee. Auch die Medien wurden schnell auf die Vier aufmerksam und so konnte man sie im ZDF bei „Pop Cracks“, sowie in der wöchentlichen Kultursendung „Scobel“ auf 3sat sehen.

Es macht Spaß, die Band live zu erleben. Was die Vier auf die Bühne bringen, hat eine geradezu ansteckende Leichtigkeit. Besonders intensiv wird es jedoch durch Alin Coens Texte, die oft selbstironisch sind – wie in ihrem Song „Das letzte Lied“: „Dieses sind dann wohl die letzten Zeilen, die ich an dich richte. Dieses letzte Lied soll bei dir weilen — bis ich ein neues dichte.“

„Schon vorbei?“, fragt man sich am Ende eines Konzerts und wünscht sich eine CD, die man ständig auf repeat hören kann. Darauf muss man nicht mehr lange warten. Am 27.08.10 erscheint nun das Debütalbum „Wer bist du?“ auf dem bandeigenen Label „Pflanz einen Baum“. Das Label haben sie gegründet, um unabhängig zu sein und um sich nicht in die Musik reinreden zu lassen. Diese Eigenständigkeit prägt auch das zweisprachige Album, das fernab vom Pop-Einerlei ist. Die Band hat mit ihrer Musik etwas Neues gepflanzt: den Alin Coen Band Sound. Mit jedem Mal Hören wächst die Begeisterung für diese Musik.

Für ihre erste Single „Time Stands Still“ erhielt sie bereits letztes Jahr den Amadeus Award, dieses Jahr ist sie wieder nominiert. Jetzt versucht sie auch international Fuß zu fassen.

Bei uns wird ihr Album „For Real“ im Herbst veröffentlicht, Startschuss ist dabei die Single „I Don’t Like You“.

Jetzt entscheidet nur noch das Publikumsvoting.

Ihr braucht nur einmal pro Woche auf http://www.amadeusawards.at in beiden Kategorien für ANNA F. stimmen !!!

Ihr Könnte Heute schon mit dem Voting Starten, und zwar pro E-Mail Adresse in einer Kategorie.
Dann Immer ab Montag wieder auf’s neue !!! ;D

Verleih: Fox Entertainment

Regie: Nimrod Antal
Hauptdarsteller: Adrien Brody, Topher Grace, Danny Trejo u.v.m.

Filminformation

Eine Gruppe von Elite-Kämpfern aus den unterschiedlichsten Teilen der Welt landet auf unerklärliche Weise auf einem fremden Planeten. Schon bald ahnen sie warum: Sie wurden geholt, um Teil eines mörderischen Spiels zu werden, in dem sie als Beute ausgesetzt sind.  Und die Jäger sind die Predators.

Royce (Adrien Brody) führt die skrupellose Gruppe an, die mit Ausnahme des Arztes Edwin (Topher Grace) aus menschlichen Predators besteht: Söldner, japanische Yakuza, Schwerverbrecher und Mitglieder des Todesschwadrons.  Doch die Jäger werden nun selbst gejagt und systematisch eliminiert – von einer neuen Rasse Predators!

PREDATORS, ein neues Kapitel in der legendären Predator Reihe, entstand unter der kreativen Leitung von Robert Rodriguez. In weiteren Rollen sind Laurence Fishburne und Danny Trejo zu sehen.

Was die Nacht nicht hat, das macht sie - Gespenster oder wenigstens Falter, tausend Augen und alle Katzen grau. Und dazu Lieder, selbstredend, für jede Schattenseite und Stimmung passend, von sternenklar bis pechrabenschwarz. Sich unter all diesen Gesängen und Geschichten zu entscheiden, wäre schon problematisch, noch dazu Entdeckungen zu machen, fast vergessene Schätze der Lied-, Song-, Chanson- und Canzone-Kultur neben den immergrünen Hits zu heben, scheint nahezu unmöglich. Doch es gelingt Ulrich Tukur und seinen musikalischen Mitstreitern unter der Leitung von Lutz Krajenski auf diesem Album - mit Bravour. »Die Nacht ist eine dunkle Folie, vor der sich unendlich mehr abspielen kann als vor der zu hellen des Tages«, sagt Ulrich Tukur, am Rande der Aufnahmen zu Mezzanotte, stilecht übernächtigt von einer Feier in der legendären Silbersack-Kneipe auf St. Pauli. Schon steigert sich der singende Schauspieler von »der parallelen Welt der Nacht« über die »Wahrheiten neben dem Tagesleben« in eine schwärmerische Rage. »In der Nacht passieren die absonderlichsten Dinge«, betont er. »Die Nacht ist spannend, und sie steht für so viel: für Liebe, Tod, Verbrechen, Rausch . . . Das sind doch tolle Themen, die sich da unter dem Stichwort ›Nacht‹ subsumieren - kein Wunder, dass sie so unendlich oft besungen, angedichtet und verkomponiert worden ist.«

Die Idee, ein abend- und schallplattenfüllendes Programm daraus zusammenzustellen, hatte Ulrich Tukur schon vor geraumer Zeit, schließlich ist er nicht nur als Träger zahlreicher Filmpreise bekannt und beliebt, sondern auch als Sänger, als musikalischer Geschichtenerzähler, sogar als Ehrenpräsident des Chores im toskanischen Städtchen Montepiano. Eigentlich wollte er diese »Lieder einer Nacht« mit seinen eigenen Rhythmus Boys umsetzen, doch schon bald wurde eine umfassendere Angelegenheit daraus: Mit dem Keyboarder Lutz Krajenski, der gerne auch für Roger Cicero arrangiert und dessen Bigband leitet, unterstützt von einem guten Dutzend fabelhafter Musiker stürzte sich Tukur mit fast zwanzig Stücken bewaffnet in dieses Abenteuer. Neben dem Bühnenprogramm, einem »Kaleidoskop nächtlicher Lebensillusionen« in Wort, Tat und Lied, in dem Tukur in Personalunion als Flaneur, Verführer, Spieler, obendrein verrückt, verzweifelt und sehnsüchtig brilliert, erscheint nun dieses wunderbare Album mit seinen persönlichen Lieblingsliedern zur Nacht.

»Ich habe einfach herumgesucht«, meint Ulrich Tukur, nuschelig und nebensächlich, fast so, als hätte er keine 2000 einschlägigen Schellackplatten gesammelt und sich keine enorme Kenntnis der Materie angeeignet. »Die Hauptsache war, dass es Lieder sind, deren Melodien mir gefallen und die auf poetische und schöne Art und Weise mit der Nacht zu tun haben. Und natürlich musste ich sie auch singen können, schließlich habe ich keine große, ausgebildete Stimme. Für Bigband-Nummern ist sie eher ungeeignet, leider, aber die Chansons und Kabarettstückchen aus der ersten Hälfte des letzten Jahrhunderts stehen ihr ganz gut.«

In gewissem Sinne spannt Ulrich Tukur hier außerdem einen Bogen, der weit in die Anfänge seiner darstellerischen Karriere zurückreicht. Natürlich ist seine Geschichte hinlänglich bekannt, aber weil sie so schön ist, hier noch einmal die Kurzfassung: Im Sputnik-Jahr 1957 in Viernheim im Rhein-Neckar-Dreieck geboren, studierte Ulrich Tukur nach dem Highschool-Abschluss in Boston und dem Abitur in der Wedemark zuerst Germanistik, Anglistik und Geschichte. »Die Schauspielerei hat mich nie interessiert«, sagt er. »Ich stamme aus einer sehr bürgerlichen Familie und habe mit sieben Klavierunterricht bekommen, der mich enorm gelangweilt hat - bis ich in einem Geschäft ein Heft mit Boogie-Woogie-Noten geklaut habe. Ich hatte kein Geld, wollte aber unbedingt diese Noten haben. Das gab vielleicht Ärger, als es rauskam, je eine Ohrfeige von meiner Mutter und von der Klavierlehrerin! Später bekam ich dann einen ganzen Stapel alter Schellackplatten von meiner Tante. Mondnacht auf Kuba war meine erste Platte. Meine Schulkameraden hörten die Beatles oder Creedence Clearwater Revival, ich eher Rudy Vallee oder Eric Helgar.« Schon während seines Stu¬diums in Tübingen sang Tukur zu seinem Akkordeon mit einem Freund aus dem Germanistik-Seminar alte deutsche Schlager in der Fußgängerzone. Das Programm, mit dem die beiden auch bei Sparkasseneröffnungen oder Altennachmittagen auftraten, firmierte als »Schleim- und Behelfsjazz. Oft erreicht und nie kopiert: die Floyd Floodlight Foyer Band«. Dass er bald und über zwei einschneidende Begegnungen mit Dominique Horwitz zur Schauspielerei kam, ist sozusagen Geschichte. Dass Ulrich Tukur darüber hinaus auch nach dem Bayerischen Filmpreis, der Goldenen Kamera und seinen Paraderollen in Das Leben der Anderen, Séraphine oder dem Tatort eine ungebrochene Leidenschaft für die Musik verspürt, ist bei Mezzanotte unverkennbar.

»Die neuen Lieder habe ich mir alle beibringen müssen«, gesteht er, »vor allem die französischen wie J‘ai peur de coucher tout seul oder Le Soleil et la lune. Vecchio frack kannte ich früher noch nicht einmal, dabei war es ein großer Erfolg für Domenico Modugno und vielleicht sein beliebtestes Lied in Italien.« Diese dramatische Liedgeschichte um den alten Selbstmörder im Frack gab schließlich den Anstoß zu Mezzanotte und zieht sich wie ein roter Faden durch das dazugehörige Bühnenprogramm. Davon ausgehend ergründet Ulrich Tukur mit seiner charmanten und angenehm patinierten Tenorstimme auch Werner Bochmanns Die kleine Stadt will schlafen geh’n oder den Coco-Schumann-Hit Ausgerechnet heute Abend.

Zu seinen Entdeckungen zählt der Schlager Hörst du das Meer? von Wera und Alexander von Chevtschenko. »Das Stück habe ich zum ersten Mal auf einer alten Schellackplatte gehört«, erzählt der Interpret. »Damals hat es Maria von Schmedes gesungen. Eine wahnsinnige Schnulze über das Meer, die Nacht und den Wind, aber wunderschön.« Auf Mezzanotte findet sich Hörst du das Meer? in einem herzerweichenden Duett mit Margot Hielscher, einer der großen Schauspielerinnen der Ufa, die 1941 an der Seite von Zarah Leander debütierte. »Dieses Stück mit ihr zu singen, war natürlich ein ganz besonderer Moment«, erinnert sich Tukur. »Sie ist inzwischen neunzig und lebt allein in einer Villa in München-Bogen¬hausen. Sie hat für Benny Goodman und Leonard Bernstein gesungen, und auch Erich Kästner soll sich sehr intensiv für sie interessiert haben. Sie singt ihren Part sehr einfach, ganz rührend und total schön.«

Zwischen den attraktiven alten Liedern der Nacht finden sich indes auch zwei nagelneue: Zur schrecklich-schönen Moritat von Willy Williams, die hier als Bonus Track zu hören ist, hat Tukur nicht nur die Musik, sondern auch den Text verfasst, in Anlehnung an Bertolt Brechts Aufarbeitung der Mördergeschichte um Johann Apfelböck und ausgerechnet als Hausarbeit für seine in den USA aufgewachsene Tochter Lili - oder war es deren Schwester Marleen? Die Großstadt träumt, »ein Stück post-expressionistischer Großstadtlyrik in der Tradition von Mascha Kaléko«, stammt textlich von Tukur und musikalisch von Lutz Krajenski. »Herr Lutz, der Orchesterchef, dieser Mann ist nicht nur ein unglaublicher Könner«, schwärmt Tukur, »sondern auch sehr sympathisch und affirmativ. Ganz toll, was der hier arrangiert und komponiert hat.«

Tatsächlich ist Mezzanotte ein Gemeinschaftswerk, bei dem jedoch Ulrich Tukur als Interpret und Impresario ganz deutlich im Vordergrund steht. »Ich bin sehr froh, dass die Idee und die Musik so gut zusammengekommen sind«, sagt der erklärte Nachtmensch. »Auch bin ich wirklich glücklich, dass wir das Ganze in so vielen Sprachen hingekriegt haben. Im Englischen und Deutschen fühle ich mich sehr heimisch, bei den französischen und den italienischen Liedern hört man, dass es ein Deutscher singt. Aber das darf auch so sein.« Er fasst sich ans Kinn, schauspielt den Nachdenklichen, und sagt dann: »Nur leider haben wir das Thema ja nicht ganz durchgehalten: Illusions ist kein Nachtlied. Aber man kann sich ja auch nachts Illusionen machen, die am Tag in Nichts zerfallen. Und überhaupt: Diese tolle Version von Marlene Dietrich, die sie im Film A Foreign Affair von Billy Wilder gesungen hat, findet schließlich in einem Nachtklub statt. Na bitte, passt also doch!« Da lacht er, der singende Schauspieler, zitiert den geliebten Text von Friedrich Hollaender - »want to buy some illusions, slightly used, second-hand?« - und geht ab, in die Nacht.

Götz Bühler

Webseite zu “Mezzanotte einer Nacht” 

„Wir leben in einer Gesellschaft, in der niemand mehr erwachsen werden will.“ (x-beliebiges Kulturmagazin). Mit Recht! Erwachsen sind arabische Erstgeborene nach dem Tod des Vaters oder Gräfin Dönhoff oder Derrick. Das kann ja keiner ernsthaft wollen. Doch seit Krise ist und Sozialabbau „Eigenverantwortung“ heißt, wird das alte Reifeideal wieder stärker verlangt: Die Indierock-Band Kettkar zum Beispiel singt: “Das ist Graceland, Baby. Keiner wird erwachsen. Die kleinen dicken Kinder auf der Suche nach Kuchen.“ Darauf scheint die neue Platte von KATZE zu antworten: „Na und Fuck act your Age! Dafür ist Punk nicht erfunden worden, dass uns Ex- Punkbands annölen, als wären sie ihre eigenen scheiß Eltern.“ Klaus Cornfield ist nicht nur Songwriter, sondern auch Comiczeichner, und auch als Songwriter ist er Comiczeichner.

Die Welt wird Comic, der Comic wird Welt. Er und Minki singen sich als flache und hypersymphatischeCharaktere durch eine Welt, in der Verliebtheit feierlich graphisch wird („Bei dir leuchten Augen“) libidinöse Machtkämpfe in niedlicher Drastik aufgeführt werden („Langsam habe ich es raus, du die Katze ich die Maus (…) Ich bitte dich, töte mich, Schmerzlos umd schnell“) und in der Rebellion, Gewaltverbrechen und eine echt gute Zeit noch selbstverständlich zusammengehören („Wir überfallen Banken / Wir nehmen uns was wir wollen / Wir scheißen auf die Welt und schießen auf die Bullen“). Die Wirklichkeit soll sich was schämen, und ein verantwortungsvoller Umgang mit ihr ist schon rein motorisch nicht möglich: „Bei mir wird immer alles schmutzig, und dann geht es kaputt“ singt Cornfield in dem Lied mit dem vermutlich höchsten Identifikationsfaktor („Bei mir wird immer alles schmutzig“) und das Schöne hierbei ist, dass, was sich zuerst wie eine ohnmächtige Klage anhört, immer mehr Programm wird („wenn andere schlafen wollen, singe ich laut“). Katze treiben den Lollypop-Punk zu wilder Blüte . Alles ist bunt. Alles ist schön. Und Minki ist die die John Zorn des Stylophon. (Jens Friebe)

Im September ist Katze dann endlich auch wieder live zu sehen:

14.09.10  Bremen // MS Treue
15.09.10  Hamburg // Silber
16.09.10  Berlin // Comet
19.09.10  Köln // Underground
20.09.10  Frankfurt // Bett
21.09.10  München // Orange House
22.09.10  Nürnberg // MUZ
23.09.10  Leipzig // Moritzbastei
25.09.10  Gera // Haus der Pioniere
26.09.10  Dresden // Bärenzwinger

Einige Bands bleiben immer bei ihren alten Strickmustern, andere verändern sich von Album zu Album radikal. Vampire Weekend haben bei ihrem zweiten
Album weder das eine noch das andere getan. Oder vielleicht beides: „I think we sound more like Vampire Weekend than we did on the first record“ meint
denn auch Schlagzeuger Christopher Tomson.

Das neue Album sprudelt nur so über vor frischen neuen Ideen die mit einer Wucht präsentiert werden, dass es einem die Sprache verschlägt. „Contra“ präsentiert sich dem Hörer kurz und straff durchkomponiert (10 Titel mit einer Lauflänge von 39 Minuten) mit einer Fülle an eingängigen und funkelnden Songperlen, die sich fast unmerklich mit so schwierigen Themen wie Verlust, Angst und dem Tod auseinandersetzen. Ein gewagtes Unterfangen, doch es kann als gelungen bezeichnet werden: “Contra” landet weltweit ganz vorne in den Hitparaden und konnte im Amerika sogar die Pole Position einnehmen. Vampire Weekend waren damit die erste Band auf einem UK-Indie-Label seit fast zwei Jahrzehnten, die die Nr. 1 der US-Charts enterten.

Drei Jahre später gilt Anna F., der hübsche, schwarze Lockenkopf aus dem kleinen oststeirischen Dorf Friedberg, als Österreichs größte Pop-Hoffnung. Dabei tut das 25-jährige Mädchen mit der Gitarre nichts Anderes, als Geschichten zu erzählen. „Meine Geschichten”, sagt sie.

Etwa die, als Anfang 2009 Marketingverantwortliche einer österreichischen Bank zufällig auf ihre Homepage mit den lustigen Videos stoßen. Für eine TV-Werbung mit dem österreichischen Skistar Hermann Maier wollen sie ihren noch unveröffentlichten Song „Time Stands Still” verwenden. Wenige Monate später wird der Track bei den renommierten „Austrian Music Awards” in der Kategorie „Pop” ausgezeichnet. Darüber hinaus bekommt sie auch den österreichischen Musikpreis „Amadeus” in der Kategorie „Best Pop Artist des Jahres”. Kurz danach nimmt Lenny Kravitz sie gleich als Vorband für seine insgesamt 12 Konzerte umfassende Europatournee mit, als er einen Soundcheck vor Annas Live-Auftritt in Innsbruck mitverfolgt. Ob Vertreter von Major-Labels hinter diesen ganzen Zufälligkeiten einflussreich die Strippen gezogen haben? Die sich in verrauchten Wiener Klubs bei Annas Konzerten die Klinke in die Hand gaben und nach dem Überraschungs-Hit bei „dailymotion” das große Geld witterten? Fehlanzeige! Denn Anna hat schon immer alles gerne selbst in die Hand genommen.

Begonnen hat alles mit dem Kassettenrekorder ihrer Eltern, der nicht nur Annas erste Sprechversuche einfängt, sondern bald auf der Toilette oder im Badezimmer auch als mobiles Musikstudio fungiert. Anna lernt Gitarre, Klavier und Schlagzeug, schreibt Songs und wird irgendwann 15 Jahre alt. Bei einem Konzert mit der Schulband präsentiert sich Anna, die neben ihren größten Idolen Led Zeppelin auch auf Radiohead, John Lennon und Regina Spektor abfährt, erstmals der sehr eingeschränkten Weltöffentlichkeit.

In Graz beginnt sie englische Literatur und Medienwissenschaften zu studieren, und in der heruntergekommenen WG, in der sie mit Freunden wohnt, ist es meist ziemlich kalt. „Die Heizung in der Wohnung ist immer ausgefallen, im Winter ist sogar das Klo eingefroren”, erzählt sie. Doch die Songs, die in diesem Umfeld entstehen, sind alles andere als unter dem Gefrierpunkt, ganz im Gegenteil.

Dennoch treibt Anna, auch aus studentischem Geldmangel, ihre Zweitkarrieren voran. Das Gelegenheitsmodel ist Sportjournalistin beim österreichischen Privatfernsehsender ATV, spezialisiert auf die deutsche Fußballbundesliga.

Erst als Produzent und Schlagzeuger Alex Deutsch, der unter anderem gemeinsam mit dem „Radiofritzen” Ken Jebsen das Festival „berlin meets wien” veranstaltet, in ihr Leben tritt, wird Musik Annas Hauptjob. Mit ihrer Band „Anna F. & Her Ex-Boyfriends” bastelt sie an ihren eigenen, selbst geschriebenen Songs. Bis eben das „erste Mal” auf der Bühne passiert - dem bereits Auftritte im deutschen Radio (Fritz, Sputnik) und im ausverkauften Berliner Admiralspalast bei der „Fritz-Nacht der Talente” folgen sollten.
Mittlerweile ist um Anna F. in Österreich ein regelrechter Hype ausgebrochen. Der auf eigene Faust und auf ihrem eigenen Label veröffentlichten Debüt-CD “For Real” wird nach nur acht Wochen die goldene Schallplatte verliehen, nachdem das Album auf Platz 3 der Charts eingestiegen war und sich 12 Wochen unter den Top 15 hielt. Unterstützung erhält Anna F. von ihrer Band, ihrem kleinen aber feinen Team, allen voran Alex Deutsch und Konrad Sommermeyer, dem Produzent Teddy Kumpel aus Brooklyn und dem Londoner Clive Martin, der das Werk mischte und es im legendären britischen Mastering-Studio „The Exchange” masterte.
Nach einer erfolgreichen Tournee durch Österreichs Klubs stehen nun auch andere Länder, beginnend beim unmittelbaren Nachbarn Deutschland, auf dem Programm. Den Startschuss gibt die neue Single „I Don’t Like You”, die Anna gemeinsam mit Ewald Pfleger, Mastermind der Band Opus („Life is Live”) geschrieben hat. Am 10. September 2010 wird dann Annas Debütalbum „For Real” auch in Deutschland veröffentlicht. Zum internationalen Durchbruch fehlt dann nur noch eines: „Ein bisschen Glück. Aber auf das, konnte ich mich bisher auch immer ganz gut verlassen.”

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The Happy End verbinden den psychedelischen Drogenrausch der frühen 70er Jahre mit der Antihaltung der Punkbewegung.
Mit dem Wissen, dass eine Band nur spannend ist, wenn sie sich noch nicht gefunden hat, haben sich die Musiker auf eine Suche begeben.
Eine Suche die zu keinem Ergebnis führen soll, und die jedes Ziel bewusst umgeht. „Was suchen diese Freaks dann eigentlich?“
wäre dann eine berechtigte Frage, und die Antwort lautet: die suchen einen verdammten Weg.
Ein offenes Konzept mit Fixpunkten. Jedes Mitglied von The Happy End stammt aus edlen Familien der Oberpfalz, und hat sich bereits in Formationen wie Beige GT, Seasidestars, MioMyo und Sexo y Droga gelangweilt, respektive tut das immer noch. Trotz des gemeinsamen Gen-pools manifestieren sich auch die sehr widersprüchlichen Einflüsse des Kollektivs: Eine klar verortete Faszination für simple Popsongs, die pure Verachtung des simplen Popsongs, und auch ein rein theoretisches Interesse am simplen Popsong.
Und daraus gewinnen The Happy End schließlich das zähflüssige Benzin für ihren stinkenden Motor. Obwohl es sich dabei eher um das Triebwerk eines Stealth-Bombers handelt.
Im besten Fall eine millionenteure schwarz glänzende Bedrohung, die sich im Tarnmodus an deine Nation heranschleicht, jede Erwartungshaltung wie ein Radar unterfliegend, um schließlich gnadenlos abzuliefern. Im schlechtesten Fall geriert sich die Gruppe als bekiffte Rockband zwischen JAMC und La Düsseldorf.
Ein Glücksspiel, unken die Einen, Viva la Glücksspiel rufen die Anderen.
The Happy End kitten ihr irrsinniges Gebräu mit einer Wand aus Feedbackorgien, Experimentalelektronik und einem aggressiv melancholischem Gesang zusammen. dabei hagelt es von musikalischen Kreuzbezügen, das einem schwindelig wird.
Pausen werden nicht gemacht, Songs und experimentelle Parts fliessen ineinander, ersticken im Lärm, und süsse Melodien quälen sich an die Oberfläche.
Luftholen: Fehlanzeige!
Die Slogens „Destroy Your Brilliant Carreer“ und „The Happy End is Near“ sind Programm.
So lassen die vereinzelten Konzerte der Verschwörungspraktiker ein gleichermaßen begeistertes und irritiertes Publikum zurück.
die Band selbst sieht sich als Experiment mit ungewissem Ausgang. Mut zum Risiko und zwanghaftes Anderssein tun ihr übriges.
Aufgenommen in einem ehemaligen Fabrikgelände in Ostberlin, wurde das Album binnen einer Woche live eingespielt.
produziert wurde die platte von Ron Schneider (ua. beigeGT, Oh., Raumagent Alpha) und dj B-Funk Tobias Schilly.
Nachdem man festgestellt hatte, dass die Räume noch immer verwanzt waren, beschlossen Band und Produzent die Stücke über jene
Abhörmikrophone aufzunehmen, auf deren intime Nähe bereits die Staatssicherheit schwörte.
So ist „Echoes of Jericho“ auch ein voyeuristischer Einblick in den Klangkosmos von The Happy End.

Die Band hatte ihr Debüt „Echoes of Jericho“ zunächst als T-Shirt mit Downloadcode herausgebracht, erhältlich auf Konzerten und auf ihrer Webseite thehappyendisnear.com.
Jetzt wird das Album regulär veröffentlicht. Das Label Festplatten leitet mit dem Album sein Relaunch ein, nachdem über zwei Jahre keine neue Veröffentlichung erschienen war. Für Festplatten, das bis dato vorwiegend als Elektroniklabel agiert hat, bezeichnet das Album eine musikalische Weiterentwicklung.

„Die Lieder dieser Band werden von so einer Art elektrisieren dem Grundrauschen getragen. Ungefähr so als hätten sie ihren Proberaum in einem Stromkasten eingerichtet. Kann aber auch daran liegen, dass sie aus ihrem Referenzspektrum aus Flaming Lips, Stone Roses, The Verve und Sonic Youth die ganzen unspannenden Anteile herausgefiltert haben. Spannung, du verstehst schon …“ VICE

Weitere Infos:
www.thehappyendisnear.com
www.myspace.com/thehappyend
http://www.facebook.com/pages/The-happy-End/136038821945?ref=ts
Videos:
http://www.vimeo.com/user2467342

Revolver Promotion
Philipp Honold
philipp@revolverpromotion.de
+49-(0)30-627351-75

Distributor: Sony Music Entertainment

Was einen beim ersten Anhören dieser Band auffällt ist eine Sintflut von Gitarren und ein Schwall von Stimmen (solo, im Duett, als Trio, alle zusammen, alle singen) und mit dem Allem erreichen sie einfallsreiche und atemberaubende Melodien. Und das ist sehr schwer, wir reden hier von der Qualität von Nirvanas „Lithium“! Aber damit geben sie sich nicht zufrieden: oft erhebt sich mehr als eine Melodie, mal kommen zwei, manchmal drei Melodien aus einer Kaskade kurzer Strophen die alle in einem tödlichen Refrain münden. Man verliert sich in ersterem und beißt an beim letzteren. Es ist der Beach-Boys-Effekt, zuletzt reaktiviert durch Blur und die Strokes: Minisymphonien so geschmeidig und flüssig, dass sie dich so sehr erschüttern wie sie dich einhüllen. Musikalisches Strandgut von herrlichem, magischem Sound…(François Ducray, Rock-Kritiker)

Die drei Songs auf “Hard To Cry” sind die vielversprechenden Vorboten auf das im Herbst erscheinende Album.

Hier gibt es Einblicke in die Aufnahmesession des Albums: http://www.vimeo.com/9915786

Kontakt: philipp@revolverpromotion.de

Weitere Infos:
http://www.myspace.com/handsbewitched
http://twitter.com/BewitchedHands

Ausgestrahlt wurde der Bericht am Mi, 09.06.2010 ! Nicht zu verachten war auch Sänger Myles Kennedy von Alter Bridge !

Die Drogen
Album: „Jetzt im Handel!”
VÖ: 06.08.2010
Single: „Süchtig nach Dir”
VÖ: 16.07.2010
Label: Sonicsound Music
Vertrieb: Rough Trade

Es tut sich was in der deutschen Szene. Guter Stoff wird mittlerweile zu neunzig Prozent aural konsumiert, und das Zeug zum Reinziehen kommt nicht mehr aus Kolumbien, sondern aus München.

Der Jugendschutz ist alarmiert: was ist passiert? Glaubt man den Gerüchten, ist eine aufstrebende Indiepop-Bande für den neuen Trend verantwortlich. DIE DROGEN erzeugen feinste akustische Substanzen - eine raffinierte Mischung aus DIE ÄRZTE und FRANZ FERDINAND - mit denen sie ihre Junkies in eine euphorische Mitsing-Stimmung dröhnen. Mit Hilfe ihres Junk-Pops dringen sie ungebremst in die Köpfe ein und drehen die Lautstärke auf elf.

Was bleibt einem da anderes übrig, als sich zu 60’s-Twang-Gitarren-Beat-Songs, einer Mischung süchtige Seele aus dem Leib zu pogen? Aus Liebe (oder aus Schuldgefühlen???) zu den angefixten Fans schrieb das Quartett 12 hochgradig addiktive Hymnen, die ihr Debut-Album „Jetzt im Handel!” (Veröffentlichung 6. August 2010) an den Rand der Legalität treiben…

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Ein Mann, eine Gitarre und das Lebensprinzip Rock’n Roll - So könnte man den 19-jährigen Singer/Songwriter Fabian Buch beschreiben, der bei dem WebTV-Format „The Flatstar” mitgemacht hat, der neuen alternativen Castingshow, die auf www.binwach.de und von T-Online ausgestrahlt wurde, und der jetzt als Gewinner der Show hervorgegangen ist.

Zusammen mit fünf anderen Kandidaten hat Fabian vier Wochen lang in einer Musik-WG in Los Angeles gelebt und sowohl die Jury als auch die Zuschauer von Woche zu Woche überzeugt.

Der Gewinner von „The Flatstar” bekommt einen Plattenvertrag und wird bei der diesjährigen VIVA-Comet Verleihung am 21. Mai seinen ersten großen Auftritt haben. Die Single ist für mindestens vier Wochen auf der Playlist beim Trendradiosender bigFM, das Musikvideo läuft auf Powerplayrotation auf VIVA. Danach beginnen die Aufnahmen für das erste Album, das über das Label Unique Army erscheinen wird.

Fabian ist in einer musikalischen Familie aufgewachsen und ist durch und durch Vollblutmusiker. Mit seiner extrem lässigen Art und seinem Musikstil erinnert das junge Talent an Sänger John Mayer. Fabian Buch ist jetzt als Finalist bei „The Flatstar” mit seiner Debütsingle „Hello, Hello” am Start, die er zusammen mit dem US-Produzent J Bynum komponiert hat. Ein Powersong mit Ohrwurmgarantie. Auch VIVA-VJ Collien Fernandes, die die Kandidaten in Los Angeles besucht hat, ist ein großer Fan von Fabian: ,,Eigentlich höre ich nicht so gerne Musik von “Castingprodukten”, aber Fabian ist einfach genial. Als ich zum ersten Mal ‘Hello,Hello’ gehört habe, war ich total umgehauen. Ich glaube Fabian Buch hat wirklich extremes Potenzial und wird Deutschland mit seiner einzigartigen Musik begeistern.”

Die Losung lautete: Ein Ersatz muss her, einer, der die Massen vor den Centerstages begeistern wird. Turbostaat ließen sich nicht zwei Mal Fragen, packen nun kurzfristig die Koffer, schnallen sich die Gitarren um und Klettern hinter des Schlagzeug, um am 3. Juni bei Rock im Park vor Rage Against The Machine zu spielen. Einen Tag später geht es für die Flensburger dann weiter zu Rock am Ring.

Turbostaat präsentieren ihr neues Album „Das Island Manøver“ den ganzen Sommer über auch auf etlichen weiteren Festivals. Auflösung, Abhauen, Flucht, das Ich zermalmt vom Außen: Die Themen des neuen Albums führen alle in die gleiche Richtung. Die Charaktere in den Texten finden mal einen Ausweg, mal auch nicht. Aber immer stehen sie zwischen den Fronten und meistens sich selbst im Weg.

Wie das live auf Open-Air-Bühnen ankommt, kann an folgenden Tagen erlebt werden
03.06.2010 Nürnberg // Rock im Park
04.06.2010 Nürburgring // Rock am Ring
09.06.2010 Köln // Festival Contre Le Raciscme
10.06.2010 Heidelberg // Zum Teufel
11.06.2010 CH-Interlaken // Greenfield Festival
19.06.2010 Neuhausen ob Eck // Southside Festival
20.06.2010 Scheesel // Hurricane Festival
09.07.2010 Rüsselsheim // Phono Pop
17.07.2010 AT-Wiesen // Forestglade
18.07.2010 Ferropolis // Melt! Festival
12.08.2010 Rothenburg o. d. Tauber // Taubertal Festival
13.08.2010 Puttlingen // Rocco Del Schlacko
14.08.2010 Eschwege // Open Flair
27.08.2010 Wiesbaden // Folklore im Garten

Die Herren aus Down Under teilen sich die Bühne unter anderen mit Amy Macdonald, Unheilig, Madsen, Bonaparte und Jennifer Rostock.

Tickets gibt’s u.a. bei. Eventim.

Ab sofort könnt ihr euch den Song “Are You Ready To Live?” aus dem neuen Korn Album “Korn III: Remember Who You Are” (VÖ: Juli 2010) bei Roadrunner gratis als mp3 runterladen!!!
Zum Download hier klicken.

DIE AKTION GILT NUR FÜR 24 STUNDEN!!!

“Du bist Mensch X - Du kannst es sein!”
Sagt NIEMANN mit seiner neuen, am 4.Juni erscheinenden Single “Mensch X” - und jeder darf sich angesprochen fühlen.

Kai Niemann, der jetzt in Leipzig lebende Songwriter, ist also wieder da, und er ist stärker denn je - in Musik und Aussage.

Er hat mit RALF HILDENBEUTEL (u.a. Produzent von Laith Al Deen und zur Zeit mit der Filmmusik von “Vincent will Meer” in aller Munde) und der “Rhythmus-Sektion” des Erfurters CLUESO (auch für das im Herbst 2010 kommende gleichnamige Album “Mensch X”) seine  Wunschpartner auf Produzenten- und Musikerseite zu sich geholt.
Und vor allem steht ein Song, der einen nicht mehr ruhig schlafen lässt und nicht besser in diese Zeit und in diese Welt passen könnte.

NIEMANN ist zurück - ein Songwriter, der (trotz früherer Goldsingle “Im Osten”) erst jetzt dort angekommen ist, wo er eigentlich immer landen wollte: Bei sich selbst und seiner unerschöpflichen Aussagekraft.

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Axl Rose ist eine riesiger Fan der von Danko Jones. Er wünschte sich die kanadischen Rocker ausdrücklich als Support. Das gibt Rückenwind, besonders, wenn man als Band ein neues Album am Start hat.

Nach durchwachsenen Reaktionen auf den Vorgänger scheinen sich auf „Below The Belt“ wieder mehr Fans einigen zu können. Die Band besinnt sich darauf auf ihr Wurzeln zurück und schaltet einen Gang hoch, rockt wieder richtig los, bringt meist zweideutige Songs, vorgetragen mit Augenzwinken und angereichert mit allerlei Rock’n’Roll-Ingredienzien.

Auch die deutschen Fans bestätigen, dass sie ganz verrückt nach Danko Jones und seinen Rocksongs sind. Sänger Danko ziert momentan nicht nur das Cover der Visons. Auch in den Top 30 der deutschen Charts steht sein Name, bzw. der seiner Band: Danko Jones. Mit dem Album „Below The Belt“, bei dessen Lyrics Dankos Mutter sich sicher die Finger in die Ohren steckt, wie der Sänger meint, ist das Trio momentan auf Platz 28 vertreten. Damit ist den Jungs ihre höchste Albumplatzierung in Deutschland gelungen.

Auf zahlreichen Livedaten wird „Below The Belt“ in diesem Sommer noch gefeiert:

12.06.2010 A-Nickeldorf // Novarock Festival
13.06.2010 CH-Interlaken // Greenfield Festival
18.06.2010 Scheeßel // Hurricane Festival
20.06.2010 Neuhausen Ob Eck // Southside Festival
26.06.2010 Münster // Vainstream Festival
03.07.2010 Wiesbaden // Beastfest Festival
04.07.2010 Essen // Devil Side Festival
09.07.2010 St. Wendel // Rock am Bach Festival
17.07.2010 München // Sonnenrot Festival
18.07.2010 Cuxhven // Deichbrand
21.08.2010 Großpößna //Highfield Festival

Auf persönlichen Wunsch von Green Day wurden die DONOTS eingeladen, alle drei Festivalshows in Deutschland zu supporten.
Die Band fühlt sich absolut geehrt und freut sich wie kleine Kinder auf folgende Shows:

30.05.2010 Hannover - Tui Arena

11.06.2010 München - Reitstadion Riem

01.07.2010 Mainz - Messepark

Am letzten Samstag, 08.05. im Rahmen der Willkommen bei Carmen Nebel Show / ZDF wurde für den 12jährigen  JEROME ein Traum wahr ! Er durfte mit seinem Vorbild HANS KLOK vor die Kamera und nach nur 40 Minuten Proben - natürlich hinter der Bühne - konnte JEROME bei den großen Illusionen von HANS KLOK wirklich dabei sein.

Hans Klok war am letzten Samstag der Überraschungsgast bei Carmen Nebel und verzauberte - wie so oft - sein Publikum. Hans Klok wird ab dem 01.12.2010 wieder live auf deutschen Bühnen zu erleben sein.

Im Grunde nur konsequent und trotzdem nicht weniger sensationell ist folgende Mitteilung: 

Um 2 Uhr deutscher Zeit in der Nacht vom 15. auf den 16. Mai wird Youtube weltweit live ein Konzert von The National aus der Brooklyn Academy of Music übertragen! Der Mitschnitt wird anschließend 30 Tage lang online abrufbar bleiben. Mit U2 und Alicia Keys haben bislang lediglich zwei Acts diese Art eines Online-Konzerts gespielt – ein eindrucksvoller Beleg dafür, in wessen Liga The National ab sofort spielen!
Die Aufnahmen zur Show wird Regie-Legende D.A. Pennebaker leiten, der auch einen kurzen Film über die Band gemacht hat, welcher direkt vor dem Konzert ausgestrahlt wird. In seinem mehr als fünfeinhalb Jahrzehnte umfassenden Schaffen hat der 84-jährige Grandseigneur des Musik-Dokumentarfilms u.a. Meilensteile wie Bob Dylans “Don’t Look Back”, David Bowies “Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” und Depeche Modes “101″ gedreht. Auch für Pennebaker ist es der erste Webstream überhaupt.

Der Erlös aus den Ticketverkäufen für die Show direkt an die Red Hot Organization, die sich für den Kampf gegen Aids einsetzt.

Allein die aufgelaufenen Vorbestellungen beim Online-Händler amazon in den letzten Tagen weisen darauf hin, dass dieses Album auch in Deutschland sehr hoch in die Verkaufscharts einsteigen wird.

Die dazugehörige Single “Bloodbuzz Ohio” (im MPN verfügbar) wird zudem diese Woche in die Deutschen Airplaycharts einsteigen.

The National – live
08.05.2010 Berlin // Huxleys
09.05.2010 Berlin // Astra
14.08.2010 Haldern Pop Festival 2010

Außerdem läuft die erste Singleauskopplung “By The Sword” feat. Andrew Stockdale (Wolfmother) ab dem 08.05.2010 auf MTV Overnight !!!!

Die 21-jährige Roxanne Tataei - oder einfach Rox - hat großartigen, mitreißenden Soul im Blut und fügt sich perfekt in das Line-Up des Trendfestivals ein. Gleich mit der ersten Single “My Baby Left Me” hat sich die Halb-Jamaikanerin und Halb-Iranerin aus London energisch Zutritt in die Airplay-Charts verschafft. Ein souliger, packender Ohrwurm, der Lust auf das Debütalbum “Memoirs” macht, das am 4. Juni erscheint. Die kleine, aber toughe Sängerin mit der voluminösen Stimme ist auf dem besten Weg, ein großer Popstar zu werden. “Rox ist ein Powerpaket: Wenn sie loslegt, halt es keinen auf den Sitzen. Musikfans, die ehrlichen modernen Soul wollen, haben mit der talentierten Rox viel Spaß”, sagt Robby Gierer, verantwortlicher Musikredakteur.

Weitere Künstler des SWR3 New Pop Festivals sind Aura Dione, Marina And The Diamonds und Robert Francis. Karten für die Konzerte gibt es ab Dienstag, 06.Juli.

Der Spiegel berichtet über das Projekt BLRNB - NRBLN, welches vom Goethe Institut und den Gebrüder Teichmann ins Leben gerufen wurde.
http://www.spiegel.de/kultur/musik/0,1518,692744,00.html

Weitere Infos zu BLRNB - NRBLN:
http://www.facebook.com/home.php?#!/BLNRB?ref=ts
http://blog.goethe.de/BLNRB/

The Pipettes waren nie eine typische Popband. Als andere Bands gerade Frisch in ihre Röhrenjeans schlüpften, standen die Girls in gepunkteten Kleidern da und brachten eingänige Mitsingsongs, die sich mit viel Popappeal auch Phil Spectors Soundprinzipien verschrieben haben.

Dass sie untypisch agieren, zeigen die letzten Entwicklungen: Die Polka-Dot-Dresses bleiben mittlerweile im Schrank, ein paar Jungs werden als Begleitband aus dem Hintergrund hervorgeholt und auch bei den Mädchen gab es mehrere Besetzungswechsel: RiotBecki und Rosay verließen die Band im April 2008. Auch Ânna MacDonald, die als Ersatz hinzukam, verließ die Band noch im selben Jahr. Letztendlich sind Gwenno Saunders und ihre Schwester die letzten Pipettes, die nun mit einer Bande von Jungs spielen.

Mit “Earth Vs. The Pipettes” haben die Girls im Juni 2010 ein neues Werk am Start. Eiferten sie auf dem letzten Album noch den Popharmonien der Ronettes nach, sind sie jetzt im Discozeitalter angekommen. Studio 54, Larry Levan und Philly Soul beeinflussen nun ihre Musik. Frustration und Traurigkeit in den Texten und klassische Hooklines schaffen dramatischen Pop, die auch nach hunderten Rotationen der Songs nicht nachlässt.

Weitere Infos
www.thepipettes.org
www.myspace.com/thepipettes

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Nach diversen viel beachteten Bandprojekten veröffentlicht Henning Neuser im Sommer 2010 sein erstes Soloalbum „Chamaeleon“.

Produziert hat Henning das Album diesmal mit Florian Bechte (Timid Tiger, The Rain, The Black Sheep, Lingby, etc.) in Köln.

Während einer ausgedehnten Tournee 2009, bei der er erstmals allein mit Gitarre, Stimme und Loopstation überzeugte, hatte Henning viele Möglichkeiten, seinen neuen Stil zu probieren und zu finden:
Melancholischer und zugleich kantiger ist er geworden, was der Titelsong des Albums „Chamäleon“, sowie auch die düstere Ballade „Kein Schritt zurück“ unterstreichen.
In Songs wie „Herzblindherzsturm“ und „Minusliebe“ zeigt der Ausnahmemusiker alle Facetten seines Könnens, seine Songs entführen die Hörer augenblicklich in eine Welt aus wehmütigen Melodien mit sehr persönlichen emotionalen und nachfühlbaren Lyrics und Momenten, durchbrochen von tanzbaren Beats und Gitarrengewittern.
Auch englische Zeilen finden sich erstmals auf einem Neuser-Album, beigesteuert von Nazanin Aghamehdi.

Mit seiner “neuen” alten Rhythmusgruppe Florian Bungardt (Schlagzeug, u.A. Peter
Licht), Jens Bachmann (Bass, u.a. Ex-Angelika Express), präsentiert er nun neue
und alte Songs im klassischen Rock-Trio und das wird mehr als tanzbar!
Des Weiteren wirkten auf dem Album mit: Marcel Römer (Schlagzeug, u.a. Juli),
Patrick Fa (Schlagzeug, u.A. Stefanie Heinzmann), Eva Schilling (Gesang, u.A.
Menagerie), Judith Hess (Posaune, Trompete, u.A. Lingby).

Das Video zur ersten Single „Herzblindherzsturm“ kann man hier bestaunen (die Single erscheint digital am 14.05.10 samt einer exklusiven Akustikversion):
http://www.youtube.com/watch?v=7iyzJZ61jlo

Weitere Infos:
http://www.myspace.com/neuser
http://www.facebook.com/neusermusik
http://www.twitter.com/neusermusik
http://de.wikipedia.org/wiki/Neuser

Wir freuen uns, daß Hans Klok im Dezember 2010 mit neuen Überraschungen und
umwerfenden Illusionen auf die deutschen Bühnen zurückkehrt.

Hier die Daten:

01.12.10 Bielefeld // Stadthalle

02.12.10 Dortmund // Westfalenhalle 2

03.12.10 Niedernhausen // Rhein Main Theater

04.12.10 Heilbronn // Harmonie

05.12.10 Leipzig // Arena

06.12.10 Chemnitz // Stadthalle

07.12.10 Halle / S. // Hänelsaal

08.12.10 Bamberg // JAKO Arena

09.12.10 Dresden // Kulturpalast

10.12.10 Tempodrom // Berlin

11.12.10 Kempten // bigBox

12.12.10 Pforzheim // Stadthalle

13.12.10 Fulda // Esperantohalle

14.12.10 Siegen // Siegerlandhalle

15.12.10 Düsseldorf // Philipshalle

16.12.10 Bremen // Musical Theater

17.12.10 Hamburg CCH I

18.12.10 Braunschweig // Stadthalle

19.12.10 Flensburg // Campushalle

20.12.10 Kiel // Sparkassen Arena

21.12.10 Lübeck // MuK

22.12.10 Rostock // Stadthalle

23.12.10 Kassel // Stadthalle

Außerdem wird Hans Klok am 09.05. zu Gast im ersten ZDF Fernsehgarten des Jahres 2010 sein.

Vertrieb: OUR Distribution

Berlin ist immer gut für Überraschungen. Die Torpedo Boyz – Gewinner des amerikanischen Independent Music Award in der Kategorie „Best Dance/Electronica Album“ für „Cum On Feel the Boyz“ – sind der Beweis.

Im legendären Nachtleben der Hauptstadt, schufen sich die Torpedo Boyz ihre Nische. Mit ihrem neuen Album „Return Of The Ausländers“ zeigen sie, dass sie diese kontinuierlich ausgebaut haben. Doch wir beginnen lieber mit einem Blick zurück.

Im Jahr 2004 schraubten Kentastic – Pop-DJ sowie Kopf einer Indie-Band – und der ehemalige House-DJ Rollin Hand an Beats herum. Plötzliche hatten sie das wilde, eingängige „Gimme a  Bassline!” vor sich. Ursprünglich nur als limitierte 12inch-Single gedacht, machte der Track seine Runden, stieg bis in die Top 5 der deutschen Clubcharts. Bald wollten alle ihr Stück Torpedo Boyz: Der New Yorks Hipster-DJ Ursula 1000 nahm den Track auf seine Compilation. Auch Puma schnappte zu und verwendete ihn für eine TV-Kampagne. Fort Knox Five aus Washington DC baten sogar darum einen Remix anfertigen zu dürfen. Immer mehr Stücke entstanden. Die Boyz kamen in den Flow. Ihr Debüt-Album „Headache Music“ und der Nachfolger „Cum On Feel the Boyz“ folgten. Täglich kamen Booking-Anfragen. Kentastic und Rollin Hand fühlten sich nicht wohl bei dem Gedanken, als gesichtslose Knöpfedreher auf der Bühne zu stehen. Also scharrten sie mit den MCs Returner und Daisuke sowie dem Bassisten Kurtis Bo und dem Drummer Borat eine schlagkräftige Tourband um sich, mit der sie bald rund um den Globus reisten.

Ihre musikalische Expertise, infektiöse Energie und die außergewöhnlichen Outfits halfen dabei, die Torpedo Boyz auf das nächste Level eines weltweiten Indie-Phänomens zu heben. Überall zogen sie das Publikum auf ihre Seite. In den USA genauso wie im kanadischen Whistler, in  Moskau wie im legendären Berliner Tresor-Club. Die Kunde von ihren unglaublichen Live-Shows verbreitete sich schnell, sodass bald Tourneen durch Europa und Asien folgten.

Schon der Titel des dritten Albums „Return Of The Ausländers“ verweist auf den Humor und die allumfassenden Philosophie der Jungs, Texte in Japanisch, Englisch sowie Deutsch zu verfassen. Dabei reißen sie zeitgleich die Grenzen zwischen musikalischen Genres nieder. Unerwartete Sounds sind auf dem Neuling zu entdecken: Etwa das krautrockige Stück „Maschinenwelt” oder „Ich bin Ausländer (leider zu Glück)”, welches der Japaner Daisuke auf Deutsch singt. „Your Input Is Not Correct!“ enthält ein Sample  aus dem automatischen Wecksystem eines Moskauer Hotels, während „Fat Man’s Walk” wie eine Antwort auf Randy Newmans „Short People” wirkt. Auch wenn es den Torpedo Boyz in erster Linie darum geht, tanzbare Tracks abzuliefern, verbirgt sich ihr Sinn für Humor in jedem ihrer Sounds.

„Return Of The Ausländers“ ist die Rückkehr der Torpedo Boyz par excellence: Eine Upbeat-Fun-Eskapade fu?r jede Party, ganz egal ob in Brooklyn, Bristol oder Bitterfeld.

Kaum länger als ein Jahr gibt es das Londoner Quartett Wild Palms. Mit ihrer Debütsingle „Over Time“ und auf ein paar gemeinsamen Shows mit Good Shoes am Ende des Jahres ließ es bereits den Verdacht aufkommen, dass von ihm noch einiges mehr zu hören sein wir. Mit musikalischen Einflüssen, die von Can, Captain Beefheart oder Sonic Youth über TV On The Radio, Neu! und New Order bis hin zu den Talking Heads und noch viel weiter reichen, ist klar, dass dieses Band für 2010 auf dem Radar bleiben sollte.

Kürzlich nahm das Label One Little Indian, auf dem unter anderem auch Official Secrets Act erscheinen, die Londoner Band unter Vertrag. Frisch motiviert waren Wild Palms die Band bereits mit Gareth Jones (Grizzly Bear, Clinic, Interpol, Wire, Depeche Mode) im Studio, um an neuem Material zu arbeiten. Für den Herbst haben sie bereits ein Album angekündigt, dessen Sound Sänger Lou Hill als warm und weit reichend beschreibt.
Die Single „Deep Dive“ liefert bereits einen kleinen Vorgeschmack auf alles, was von Wild Palms noch kommen wird.

Weitere Infos:
http://www.myspace.com/wearewildpalms

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Auf „The Ghost Who Walks“ beweist Karen Elson mit elf eigenen Songs und einem Cover („Lunasa“ von Rachelle Garniez) auf unwiderlegliche Weise, was für eine großartige Künstlerin sie ist. Einige Erfahrungen als Musikerin hat sie zwar bereits vor den Aufnahmen zu ihrem Debütalbum gesammelt und auch das Rampenlicht ist der 1979 im englischen Oldham geborenen Karen alles andere als fremd…

Dass es trotz früher musikalischer Aktivitäten - etwa als Teil der Citizens Band, die sich dem Kampf gegen George Bushs Wiederwahl verschrieben hatte oder durch Samplerbeiträge mit Cat Power - dennoch ein paar Jahre dauerte, bis ihr erstes eigenes Album erscheint, hat vor allem damit zu tun, dass Elson als international gefragtes Topmodel auf den Laufstegen dieser Welt unterwegs war.

Auch eine gewisse Bescheidenheit mag eine Rolle gespielt haben. Denn ihre sehr persönlichen Stücke entstanden heimlich, immer dann, wenn keiner in der Nähe war. Nachdem ihr Ehemann Jack White endlich einige ihrer Songs zu hören bekam, überzeugte er Karen, ins Studio zu gehen und übernahm sofort die Drumparts und die Produktion des Albums.

Heraus kam eine dunkle Melange aus Americana, Sixties-Folk und Country, die laut Karen Elson unter anderem von Nick Caves „Murder Ballads” beeinflusst ist.

Tourdaten

Weitere Infos:
http://www.karenelson.com

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Eines der am sehnlichsten erwarteten Alben dieses Jahres stammt zweifelsohne von den New Yorkern The National. Bei aller Unaufgeregtheit, die die Band stets ausstrahlt und umgibt, hat sie es seit ihrem ersten Album aus dem Jahr 2001 dennoch geschafft, einen stets kaum greifbaren aber mittlerweile dennoch gewaltigen Hype zu verursachen.

Vor allem in der allgegenwärtigen Vorfreude auf ihr fünftes Album „High Violet“ zeichnet sich das Ausmaß dieser Entwicklung ab: Ihre erste bestätige Club-Show im Berliner Astra war innerhalb kürzester Zeit ausverkauft und in den einschlägigen Musikforen werden seit Wochen Tracklist, Cover-Artwork, vorangegangene TV-Auftritte und die voraussichtliche Platzierung des Albums in den Jahres-Polls 2010 diskutiert.

“Bloodbuzz Ohio” ist die erste Singleauskopplung und erscheint gleichzeitig auch als Freedownload. Das anberaumte Konzert in Berlin war so schnell ausverkauft, dass es nun eine kurzerhand eine Zusatzshow anberaumt wurde. Auch diese war in Windeseile ausverkauft. Die Fans scheinen sich einig zu sein: 2010 gehört den US-Amerikanern von The National.

The National – live
08.05.2010 Berlin // Huxleys
09.05.2010 Berlin // Astra
14.08.2010 Haldern Pop Festival

Weitere Infos:
http://www.myspace.com/thenational

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Album: “And You Were A Crow”

VÖ: 08.05.2009

Label: Roadrunner

Vertrieb: Warner

Kommt man an dem Namen Led Zeppelin vorbei, wenn man Rockfans den Sound von The Parlor Mob erklären will? Natürlich nicht.

In den 40 Jahren seit „Led Zeppelin II” haben auch andere, nicht minder großartige Bands das Feuer des bluesigen Rock’n'Roll mit dem Geist ihrer Generation neu entfacht: Deep Purple in den 70ern. Trouble in den 80ern. Blind Melon und Soundgarden in den 90ern. Wolfmother, Kings Of Leon und Black Stone Cherry im noch laufenden Jahrzehnt. 2010 braucht noch ein paar Tage - aber die Fackelträger der wohl kraftstrotzendsten Rock-Tradition stehen seit „And You Were A Crow” bereits fest!

Red Bank, New Jersey, ist kein weißer Fleck auf der Landkarte des Rock’n'Roll. Skid Rows Sebastian Bach und Monster Magnet-Boss Dave Wyndorf haben hier Jahre ihres Lebens verbracht und Bruce Springsteens Heimatstadt Long Branch liegt nur 15 Autominuten entfernt. „Wir kommen aus einer Gegend, die gute Voraussetzungen für eine interessante Rockszene mitbringt”, beschreibt Sänger Mark Melicia den Background von The Parlor Mob.

„Einerseits ist die Ostküste bevölkert genug, um eine Vielfalt von Sounds hervorzubringen. Andererseits bleibt die Szene so überschaubar, dass Konkurrenz unter den Bands sich eher negativ für alle auswirkt. Es wäre ziemlich lächerlich, sich in New Jersey auf Wettstreits zwischen Bands einzulassen. Im Grunde kennen sich alle und es gibt große Wertschätzung für jede Variante von Rockmusik.”

Begonnen haben The Parlor Mob unter dem Namen What About Frank? - mit einem Prog-lastigen Stilmix, von dem man sich nach einiger Zeit musikalisch und ideell verabschieden wollte. Bassist Nick Villapiano: „Das Schöne an der frühen Welle des Hardrock ist doch die Tatsache, dass er einen verdammt intensiv fühlen lässt - warum also Zeit mit verkopften Arrangements und schrägen Skalen verschwenden?” Und doch verzichtet „And You Were A Crow” nicht im Geringsten auf das handwerkliche Know-How, das progressiv denkende Rocker aus ihren Hüten zaubern können.

Hinter den zwölf mystisch-verrauchten Rockepen des Debüts scheint durchweg eine musikalische Güte durch, die ihresgleichen sucht. „Bullet” etwa offenbart erst beim zweiten Hinhören sein etüdenhaftes Riffing und den flächigen Support einer Hammondorgel. Nur ist man zu diesem Zeitpunkt längst den Hooks von Mark Melicia verfallen und ringt noch nach Luft angesichts der supraflüssigen Gitarrenarbeit von Dave Rosen und Paul Ritchie.

„Die meisten von uns hängen seit High School-Zeiten zusammen herum”, erinnert sich Drummer Sam Bey. „Irgendwann versteht man sich halt blind - und das gilt auch auf der Bühne. Der ‚Parlor Mob’ war eine Gangsterbande, die im 19. Jahrhundert ihr Unwesen in New York trieb - zumindest in der Buchversion von ‘Gangs Of New York’ wird sie erwähnt. Weil wir auch immer im Rudel auftreten, lag der Bandname so nahe.”

Ihre Nähe zum Mythos findet sich auch zwischen den Textzeilen. „Die Krähe war ein wiederkehrendes Motiv, das uns beim Songwriting, in Büchern oder leibhaftig in der Natur immer wieder begegnet ist”, erklärt Sänger Mark. „In der Mythologie sind Vögel oft als Botschafter zwischen Menschen und Göttern beschrieben worden. Viele alte Kulturen haben den Flug der Vögel als Orakelsystem benutzt, um wichtige Entscheidungen zu treffen. Die Krähe wird im Zusammenhang mit Kriegergeschichten als Überbringer des Todes dargestellt, der die Seele in den Himmel trägt uns als Lohn den Körper bekommt. Es gibt aber auch andere, positivere Deutungen. Das allein bietet Stoff, über den man tagelang nachdenken könnte.”

“And You Were a Crow” wurde im Herbst 2007 produziert von Jacquire King (Tom Waits, Kings of Leon, Modest Mouse). ”

Jacquire ist in dieser Zeit wie ein sechstes Familienmitglied geworden”, erzählt die Band unisono. “Trotz seiner verantwortungsvollen Rolle hat er sich emotional genau auf den Vibe eingelassen, den wir mit dem Album transportieren wollten: rauer Rock’n'Roll in einem zeitgemäßen Soundformat.”

Kommt man an dem Namen Led Zeppelin vorbei, wenn man Rockfans den Sound von The Parlor Mob erklären will? Natürlich nicht. Aber damit wäre lediglich ein Anfang gemacht.

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Album: „Bears, Mayors, Scraps & Bones”

VÖ: 23.04.2010

Label: Roadrunner

Vertrieb: Warner

Sie haben einen zornigen Hardcore-Giganten erschaffen und einen huldvollen Zerstörer aus Metal auferstehen lassen, doch als wäre das nicht genug, lassen die Cancer Bats 2010 ihrer Zerstörungswut erneut freien Lauf. Brutaler und zerstörerischer als je zuvor. Bears, Mayors, Scraps & Bones wird die Welt noch ein Stück düsterer und barbarischer machen.

Der Albumtitel entstammt den Spitznamen der vier Bats - Drummer Mike Peters, Gitarrist Scott Middleton, Sänger Liam Cormier, und Bassist Jaye Schwarzer. Diese verbale Verbindung deutet auf Tieferes hin: diese Platte repräsentiert die volle Entfaltung des ursprünglichen Sounds der Band. Das 2006er Birthing The Giant und das 2008er Hail Destroyer schrieben die Bats als Trio und bedienten sich eines Livebasstisten für ihre Konzerte. Im Vergleich dazu präsentiert sich die Cancer Bats Maschinerie nun als eine starke und untrennbare Einheit.

Das soll in keinem Falle heißen, dass ihre früheren Alben eine schwammige Darstellung der Bats waren, wie jeder, der sein Blut, seinen Schweiß, oder sein Bier mit den Bats geteilt hat, bestätigen wird.

Hail Destroyer war das Album, das der Band geholfen hat zu sich selbst zu finden, und wie Cormier erklärt, ausschlaggebend für die Weiterentwicklung der Band war. „We’re really happy with what we did there,” teilt er mit, „and used it as a blueprint for what was next.”

Was dann folgte, war die Aufstellung eines Lineups. Gemeinsam wurde ein Album produziert, das genau das repräsentiert, was die Cancer Bats am besten können: „This record is truly the four of us, and we’re totally fucking stoked on it - top to bottom.”

Wie seine beiden Vorgänger, entstammt Bears, Mayors, Scraps & Bones den renommierten Vespa Studios in Toronto. Während das Duo Kenny Luong und Eric Ratz alle drei Alben aufgenommen hat, haben die beiden zum ersten Mal bei Hail Destroyer ihr Können als Produzenten unter Beweis gestellt.

Das Paar - equivalent zur Metamorphose der Bats - hat sich seitdem zu einer eingespielten Einheit entwickelt, so dass beide Parteien zuversichtlich ihr neuestes Werk veröffentlichen, das den Höhepunkt ihrer bisherigen Zusammenarbeit darstellt.

Das Album zeigt einen unerwartet harten Cut in der musikalischen Linie der Band - eine straffe Rhythmusabteilung, einen rauen, zähnefletschenden Gitarrensound, und eine stimmliche Performance, die Leadsänger Liam Cormiers wahre Leidenschaft zur Musik zum Ausdruck bringt.

„This is definitely the best representation of our live sound,” sagt Cormiers stolz, mit der Anmerkung, dass die Platte von den zahlreichen Vorproduktionen und den damit einhergehenden stetigen Verfeinerungen jedes noch so kleinen Details, enorm profitiert hat.

„We made sure that all of the parts were properly fused together, and that every small section was the way it should be.”

Dies wird mehr als deutlich bei Tracks wie „Dead Wrong”, mit einer radikalen Brutalität und einer gesangstechnischen Performance, die unter die Haut geht.

Auch die erprobte „Scared To Death”, mit einem schmutzigen, treibenden Drum-Beat und einer dominiereden Dynamik, bahnt sich ihren Weg aus den Lautsprechern und zwingt jedes Individuum in Hörweite zum Headbangen.

Abgesehen vom musikalischen Einschlag, haben es die Bats immer noch nicht verlernt, die Fans mit ihren Lyrics zu begeistern. Diese Platte zeigt die Bats auf ihrem Höhepunkte, mit jeder Menge Biss und Feuer.

„We just wanted to spice up our set list last summer, but the cover kept going down so well that we thought, ‘Maybe we should record this…’”, erzählt Cormier über den auf dem Album enthaltenenen Beastie Boys Klassier ‘Sabotage’. „The recording went so well that we thought we’d shoot a video for it. That went so well that someone suggested we put it on the record”, und nur einen Wimpernschlag später, war die Sache erledigt.

Der Track ist genauso ein musikalisches Bonbon, wie damals auf dem Beastie Boys Album Ill Communication, doch dank des Bats-Zaubers ist der Song noch ein Nummer lauter und bestialischer.

„Auflodernd” ist wohl der Begriff, der die aktuelle Genese der Cancer Bats am zutreffendsten beschreibt. Seit Hail Destroyer haben sie die Seiten unzähliger Top-Magazine geziert, darunter Kerrang!, Alternative Press, NME, und Exclaim!. Auf ihrem musikalischen Streifzug eroberten sie die Bühnen des SXSW, Taste Of Chaos, Download Festival, Edgefest, Leeds, sowie des Reading, und konnten sich neben Schwergewichtern wie Rise Against, Billy Talent, Alexisonfire, Bring Me The Horizon, und Bullet For My Valentine behaupten. Und dennoch ist es - damals wie heute - das größte Anliegen der Band, ihre Musik mit Menschen zu teilen, die sich dafür begeistern.

„I’d just love for everyone to be able to hear this thing,” äußert sich Cormier über die neuste Schöpfung der Band. DAS sind die Cancer Bats, ungeschminkt und authentisch. Somit sieht Cormier die Platte, trotz Veränderung, nicht als Versuch, neue Fans für die dunkle Seite zu gewinnen „If you hate our band, you’ll hate this record.”

Ausgehungerte Bats Fans werden jedoch voll auf ihre Kosten kommen!!

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Auf ihrer gerade abgeschlossenen Tournee - ausverkaufte Häuser allerorten - haben sie mit ihrem einzigartigen, wahrhaftigen Soul & Funk Europa erobert. Derzeit sitzt das neunköpfige Kollektiv aus Brooklyn aufgrund des anhaltenden Flugverbots noch in London fest.

Der 1975, in der Nähe von Frankfurt am Main, geborene Gitarrist und Sänger tschechischer Abstammung, hat sein Handwerk von der Pike auf gelernt. Als Teenager begann Robert Carl Blank, ausgestattet mit einem Drum-Computer und einem alten Kassettenrekorder, erste eigene Playbacks zu erstellen. Mit 16 übte er sich als musikalischer Direktor bei diversen Bandprojekten und bewies Feingefühl beim Arrangement sowie bei der Interpretation selbst geschriebener Songs. Wenig später, emotional stark von der Musik Frank Zappa’s beeindruckt, experimentierte der eifrige junge Künstler dann (inzwischen im eigenem Homestudio) mit digitalen Soundquellen und schrieb in dieser Zeit auch schon seine ersten, komplett fertig arrangierten Songs.

Nach einem Auslandsjahr in England wirkte Robert Carl Blank ab 1996 in den unterschiedlichsten Rock- und Pop-Bands des Rhein-Main-Gebietes mit. Robert war bei diesen Bands stets mehr als nur Gitarrist und Background Sänger, wirkte oft mehr als kreatives Element – vom Impulsgeber bis grundlegend richtungs-weisend. Viel Aufnahme- und Arrangenmenter-fahrung konnte er in dieser Zeit außerdem als Sessiongitarrist bei diver-sen Pop-Produktionen sammeln. Als Gründungsmitglied der Band Boxer komponierte er für die Gruppe ab 1998 vermehrt eigenes Material aus den Bereichen R’n’B, Soul und Pop. Auf dem, von Edo Zanki produzierten Debütalbum „Stick Together”, lieferte der, inzwischen schon versierte Songschreiber, sechs von den insgesamt zwölf Eigenkompositionen der Band, die unter anderem als Opener für internationale Stars wie Elton John, Whitney Houston und Eros Ramazotti gastierte.

Seine tiefen musikalischen Weichenstellungen erhielt Blank allerdings nicht in Deutschland, sondern in den USA. Nach einem Praktikum in Chicago begleitete er Alt-Bluesmeister Carl Weathersby sechs Wochen lang auf dessen Tour als Gitarrist. Weathersby inspirierte Robert sofort, unter anderem auf Grund seiner Lebensphilosophie „It’s all about how many bars you can swing!“, als einfache Antwort auf die von Robert ernstgemeinte Frage zu Weathersby’s Lebenszielen. Dieses doppeldeutige Credo (bars = Kneipen oder eben auch Takte) ergänzte andere Leitideen, wie „Since you only got one life you might as well have a good one.“ Robert Carl Blank ließ sich von der Schönheit dieser Konzepte leiten und fand viele weitere musikalische Einflussquellen, die eine ähnlich positive Grundstimmung nach außen tragen. Keb Mo, B.B. King, Marc Cohn, Eva Cassidy, Bernard Fanning (Powderfinger), Neil Finn (Crowded House), John Mayer, G. Love & Special Sauce oder The Getaway People gehören allesamt zu Roberts Einflussquellen. Er sagt: „Mir gefällt die sehr humanistische Grundhaltung dieser doch musikalisch sehr unterschiedlichen Künstler und die Tatsache, dass sie die Musik im weitesten Sinne als übergeordnetes spirituelles Zuhause, als Heilmittel und Erzähler, als guten Freund und Lebensbegleiter und - ebenso wichtig - als Spaßquelle in sich tragen. Dieses Lebensgefühl erschien mir völlig logisch und natürlich, da ich diese Empfindungen ebenso intensiv in mir trage.“

Nach Beendigung seines Studiums der Politikwissenschaften und Amerikanistik an der Uni Frankfurt, verbrachte Robert knapp anderthalb Jahre in Australien, wo seine musikalischen Fähigkeiten erstmals auf eine harte Probe gestellt wurden und wo er zum ersten Mal zeigen musste, dass er sich als Solo-Künstler auch international Gehör verschaffen konnte. Vom Teamplayer in einer Band zum One-Man-Act mit akustischer Gitarre - Blank lernte energisch und durstig und entwickelte sich schnell zu einem charismatischen Sänger und Performer mit einer ganz eigenen Note.

Aus Australien zurück gekehrt, setzte er nun auch im heimischen Deutschland die Schritte zur vollständigen Singer/Songwriter-Karriere fort und veröffentlichte im September 2003 sein erstes Solo-Album „Steps“. Es gelang ihm in diesem Jahr auch der Sprung ins Finale beim „PRINZ Talentwettbewerb“ (Kategorie Gesang), gefolgt vom ersten Platz beim „Festival der Straßenkünste“ (Kategorie Solo Act). Trotz seiner Solo-Ambitionen gründete Robert erneut eine eigene Band. „Blank“ veröffentlichten in den Jahren 2005 bis 2007 insgesamt drei EPs, bevor sich ihr Namensgeber dazu entschloss, endgültig seinen Einzelaktivitäten zu frönen.

Mit „analoghaus” als neues Label im Rücken und dem Album „Soul Circus“, lieferte Robert Carl Blank dann in 2008 eine wahre Weltenbummler-CD ab, die von Medien und Fans begeistere Kritiken ernten konnte. Gefühlvolle Kompositionen, die sich irgendwo zwischen Damian Rice, Pete Yorn und Ryan Adams bewegten. Mit analoghaus-Chef und Produzent Tom Ripphahn nahm er größtenteils live und, wie der Name des Labels schon sagt, analog und ohne digitale Hilfsmittel und reißerische Effekte auf.

Und jetzt der nächste Schritt, das nächste Album – „Last Time I Saw Dave”. Der warme, analoge Sound des Vorgänger-albums wurde beibehalten, die Kompo-sitionen hingegen sind ausgeklügelter und zeugen von der steten Weiterentwicklung eines Künstlers, der sich erfrischend vom allgemein einheitlichen Plastik-Retorten-Singer-Songwriter-Pop absetzt. Nach Mastering-Koryphäe Greg Calbi (Sterling Sound NYC), der bei „Soul Circus” für den finalen Schliff zuständig war, betätigte dieses Mal Fred Kevorkian (u.a. John Mayer) in den New Yorker Avatar Studios die letzten Reglereinstellungen. Neben der obligatorischen CD-Version mit 11 Titeln und einem „hidden Track” gibt es das Album auch als exklusives Doppel-Vinyl mit Bonusmaterial in Form von drei weiteren Songs.

Auch live überzeugt Robert Carl Blank weiterhin, bei mehr als 200 Auftritten pro Jahr, durch absolute Authentizität und seine beeindruckende Fähigkeit, das Publikum bei jedem seiner Konzerte mitzunehmen auf eine musikalische Reise um die Welt. Seine Leidenschaft für die Musik erzeugt ein Gefühl von Leichtigkeit und Lebensfreude, und die Geschichten zwischen den Songs, die Robert immer ein bißchen augenzwinkernd erzählt, machen seine Konzerte so besonders. Und ein bißchen von der Weite und des Fernwehs begleiten uns danach mit nach Hause.

Manchmal laufen Prozesse unendlich langsam an. Und plötzlich entwickeln sie eine unaufhaltsame Rasanz. So geschehen bei Anthony Rothers jüngster Albumproduktion mit dem „Titel Popkiller 2“. Dabei betraf die zeitverschlingende Phase noch nicht einmal dem musikalischen Schöpfungsprozess. Vielmehr hatte sich Rother in der Vergangenheit intensiv verlegt auf die Förderung neuer Künstler und administrativer Labelarbeit. Und darüber fast schon vergessen, worum es eigentlich geht: Anthony Rother als frei arbeitenden Künstler

Anfang des Jahres hat er sich auch von den letzten Resten bestehender Zwänge befreit, seine Website neu gestaltet und auch Datapunk wieder zum Outlet ausschließlich eigenen Materials gemacht. Wohin die musikalische Reise künftig wieder gehen könnte, verriet der Track „Big Boys“ (DTP LTD. 11), welcher bereits im Frühjahr 2009 ohne Promotion-Anschub veröffentlicht wurde und auf dem neuen Album Titel Fünf markiert  Denn da war er wieder: Jener Sägezahn-rockige Electro-Style, der schon 2004 als „Popkiller“-Sound die Welten Pop und Club auf innovative Weise verband. Als zu Beginn 2010 das soeben ausgekoppelte „Disco Light“ (DTP LTD. 12) entstand, hatte der Hesse endgültig kreatives Blut geleckt und den jetzigen Longplayer innerhalb weniger Wochen fertig gestellt. Durchaus lange hat er noch mit sich gerungen, ob er es wirklich „Popkiller 2“ nennen sollte. Denn kaum zu erfüllen schien die Erwartung der Zuhörerschaft. Und doch hat er es irgendwie geschafft, mit den insgesamt zehn Titeln nicht nur an den „Popkiller“-Geist anzuknüpfen, sondern diesem völlig neues Leben einzuhauchen.

So ist bereits das Intro „Night“ ein Verweis und bildet zugleich den Kontrapunkt zum Popkiller-Vorläufer „DAY“. Ebenso spiegeln Instrumentals wie „Cinema“, „Skyline“ oder „Gates“ Rothers musikalische Möglichkeiten von Sci-Fi-filmisch bis Techno-abstrakt ungewöhnlich facettenreich wider. Was „Popkiller 2“ jedoch erneut zur Besonderheit im Undergroundkosmos, sind Vocal-zentrierte Themen wie „Rotation“, „Mother“ (als Komplementär zum Popkiller-Hit „Father“) oder das dramatische „Grab Your Life“. Praktisch Vocoder-ungefiltert geht Rother stimmlich einmal mehr aufs Ganze und überzeugt mit melodischen Tracks voller Emotionen, rauer Schönheit und Freisetzung unbändiger Energie.

Wieder völlig selbstbestimmt und künstlerisch konzentriert werden wir mit „Popkiller 2“ Ohrenzeuge eines Anthony Rother, der endlich wieder wie entfesselt produziert. Zwar schien der Weg dorthin zunächst schier unendlich lang. Doch führte dieser Prozess auch zu einem entscheidenden Erkenntnisgewinn. Und zwar, sich seiner Stärken zu besinnen und Ungeliebtes kategorisch auszuklammern. Denn dann erfährt plötzlich alles wieder eine unglaubliche Rasanz.

BIOGRAPHIE

Anthony Rother zählt seit seinen ersten Veröffentlichungen„Sex With The Machines“ (1997) und „Simulationszeitalter“ (2000) zu den deutschen Pionieren einer neuen Electro-Generation. 1998 gründete er seine Labelplattform „Psi49Net“ und wurde u.a. mit dem virtuellen Electro-Pop-Projekt „Little Computer People“ (2001) sowie dem Album „Hacker“ (2002) endgültig zur Institution. 2004 löste Rother „Psi49Net“ durch das Imprint „Datapunk“ als Signal klanglicher und thematischer Neuausrichtung ab. Der Longplayer „Popkiller“ stürmte die Charts, gefolgt von „Super Space Model“ (2006) als Meisterstück klanglicher Essenzierung.

In Abgrenzung zum Hype „Elektro“ forscht Rother seit 2007 unter dem Begriff  „Moderntronic“ an einer eigenen Symbiose aus Electro und Techno. Mit „My Name Is Beuys Von Telekraft“ resultierte daraus Anthony´s erstes, voll digital produziertes Album. Parallel dazu treibt er seine Hardware-basierten Live-Aktivitäten voran. Anthony Rother präsentiert sich seinem Publikum nach wie vor auch live mit seinem Echtzeit-bedientem Maschinenpark. Auftritte auf allen namhaften Events weltweit machen ihn zu einem der wenigen Live-Mythen unserer Zeit.

Schon früh konnte sich Rother ebenso als Co-Produzent und Remixer etablieren. Erfolgreiche Beispiele sind seine Zusammenarbeit mit der Frankfurter DJ-Ikone Sven Väth (u.a. Alben “Contact“, “Fire“) oder dem Ex-Kraftwerk-Mitglied Karl Bartos. Eine langjährige Produktionspartnerschaft verbindet ihn zudem mit dem Münchner Star-DJ Hell und Ergebnissen wie der LP „Teufelswerk“ (2009). Remix-Arbeiten für wichtige Künstler wie Nena, Tiefschwarz, Ellen Alien, Thomas Schumacher oder AUX-88 unterstreichen Anthony Rothers heutigen Ausnahmestatus deutlich.

Anthony’s VideoPodcast

www.anthony-rother.com, www.myspace.com/anthonyrother, www.datapunk.de

Zuvor hat die Truppe noch einen TV-Auftritt beim ZDF Morgenmagazin. Dieser findet am 23.April statt.

Endlich ist es besiegelt! Endlich dürfen wir darüber sprechen!!

Sebastian Hämers Song: „Wir glauben an Euch” wird der offizielle und exklusive WM Song von DFB und Mercedes Benz zur Kampagne DER VIERTE STERN FÜR DEUTSCHLAND.

http://www.der-vierte-stern-fuer-deutschland.de/

Vor einigen Wochen erst wurde die Kampagne gestartet und bereits jetzt, bevor die eigentlichen Pressemeldungen den offiziellen und grossen Startschuss verkünden werden, haben sich knapp 18.000 Fussballfans in die Unterstützerliste eingetragen.

Am Ende werden es sicherlich mehr als 180.000 sein, die zusammen mit Sebastian Hämer die Deutsche Nationalmannschaft zum Sieg in Südafrika antreiben wollen.

Ein erster Trailer zur Kampagne wurde bereits vorgestellt und in Bälde dürfen wir uns auch über ein komplettes Fussballvideo mit dem Song „Wir glauben an Euch” freuen!

http://www.der-vierte-stern-fuer-deutschland.de/#/wmsong

Darüber hinaus erwarten uns Gewinnspiele und Auftritte sowie Presse-Kampagnen bei denen Sebastian Hämer immer wieder im Umfeld der Deutschen Nationalmannschaft auftreten wird!

Wir halten Euch über die weitere Entwicklung auf dem Laufenden!

Album: Pictures Never Stop

VÖ: 19.02.2010

Label: Staatsakt

Vertrieb: Rough Trade

Ein funkelnder Lotse in der ideologischen Kernschmelze unserer Tage

Die Gentlemen der englischsprachigen Kunstschreibe Jan Verwoert und Jörg Heiser (frieze, afterall etc.) und ihre Third-Order Postpostpoppunk-Gruppe, erweitert um den tschechischen Sinuswellenguru Reznicek (Nova Huta/Groenland Orchester) an Klangerzeugern sowie den halbargentinischen Genfer Ex-Tennisprofi und Pianovirtuosen Thomas Hug am 11-Finger-Klavier. Zusammengehalten wird das heterogene Charakterkonglomerat durch das bosnische Herz, den Balkanfilm-Impresario Jons Vukorep am Adrenalinschlagzeug. Nach zwei Jahren zwischen Transitproberäumen und Karaokeparties heißt es jetzt:

Bitte quer nach vorne raus, Dunkeltanzen war gestern!

Kunstschwärmer stellen sich der Popkritik im Postpopwunderland!

Die Debütplatte im Glanz einer neuen Unverfrorenheit des Umgangs mit Sprachen, Barrieren, atomisierten Stilpartikeln, melodietrunkenem Glück und rhythmischem Kick, Songs, die leuchten. Tunes, Rhythmen, Reime über Stimmungen und Tatsachen. Elf Songs über Illusionen/Anti-Illusionen, Verzauberungen/Entzauberungen - Pictures Never Stop eben. Nennen wir es Popkubismus? Man weiß es nicht. Hoffnungslos wohlgemut, schamlos betrübt und in jedem Fall vorlaut. Der englische Kritiker Dan Fox sagt sie klingen - Achtung Referenzkürzel - wie eine Mischung aus Devo und Belle & Sebastian (während Labelchef Maurice Summen von hinten “F.S.K.” ruft).

Produziert von Thies Mynther (Stella, Phantom/Ghost, Superpunk, Das Bierbeben), aufgenommen und gemischt mit Johann Scheerer im Cloudshill Recordings, Hamburg.

Was bei diesem Hexengebräu herauskommt, kann und will nicht auf den einen Begriff gebracht werden. Die hybride Unreinheit hat Methode und führt doch zu seltsam klaren Pop-Ergebnissen. Vielleicht lässt sich das am besten am Beispiel der elf Songs auf „Pictures Never Stop” aufschlüsseln, im Stil des schönen altmodischen Genres der Linernotes von Unterhaltungsplatten:

1. Information Man erzählt die Geschichte einer Begegnung mit einem Herren im strengen Anzug, der behauptet, alles über Deine Zukunft zu wissen. Stell dir einen jungen Mormonen vor, der für die Stasi arbeitet. Die Idee eines „Information Man” stammt von Ed Ruscha, der in den Sechzigern damit ins Gespräch kam, dass er Swimming Pools und jedes Haus am Sunset Strip fotografierte. Kalifornische Leichtigkeit schleicht sich soulful an.

2. You Were Imagining Things ist kosmisch verstrahlter Discoshit, den eine Person singt, die nicht lieben will, wenn sie Liebe macht und sich und alles danach vergisst. Automatische Lust; you got it all wrong, oder auch nicht, aber wer könnte das schon sagen. Es gibt keine Zeugen. Nur Schmerz und viele Worte.

3. Dare To Be Loved ist eine irdisch verbrannte Vitalpop-Hymne, bei der einen Arsch im Stock haben muss, wer sitzen bleibt. Viele Ängste können Dich quälen. Eine der schlimmsten ist die davor, dass jemand kommt und Dich liebt. Dann gibt es kein Entrinnen mehr. Was tust Du? Sag es mir. Jetzt.

4. Fred, So Einfach Ist Es Nicht: das getriebene Lied von den Eisbergen, die in den Bug einbrechen. Passagiere der Titanic: Nennen wir ihn Fred, nennen wir sie Claire, Yogakurs und Wut: was machen, wenn sie noch viel vorhaben und all das wollen, was alle von ihnen wollen? Was tun mit dem Überdruck? Umwandeln in Gegenenergie (Frühachtziger-Düsseldorf? Spätsechziger-Memphis?), wie es im Traum von einer anderen Musik gelingt.

5. The Lady Gets Around könnte während einer Nacht in Warschau, Sheffield oder Mainhattan spielen, wenn die Handys klingeln und die Ruinen der Moderne im Scheinwerferlicht aufscheinen. Ein Nachtzug fährt vorbei und flötet die synthetische Ohrwurmmelodie. Pictures Never Stop, denn, wenn es um sie geht (und das tut es eigentlich immer) läuft die Kamera, ob’s Dir gefällt oder nicht.

6. Cronenberg: schon wieder Filmbilder. Diesmal David Cronenbergs „It Came from Within” - Sexbesessene in der Seniorenresidenz - gekreuzt mit Orson Welles und Peter Lorre auf der Flucht. Manchmal fragt man wirklich nach dem Sinn des Lebens, Antwort kommt mit Zombiestimme aus der Leere, alles ist vergebens. Warum dann so episch beschwingt? Weil: Sing es still, yes it’s true, I’m so in love with you.

7. Für den Moment handelt von den Momenten, in denen eine Welt untergeht und eine neue entsteht. Der Kopf wird schwer wie von Opium, doch die am Himmel aufglimmenden Umlaufbahnen von Rhodes-Piano und Pro-One-Tongenerator reißen aus der Paralyse. Gefangenheit und Befreiung zugleich.

8. Jealousy. Wer hätte gedacht, dass man dem antiken Thema Eifersucht noch einmal einen so klaren, genauen Song abringen könnte. Niedertracht in Binnenreimen. Jealous Guy auf Speed. Man beachte den wie ein Popcorn-Tennisball durch die Manege hüpfenden Synthesizer. Und Harmonie singen La Stampa auch gut und gerne. Wohl bekomm’s. Cheers. Alles Gute noch Euch beiden.

9. Beautiful Person klingt wie ein Science-Fiction-Western, bei dem der Showdown im Kompliment gipfelt: was für ein wunderbar unerträgliches Geschöpf du bist. Joy Division in Unterwäsche, Radiohead ohne Überlänge.

10. Tall Order macht kurz vor Schluss nochmal Druck, da muss noch was geklärt werden über hohe Ansprüche, tiefe Bässe und den Überdruss angesichts einträglicher Angebote. Mark E. Smith im Boogie Wonderland? Highheels klackern jedenfalls am frühen Morgen durch`s Bild, dabei hüftenwackelnd wie John Wayne. Ein hymnischer Refrain benennt das Problem, bei Licht zu schlafen.

11. Es Geht Weiter beschließt den Reigen, eine Ballade vom Leben in den Widersprüchen der großstädtischen Gegenwart, mit Nachbarn die Pogo heißen und Schülern, die auf  Straßenbahnen warten. Symphonischer Schmelz legt sich wie eine glitzernde Eiskruste über die verfahrenen Verhältnisse. Es geht weiter, fragt sich nur für wen, mit wem.

Dieses brillante Album wird bei allen Altersgruppen beliebt sein und wurde speziell dafür konzipiert, den größtmöglichen kosmopolitischen Appeal vorzutäuschen. Ein funkelnder Lotse in der ideologischen Kernschmelze unserer Tage. Mit seiner so aufwühlenden wie intimen Atmosphäre eignet es sich besonders für tanzende Tischgesellschaften und lauschige Streitgespräche zu vorgerückter Stunde. Zuweilen so vorgerückt, dass man den Begriff der Morgengymnastik ins Spiel bringen könnte.

Good night and good luck…

Album: Hybrid
VÖ: 11.06.2010
Label: Stoff Records
Vertrieb: Groove Attack

Demnächst kann der Lautstärkeregler mit gutem Gewissen nach oben geschoben werden: MAdoppelT veröffentlicht seinen 13 Tracks starken Longplayer “Hybrid”. Nach “Null Uhr” (2004) und “Plan Leben” (2006), die jeweils positive Kritiken en masse einfahren konnten - von “einer außergewöhnlichen Stimme und einem nahe an der Perfektion liegenden Flow” (laut.de) war ebenso die Rede wie von einem “großartigen Gegengewicht zu den Zuständen in Rap-Deutschland” (Juice) -, ist “Hybrid” das dritte Album des Wiener Rappers.

Der “Hybrid” vereint die Fähigkeiten zweier Produzenten unterschiedlichsten Stils: auf der einen Seite Branko Jordanovic, kurz Brenk, der für einen drückenden Heavyweight-Sound steht und direkt zum Punkt kommt, auf der anderen Seite der ebenfalls aus Wien stammende Santo, der einen filigraneren Ansatz und aufwendigere Arrangements pflegt. War der Sound auf “Plan Leben” noch stark unter dem Einfluss des Souls gestanden, deckt das jetzige Album das breitgefächerte musikalische Spektrum des Protagonisten vollständig ab, “Hybrid” polarisiert und schlägt in die Extreme.

Auf die branchenüblichen Rap-Features wird auch auf “Hybrid” verzichtet, neben dem auf drei Tracks vertretenem Lukas Hillebrand von Tyler, kommen aber auch Soulsängerin Juci Janoska und der österreichische Reggae-Artist Thai Stylee zu gesanglichem Einsatz.

Auf eine Stilrichtung festlegen will sich MAdoppelT weiterhin nicht, vielmehr ist ihm die Etablierung der musikalischen Vielfalt innerhalb seiner Alben ein Anliegen, durch die Kombination verschiedenster Einflüsse entstehen neue positive Eigenschaften und Merkmale, so entsteht ein Hybrid…

http://www.madoppelt.com/

In Kooperation mit der Download-Plattform www.zero-inch.com veröffentlichen Mediengruppe Telekommander exklusiv das neue, grossartige Video von Ian Ritterskamp/Sébastien Wolf für “Es gibt immer was zu tun” als limitiertes T-Shirt inklusive Download-Code für Video + mp3. Ab sofort im Webshop der Band erhältlich!

Nicht nur die Musikfans, auch die Kulturjournalisten sind begeistert: Die Beilage des SPIEGELs, der Kulturspiegel widmet der Halb-Iranerin-Halb-Jamaikanerin den Titel seines aktuellen Hefts und lässt die Künstlerin auf sieben Seiten zu Wort kommen.

Für ihr am 4. Juli erscheinendes Album „Memoirs” konnte Rox als Produzenten keine Geringeren als Commissioner Gordon (Lauryn Hill) und Al Shux (Jay Z)  gewinnen. Mitte April, schon bevor „Memoirs” in die Läden kommt, wird Rox neuer Uptempo-Track  „I Don’t Believe” den Sommer einleiten.

Am 29. März war ROX zu Gast bei TV Total und stand Stefan Raab Rede und Antwort. Zusätzlich performte sie ihren Hit “My Baby Left Me”.

Nur ganz wenige Künstler können es sich leisten, mit nur einem einzigen Namen, der auch noch ein Spitzname ist, erfolgreich zu werden. Slash ist definitiv einer davon.

Und nur ganz wenige Gitarristen genießen derartigen Respekt im Business. Als er anfing, die Liste der Wunschsänger für sein neues Album abzutelefonieren, hörte er kein einziges „Nein”. Ozzy Osbourne, Iggy Pop, Kid Rock, Dave Grohl und Fergie - allesamt Künstler, die den Luxus genießen, Kollaborationen dieser Art abzulehnen - antworteten sofort mit einem klaren „Ja”.

Und so wurde Slash geboren.

Und obwohl Slash bereits auf eine überragende Weltkarriere zurückblicken kann, ist Slash sein erstes wirkliches Soloalbum. Er verbrachte fast ein Jahr in einem Studio in Hollywood, wo er diverse Aufnahmesessions mit Produzent Eric Valentine (Queens Of The Stone Age, All-American Rejects) und der Rhythmusabteilung, bestehend aus Bassist Chris Chaney (Jane’s Addiction) und Schlagzeuger Josh Frees (Nine Inch Nails) absolvierte.

Die Liste der Gäste liest sich wie das Who-is-Who der zeitgenössischen Rockmusik:

Ian Astbury, Lemmy Killmeister, Chris Cornell, Duff McKagan, Maroon Five’s Adam Levine, Alter Bridge’s Myles Kennedy, Wolfmother’s Andrew Stockdale, Avenged Sevenfold’s M Shadows und der aufstrebende Sänger Rocco De Luca.

Die Songs decken ein breites Feld ab: das Album startet mit einem dunklen, verlockenden Song, „Ghost” mit Ian Astbury. „Beautiful Dangerous” (Fergie gibt Vollgas!) und „I Hold On” (mit keinem Geringeren als Kid Rock am Mikrofon) sind zwei ordentliche Rock Songs. Auf der Instrumentalnummer „Watch This” spielt sich das Trio Grohl/Slash/Mc Kagan die Seele aus dem Leib. „Crucify The Dead” (Ozzy), „Doctor Alibi” (Lemmy) und „We’re All Gonna Die” (Iggy) präsentieren die unverwechselbaren Persönlichkeiten dreier Rock Ikonen. Und der süß-romantische Song „Gotten” (Levine) und das fast sogar mysteriös anmutende Stück „Saint Is A Sinner Too” (De Luca) zeigen die ruhige Seite von Slash und seinen Mitstreitern.

„It was an honor to have all of these guys in here,” so Slash.

„A few of them are heroes of mine from when I was younger. Lemmy was definitely one of the main ones for me growing up. Ozzy and Iggy and Lemmy. They all came to have a good time, but I was impressed that they were all really conscientious about doing a good job.”

Seit er in den 80er Jahren mit seiner bahnbrechenden Band Guns N’ Roses in die erste Riege der Rock Ikonen aufgestiegen ist, ist er einer der begehrtesten Gitarristen der Welt geworden. Viele bekannte Musiker wenden sich an Slah, um ihren Aufnahmen diesen ganz speziellen Touch zu verleihen. Von Michael Jackson („Black and White”, „Give In To Me”) über Ray Charles und Steview Wonder bis hin zu den Regisseuren Quentin Trantiono und Darren Aronofsky (Slash war maßgeblich am Soundtrack zu „Jackie Brown” und dem Titeltrack zu „The Wrestler” beteiligt), reißen sich die Top Figuren der modernen Musik und Popkultur um den sympathischen Gitarristen. Kritiker und Fans streiten sich immer noch darüber, welches wohl das beste Riff aller Zeiten sei und „Sweet Child O’ Mine” ist immer oben mit dabei. Schließlich verwies ihn im Time Magazine lediglich Jimi Hendrix auf Platz 2 der besten Gitarristen aller Zeiten.

Slash ist sehr bescheiden, wenn es um seinen Platz in der Rockgeschicthe geht, verabscheut es geradezu darüber zu sprechen. „It would take somebody else to tell you that,” sagt er. „I’m just not that guy. I mean, I like to think that I’m sort of carrying on the tradition of stuff that turned me on as a kid. And I think I’m sort of doing it some justice. You know, I think it’s just because of the fact that I love it so much and I put a certain amount of energy into it that people get off on. I mean, I hate to think it was just the top hat.”

Slashs musikalische Geschichte beinhaltet Guns N’ Roses, seine Band Slash’s Snakepit und die beiden weltweit sehr erfolgreichen Alben mit Velvet Revolver, aber Slash ist sein allererstes Soloalbum. Dem Album liegt das Konzept zugrunde, dass jeder Song, egal von wem er interprtiert wird, eine unglaubliche Energie, mitreißende Spannung und - am wichtigsten von allem - eine Vielfalt und Intensität im Gitarrenspiel aufweist, welche das Ganze zu einem runden und in sich schlüssigen musikalischen Gesamtwerk macht.

„There’s obviously a sort of musical coherence to it,” so Slash. „A lot of variety on the record, shifts in mood. But there is that underlying … uh … Slashiness.”

Das Album war ein Großunternehmen, dem eine eigentlich sehr einfache Idee vorausging. Nach der Velvet Revolver Libertad Tour wollte und brauchte Slash etwas außerhalb der Band, etwas anderes, eigenes. Er dachte, es wäre ein großer Spaß mit vielen unterschiedlichen Leuten zusammenzuarbeiten.

Also begann Slash zu schreiben, Demos zusammenzustellen und entwickelte die Idee der unterschiedlichen Gastsänger. Er verbrachte fast ein Jahr damit, zu schreiben und für jeden Song den passenden Sänger zu finden.

Die Instrumentalaufnahmen wurden zu den Sängern geschickt, die die Freiheit hatten, Texte und Melodien zu schreiben und sogar die Musik entsprechend ihren Ideen zu verändern. Die erste Session startete Slash mit Iggy Pop während der die beiden den geistreichen Rocksong „We’re All Gonna Die” aufnahmen.

„He sort of set the pace, set the vibe for the whole record. And actually it went really seamless from that point on. Iggy came in, did the vocal and flew back to Florida. He was here for two days. And then the next guy and the next guy. Just fucking amazing how something so complex in nature, having to do with the logistics of it all, could be on an artistic level so simple and creative and flowed so well.” so Slash.

„Chris, Josh and I would come in here to track a song and we’d listen to the demo, they’d hear it for the first time in the afternoon and we’d jam it out with the master of ceremonies Eric Valentine tying it all together and then we’d lay the track that night,” sagt er. „And then the next day the vocalist would come in. We did that pretty much like clockwork, from May to June. By July we had an almost finished record.”

Das komplette Album wurde analog aufgenommen, was den Songs eine gewisse Spontanität und Direktheit verleiht. Der Entstehungsprozess des Albums wurde aber noch von einem anderen Projekt beeinflusst: Slash schrieb zur gleichen Zeit die Filmmusik für This is Not a Movie des jungen mexikanischen Regisseurs Ollalo Rubio. Es war das erste Mal, dass Slash einen kompletten Soundtrack geschrieben hat, was ihn in neue Sphären seiner eigenen Kreativität geführt hat.

“The Ozzie song, the Fergie song and the Iggy Pop song all involve ideas for music I used in the score,” he says. “And I wrote strong arrangements for the Adam Levine song ‘Gotten,’ which is the first time I had done that, though I had done some keyboard string arrangements for the movie.”

Slash verfolgt weiterhin seine Liebe zur Musik und erweckt dabei den Geist seiner Kindheit, die er in England verbracht hat, wieder. Dort weihte ihn sein Vater in Klassiker wie die Beatles, die Rolling Stones und Yardbirds ein. Sein Insiderwissen konnte er während seiner Teenagerzeit vertiefen, als er mit seiner Familie nach Los Angeles zog, wo sein Vater als Designer gemeinsam mit David Geffen für Artists wie Neil Young und Joni Mitchell arbeitete und seine Mutter als Kostümdesignerin für viele Künstler tätig war. Es dauerte nicht lange, bis sein Freund Steve Adler und er gemeinsam Musik machten, Slash als Gitarrist und Adler an den Drums. In den frühen 80ern - beeinflusst von Bands wie Lemmy´s Motörhead -  begannen die jungen Musiker ihre eigene Band nach ihren Vorstellungen zu formen, und rekrutierten dafür Bassist McKagen. Innerhalb eines Jahres, mit dem Bandbeitritt von Axl Rose und Izzy Strandlin, hatte sich das

Projekt in Guns N’ Roses verwandelt - und bis Ende des Jahrzehnts die Entwicklung der Rockgeschichte auf den Kopf gestellt.Nachdem Guns N’ Roses weltweit über 100 Millionen Alben verkauft und die Musikindustrie mit ihrem Vorzeigealbum “Appetite For Destruction” dominiert hatten, gewann Slash kritischen Beifall für Slash’s Snakepit und hatte globalen Erfolg mit Velvet Revolver.

Fans imitieren reihenweise den Slash-Style in Guitar Hero III: Legend of Rock, wo er einen der spektakulärsten Charaktäre darstellt. Er ist außerdem als ein wahrer Gitarren-Kenner und -Liebhaber bekannt, mit einer Sammlung von mehr als 100 Gitarren, von denen viele speziell für ihn geferitg wurden - nicht zu vergessen die Gibson Signature Slash, welche ihn zu Ehren entworfen wurde.

Das Soloalbum ist jedoch nur die Spitze eines gigantischen Berges weiterer Projekte: Die Aufnahmen von Songs mit Ron Wood von den Rolling Stones für dessen bald erscheinendes Soloalbum, das Schreiben und Einspielen eines kompletten Filmmusik Sets, gemeinsame Auftritte mit den Black Eyed Peas, sowie das Co-Writing seiner 2007 erschienenen Autobiographie Slash.

Die Zeichen sind eindeutig: Allrounder und Energiebündel Slash wird auch in Zuklunft nicht so schnell die Puste ausgehen.
Track listing
1. Ghost (Ian Astbury)
2. Beautiful Dangerous (Fergie)
3. Nothing To Say (M Shadows of Avenged Sevenfold)
4. Crucify The Dead (Ozzy Osbourne)
5. Promise (Chris Cornell)
6. By The Sword (Andrew Stockdale of Wolfmother)
7. Doctor Alibi (Lemmy Kilmeister)
8. Saint Is A Sinner Too (Rocco De Luca)
9. Watch This (Dave Grohl/Duff McKagan)
10. I Hold On (Kid Rock)
11. Gotten (Adam Levine)
12. We’re All Gonna Die (Iggy Pop)
13. Starlight (Myles Kennedy)

On Fire Records sind stolz, königlichen Zuwachs in ihren Reihen vermelden zu können: Royal Republic aus Malmö sind laut, funky und angetreten, mit ihrem Erstlingswerk „We Are The Royal” ganze Paläste in Schutt und Asche zu legen!

Einige Bands benötigen eine gewisse Zeit, bis sie sich im Bewusstsein der Zuhörerschaft festsetzen. Andere hingegen treten die Tür mit einem so mächtigen Knall auf, dass man sie kaum wieder vergessen wird: Royal Republic aus Schweden stellen einen dieser seltenen Fälle dar.

Mit einem Überfluss an Energie, dem gewissen Quäntchen Charme und einer ganzen Batterie von Songs, die sich direkt im Hörgang verankern, haben sich Royal Republic in Lichtgeschwindigkeit zu einem der begehrtesten und heißesten Newcomer in Schweden entwickelt und setzen nun an, den Rest der Welt mit ihrem tighten Draufgängerrock und Einflüssen aus Britpop, Punk und Funk zu erobern!

Der Sound der Ende 2007 gegründeten Skandinavien-Combo ist ebenso erfrischend wie erfrischend anders, wie auch die überschwänglichen Vorabreaktionen auf die im September 2009 veröffentlichte Debütsingle „All Because Of You” unter Beweis gestellt haben. Vorlaute Twäng-Gitarren rangeln mit einem tiefsatt-rollen Rowdie-Bass, dem punktgenauen Drumming und nicht zuletzt den markanten royal Straßenkind-Vocals von Frontmann Adam Grahn um die Lässigkeitsvorherrschaft im knackigen Arschwackelsound von Royal Republic. Dieses ganz besondere Kribbelgefühl in der Magengegend - die vier blaublütigen Jungs aus Malmö-Rock City transportieren jede Menge davon. Coolness Galore.

„Kurz nach unserer Gründung begann es, richtig ernst zu werden”, erinnert sich Grahn. „Schon nach dem zweiten oder dritten gemeinsamen Proben waren wir uns darüber im Klaren, dass wir alle mit Royal Republic riesige Pläne hatten. Es fühlte sich einfach aufregend und neu an - just like the first time you try to grab your girlfriends titties.”

Keine allzu große Überraschung also, dass man schon bald kollektiv das heimische Beach House Studio mit Producer Anders Hallbäck enterte und im Herbst vergangenen Jahres zusammen mit Mixmeister Stefan Glaumann (Rammstein, Clawfinger, Apocalyptica…) schließlich letzte Hand an das hochexplosive Material von „We Are The Royal” legte.

Royal Republic sind die neue Königsklasse des Schwedenrock. Und höchst sympathische Großmäuler, wie auch der erlauchte Albumtitel „We Are The Royal” impliziert. Grahn lacht herzlich. „Dieser Song entstand irgendwann Mitte der Songwritingsessions. Per (Drummer) und ich saßen damals einen guten Monat lang in meinem kleinen, abgefuckten Studio-Appartement und zermaterten uns die Hirne über tolle Titel. Wir waren beide total durch und wollten zur Abwechslung mal einen echten Spaß-Song schreiben. Irgendwie kam uns der Slogan `We are the royal` in den Sinn und wir fanden ihn sehr cool. So cool sogar, dass wir gleich die ganze Platte danach benannten…”

Man merkt: Royal Republic nehmen sich selbst nicht ganz so ernst und zelebrieren regelrecht ihren besonders schwarzen Humor in Songs wie „Tommy-Gun” oder „Underwear” .

„Natürlich nehmen wir uns nicht allzu ernst. Gerade bei Stücken wie `Underwear` oder `Good To Be Bad` bleibt sehr zu hoffen, dass die Leute unseren Sinn für Ironie verstehen und nicht denken, wir wären diese

superharten Rampensäue. Wir sind (noch) keine Rockstars, aber benutzen gern augenzwinkernd diese typischen Rockstar-Klischees. Und wir lieben es, Musik zu machen.”

Keine kathartischen Selbstherapieversuche, keine spektakulären Bekenntnisse, tiefschürfende Beichten oder gar irgendwelche Versuche, Herzen zu brechen. Just good entertainment - einfach das, was Royal Republic am besten können und was man bisher in vollem Lauf als schweißtreibender Live-Support von Bands wie CKY oder Biffy Clyro präsentiert hat.

Und dementsprechend breit angelegt stellen sich auch die musikalischen Einflüsse und Vorlieben der vier Royalisten dar. Ganz wie es sich für vornehme Großstadtrocker gehört. Grahn schmunzelt wieder. „Die Leute werden uns wahrscheinlich auch weiterhin mit dieser einen schwedischen Gruppe vergleichen, deren Name mir gerade entfallen ist”, lacht Adam. „Unsere musikalischen Backgrounds sind tatsächlich enorm vielschichtig: Es geht wahrscheinlich bei den Hives oder Danko Jones los, erstreckt sich dann weiter über ein bisschen Metallica, bis hin zu Bob Dylan, Norah Jones und sogar Filmmusik oder Klassik. Und vielleicht sogar noch ein wenig von dem absolut tödlichsten Black Metal, den man sich überhaupt vorstellen kann.”

Eine hochprozentige Mischung, die sich mit aller Wucht auf „We Are The Royal” wiederfindet. Angefangen beim furiosen Opener und roten Teppich für das Album, „The Royal” über das treibende „Walking Down The Line”, den erbarmungslos catchy Stomper „Full Steam Spacemachine” bis hin zum dreckig-groovigen Rausschmeißer „OIOIOI” - der schwedischen Übersetzung für „oh fuck”. Royal Republic liefern allerfeinsten Straight Forward Rock mit lebenslänglicher Ohrwurmgarantie. Lach- und Sachgeschichten ohne Atempause.

„Meine ganze Wohnung ist vollgeklebt mit diesen kleinen gelben Post It`s, auf denen ich meine Songideen festhalte. Ich bin leider fast rund um die Uhr inspiriert und habe in den unmöglichsten Momenten die besten Einfälle: Unter der Dusche oder gerne auch während romantischer Candlelight-Dinner. Ich muss mich dann immer ganz schnell verabschieden, weil ich `dringende Dinge` zu erledigen habe…”

So wie auch in dem Song „The President`s Daughter” - einer modernen Romeo & Julia-Interpretation frei nach Adam Grahn.

„Der Text beruht auf einer (halb) wahren Begebenheit: Ich war schon immer ein armer Musiker, der mit seiner Gitarre einsam von Haus zu Haus zog. Eines Tages versuchte ich, die Tochter des reichsten Mannes in unserer Stadt zu daten. Ich schlich mich also durch den Garten unter ihr Fenster und warf kleine Steinchen. Leider bemerkte mich ihr Vater vor ihr, verjagte mich mit Pauken und Trompeten. Dieser Song ist heute meine kleine Rache - ich hoffe, sie bereuen es zutiefst. Doch jetzt ist es zu spät!”

Zu spät für die Präsidententochter zwar, doch erst der Anfang für Royal Republic, die ihre Rockmission folgendermaßen beschreiben: „We want to make people happy, ready to party and perhaps a little bit horny…” - eine Zielsetzung, die man mit „We Are The Royal” mit Leichtigkeit übertreffen wird. Königliches Ehrenwort! Und jetzt: Royal Rock `N Roll!

Über 40 internationale Charthits, Millionen verkaufte CDs weltweit, dutzende Gold- und Platinauszeichungen - die Karriere des Hitsongschreibers Nosie Katzmann ist ein einziges Superlativ! Die Anfänge des Musikers und Produzenten hingegen waren geradezu klassisch: Als Sänger und Gitarrist galt Nosie Katzmann in den 80er Jahren mit Bands wie The Balloons, Head Over Heals oder Pill And The Baby Boom als feste musikalische Größe im Rhein-Main-Gebiet, bevor seine Begegnung mit den Produzenten Thorsten Fenslau und Jens Zimmermann 1989 innerhalb weniger Monaten nahezu alles veränderte …

Unter dem Namen Culture Beat veröffentlichten Katzmann, Fenslau und Zimmermann den Titel „Der Erdbeermund”, der nicht nur in den Clubs, sondern auch in den Charts international für Aufsehen sorgte. Gemeinsam wurde der Musikverlag “Get Into Magic” gegründet und in den folgenden Jahren konnte das Trio international Hit auf Hit landen! Neben Culture Beat begann Nosie Katzmann 1993 eine mehrjährige Zusammenarbeit mit dem Produzententeam DMP, die ebenfalls von großen internationalen Erfolgen begleitet wurde, darunter der Welthit „More And More” von Captain Hollywood Project, der den Grundstein für eine lange Serie von Hits („Summer Summer”, „Piece Of My Heart”, „Hold On”, etc.) aus dem Hause DMP/Katzmann für Künstler wie Captain Hollywood Projcet, Loft, Intermission u.a. legte.  Ende 1992 arbeitete Katzmann gemeinsam mit Culture Beat an “Serenity”, das mit “Mr. Vain”, den Dancehit des Jahres 1993 und die meist verkaufte Single Europas bereithielt. „Serenity” wurde eines der erfolgreichsten Dancealben aller Zeiten, und wartete mit einer ganzen Reihe weiterer Hits (”Anything”, “Got To Get It”, “World In Your Hands”) auf. Zwischen 1993 und 1996 hatte Nosie Katzmann bis zu acht Titel gleichzeitig in den Media Control Charts und weltweit zeitgleich bis zu zwölf (!) Hits.

Unermüdlich schrieb er weitere Charterfolge für Acts wie Jam&Spoon (”Right In The Night”, “Find Me”), Scooter (”Break It Up”), DJ Bobo (”Love Is All Around”, “Love Is The Price”), Culture Beat (”Inside Out”) und viele mehr.

Ein solcher Erfolg und das damit verbundene Arbeitspensum fordern logischerweise ihren Tribut und so zog sich der Hitschreiber Ende der 90er Jahre von der großen Bühne zurück, um erst 2007 wieder verstärkt an die musikalische Öffentlichkeit zu treten.

Auf der Basis seines Musikverlags “Get Into Magic” gründet Nosie Katzmann Anfang 2008 das Label GIM Records. Das Singer/Songwriter-Label zeichnet sich durch seine Affinität zu besonderen Bands aus. Genreübergreifend, musikalisch nicht eingeschränkt und offen für alles, was Seele hat! Gleichzeitig dient das Label als Veröffentlichungsplattform für alle Autoren seines Verlages. Bereits eines der ersten Signings, die Formation Ronny und die Bauarbeiter, bescherte mit 15.000 verkauften Einheiten der Debüt-CD dem jungen Label einen respektablen Erfolg.

Im Frühjahr 2008 veröffentlichte Nosie Katzmann mit „Songbook 1″ eine Zusammenstellung neu aufgenommener Songs aus seinen Anfangstagen, die auch den Auftakt zu einer Albumreihe bildet, die die gesamte Bandbreite seines kreativen Outputs abbildet und unlängst mit der Veröffentlichung von „Songbook 3″ einen weiteren Höhepunkt fand. Für die Songbooks trat Nosie erstmals in seiner langen Karriere auch als Interpret in Erscheinung.

Im gleichen Jahr veröffentlichte der Sänger und Songschreiber auch seine erste Best of-Sammlung „Greatest Hits 1″, für die er seine alten Hits, mit der Unterstützung exzellenter musikalischer Mitstreiter, u.a. von den Söhnen Mannheims, in einen neuen Singer/Songwriter-Sound verpackte. Mit „Greatest Hits 1″ gelang ihm das Kunststück, für seine großen Hits Begeisterung bei alten UND neuen Fans gleichermaßen zu entfachen! Begleitet von einer umfangreichen Promo- und Konzert-Tour durch Deutschland, Österreich und die Schweiz (u.a. als Support von Songwriter-Legende Neil Young) hinterließen Album und die kongeniale Neuinterpretation von „Mr. Vain” als Single konsequenterweise ihre Spuren in den Charts.

Kaum verwunderlich also, dass in diesem Frühjahr nun mit „Greatest Hits 2″ die zweite Hitsammlung im neuen musikalischen Gewand erscheinen wird. Erste Singleauskopplung wird der Song ‘Be Angeled’ sein.

Große Erfolge konnte Missincat beim diesjährigen SXSW Festival für sich verbuchen. Die Wahlberlinerin spielte dort nicht nur einen Gig am 20.März, sondern gab zuvor auch ein Interview bei dem sie 3 Akustik-Versionen ihrer Lieder darbot. Zu sehen sind diese nun auf www.tape.tv.

Grossstadtgeflüster ist eine Band, bestehend aus Sängerin Jen Bender, Schlagzeuger Chriz Falk und Keyboarder Raphael Schalz, die seit 2003 der schizophrenen Vorstellung verfallen ist, man könne glasklaren Pop und sperrige Nervmusik für Freaks in ein- und demselben Song verbraten.

Ihre spektakulären Live-Shows mit ihrem Mix aus Elektronik, Schmutz und BlingBling sind eine Art Familienausflugsziel für Sinnsucher, Querdenker, Nichtfunktionswillige und nächstenliebende Hedonisten geworden. Eigentlich seltsam, denn die Geschichte begann mal ganz anders…

2006 erschien nach das Erstlingswerk “Muss Laut Sein” mit all dem ganzen Marketingbrimborium und Kasperletheater, und Grossstadtgeflüster dachte so “Yeahh!”, und dann so “Naja…” und dann so “Hä?”. Sie gaben den Champagner wieder zurück und was folgte war die buchstäbliche Pommesbudentour. Sie spielten sich die Seele frei. Grossstadtgeflüster ist wahrscheinlich die einzige Band Deutschlands, die jeden Imbiss zwischen Flensburg und München mit verbundenen Augen nur am Geschmack des Ketchups identifizieren kann…

Die Band hatte allerdings das schöne Schicksal, dass der Song „Ich muss garnix” eigene unkontrollierte Bahnen nahm und sich in Deutschland und Österreich zum Clubhit entwickelte.
Im Frühjahr 2008 folgte dann der komplett in Eigenregie entwickelte Nachfolger „Bis einer heult”, den die Band auf dem eigenen Label ChickenSoupRecords veröffentlichte. Mit einem unglaublichen Promotionbudget im zweistelligen Bereich, vor allem mit den beiden Singles „Lebenslauf” und „Haufenweise Scheisse” konnte die Band wieder die erwartete Dosis Energie an ihre wachsende Anhängerschaft verfüttern und tauschte das Pommesbudendasein gegen die ersten ratzevollen Shows und die ersten Headlinerslots ein.

Mit der Enspanntheit einer Band, die die grosse Desillusionierung bereits hinter sich hat, konnte sich also dem dritten Album zugewandt werden. Die Marschroute war klar und wurde auch zum Titel des Albums: „Alles muss man selber machen”

Herausgekommen ist dabei detailverliebte Elektropoppunkpartydingsbums-Musik, die die Frage nach der Schubladenzugehörigkeit dem Hörer überlässt.

Die Unfähigkeit der Band, sich auf einen Stil zu einigen, wird dieses Mal zu Kür gemacht - über den wie immer tanzbaren Beats wird jeder Musikrichtung dieser Welt gehuldigt und sei sie noch so indiskutabel.

Textlich kreist Grossstadtgeflüster mehr denn je die Themen ein, die einen Abends zufrieden einschlafen und morgens zufrieden aufwachen lassen. Geschichten über Ironie statt Wut, Liebe statt Kitsch, echte Würde statt verbissenem Ehrgeiz, Leben statt Labern.

Wie ein Ratgeber für ein besseres Miteinander auf Grundlage der eigenen Geschichte.
Grossstadtgeflüster macht den Hörer ein bisschen glücklicher.
Weitersagen,Bitte!

Ab dem 02.April gibt es die erste Single “Kaethe” als kostenlosen Download auf der bandeigenen Homepage.

Website Infos
www.grossstadtgefluester.de

Tourdaten

Revolver TV Promotion
Sina Wahnschaffe
Tel.: 030- 627 351 70
sina@revolverpromotion.de

Revolver Radio Promotion
Tom Weber
Mechlerstraße 1, 04105 Leipzig
Tel.: +49(0)341-3086 108
tom@revolverpromotion.de

Jörg Hartung
Tel.: +49(0)341-550 2294
joerg@revolverpromotion.de

Vielen ist Carsten Klatte vielleicht bekannt als Gitarrist bei Wolfsheim und Peter Heppner, oder der Dark Wave Formation Project Pitchfork, verbirgt sich hinter diesem Namen noch vielerlei mehr.

Carsten Klatte ist ein musikalisches Multitalent, dessen man sich bewusst werden sollte.

Carsten Klatte, Singer und Songwriter aus Berlin, wo er lebt und arbeitet, ist schon mit vielen Dingen umschrieben worden.
Sei es die Wiedergeburt von Johnny Cash (KenFM/Radio Fritz), oder der Erfinder des „Neo-Western“ (als Weiterentwicklung des Neo-Folk auf dem WGT in Leipzig 2006).

Sei es wie es sei, genügen doch wenige Worte, um auszudrücken, worum es bei diesem Künstler geht:

Klatte ist Original.

Mit seiner „Tarantino-Musik“ (Ken Jebsen), welche stets eingebettet bleibt in die „Roots“ von Blues und Folk und trotzdem auch die Rebellion von Punk und Rock and Roll in sich trägt, welche bodenständig als Singer/Songwriter Musik bezeichnet werden kann ohne dabei an Aktualität zu verlieren, ist er einzigartig in Deutschland.

Auf seinem aktuellen Silberling „Carsten Klatte“ ensteht ein minutiöses Gedankenspiel verbunden mit einem Gefühlsfeuerwerk zum Gesamtkunstwerk von 13 neuen Songs, welche alle in einem anderen Gewand daher kommen, ohne den „einen“ Guss zu verlieren.

Unterstützt von den Musikern Achim Färber an den Drums (Tito and Tarantula, Phillip Boa, Krupps) und dem Ausnahmegeiger Neil Black (Joan Armatrading, UB40, Bauhaus,Coil) liess Klatte ein Album entstehen, welches zeitlos ist und sich nahtlos in die Historie der Musikgeschichte einpasst, in Reihe stehend mit den Alben von Musikern wie Bob Dylan, David Bowie, Tom Waits, Nick Cave oder Neil Young.

Live erlebt man ihn in voller Bandbesetzung oder aber auch, und das macht ihn sicherlich zum Ausnahmekünstler, allein in einer Soloperformance, an der Gitarre und am Mikrophon.

Carsten Klatte ist Kultur, weil er echt ist, unbeugsam, liebenswert und tief, eben…

…der Mann für das Wesen(t)liche.

Den Mann digital kennenlernen kann man hier:

Weitere Infos:
www.myspace.com/carstenklatte
http://de.wikipedia.org/wiki/Carsten_Klatte
www.reverbnation.com/carstenklatte
www.facebook.com/carstenklatte

Tourdaten

Album: „I Learned The Hard Way”
VÖ: 09.04. 2010
Single: „I Learned The Hard Way”
VÖ: 09.04.2010
Label: Daptone Recods

Sharon Jones And The Dap Kings haben eine lange Reise hinter sich seit ihrem Aufbruch vor knapp zehn Jahren. Durchdrungen von Gospel, Soul und Funk spielte sich das neunköpfige Kollektiv aus Brooklyn mit seinem Sound in die Ohren und Herzen von Fans, DJs, Kritikern, Plattensammlern und Bloggern rund um den Globus. Nachzuhören ist dieser auf ihren drei, von Fans und Kritikern gefeierten Alben „Dap Dippin’” (2002), „Naturally” (2005) und „100 Days, 100 Nights” (2007). Beim Sound der Band wähnt man sich sofort in der Vergangenheit, der guten alten Zeit, der analogen Ära mit den großen Studios von Motown und Stax. Kein Wunder also, dass die 53jährige Sharon Jones aus Augusta/Georgia und ihre Dap Kings bereits eine treue Hörerschaft hinter sich haben.

Am 9. April 2010 sind Sharon Jones And The Dap Kings mit ihrem vierten Album am Start: „I Learned The Hard Way” tropft förmlich vor einer Wärme und Spontanität, die an die goldenen Tage und Nächte von Muscle Shoals und Stax gemahnt. Sharons rohe Power, ihre rhythmische Großspurigkeit, klagende Soulfulness und mühelos wirkende Melodiebeherrschung sichern ihr einen festen Platz im Soulkanon neben James Brown, Mavis Staples oder Aretha Franklin.

Tourdaten

Weitere Infos:
http://www.myspace.com/sharonjonesandthedapkings
http://www.daptonerecords.com

Kontakt Radio Promotion
Revolver Radio Promotion
Tom Weber
Mechlerstraße 1, 04105 Leipzig
Tel.: +49(0)341-3086 108
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HEGEMUND ist das Gemeinschaftsprojekt von Gottfried Tollmann & Ralf Hildenbeutel, welches seine Anfänge in Los Angeles hat.
Die beiden Musiker trafen sich bei der Zusammenarbeit mit dem Frankfurter Label Eye Q Records, auf welchem seiner Zeit Hildenbeutel mit Sven Väth produzierte und Projekte wie Earth Nation veröffentlichte und Tollmann wiederum mit dem Projekt “Baked Beans” (mit Nicolle Meyer & Helmut Zerlett) erschien. Die Künstler fanden recht schnell ihre Gemeinsamkeiten in ihrer Liebe zur modernen Kunst und Altmeisterzeichnungen sowie für Bach und die destrukturierte “Electronic Mind Music” der 90er Jahre. Ganz in diesem Geiste erschien 1995 ihr erstes Album “tollmannhildenbeutel” auf dem Sublabel “Recycle or Die”. Die Musik enstand und wurde in ihren Anfängen in Tollmanns derzeitiger Wahlheimat Los Angeles aufgenommen. Bei den Aufnahmen ihres Videoclips “Isn`t it a Funny Bird?”, 1995, blieben sie abends mit dem Jeep im Nationalpark Joshua Tree stecken, als sie Ameisen mit Spezialmikrofonen aufnehmen wollten…offensichtlich überstanden sie die Nacht im Jeep umlagert von Klapperschlangen mit Hilfe ihres Humors und guter Laune…
Sie hatten die Sounds des amerikanischen Südwestens und der Stadt eingefangen - Jäger & Sammler - und nun quirlten sie diese im Studio in Frankfurt zusammen, machten die CD zu einem lebendigen Spiegel ihrer Eindrücke aus Los Angeles. Die hybride Theorie des Klaviers, die verstimmte akustische Gitarre, Schreie von Affen und Hornvögeln.
Nach diesem Abenteuer und dem daraus entstandenen Spass entschlossen sich die Künstler ihre Zusammenarbeit auf jeden Fall fortzusetzen.
Paris wurde für beide zur Wahlheimat und Zweitwohnsitz, dort begannen sie Geräusche und experimental Sounds, so wie Filmfetzen aufzunehmen, sammelten kräftig um ihre Collagen vorzubereiten. Da wurde das Einschenken eines Languedocs in der Weinbar “le Cafe du Passage” genauso wichtig, wie die Metro, die am Place de la Bastille vorbeischoss - ihre Liebe für französischen Wein und Kultur wurde zur Library für die neue CD “Hegemund – Nuit Blanche”.

Auf diesem Album erleben wir die Fortführung der ursprünglichen Idee von einer “Geschichte von 10 Städten”, welche die Künstler zu Beginn ihrer Kollaboration entwickelt hatten.
Jedes Album beschreibt einen autobiografischen und geographischen Längengrad in der Entwicklung der Musiker, das gemeinsame Leben und Erleben in verschiedenen Hemisphären, wobei vielleicht die pariser Variante “Nuit Blanche” noch mehr “akustisch” herüberkommt, lustiger und humorvoller, auf Grund der frei und ohne Anspruch oder Komplexe gewählten musikalischen Formen.

Hegemund ist es völlig egal, ob man es “Electro Bossa” oder “Jah Musik” oder “Jazz” nennt…sie lassen dich Augenzwinkernd wissen, dass sie die Dekonstruktion von Pop mögen, wenn es passt…
Alles ist gut.
Musik, mit Verstand und einem Lachen gemacht, die man aber ernst nehmen muss.

Das Artwork zum Album steuerte der Langzeitfreund, Photograph und Chef der “British Vogue” Robin Derrick bei.

(Marie Helene Leclerc , Paris)

Mit einer fulminanten Show präsentierten sie “Oh Yeah” aus dem aktuellen Album “Sonic Boom” und den Klassiker “I was made for loving you”. Das Publikum in Erfurt hielt es nicht mehr auf den Sitzen und feierten die US-Rocker. Ende Mai sind KISS für 4 Daten live zu erleben u.a. auch bei Rock am Ring und Rock im Park !

Die britische  Soulsensation ROX hat mit ihrer Single „My Baby Left Me” locker eine weitere Marke auf dem Weg zum Hit erreicht: Die Halb-Iranerin-Halb-Jamaikanerin ist mittlerweile auf Platz 49 der Airplay-Charts eingestiegen.

Mit ihren zarten 21 Jahren hat die Soulsängerin schon einiges vorzuweisen: So konnte sie für ihr demnächst erscheinendes Album „Memoirs” Commissioner Gordon (Lauryn Hill) und Al Shux (Jay Z) als Produzenten gewinnen. Ihre harte Arbeit scheint sich also bereits auszuzahlen.

Einige der besten Musiker können im richtigen Leben, wenn sie nicht gerade auf der Bühne nach Aufmerksamkeit heischen oder durch die Lautsprecher des Radios plärren, realitätsfern und scheu wirken. Manchmal können sie einem auch wie der komplette Gegensatz zu ihrer öffentlichen Person erscheinen.

Und dann gibt es da auch noch die wahren Popstars unter uns: Diejenigen, die die sowohl on-stage als auch off-stage schillern, diejenigen, die das Glück haben, clevere, lebensbejahende Songs zu schreiben und fast nebenbei auch noch lustige und intelligente Sachen von sich zu geben. Alles andere als einen trüben Eindruck hinterlässt der New Yorker Darwin Deez.

Egal, ob es um die Darlegung der Vorzüge von Open-Mic-Nights in Manhattan oder Brooklyn geht, um die Haarpflege-Routine für seinen eindrucksvollen Afro oder darum, den Gitarrensound von (ja genau!) Jimmy Eat World zu loben – Deez ist schlichtweg packend und seine Songs sind wunderbar ineinander verwoben, großartige Stücke ungewöhnlichen Pops, der einen sofort packt.

Frühe Übung führte dort hin: Zum elften Geburtstag schenkten seine Eltern dem kleinen Darwin die erste Gitarre:

„Es war eine cremeweiße Fender Strat, die ich heute immer noch spiele“, erinnert er sich. „Mein Vater brachte mir einige Akkorde bei und ich fing sofort an, Songs zu schreiben“.

Der Umzug nach New York folgte und das Sidewalk Café im East Village wurde zu Deez Wallfahrtsort. Dort spielte er jeden Montag und wurde Teil der legendären Anti-Folk-Szene von NYC mit Koryphäen wie Regina Spektor, Adam Green und unzähligen weiteren. Hier hatte Darwin endlich seine Nische gefunden.

„Für mich war es ein Höhepunkt. Es war so aufregend, da zu sein, weil das Publikum unglaublich aufmerksam und sogar bei den ersten Bands total in die Musik vertieft war. Die Auftritte anderer Songwriter inspirierten mich, bessere Texte zu schreiben…“

Tourdaten

Weitere Infos
www.myspace.com/darwindeez
www.darwindeez.com

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MELISSA AUF DER MAUR veröffentlicht ihr zweites Soloalbum „Out Of Our Minds“ via Roadrunner Records

MELISSA AUF DER MAUR (MadM) schlägt das erste Kapitel ihres Solo Projekts „Out Of Our Minds (OOOM)“ mit einem neuen Album auf, das am 2. April erscheinen wird. Dynamisch, vielseitig und unabhängig produziert, ist OOOM ein konzeptuelles Projekt, welches ein Solo-Album, einen Kurzfilm, ein Comicbuch, Live-Performances, sowie Galleriepräsentationen beinhaltet.
„Out Of Our Minds“ ist der Nachfolger des 2004 erschienenden Debuts „Auf der Maur“. Es wird in Deutschland via Roadrunner Records veröffentlicht.

Das OOOM- Album beinhaltet 12 powervolle Songs, produziert und gemixt von erstklassigen kreativen Köpfen wie Jordon Zadorozny (Sam Roberts), Chris Goss (QOTSA, UNKLE), Alan Moulder (Depeche Mode, Smashing Pumpkins), und Mike Frazer (Franz Ferdinand, ACDC).
Auf dem Album ist mit dem Song „Father’s Grave“ sogar ein Duett mit Gothrock Legende Glenn Danzig zu finden.
Andere herausragende Songs sind „Meet Me On The Dark Side“ und „22 Below“, auf denen ganz besonders Melissas Fähigkeit, ihre Bassriffs mit mitreissenden Melodien zu verbinden, deutlich wird.

Eine essenzielle Komponente von „Out Of Our Minds“ ist der 28 minütige, in HD von Tony Stone (Severed Ways: The Norse Discovery of America) gedrehte Film, erdacht und gespielt von MELISSA AUF DER MAUR.
Der Film wurde zum ersten Mal beim Sundance Film Festival, sowie bei der World Con’s 67th Annual Sci-Fi Convention gezeigt und gewann viel Lob.
Letztes Jahr im Oktober wurde der OOOM Film für eine Ausstellung des präraphaelitischen Malers J.W. Waterhouse als zeitgemäße Interpretation seiner Werke in Form einer Installation im Montreal Museum Of Fine Arts genutzt.

Der OOOM-Film, der auch weiterhin auf Filmfestivals und in Gallerien gezeigt wird, kann als Deluxe Box Set , also zusammen mit dem Album, exklusiv auf xmadmx.com bestellt werden. Ebenso auf xmadmx.com erhältlich ist die limited Edition, bestehend aus dem OOOM Comicbuch (12 Seiten, illustriert von dem in Brooklyn ansässigen Künstler Jack Forbes) und passendem Picture-Vinyl.

Melissa über das Projekt: „, “OOOM began as a song. It was mid first decade of the 21st Century and technology had just begun to dismantle the music business towers. It was the best thing that could’ve ever happened to me. The landscape changed and I began to morph my roots in visual arts with the music. The many portals of OOOM invite listeners and viewers to discover on their own, at their own pace and in their own space. If you’re listening, Come in…”

Über MELISSA AUF DER MAUR
Geboren und aufgewachsen in Montreal, Kanada, mit abgeschlossener kunstwissenschaftlicher Ausbildung, spielte Melissa von 1994-1999 als Mitglied, Songwriter und Bassistin in der Band „Hole“. Das Album „Celebrity Skin“ (Geffen Records) war für den Grammy nominiert.
2000 tritt sie den Smashing Pumpkins bei und spielte mit ihnen die Abschieds-Welttournee.

2004 wurde schließlich via Capitol Records / EMI Melissas erstes Soloalbum „Auf der Maur“ veröffentlicht. Das Album war ein Charterfolg, u.a. durch die Songs „Followed The Waves“ und „Taste You“, und ging über 200.000 Mal über die Ladentheke. Im Zuge des Albums spielte Melissa mehr als 200 live shows.

MadM’s künstlerische Reise beinhaltete schon immer verschiedene Kunstformen. Ihre Photographien wurden in Magazinen wie Spin, Elle, Nylon und American Photo veröffentlicht und international ausgestellt.
Sie tourte und arbeitete u.a. mit Mitgliedern von QOTSA, Marilyn Manson, The Cure, k-os, NIN, Muse, Ryan Adams und Ric Ocasek zusammen.
Neben ihrer Zusammenarbeit mit vielen Größen des Genres, hat sie ihre Arbeit als Solo-Künstlerin jedoch immer weiter entwickelt und konnte somit ihre Position als einflussreiche, leidenschaftliche, wichtige Künstlerin über die letzten 15 Jahre halten.

Über Phi Group / Roadrunner Records
2009 unterschrieb MadM einen Vertrag mit der Phi Group Inc. – ein unabhängiges Label in Montreal, welches ebenfalls in der Filmbranche, im Bereich Video, Grafik, Kunst, sowie Fotografie spezialisiert ist. Perfekt für einen Release wie „Out Of Our Minds“, welcher die Bereiche einer traditionellen Album-Veröffentlichung um Längen überschreitet.
Phi ist ein innovatives, multi-medialistisches Team aus Montreal, das seine Kunst-, Musik- und Filminteressen über die letzten drei Jahre zusammen mit einem sehr qualifizierten Team, bestehend aus Produzenten, Kunst Direktoren, Leuten der Musikindustrie und Filmprofis, sowie Marketing- und PR Dienstleistern, erfolgreich verbreitete.
„Out Of Our Minds“ wird in Nordamerika bei Phi Records und in England, sowie Deutschland bei Roadrunner Records erscheinen.

THE ROOVERS servieren High-Energy Indie-Rock garniert mit besten Retrosounds.

Treibende Melodien treffen auf kantige Riffs ungeachtet jeglicher Konventionen. Mit einem unaufhaltsamen Durst nach heißen Shows entfesseln THE ROOVERS ihren energiegeladenen Sound.

Durch die Kombination von rasanten Gitarren-Riffs und raffinierter Melodieverliebtheit erschaffen THE ROOVERS Ihr eigenes Markenzeichen von Rock ‘n‘ Roll!

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•    Pflege der www.revolverpromotion.de - Website
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•    Pflege des FTP- Servers
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•    Akquise und Durchführung von TV Promotion für einzelner Künstlern

Dieses Parktikum wird mit 300 Euro vergütet und kann nach 3 Monaten nach Absprache verlängert werden.

Wir freuen uns auf Eure Mails!

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Auflösung, abhauen, Flucht, das Ich zermalmt vom Außen. Die Themen des neuen Albums „Das Island Manøver“ von Turbostaat führen alle in die gleiche Richtung: „Aufgelöst in der ganzen Welt und Angst vor allem Fremden, wie soll denn sowas gehen?“ Die Charaktere in den Texten Turbostaat finden mal einen Ausweg, mal auch nicht. Aber immer stehen sie zwischen den Fronten und meistens sich selbst im Weg.
Das sind kraftvolle und eindrucksvolle Bilder, die unter die Haut gehen und ihre Fäden in tausend Richtungen spinnen. Da ist der letzte Henker von Prag, der seine eigene Frau köpfen muss, da ist die außerehelich geschwängerte Tochter, die nach altem friesischen Brauch mit ihrem Vater ins Watt geschickt wird und nie zurückkehrt. Und da ist die einsame alte Dame, die so gern im Maisfeld erwürgt werden möchte und in Wirklichkeit eine reiche Kaffee-Erbin ist. Ein Döner-Imbiss wird zum Namen eines Größenwahnsinnigen, der losgeht, um das Glück zu suchen, und Tucholsky sitzt währenddessen in Schweden und zerbricht auf seinem luxuriösen Schloss am Exil.

Seit 1999 spielen Turbostaat unverändert in derselben Besetzung. Mit einer Brücke vom US-Hardcore zur deutschen Punktradition bringen sie ihr erstes Album „Flamingo (2001)“ und den Zweitling „Schwan“ (2003) beim Hamburger Underground-Punklabel Schiffen heraus und arbeiten sich durch den gesamten Parcours alternativer Jugendzentren, besetzter Häuser und kleiner Clubs zwischen Österreich und Helsinki. Eines dieser Konzerte besucht Beatsteaks-Schlagzeuger Thomas Götz und ist hingerissen. Turbostaat werden auf die Beatsteaks-Tour eingeladen, schließen zwangsläufig Kontakt zu Same Same But Different, die klugerweise und begeistert zugreifen und im Verbund mit Warner das Album „Vormann Leiss“ zum Leben erwecken.

Das zweite „Major“-Album „Das Island Manøver“ fühlt sich an, als wäre es ein erster Test, was im Kontext „deutscher Punkrock“ so möglich ist. Aber das ist schon wieder ein Irrweg, einen solchen Kontext zu konstruieren. Es ist und bleibt: Turbostaat.

Tourdaten

Weitere Infos
www.turbostaat.de
www.myspace.com/turbostaat

Revolver Radio Promotion
Tom Weber
Mechlerstraße 1, 04105 Leipzig
Tel.: +49(0)341-3086 108
tom@revolverpromotion.de

Jörg Hartung
Tel.: +49(0)341-550 2294
joerg@revolverpromotion.de

Am Freitag beginnt die große “So Laut Ich Kann”-Tour durch Deutschland!
„So Laut Ich Kann” Tour
12.02.10 Kufstein - Kultufabrik
13.02.10 München - Backstage Club
14.02.10 Frankfurt - Batschkapp *AUSVERKAUFT*
18.02.10 Berlin - Magnet
19.02.10 Dresden - Scheune
20.02.10 Stuttgart - LKA Longhorn
25.02.10 Köln - Werkstatt
26.02.10 Hannover - Musikzentrum
27.02.10 Nordhorn - Scheune
28.02.10 Hamburg - Knust

Am 28.02.10 sind die DONOTS bei der warm up show auf ZDF Neo zu sehen, wo sie sich mit Marta Jandova über Green Day unterhalten. Bei TV-Noir wird die Band am 07.03.10 zu Gast sein, am 11.04.2010 geht es - mit dem neuen Album im Gepäck- zu SWR Latenight.

ROX ist unbestritten die überzeugenste Debütantin 2010 und hat sich mit ihren zarten 21 Jahren durch harte Arbeit und starken Willen unseren Respekt verdient. Als Sängerin und als Songwriterin. Ihr von Commissioner Gordon (Lauryn Hill) und Al Shux (Jay Z) co-produziertes Debütalbum wird bereits hoch gehandelt. Das Album “Memoirs” wird im Mai erscheinen, vorab wird am 19.03. die erste Single “My Baby Left Me” veröffentlicht. Das offizielle Video zur Single gibt es hier: http://www.youtube.com/watch?v=hXlBAadicBI

Musikalisch bewegt sich  Rox zwischen Southern Soul, angejazztem Pop bis hin zu Reaggae.

Am 19.03.2010 wird das neue Album veröffentlicht!

Das heutige Konzert in der Vest-Arena ist komplett ausverkauft - wie auch das Konzert in Frankfurt - daher gibt es morgen (06.02.) einen Zusatztermin in der Vest-Arena in Recklinghausen.

„Wir sind Fans! Seit wir Luxuslärm das erste Mal auf der hr3-Bühne hatten, sind wir begeistert von dieser Band.“
(hr3)

„So Laut Ich Kann“ Tour
05.02.10 Recklinghausen // VEST Arena (AUSVERKAUFT)
06.02.10 Recklinghausen // VEST Arena (ZUSATZTERMIN)
07.02.10 Bremen // Modernes
12.02.10 Kufstein // Kultufabrik
13.02.10 München // Backstage Club
14.02.10 Frankfurt // Batschkapp (AUSVERKAUFT)
18.02.10 Berlin // Magnet
19.02.10 Dresden // Scheune
20.02.10 Stuttgart // LKA Longhorn
25.02.10 Köln // Werkstatt
26.02.10 Hannover // Musikzentrum
27.02.10 Nordhorn // Scheune
28.02.10 Hamburg // Knust

Die “Glückstour” durch Deutschland startet am 17.02!

Martin Kilger auf “Glückstour”:
17.02 Landau in der Pfalz
18.02 Heidelberg (Zieglers)
19.02 Hamburg (KIR)
20.02 Berlin (Privatclub)
27.02 Ravensburg (Bärengarten)
02.03 Musik Quickie in Hamburg

Seit nunmehr vier Alben spielen die Musiker von Garish schon zusammen. 1997 gegründet, avancierten sie bald zu den gefragtesten Bands der österreichischen Indie-Szene. Fernab des Mainstreams entwickelten sie einen Sound, der durch ungewöhnliche und eigenwillige Instrumentierung besticht. Die Band um Sänger Thomas Jarmer bevorzugt beim Songschreiben eine gar lyrische Herangehensweise. Will heißen: es gibt viel zu entdecken im Garish-Kosmos. Hier ist nichts einfach nur eine leere Phrase oder ein abgedroschener Satz. Über Jarmers Lieder muss man zwangsweise nachdenken, denn verschlüsselte metaphernreiche Songtexte dürsten danach, entschlüsselt zu werden.

Mit „Wenn Dir Das Meine Liebe Nicht Beweist”, ist die Band mit ihrem fünften Studioalbum zurück. Und anstatt auf eingefahren Bahnen zu bleiben, gingen Christoph Jarmer und Julian Schneeberger (Gitarre), Kurt Grath (Bass) und Markus Perner (Drums) anders als gewohnt an die Arbeit, erzählt Sänger und Texter Thomas Jarmer:

“Vieles von dem, was auf dieser Platte ist hätten wir uns früher nicht zugetraut, wegen der ständigen Unklarheit, was sich die Band eigentlich erlauben darf. Soviel Platz für Zufälle und Experimente wie diesmal haben wir noch nie zugelassen.”

Weitere Infos
http://www.garish.at/v5/index.html
http://www.myspace.com/eisfischer

Tourdaten

Revolver Radio Promotion
Tom Weber
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Die Wahrheit, sagt man im Fußball, ist auf dem Platz. Und im guten alten Showbusiness nun mal auf der Bühne. Wenn dies stimmt, hat Ramon Chormann im vergangenen Jahr den direkten Aufstieg aus der Regional- in die Bundesliga geschafft. Erste Bundesliga, wohlgemerkt. ??Das klingt erstmal vermessen, ist aber wahr – und das Schönste daran: der wundersame Aufstieg des „Pälzers“ ging ganz ohne Fouls und Gelbe Karten vonstatten. Viel eher fußt er auf humoristischer Finesse, sprachlichen Dribblings der Extraklasse und einem authentischen Drang zum Tor – das Wortspiel sei erlaubt: auch zum Thor. Denn Ramon Chormann kommt aus der Fastnacht, die in seiner Pfälzer Heimat Volkskulturgut ist. Er hat in der Bütt sein Handwerk gelernt und weiß mit dem Publikum zu spielen, es einzupegeln auf hohem unterhalterischem Niveau und wie die großen Entertainer des Comedyfachs einen dramaturgischen Bogen zu spannen, der „Mussik“ und „Gebabbels“ von Minute 1 bis zum letzten Moment seiner Shows zu einem einzigen Feuerwerk an geraten lässt. ??Dass dem so ist, davon haben sich auf seiner vergangenen Tournee durch mehr als 50 deutsche Städte insgesamt rund 25.000 Zuschauer überzeugen können. Chormann, der im wirklichen Leben bis Frühjahr 2009 noch einem ganz normalen Job als Amtsleiter der Verbandgemeindeverwaltung einer nordpfälzischen Kreisstadt nachging, war irgendwie überall: im Radio Dauergast und mit eigener Morning-Show-Comedy ausgestattet, im TV zwischen „Mainz bleibt  Mainz…“, Talkshows und „Fröhlichem Weinberg“ unterwegs, und natürlich live, live, live. Es scheint, als habe dieses rasante Jahr erst recht den wirklichen, den echten Ramon Chormann hervorgekitzelt. Als habe der Künstler in Chormann erst jetzt begriffen, welch Waffe dieser Wortwitz sein kann, welch weich betonierte Autobahn direkt in die Herzen der Menschen, welch Juwel unter soviel Mittelmaß. Seine Comedy-Kollegen sind sich einig: sehr gut! Ausbilder Schmidt ist begeistert vom Pfälzer Shootingstar, glaubt, dass die Pfälzer Mundart auch im Norden des Landes funktioniert. „Wie ein junger Dudenhöfer schlenzt er über die Bühne und erzählt die Geschichte eines „Pälzers“, adelt sein Kollege Lars Reichow den Bischheimer.
Wie folgerichtig, die Essenz dieser Erkenntnis direkt von den Bühnen hinein ins Studio zu tragen – und natürlich dem Publikum in Form eines neuen Albums zu präsentieren. Eines Doppelalbums – soviel Zeit muss sein. ??Und so wie einst Bap als Botschafter des Kölschen, Polt der des Bayerischen oder Herbert Knebel als Wahrzeichen des Ruhrgebietes - im ganzen deutschsprachigen Gebiet könnte Ramon Chormann mit der vorliegenden Doppel-CD „Schnuddemacher“ der nächste, der konsequente Schritt auf ein neues Publikum zu gelingen. Denn sowohl im gesprochenen („Gebabbels“) wie auch musikalischen Teil des Albums („Mussik“) spricht Chormann nicht irgendeinen, vielleicht lieblich oder gelegentlich komisch klingenden Dialekt. Er spricht die Sprache der Menschen, er spricht von ihren Geschichten, ihren Themen. Und Chormann geht auf die alltäglichen Sorgen ein, die die Menschen angehen, anrühren, interessieren.

„Tugenden“, ein bissiger Seitenhieb in Trilogieform auf des Deutschen liebste Alltagsneurosen wird man wohl auch in Bayern oder Flensburg verstehen. Dasselbe gilt für „Autobahnbaustell“, die “Scheidungsbeträge“ oder „Starker Tobak“, die wie stets selbstironisch und dennoch jedem von uns den Spiegel vorhaltende Sicht der Dinge des Ramon Chormann zum allgegenwärtigen „Raucherschutzgesetz“.
Nicht zuletzt ist da die Sprache der Musik, die der singende Entertainer am Flügel in nie da gewesener Stärke präsentiert. Die orchestralen, wunderbar leichten Kompositionen Chormanns und die traumhaften Arrangements aus der Feder von Torsten Kamps geben den wortwitzigen Texten dazu den richtig swingenden Rahmen. Ein echtes Schmankerl gelingt Chormann mit der Coverversion des Duke Ellington Klassikers „It don’t mean a thing“, der in seiner Version als „Du aah!“ besticht. Und als Krone des ganzen featured jede der beiden CDs noch zwei Livetracks von der vergangenen Tour. ??Ramon Chormann ist in seiner neuen Liga angekommen. Wollte man wieder die Symbolkraft des Fußballs bemühen, könnte das mit „De Pälzer“ losstartende Jahr, das nächste, das wichtigste Auswärtsspiel in der Karriere des bemerkenswerten Künstlers werden. Und wir versprechen nicht zuviel, wenn wir die Meisterschale schon mal in die Pfalz holen.
Live-Termine 2010 „Schnuudemacher – Tour 2010“
12.03.2010    Kriegsfeld  //  Turn- & Festhalle (Tourneestart)
13.03.2010    Kreimbach-Kaulbach  //  Gemeinschaftshalle
19.03.2010    Idstein  //  Stadthalle
26.03.2010    Bühl (Baden)  //  Bürgerhaus „Neuer Markt“
27.03.2010    Neustadt/Wstr.  //  Saalbau (Comedy Festival „1. Neustadter Lachgipfel“) *
28.03.2010    Alzey  //  Stadthalle
30.03.2010    Speyer  //  Stadthalle
11.04.2010    Bingen  //  Rheintal-Kongresszentrum
16.04.2010    Kindenheim  //  Sport- & Freizeithalle
18.04.2010    Nierstein  //  Sironasaal
23.04.2010    Westerburg  //  Stadthalle
01.05.2010    Mainz  //  Rheingoldhalle (Ramon Chormann – Die Show + Big-Band + Show-Ballet) *
06.05.2010    Mehlingen  //  Mehrzweckhalle
09.05.2010    Bad Schwalbach  //  Kurhaus
12.05.2010    Hinzweiler  //  Königslandhalle
14.05.2010    Zweibrücken  //  Festhalle (Pfalz Club Event der Mitglieder Pfalzmarketing e.V.) *
16.05.2010    Limburg  //  Stadthalle
22.05.2010    Kirn  //  Gemeinschaftshaus
24.05.2010    Wörth  //  Bayerischer Hof
29.05.2010    Mannheim  //  Capitol
02.06.2010    Landstuhl  //  Stadthalle
04.06.2010    Koblenz  //  Cafe Hahn

Weitere Termine und Updates jederzeit auf www.chormann.de
TV-Termine 2010
05.02.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) Fröhlicher Weinberg „Die Fastnachts-Sendung“
09.02.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) TV-Sitzung der Mainz-Mombacher „Bohenbeitel“
05.03.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) i.d.R. „Fröhlicher Weinberg“ an der Seite von Marc Marshall )
09.04.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) dito
21.05.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) dito
11.06.2010    SWR – RLP „Live vom Rheinland-Pfalztag 2010 aus Neustadt/Wstr.“
25.06.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) dito
14.07.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) dito
26.08.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) dito
17.09.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) dito
15.10.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) dito
19.11.2010    SWR – RLP (20:15 Uhr) dito

Weitere Infos:
http://www.myspace.com/ramonchormann
http://www.chormann.de/

„No Guts. No Glory.” Der Name ist Programm.
Kaum ertönen die ersten Riffs der Platte, hegt man den Wunsch, seine Kehle mit einem kühlen Bier zu erfrischen und die Fäuste in die Luft zu recken. Airbourne schreiben den perfekten Soundtrack für volltrunkene Ausschweifungen und man ist keinesfalls überrascht, wenn Frontmann und Leadgitarrist Joel O’Keeffe feststellt „that’s what we’re here for, mate“. Inspiriert von Bands wie Judas Priest, Thin Lizzy, Angel City, Rose Tattoo, AC/DC und Motörhead, halten Airbourne die australische Rock n Roll Flagge seit 2003 hoch.
Bis heutehaben sie sich zahlreiche Fans und Awards erspielt, wie z.B. den Metal Hammer Golden Gods, den sie 2008 für das beste Debüt erhalten haben. Die vier Jungs kommen aus einem kleinen Küstenort namens Warnambool im Südwesten Australiens. Einer Arbeiterstadt, von der ausgehend sie sich über die Jahre einen respektablen Ruf als Rock n Roll Band erspielt haben. „Basically, we’ve never been about having a specific message; we don’t talk about politics or social injustices in our songs. There are other bands out there to take care of that,” sagt Frontmann und Gitarrist Joel O‘Keeffe, der, wie sein Bruder, Schlagzeuger Ryan O’Keeffe, sein Instrument spielt seit er laufen kann. „With us, it’s not like that. It’s just rock and roll. We want people to have a good time, no matter what. Have a drink, play it really loud, and kick back.”

Für die Aufnahmen ihres zweiten Albums „No Guts. No Glory.“ reisten Airbourne nach Chicago, wo sie sich mit Produzent Johnny K zusammentaten, der schon für Bands wie Disturbed, Machine Head, Staind und 3 Doors Down gearbeitet hat. Gemischt wurde das Album schließlich von Mike Fraser, zu dessen Credits unter anderem AC/DC, Chickenfoot, Biffy Clyro, Slipknot, Metallica, Van Halen und Hatebreed zählen. Airbourne befinden sich also in allerbester Gesellschaft.

„No Guts. No Glory.“ ist zwar die logische Fortsetzung des 2008-er Debuts „Runnin’ Wild” und transportiert das Anliegen der Band, einfach Spaß zu haben, jedoch geht man, laut Ryan einen Schritt weiter “the records ist about standing up and going for it, and being a man. There’s a tougher element to the album, so to speak.”  Anstatt die Na?chte auf Kosten der Plattenfirma in einem komfortablen Hotelbett zu verbringen, entschied sich die Band, im Studio zu u?bernachten. Inspiriert von Bruce Springsteen und seiner E Steet Band, die dafür bekannt waren, im Studio zu leben bis ein Album komplett fertig aufgenommen war.
„We found out that they used to do that for the first bunch of records they did,” erklärt Joel, „so, the drums were set up in a big room with the guitars and [rhythm guitarist David Roads], he slept behind the amps; I slept behind a bunch of amps; Ryan slept behind his drum kit and [bassist Justin Street] slept behind this pool table, and we were all in the studio. It was really fun, because you’d just get up and go, ‘Fuck,’ and start recording. That’s how your day was. You just sort of woke up, had some food, and started recording. Maybe you’d have a shower; maybe not. Just sort of walk around in your shorts all day, just rocking away.” „No Guts. No Glory.” ist der zweite Longplayer für Roadrunner Records. Das Album wurde live und direkt analog aufgenommen. Die Akustik des Studios diente den Jungs quasi als zusa?tzliches Instrument. „Instead of closing all the doors and keeping the sound all confined, we just left everything open, so the sound would bleed a bit more, so it sounds a bit more open than the last one,” erklärt Joel. „That was one of the main differences. We just let it be open. We didn’t care if the guitar solo bled through the bloody cymbal mikes. It’s cool, because it adds to it.”
Das virtuelle Rock n Roll Buffet von „No Guts. No Glory.“ wartet mit Leckerbissen wie „Blond, Bad and Beautiful” und „No Way But The Hard Way” auf. Die Band ging durch eine harte Zeit, als sie vor ein paar Jahren zusammen in einem Haus in einem Vorort von Melbourne von Sozialhilfe lebte und sich quasi von Bier und Barbecues ernährte. Und ihr Haus beinahe niederbrannte – und zwar im wahrsten Sinne des Wortes (ein kleiner Barbecue Unfall). „Nothing came easy, and we’d say to each other, ‘Ain’t no way but the hard way,’” erinnert sich Ryan.
„No Guts. No Glory.“ bietet außerdem Songs wie „Steel Town”, das vom Leben unterwegs und von den Leuten, die man so trifft, inspiriert wurde. „Every time we went through a town that was a steel town, there was something about the crowd themselves,” erinnert sich Joel O’Keeffe. „They seemed to be a little bit wilder, and  they’d always drink the pub dry, and we’d have to get more beer from other pubs. There was always a massive fight, always a crazy crowd. So we wanted to give them a song that gives  them a chance to raise their flag and pump their fists in the air, and drink a beer to it. I guess it’s like throwing gasoline on the fire.”
Den Großteil des Jahres 2010 werden Airbourne on the Road verbringen, um „No Guts. No Glory.“ live zu präsentieren. Wer Airbourne einmal live gesehen hat, der kommt immer wieder zu den Shows. „We want to become that band that, people hear the name, and they know that they’ll have a good time at the show,” sagt Joel. “They know what they’re going to get. They‘re going to get rock and roll, and it’s going to be loud, and they’ll leave the concert with their ears ringing.”

Kontakt TV-Promotion:
Revolver Promotion
Sina Wahnschaffe
030 – 627 351 70
0172 – 30 37 289
sina@revolverpromotion.de

Album: „Nelken und Schillinge”
VÖ: 05.03.2010
Single: “Calypso”
VÖ: 05.03.2010
Label: schoenwetter schallplatten
Vertrieb: Broken Silence

Die Langeweile in einem Klostergymnasium macht das Schüler-Dasein nicht aufregender, aber sie schafft reichlich Platz für verrückte Gedanken und exzentrische Musik. Und wenn die feindliche Zeit dann auch noch mit intensiven Proben
totgeschlagen wird, kann es passieren, dass plötzlich geballte musikalische Souveränität die Bühne betritt. So geschehen bei einer Band mit dem trotzig-harmlosen Namen Bilderbuch.

Was 2005 mit einer absurd anmutenden Vertonung von Märchen begonnen hat (daher der Name der Band), wirkt 2009 in teils grotesk-surrealistisch anmutenden Texten nach. In der Zeit dazwischen haben sich Maurice, Peter, Mike und Fö mit knapp 100 Auftritten einen anfangs regionalen, später immer weitere Kreise ziehenden Interessentenkreis erspielt.

Mittlerweile schlagen die Wahlwiener charmant die Brücken zwischen Ernsthaftigkeit und paranoidem Spaß. Der Sound ist geprägt von immer wiederkehrende Gitarrenmotiven und harmonischen Rhythmussektionen - eingebettet in äußerst ausgeklügelten Arrangements.

Verwirrung, Paradoxien und Irritationen zieren die Texte, die Musik und manchmal formen sie sogar die Gesichtszüge des Sängers Maurice Ernst in Aktion.

Calypso ist die erste Single aus dem Album „Nelken & Schillinge”.

Toudaten

Weitere Infos
http://www.myspace.com/bilderbuch

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Ein Neues Jahr, ein neuer Anfang: Vampire Weekend sind mit der wilden uptempo-Ska-Nummer “Cousins” zurück an der Spitze der College Radio Airplaycharts und sind diese Woche somit wieder die unangefochtene Nummer 1 der deutschen Collegeradios. Da man auf einem Bein ja schlecht stehen kann, kann auch vermeldet werden, dass parallel zum College- und Tanzflächenhit die andere Vampire Weekend-Single “Horchata” sich in den deutschen Airplaycharts und in den Mainstreamformatcharts etabliert hat. Das nennen wir mal Radio-Aufmerksamkeit für ein Album, das sich mit Sicherheit in den Polls 2010 wiederfinden wird.

Was für eine Geschichte. Ständig wurden dem Label sinnbusrecords von Freunden Sachen erzählt wie: „Mensch, ihr müsst euch diese Band unbedingt ansehen”. Das ging immer wieder unter, bis beim Aufräumen des Maileingangs ein Link gefunden wurde. Auf der fast leeren Seite gab es lediglich ein Video: Zu einem so erschütternden wie berührenden Stück. Was für ein Stück.

Später sahen die Labelchefs die Band Hundreds in deren Heimatstadt Hamburg in einem kleinen, bis zum Rand gefüllten Lokal. Die Band spielte auf einer winzigen Erhöhung mit kaum mehr als einem Klavier und der Stimme. Was für eine Stimme. Die Anwesenden waren erstarrt, gebannt von dem, was dort geschah, der seltsamen Energie zwischen den beiden Geschwistern, dieser Interaktion auf einer verborgenen Ebene, der geheimnisvollen Erscheinung der beiden, der Spannung, der erhabenen Gelöstheit, der Unfasslichkeit. Den wenigen, die sich zur Bar trauten, wurde die Bedienung verweigert, um den Moment nicht zu stören. Hundreds verschwanden so plötzlich, wie sie erscheinen.

Und auf einmal war das Album, das den Namen der Band trägt fertig: Der Entwurf einer Position, einer Gestalt, die sich innerhalb ihrer äußeren, flüchtigen Linien ebenso an eine kühle Ästhetik anlehnen kann wie an intime Singer/Songwriterei. Ein Album mit Tiefgang und einer gewissen Dunkelheit, derer man sich im Nachklang als strahlend und euphorisierend erinnert. Unnahbare elektronische Klangversätze, fragile Reste von Atmung und entfernte Ahnungen, die wie Unterwassermusik erscheinen, knüpfen in den behutsam produzierten Stücken eine filigrane Verbindung mit der Unmittelbarkeit der alles umgebenden, sinnlichen Stimme.

Weitere Infos
www.hundredsmusic.com
www.myspace.com/twohundreds

Tourdaten

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Tom Weber
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Im Jahre 2006 gelang dem Sänger und Songwriter mit dem Frankfurter Plattenlabel 3p der Sommerhit: “Sommer unseres Lebens“, der direkt die deutschen Single-Top 10 stürmte und sich dann über 10 Wochen in den Top 20 hielt.
Das unter dem Titel: “Der fliegende Mann” veröffentlichte Album stieg in den Charts bis auf Platz 16. Im gleichen Jahr erschien die zweite Singleauskopplung: “Nur mit Dir” und 2007 “Immer noch”. Beide Nummern konnten sich ebenfalls erfolgreich in den vorderen Gefilden der Deutschen-Verkaufscharts platzieren.
2007 supportete er Sabrina Setlur bei einer Vielzahl von Titeln auf ihrem Album ROT.

Im Februar 2010 erscheint dann das neue Album “Flugplan 2″, das durch seine warmen und kraftvollen Töne hinsichtlich musikalischer Offenheit und Glaubwürdigkeit Maßstäbe setzen wird. Der begabte, stimmgewaltige Sänger ist ein sensationeller Live-Performer, der sein Publikum bewegt und durch seine Lässigkeit, Fröhlichkeit und seine künstlerische Power begeistert. Wer ihn live erlebt hat, kategorisiert ihn nicht, sondern genießt seine Qualitäten.

Zum ersten Mal wird in Deutschland ein Konzert auch mobil per Livestream auf dem iPhone zu empfangen sein. Sputnik, das Jugendkultur-Programm des Mitteldeutschen Rundfunks bringt Tocotronics Radio-Konzert am 29. Januar live aufs iPhone. Digital ist eben besser.

Und noch besser: Me And The White Tiger, das Vorzeige-Electro-Pop-Projekt, supporten die Tocos und werden somit zur ersten Band, die MDR Sputnik auf die Touchscreens streamt.

Me And The White Tiger entstand 2008 aus Mitgliedern lokaler Größen und Geheimtipps der Leipziger Elite in Sachen Electro und Pop wie The Caine, The Galan Pixs und TafkaCS und im Gegensatz zu den meisten genretypischen Vertretern verfolgen Me And The White Tiger eher einen „klassischen” Band-Ansatz: So programmieren Carsten Schulze und Timo Lurgenstein Sounds  und Beats, während sich Stefan Kopielski und Sui Kemmer neben Songwriting und Texten die Vokalarbeit teilen. Für das Me-And-Ahe-White-Tiger-Produktionsteam sind die Sounds des Ed-Banger-Universums ebensowenig fremd wie die Sono’sche  Klangzentrifuge oder der allseits beliebte Trentemöller-Beat. Ganz zu schweigen von  einem geschmacklich und zitatsicherem “Eighties”-Oevre. Die Single “We Are Discoteque” aus ihrem aktuellen Album war in den letzten Monaten ein Überraschungsindieradiohit.

Zu Tocotronic braucht nix mehr gesagt werden, außer vielleicht, dass sie ihr neues Album „Schall und Wahn” dabei haben werden.

Und wie geht das jetzt?

Alles was man dazu braucht, ist die kostenlose Applikation “Sputnik 2″, die es für iPod Touch und iPhone über iTunes zu beziehen gibt.

“Wir sind sehr gespannt, ob das klappt. Unsere ersten Tests sind gut verlaufen”, sagt Programmchef Eric Markuse.

Aber keine Angst, wer kein iPhone hat, geht nicht leer aus. Das Konzert wird auch „regulär” ins Internet gestreamt. Siehe dafür www.sputnik.de.

Hier der Link zur Sendung:  http://www.ardmediathek.de/ard/servlet/content/3517136?documentId=3706808

REISEGRUPPE FISCHER AUF TOUR MIT LIVINGSTON

15.03.2010 Bremen, Modernes
17.03.2010 Hamburg, Markthalle
18.03.2010 Hannover, Musikz.
19.03.2010 Bochum, Zeche
21.03.2010 Dresden, Schlachthof
22.03.2010 Achaffenburg, Colossaal
23.03.2010 Freiburg, Jazzhaus
25.03.2010 Solothurn, Kofmehl
27.03.2010 Winterthur, Salzhaus
28.03.2010 Augsburg, Kantine

Am 27.02. steht die Legende in Erfurt bei Tommy Gottschalk auf der Bühne!!

Das neue Studioalbum „Sonic Boom“ von KISS erschien in Deutschland am 02. Oktober 2009 bei Roadrunner Records und stieg auf Platz 4 der Albumcharts ein!

In ihrer 35-jährigen Karriere haben KISS weltweit über 80 Millionen Alben verkauft.
„Sonic Boom“, das von KISS Sänger und Gitarrist Paul Stanley in Los Angeles produziert wurde, enthält 11 brandneue Hymnen der Band.

“Sonic Boom” ist das erste neue KISS Studioalbum, auf dem Gitarrist Tommy Thayer mit Paul Stanley, Gene Simmons und Schlagzeuger Eric Singer zu hören sind.

KISS LIVE - Europa-Tour 2010
25.05.10 LEIPZIG / Arena
26.05.10 BERLIN / O2 World
31.05.10 HAMBURG / Colorline-Arena
01.06.10 OBERHAUSEN / König-Pilsener-Arena
04. - 06.06. Rock Am Ring & Rock Im Park

Dreiköpfige Charme-Offensive mit Faible für Rollkragenpullis:
Ruben Cossani gehen auf Tournee – mit Spielfreude, Sixties-Sound und ihrem aktuellen Album „Alles auf einmal”

Viel besser kann eine Band kaum starten: Konrad Wißmann, Leo Lazar und Michel van Dyke lernten sich beim Fußballspielen kennen und schätzen, gründeten kurzerhand eine Band – und brachten unter dem Namen Ruben Cossani sogleich Großes auf den Weg: ihr Debütalbum „Tägliche Landschaft”. Der Erstling, gefüllt mit Songperlen aus der Feder van Dykes, der zuvor bereits einigen Größen des Geschäfts Hits auf den Leib schrieb, wurde von der Kritik gefeiert. Genauso wie vom Publikum, ob die Band nun auf Tournee mit Ina Müller und Sasha war, bei Stefan Raabs Bundesvision Songcontest oder schließlich auf Solo-Konzertreise durch hiesige Clubs und Säle.
Hobby-Kicken als Initialzündung einer Erfolgsgeschichte, das gilt leider nur für Album Nummer eins; bei Nummer zwei steht die gemeinsame Leidenschaft für den Beginn einer ausgewachsenen Pechsträhne: Im Herbst letzten Jahres, pünktlich zur Veröffentlichung des lang erwarteten Nachfolgers „Alles auf einmal”, brach beim munteren Ballsport zuerst Michels Arm – und in der Folge die gesamte Planung der Band zusammen. Wichtige Termine mussten abgesagt, die Tournee gar verschoben werden. Und als Krönung verkündete Leo Lazar kurz darauf aus privaten Gründen auch noch seinen Ausstieg bei Ruben Cossani.

Es sind einige Monate ins Land gegangen, doch jetzt sind Ruben Cossani wieder da, vollzählig, in Mannschaftsstärke sozusagen. Neu dabei ist Alexander Jezdinsky, und er passt sich nahtlos in das Trio ein. Nicht nur, weil er gut Schlagzeug spielt, singt und genau wie seine neuen Kollegen multiinstrumental veranlagt ist. „Er bringt durch seine Arbeit mit dem Frank Popp Ensemble und Angelika Express viel Sixties-Feeling mit”, sagt Michel van Dyke. „Außerdem sieht er super aus”, lacht Konrad Wißmann.

Das Line-up steht also: Drei Musiker, die sich je nach Bedarf an Gitarre, Bass, Schlagzeug oder Klavier abwechseln, um ihren oft dreistimmigen Gesang zu untermalen. Das Programm ist ebenfalls komplett, mit Songs aus den beiden Alben, ergänzt durch weitere Stücke wie „Du trägst keine Liebe in dir”, das Michel van Dyke für die Band Echt komponierte. Glanzvolle Popnummern, träumerisch und tanzbar, melancholisch und amüsant, immer mit einer Prise ironischer Distanz versehen.
„Es kann also losgehen. Und es wird ganz sicher kein musikalischer Standfußball”, so Konrad, „sondern überraschend und bunt, für das Publikum und für uns: Wir haben auch schon spontan mit unseren Gästen Sirtaki getanzt.”
Überraschend ist auch die neue Single, die die Band im Tourgepäck hat: „Raus” ist eine grooveschwangere Kollaboration mit Dokter Renz von Fettes Brot. Retro-Sound und fette Reime, das geht zusammen. Wenn die Zeilen in so formvollendetem Sprechgesang daherkommen. Und wenn Ruben Cossani den Sound beisteuern.

TOUR 2010

18.04.2010 Köln – Stadtgarten
20.04.2010 München – Ampere
23.04.2010 Dresden – Theater Wechselbad
25.04.2010 Berlin – Roter Salon
26.04.2010 Hamburg – Fliegende Bauten
19.04.2010 Augsburg
22.04.2010 Erfurt (tba)

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Aber auch das dazugehörige Album “Contra” ist wohl die erste Chartsensation 2010: Das Album ist in die deutschen Albumverkaufscharts auf #15 eingestiegen, un den amerikanischen die Billboard-Charts haben sie bereits die Nummer 1,  in UK ist das Album bereits auf #3 vermeldet. Kein Wunder, denn das aktuelle Album „Contra” hat einiges zu bieten: organisch und mit viel mehr Jamcharakter und noch eine ganze Spur popmusikorientierter gehen die New Yorker an ihr neues Werk heran, mischen mal Ska wie völlig selbstverständlich mit afrikanischen Grooves und Indie-Rock, experimentieren sogar mit Auto-Tune herum und hantieren mit eingängigen Melodien, die einem nach dem ersten Hören nicht mehr aus dem Ohr zu gehen vermögen. Das trifft den Nerv der Zeit… den der Fans hat es ohnehin schon voll erwischt: die Daten der Deutschlandtour im Februar sind bereits restlos seit Tagen ausverkauft..

„Lost”! So heißt nicht nur die spektakuläre Serie die im Mai ihren Abschluss findet, so heißt auch einer der besten Morrisey-Songs der Malajusted-Phase. Die Musik damals schrieb Spencer Cobrin, der einen Großteil der 90er Jahre als Schlagzeuger in der Band von Morrissey. Zum Ende hin wurde sein Einfluss dort immer größer. Neben „Lost” schrieb er auch „Wide To Receive”. Doch menschlich taten sich immer größere Abgründe auf. Cobrin verließ die Band und England.

Zur gleichen Zeit etwa zog es Scott Matthew von Australien ebenfalls nach New York. Beide trafen und befreundeten sich. Matthew veröffentlichte zum Ende der 00er-Jahre zwei Alben über Glitterhouse. Die beiden Alben brachten ihm unter anderem Vergleiche mit dem jungen Bowie sowie Antony Hegarty. Die Alben waren fragil, elegisch, berührend. Doch keineswegs für das Radio und für den Tanzboden geeignet.

Jetzt erscheint mit „Could Ya” der erste Vorbote der Zusammenarbeit von Cobrin und Matthew.

Im Dezember ließen wir es schon im Newsletter schon anklingen: Official Secrets Act werden im Februar 2010 in Gruppe B der Jägermeister Rock:Liga gegen Hot Hot Heat und The Teanagers spielen.

Jetzt weisen wir noch einmal darauf hin und bringen noch ein Update: Die Jungs werden eine neue Single im Gepäck haben. „Believe Me” heißt das Stück und es geht in die Beine überzeugt euch selbst.

Hier die Tourdaten:
22.02.2010 Hamburg // Grünspan
23.02.2010 Köln // Stollwerck
24.02.2010 Karlsruhe // Substage
25.02.2010 Dortmund // FZW
26.02.2010 Dresden // Alter Schlachthof

Die Single “Believe Me” erscheint am 26.Februar bei One Little Indian.

Album: „Elva Snow”

VÖ: 19.03.2010
Single: “Could Ya”
VÖ: 19.03.2010
Label: Glitterhaouse Records
Vertrieb: Indigo

„Lost”! So heißt nicht nur die spektakuläre Serie die im Mai ihren Abschluss findet, so heißt auch einer der besten Morrisey-Songs der Malajusted-Phase. Die Musik damals schrieb Spencer Cobrin, der einen Großteil der 90er Jahre als Schlagzeuger in der Band von Morrissey. Zum Ende hin wurde sein Einfluss dort immer größer. Neben „Lost” schrieb er auch „Wide To Receive”. Doch menschlich taten sich immer größere Abgründe auf. Cobrin verließ die Band und England.

Zur gleichen Zeit etwa zog es Scott Matthew von Australien ebenfalls nach New York. Beide trafen und befreundeten sich. Matthew veröffentlichte zum Ende der 00er-Jahre zwei Alben über Glitterhouse. Die beiden Alben brachten ihm unter anderem Vergleiche mit dem jungen Bowie sowie Antony Hegarty. Die Alben waren fragil, elegisch, berührend. Doch keineswegs für das Radio und für den Tanzboden geeignet.

Jetzt erscheint mit „Could Ya” der erste Vorbote der Zusammenarbeit von Cobrin und Matthew.

Wie war das damals eigentlich in den 90ern? Ein Schlagzeug, ein Groove, eine Gitarrenlinie, der Bass, die Stimme. Keine Keyboards, kein New-Post-whatever-Rave. In diese Kerbe hauen Elva Snow auf „Could Ya”. Sie springen ein Jahrzehnt zurück und entführen uns noch einmal in die Tage der Ballonseidentrainingsanzüge. Wir erinnern uns an Elastica und Suede, suchen noch einmal „Animal Nitrate” raus und hören danach „Could Ya”. „Half weight, half wit / you say that you’re a / sick, sick catholic / i think that i like it”. Der Mensch braucht Konstanten. „Could Ya” ist eine. Für das Hier und Jetzt. Für die Zukunft. Für die Vergangenheit.

Weitere Infos
http://www.myspace.com/elvasnow

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Endlich! DIE STERNE machen jetzt in Disco!
Das wurde aber auch mal Zeit. Drei Jahre hat sich die Hamburger Lieblingsband aller Menschen mit gutem Geschmack genommen, um das neue Album „24/7“ auszudenken, aufzuschreiben und aufzunehmen, hat damit das bandeigene, Independent-Label „MATERIE RECORDS“ wiederbelebt, hat die alte Schwester „ROUGH TRADE“ als Vertrieb genutzt, hat im neuen Studio „Le Chatelet“ ihres alten Mitmischers Gregor Hennig gearbeitet, hat einen Organisten gehen lassen (Richard von der Schulenburg ist nicht mehr dabei) und einen Organizer dazubekommen: Den Münchner Produzenten, DJ und Musiker Mathias Modica alias Munk, dessen Elektrogrooves „24/7“ so funky machen, dass man nicht mal mehr auf die Texte hören müsste.
THEORETISCH.
Tut man es doch, erkennt man, dass „24/7“ mehr ist, als eine Four on the floor-Rave-Platte, eine Funk-Explosion, eine konsequente Fortführung der altbekannten STERNE-Leidenschaft für Tanzbares, eine liebevolle Verbeugung vor Disco, House und Munich Pop, eine Hit-Sensation ganz im K-telschen Sinne.
Denn Frank Spilkers reduzierte Texte erzählen auf den Punkt und mit dunkler Ironie von einer Welt der Ladenschlusszeiten und Psychosen, der Verortung des Individuums in einer globalisierten Umgebung und dem Willen nach Ekstase. Seine großen Themen sind in den Beat eingewebt wie Goldfäden in eine Mitra. Groove und Geist tigern hier Hand in Hand. Sie gehören schließlich ohnehin zusammen.

„Depressionen aus der Hölle“ legt Zeilen wie „Wohin zur Hölle / mit den Depressionen / Ich geh in die Disco / Ich will da wohnen“ auf eine Mischung aus Dicke-Hose-Funk und Philosophie. Das geht tatsächlich.

„Life in Quiz“ blubbert vor sich hin, Disocgeigen fiedeln, Discobass brummelt, Discoklavier hypnotisert, im Hintergrund singt Georgio Moroder, ach nein, es ist doch Frank Spilker.

„Wie ein Schwein“ ist eine auf wenige Töne basierende Trance zum Raven, eine Meditation über eines der STERNE-Lieblingsthemen: „Wir fürchten, eine Welt / die uns am Leben hält / wäre ohne Sinn / und das fänden wir schlimm“. Und - es gibt ein Rückwärtsgitarrensolo.

„Convenience Shop“ gibt dem Album den Titel und die Marschrichtung vor, und zwar in amtlichem Afro House: „Wir sind der Convenience Shop und wir haben für Dich auf, 24/7“.

Und auch wenn, wir erwähnten es bereits, die Platte ausschließlich aus Hits besteht: Bei „Nach fest kommt lose“ ist schon der Titel Hit. „Ist das ein Sturm / Man hört schon das Getose / Was kommt nach fest / nach fest kommt lose!“ Arme hoch und los. Nebelmaschine ist schon an. Den Sinn des Lebens durchzunehmen kann Spaß machen.

„Stadt der Reichen“ featuret außer Claves, irrem Orgelsound und fettem Bass Betrachtungen zum Thema Soll und Haben: „Es liegen 1000 Leichen / in der Stadt der Reichen / Aus dem Weg, ich möchte investieren / Aus dem Weg, ich möchte Tennis spielen“

„Neblige Lichter“ ist reine, pure, harte, sich steigernde Disco mit Verweigerungshaltung: „Wir müssen das ändern / Erklärt’s Euren Kindern / Ich wechsel den Schritt / ich mache nicht mit“.

„Deine Pläne“ mit seinen minimal-efffektiven Dur/Moll-Akkordwechseln scheucht sogar den strebsamsten Hamburger Schüler auf die Tanzfläche.

„Gib mir die Kraft“ vereint hypnotischsten Rave mit echten Gitarren, ja, die gibt es tatsächlich oft und laut auf dem Album – wie immer entsteht der Sound in the mix. Denn DIE STERNE bleiben modern, ohne zu vergessen, wie Musik entsteht.

Und am Ende entspannen alle bei „Passwort“.

DIE STERNE und Mathias Modica definieren Elektrosounds so, wie Psychedelic-Krautrockhelden sie definieren würden: warm, meditativ, organisch und trotzdem hart.
DIE STERNE zeigen auf „24/7“, dass man Sophistication nicht durch viel Text oder ausschließlich Akustik-Songwriter-Gitarre zum Ausdruck bringen kann. In ihren Worten: „Du kannst es sagen / Du kannst es tanzen“. Genau so ist es.

DIE STERNE AUF TOUR

23.01.2010 AT Wien- FM4 Fest@Arena
28.01.2010 DE Jena - Kassablanca / Campus Radio Fest
01.02.2010 DE Hamburg - Thalia Theater
26.02.2010 DE Hamburg - Indra / Materie Release Party
09.04.2010 DE Bremen - Stauerei
10.04.2010 DE Osnabrück - Rosenhof
11.04.2010 DE Düsseldorf - Zakk
12.04.2010 DE Köln - Luxor
14.04.2010 DE Heidelberg - Karlstorbahnhof
15.04.2010 DE Stuttgart - Rocker 33
16.04.2010 DE Augsburg - Kantine
17.04.2010 CH Zürich - Exil
19.04.2010 DE Freiburg - Jazzhaus
21.04.2010 AT Wien- Wuk
22.04.2010 AT Graz - PPC
23.04.2010 AT Salzburg - Arge
24.04.2010 DE Erlangen - E Werk
25.04.2010 DE Dresden - Beatpol
26.04.2010 DE Berlin - Postbahnhof
28.04.2010 DE Hamburg - Uebel & Gefährlich 

Über 180.000 verkaufte Alben! Gold-Auszeichnung für das Debüt „Invasion der Killerpilze“! Ausverkaufte Shows und Fan-Clubs in halb Europa! Die Killerpilze sind der erfolgreichste deutschsprachige Rock-Newcomer der letzten vier Jahre. Und nicht nur das: Schlagzeuger Fabian(16) ist mittlerweile auch ein angesagter Schauspieler („Vorstadtkrokodile“), Gitarrist Mäx (21) und Sänger Jo (20) schreiben nebenbei noch Musik für Kinofilme und haben sich so einen ausgezeichneten Ruf als Songwriter erarbeitet.

Doch jetzt ist erstmal Pause mit den Nebenprojekten: Die drei Rocker aus dem bayerischen Dillingen an der Donau melden sich mit ihrer neuen Single „DREI“ am 12. Februar zurück. Der dritte Longplayer folgt im Frühjahr. Dabei ist es Produzent Corni Bartels in den Münchner Weltraumstudios gelungen, die legendäre Spielfreude, die die Fans von den Killerpilzen-Konzerten bestens kennen, perfekt einzufangen. Vor allem der abwechslungsreiche Sound, der von melodischen Punkrock-Hymnen, über harte Metal-Songs bis hin zu nachdenklichen Balladen variiert, zeigt ihre musikalische Reife. „Die neuen Songs sind wie ein musikalischer Befreiungsschlag. Wir haben ein Jahr lang sehr intensiv an unseren Ideen gearbeitet. Damit wollen wir einen weiteren Schritt in Richtung Ernsthaftigkeit gehen. Schließlich sind wir keine Teenie-Band mehr,“ gibt Jo die neue Marschroute vor.

Eine sicherlich neue Erfahrung wird es sein, dass die Band künftig für ihre eigenen Geschicke zuständig ist. Sänger Jo dazu: „Wir hatten eine aufregende Zeit mit den ganzen Leuten bei Universal Music und sind dankbar für die ganze Energie und das Know How, was in uns investiert wurde. Letztlich haben sich unsere Visionen etwas auseinander entwickelt, so das wir uns im Guten trennten und lieber ab jetzt alles selber machen. Wir haben ja die letzten Jahre viel Einblick in die Musikbranche gewonnen.”

Ab sofort sind Jo, Mäx und Fabian ihr eigener Chef. Die Jungs haben selbst ein Label gegründet, um unabhängig zu sein: „Für uns ist die Situation eine völlig neue, sehr positive Erfahrung. Endlich müssen wir nicht mehr mit den Verantwortlichen einer Plattenfirma diskutieren, ob ein Song ins Marketing-Konzept passt oder ob die Aufnahme den Zeitgeist trifft. Jetzt müssen wir nur noch intern darüber diskutieren, ob ein Song gut ist oder nicht. Das setzt ungeheure Kräfte frei, die in den kreativen Prozess fließen.“

Dieser Prozess umfasst nicht nur die Musik: „Wir machen jetzt alles komplett selbst: Vom Design der T-Shirts, über die Grafik auf den Eintrittskarten bis hin zu unserem Internet-Auftritt. Ab sofort gibt es nur noch 100 Prozent Killerpilze – und zwar in jedem Bereich!“

Das gilt selbstverständlich vor allem für die Hilfsprojekte, für die sich die Killerpilze stark machen. „Uns ist es wichtig, dass wir nicht nur über Ungerechtigkeit singen oder reden. Wir setzen uns dafür ein, dass die Welt ein kleines bisschen besser wird.“ Gemeinsam mit den Fans sammelten die Killerpilze 250.000 Euro für die Aktion „Punk macht Schule“. Mit dem Geld wurde eine Schule in Äthiopien gebaut. Zurzeit sind die Fabian, Mäx und Jo in dem Projekt „Generation Abc 2015“ engagiert und rocken bei „Kein Bock auf Nazis“ gegen Rechtsextremismus.

Jetzt liegt aber erstmal die volle Konzentration auf dem neuen Album. „Auf unsere neuen Songs können wir wirklich stolz sein. Das sagt natürlich jeder Musiker. Aber ich müsste mich schon sehr täuschen, wenn unsere Fans anderer Meinung sind,“ freut sich Jo über das Ergebnis der Aufnahmen. Ob Jo mit seiner Einschätzung richtig liegt, davon können sich die Fans ab ab dem 26.03. selbst überzeugen. Dann gehen die Killerpilze endlich auf den ersten Teil ihrer großen LAUTOBAHN Tour: „Wir werden uns mit der neuen Platte den Arsch abspielen und durch ganz Europa touren. Die Fans können sich auf geile Party-Abende freuen,“ verspricht Fabian. Pogo, Party, Punkrock – die Killerpilze sind bereit für den nächsten Schritt ihrer Karriere!

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Mitte September 2009 wurde in der Durham Cathedral (nahe Newcastle) das Konzert mit STING “A Winter’s Night…” aufgenommen.
Dieses wird jetzt auf ARTE am 10.01.2010 von 23:00 - 00:00 Uhr ausgestrahlt !
Unbedingt einschalten !

Bescherung bei ER FRANCE: ab sofort verschenken die Understatement-Popper aus Düsseldorf eines ihrer Highlights des kommenden Albums „Pardon My French, Chéri!“ (VÖ 22.1.2010) als Free Download. Bei dem deutsch-französischen Duett „MIT NAMEN UND MIT BILDERN“ verlassen ER FRANCE ihre gewohnten Sixties-Garage-Pfade für eine Songlänge und Isabelle und André huldigen stattdessen so bizarren 80er Jahre-Konstellationen wie Stefan Waggershausen mit Alice, Udo Lindenberg mit Helen Schneider oder Serge Gainsbourg mit Catherine Deneuve. Der catchy Radio-Song geht tief ins Herz: eine Ode an die Liebe, ein Schwanengesang, ein Hit! Und er ist ein Geschenk an die Fans! Als weiteren Bonus gibt’s obendrein eine mitreißende Live-Version des ER FRANCE-Klassikers „I Came To Get My Due“.

Free Download: http://www.erfrance.de/2009/12/mit-namen-und-mit-bildern-2009-free-download/

Desweiteren erscheint am 18.12. bei Universal der Soundtrack zum Kultfilm des Jahres: „SOUL KITCHEN“.
ER FRANCE sind überglücklich Star-Regisseur Fatih Akin mit ihren kratzigen Punkriff von „Sing Song Girl“ überzeugt zu haben. Damit hat der Hamburger Kultregisseur und Freizeit-DJ AKIN seinen Lieblingssong vom kommenden ER FRANCE-Album „PARDON MY FRENCH, CHÉRI!“ (VÖ 22.1.10) gefunden. Für seine preisgekrönte Komödie SOUL KITCHEN wählte Akin etablierte Klassiker und versteckte Perlen von Soul bis Indie. AKINS Interpretation des Heimatfilms startet am 25. Dezember in Deutschland, das Ausland muss bis Mai 2010 warten. ER FRANCE haben ihre Kinokarten schon vorbestellt.

Bildmaterial, Cover- und Pressedownloads unter: www.erfrance.de/presse

CD’s von ER FRANCE können ab sofort bei uns bestellt werden.

Mehr Infos unter:
www.erfrance.de
www.myspace.com/erfrance

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Gestatten: Sushi. mister sushi. Ihres Zeichens unterwegs im Auftrag
der Liebe. Und zwar von Anfang an.

mister sushi werden nur schwerlich die Welt verändern (wollen sie
auch gar nicht). Aber das begeisterte Grinsen ihrer Konzertbesucher
in soviele bundesdeutsche Haushalte wie möglich tragen wollen sie
durchaus.
„Tanzbar, ehrlich und unter die Haut“, so beschreibt Sänger Al Forno
den Sushi-Sound, der sich ganz absichtlich von anderen deutschen Band
unterscheiden soll und eher auf den englischen und amerikanischen
Markt schielt.

Ein aufregendes Jahr geht für die Band aus Leipzig zu Ende. Erst
Anfang des Jahres hatten Al Forno, Todd Rigatoni, Born Pesto, The Ad
und Ice Garcia eine Plattenfirma gefunden. Wenig später liefen ihr
Song „Elektrisch“ im Radio. MDR SPUTNIK lud sie zu einem Radiokonzert
mit ihren musikalischen Helden ein: Selig. Jan Plewka hatte damals
Forno sogar durch Handauflegen von einer Kriegsverletzung befreit.
Den Videoclip zum Song kann man immer noch in allen McDonalds
Fillialen sehen, wenn man genügend Sitzfleisch mitgebracht hat. Das
Debüt von mister sushi „So elektrisch“ mit 13 steht seit September im
Laden. Und kurz danach durften sie für die frischgebackenen MTV-Award
Gewinner SILBERMOND ihre Tour in der Leipziger Arena vor 8000 Fans
eröffnen. Zeit Danke zu sagen. Die Jungs haben ein Video gedreht, in
dem sie ihr Jahr 2009 ganz persönlich zusammenfassen. Mit dem Zusatz,
dass, wenn man sich das Video bis zu Ende anschaut noch ein Live
Track vom Radiokonzert mit Selig als kostenloser Download auf den
User wartet.

Die Flashcard samt Video & Geschenk der Band findet ihr hier:
http://www.dreiklang-music.de/mistersushi_geschenketerror/

Mehr Infos unter:
www.mistersushi-band.de
www.myspace.com/pliziert
http://www.facebook.com/pages/MISTER-SUSHI
http://twitter.com/MisterSushi
http://www.youtube.com/MisterSushiBand

Kontakt: robert@revolverpromotion.de

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Elena, Holger, Jörg, Robert, Philipp, Sina, Tom, Dani, Matthias

Am 23.01.2010 steht er im Stage Club in Hamburg auf der Bühne & auch die Berliner bekommen am 30.01.2010 im Frannz Club die Chance den charmanten Sänger live zu erleben.

Zwei Alben hat die Finnin Astrid Swan mittlerweile veröffentlicht, jetzt wird es aber endlich mal Zeit, dass auch eine größere Hörerschaft diese tallentiert Songwriterin kennen lernt.

Als Astrid 17 war, spielte sie auf den Open-Mic-Nächten in Iggy Pops Heimatstadt Ann Arbor in Michigan, mit 19 buchte sie sich ihre eigene Show auf dem SXSW Festival und bewies damit, dass es nur Motivation und Eigeninitiative bedarf, um dort zu spielen. Sie perfektionierte ihr Songwriting und ihre Performance - unter anderem auch als Mitglied anderer Bands aus Pop und Klassik - und veröffentlichte 2005 in ihrer finnischen Heimat ihr Debütalbum „Poverina”. Da war sie 23 und sorgte als formidable Songwriterin mit kreativer Ader für gespitzte Ohren und Anerkennung. So begleitete Jimi Tenor Astrid auf einigen Tracks mit ausladenden Streichern und großartigen Bläsern. Schließlich erschien „Poverina” auf Minty Fresh Records auch in Amerika, was in einer zweimonatigen Tour resultierte. Und auch die amerikanischen Medien geizten nicht mit Lob:

“Poverina is a beautifully surreal and intensely imaginative album. Unlike many modern day recordings, Poverina’s construction has an old-fashioned class and sophistication that is unrivalled.” - Amplifier Mag

Astrids zweites Album “Spartan Picnic” bringt ihr Vergleiche mit Tori Amos oder Kristeen Young ein und überzeugt durch seine überraschenden Kompositionen.

Mit “Better Than Wages” erscheint im Januar 2010 Astrids drittes Album. Dieses Mal spielt sie mit der Ästhetik und der Form des Pop, um dem klassischen Rocksounds á la Blondie und The Pretenders nachzueifern. Um diese Vision Realität werden zu lassen, gründete Astrid die Band The Drunk Lovers. “Better Than Wages” schmeckt rau und vertritt die Ästhetik des Lo-Fi. All das wird unterstrichen von der Stimme Astrids. „Better Than Wages” ist ein zugängliches Album, das die stärksten und melodischsten Songs, die Astrid jemals geschrieben hat.

Weitere Infos:
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Das Meer ist eine romantische Metapher - Sinnbild für Sehnsucht und Aufbruch, für Abschied und Heimweh. Mit kammermusikalischer Intensität entwirft Max Raabe ein akustisches Panorama dieser schillernden Gefühlswelt. In überwiegend leisen Tönen erzählt “Übers Meer” von Liebe und Sehnsucht, von Weggehen und Ankommen. Konzentriert und variantenreich spannt die ebenso voluminöse wie präzise Baritonstimme den großen, melodramatischen Bogen - heiter, elegisch und melancholisch.

Die Stücke entstanden zum größten Teil gegen Ende der Weimarer Republik, dieser experimentierfreudigen und widersprüchlichen, herrlich verrückten und doch gar nicht “goldenen” Zeit. Legendäre Komponisten und Textdichter wie Fritz Rotter, Robert Gilbert, Walter Jurmann, Austin Egen, Hans May, Walter Reisch und Werner Richard Heymann, ausnahmslos jüdischer Herkunft, mussten über Wien, Paris und London in die USA emigrieren - buchstäblich “übers Meer” und weit weg von der Heimat und jener Sprache, die sie liebten und so meisterhaft beherrschten. Einige hatten Glück und machten Karriere in Hollywood; nicht wenige kehrten später nach Deutschland zurück. Mögen ihre Namen heute nur noch wenigen bekannt sein – ihre Melodien klingen über alle Abgründe und Zeitenbrüche hinweg. Die geniale Mischung aus Melancholie und Ironie, tiefer Traurigkeit und unverschämter Lebenslust bleibt das bis heute unerreichte Erbe einer Kultur, die 1933 brutal vernichtet wurde. Umso wunderbarer der späte Triumph dieser großen Künstler, deren einzigartiger, stets romantisch gefärbter Esprit sich traumwandlerisch sicher zwischen Dur und Moll bewegte, zwischen dem Kleinen und dem Großen, dem Leichten und dem Schweren, zwischen Witz und Wahnsinn des Lebens.

Nach den internationalen Konzertreisen der vergangenen Jahre und dem großen Erfolg des Live-Mitschnitts aus der New Yorker Carnegie Hall mit dem Palast Orchester erscheint mit “Übers Meer” bei Universal das erste Solo-Album von Max Raabe. Aufgenommen und gemischt wurden die fünfzehn Lieder im Sommer 2009 im Rainbow Studio in Oslo von Jan Erik Kongshaug. Musikalisch begleitet wird Max Raabe von seinem langjährigen Pianisten Christoph Israel.
Max Raabe Solo Tour 2010
11.04.2010 München - Prinzregententheater
20.04.2010 Düsseldorf - Schauspielhaus
21.04.2010 Neubrandenburg - Konzertkirche
22.04.2010 Stendal - Theater
23.04.2010 Hamburg - Laseiszhalle
24.04.2010 Heide - Tivoli
26.40.2010 Erfurt - Kaisersaal
27.04.2010 Leipzig - Gewandhaus
28.04.2010 Dessau - Anhaltisches Theater
30.04.2010 Elmau - Schloss Elmau

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Label: Rough Trade Records/Beggars Group
Vertrieb: Indigo

Roxanne Tania Tataei, kurz Rox, ist unbestritten die überzeugendste Debütantin 2010. Ihr Album „Memoirs” ist das Ergebnis harter Arbeit und absoluten Willens. Trotz eines zarten Alters von 21 Jahren hat sich die Halb-Iranerin-Halb-Jamaikanerin unseren unbedingten Respekt verdient. Als Sängerin. Als Songwriterin. Als Künstlerin auf Rough Trade Records. Eine neue kraftvolle Stimme auf den Bühnen der Welt, die uns schon jetzt die eine oder andere Story zu erzählen hat.

Rox hat ihre Jugend nicht vergeudet. Ihre Wochenenden verbrachte sie nicht wie andere Teenies vor dem Croydoner Shopping Center. Samstage waren nicht zum Rollerskaten, sie waren für die Kirche, für den Gesang von 9 bis 5, Woche für Woche seit sie fünf Jahre alt war. Hier entwickelt sich ihre Stimme, wachst ihre Liebe zum Auftritt und manifestiert sich ihre beneidenswerte Arbeitsmoral. Auch die vielen gemütlichen jamaikanischen Familientreffen bereichert sie mit eindrucksvollen Gesangseinlagen; liefert vielfältige Harmonien zu Schmorgerichten oder eine Solo-Performance zum Dessert.

Ihre Lust an komplexen Arrangements und eigener Musik wuchs und so gründet Rox  eine akustische Jazzband. Schon die ersten Shows 2007 beweisen sowohl ihre musikalischen Fähigkeiten als auch ihre unheimliche Bühnenpräsenz. Schnell werden die üblichen A&R-Manager auf sie aufmerksam und Rox erhält etliche Angebote. Es ist dann vor allem die Aussicht auf absolute künstlerische Freiheit, die sie zu Rough Trade Records führt.

Bei den Albumaufnahmen verknüpft sie ihre musikalischen Einflüsse, diesseits und jenseits des Teichs. New Jerseys Commissioner Gordon (berühmt für seine Arbeit mit Lauryn Hill, Damian Marley und KRS One) sitzt am Mischpult, während Rox mit einem Team verdienter Studiomusiker jammt. „Playing with guys who had recorded with the Skatalites and Bob Marley was a life changing experience.”

Nachdem die Fundamente des Albums in Amerika gelegt wurden, kehrt Rox nach London zurück und arbeite dort mit ihrem Freund Al Shux, der Jay-Zs Ode an NYC ‘Empire State of Mind’ produzierte, weiter an ihrem Album “Memoirs”…

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Am Sonntag, den 06.12.2009, präsentiert Emiliana Torrini ihren Song “Jungle Drum” bei “Menschen 2009″ (ZDF / 20:15Uhr).

Album: „ Poet der Affen / Poet Of The Apes”
VÖ: 29.01.2010
Single: “Halt’ alle Uhren an / Stop The clocks”
Label: Roof Music
Vertrieb: Indigo

Wer bereits mit sieben Jahren seinen ersten Tinitus bekommt, der muss entweder in einer äußerst lärmbelasteten Umgebung aufwachsen oder gnadenlos der Musik verfallen sein. Für den Bochumer Thomas David Finke alias Tommy Finke trifft letzteres zu und er nimmt das Fiepen in seinem Ohr gelassen als Kainsmal seiner Berufung hin. Denn eines war schon recht früh klar in seinem Leben: nur mit Musik gibt es ein besseres Morgen.

Als Teenager machte er zunächst in der Spaß-Punkband Hummelgesicht seinem Ärger Luft. Irgendwann stellt der Brit-Pop-Fan und Beatles-Fanatiker jedoch fest, dass seine Ambitionen mehr verlangen als Drei-Akkorde für den nächsten Pogotanz. Mit eigenen Kompositionen in der Tasche gründete er deshalb im Jahr 2000 mit Freunden die Band „Stromgitarre”.

Deren Bandchemie wurde leider im Laufe von vier produktiven Jahren so oft durcheinander gewürfelt, dass Tommy mehr und mehr allein für Songwriting und dessen Ausarbeitung verantwortlich wurde. Nebenbei beginnt er auch solo, allein mit der Akustikgitarre, eigene Songs vor Publikum zu präsentieren.

Wie sich zeigte zu Recht, denn mit seiner EP „1000 Meilen” macht Finke 2004 erstmals mit einem an Rio Reiser, Oasis und The Beatles geschulten Songwriting durch eine Indiepop-Veröffentlichung auf sich aufmerksam, die vor allem dank ihrer poetischen Wirkungskraft viel Applaus einfährt. Drei Jahre später erblickt mit „Repariert was euch kaputtmacht” dann 2007 ein Album das Licht der Welt, das den Singer/Songwriter endgültig zu einem der talentiertesten jungen Künstler seiner Heimat adelt.

Zufrieden war Finke trotzdem nicht, denn immer mehr Fans aus dem Ausland ließen von sich hören, und meldeten Verständnisprobleme der deutschen Liedzeilen an. Der Gitarrist und Pianist Finke übersetzte die eigenen Texte ins Englische und stellte nebenbei fest, dass den Liedern auch Potential für internationale Anerkennung innewohnt…

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1Live hat der Ausnahmeband gestern Abend in Bochum die KRONE als besten Newcomer aufgesetzt.
Überglücklich nahmen die 5 Musiker den Preis entgegen und verwiesen so die starke Konkurrenz auf die Plätze.
In dieser Kategorie wurden bereits Bands wie „Reamonn“, „Wir sind Helden“ und „Silbermond“  ausgezeichnet.
Als begehrter Publikumspreis ist diese Auszeichnung der optimale Startschuss zur VÖ der neuen Single von LUXUSLÄRM, die am 18. Dezember 2009 erscheint. Das Album „So laut ich kann“ erscheint am 29.01.2010!
Das Video zur Single „Sag es wie es ist“ rotiert ab dem 5.12.2009 auf einer VIVA N-Rotation.

Nickelback sind für den Grammy nominiert in der Kategorie “Best Hard Rock Performance” mit dem Track “Burn It to the Ground”.
Die Grammys werden in der Nacht zum 1. Februar in Los Angeles verliehen.

Schon in der sechsten Klasse jammten die Musiker von The Blue Van aus Nord Jütland im Keller einer Großmutter. Nach Cover-Songs folgten bald eigene Kompositionen, angeregt von Bands wie The Small Faces, Cream und The Pretty Things.
Unter den Namen The Blue Van (eine direkte Übersetzung des in Dänemark volkstümlich genannten Wagen, der Patienten zum psychiatrischen Krankenhaus fährt) zog die Band nach Kopenhagen, wo sie die EP „A Session With The Blue Van“ einspielte, welche mit einem Auftritt in Roskilde unterstützt wurde.
2003 nahm Band ihr Debüt „The Art Of Rolling“ in Hamburg auf und fing dabei ihre volle Live-Energie ein. Zwischen Dänemark und Brooklyns nahm The Blue Van den Nachfolger „Dear Independence“, mit Lenny Kravitz’s Soundtechniker Henry Hirsh als Producer, auf.
Mittlerweile beim Hamburger Label Iceberg Records gelandet, gewannen The Blue Van neben Mark Wills (Co-Producer auf ”The Art of Rolling“) und Dan Hougesen (Dúné) für die Aufnahme des aktuellen Albums „Man Up“. Diesmal hatte die Band jetzt Lust ein symphonisches Werk zu machen mit experimentelleren Klängen herauszubringen. ”Man Up”, liefert also in jeder Hinsicht ein Bild von einer reiferen Band.
„Silly Boy“, die erste Auskopplung wurde in Dänemark nach der VÖ sofort zur „Single der Woche“ des dänischen nationalen Radios (DR-P3).

Album: “Solaris”
VÖ: 27.11.2009
Single: Electric High
VÖ: 27.11.2009

Label: Repossession Records / Indigo

Mitreißendes Songwriting, eine frische Produktion und vor allem enorme Live-Power - so lautet das Erfolgsrezept von Elliot Minor. Die letzten eineinhalb Jahre waren eine verrückte Zeit für die fünf Jungs aus Großbritannien, die 2008 mit ihrem ersten, selbstbetitelten Album aus dem Stand Platz 6 der heimischen Albumcharts erreichten und 125.000 Singles verkauften. Jetzt kommt im Oktober 2009 mit Solaris der Zweitling in die Läden, auf dem sich die Band zwar durchaus reifer und erfahrener präsentiert, aber nichts von ihrer ungestümen Energie und ihrem Gespür für Popmelodien verloren hat.

Kaum war der Plattenvertrag unterschrieben, ging es für die Nordengländer steil aufwärts. Elliot Minor erreichte aus dem Stand Platz 6 der englischen Albumcharts, und die Singles „Parallel Worlds”, „Jessica” und „Still Figuring It Out” liefen nicht nur auf den Musikkanälen rauf und runter, sondern konnte ebenfalls in den Charts punkten. „Natürlich waren wir über den Charterfolg total begeistert, und wir finden es toll, dass unsere Fans unsere Platten kaufen”, erklärt Alex Davies. „Aber in erster Linie sind wir eine Liveband - und das ist auch die beste Art, den Fans für ihre Loyalität zu danken, indem wir eine echte Killershow abliefern.”

Im April 2009 war die Band erneut im Studio und spielte - wieder betreut von Produzent Jim Wirt (Incubus, Hoobastank, Something Corporate) - die Songs für das zweite Album Solaris ein. Den Mix übernahm Grammy-Preisträger Tom Lord-Alge, der schon für die Manic Street Preachers, Weezer oder die Rolling Stones an den Reglern saß. Frontmann und Songwriter Alex Davies hatte bereits im Dezember angefangen, neues Material zu schreiben. „Unsere erste Platte entstand über einen Zeitraum von fünf Jahren und war geprägt von vielen verschiedenen Einflüssen”, meint er. „Jetzt war das alles etwas anders - der Zeitdruck war größer, und ich beschloss, mich vor allem auf die letzten Ereignisse zu konzentrieren. Aber ich habe auch viele Phantasien zugelassen, um aus ihnen Ideen zu ziehen.”

Wie sich das anhört, zeigt vorab schon einmal die neue Single „Electric High”, die vor allem mit ihrem kraftvollen Ohrwurm-Refrain besticht. Mit solchen elektrisierenden Höhepunkten werden Elliot Minor es noch weit bringen.

Weitere Infos:
http://www.myspace.com/elliotminor

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Tom Weber
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Tel.: +49(0)341-3086 108
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Album: „A Chorous Of Storyteller”
VÖ: 05.02.2010
Single: “Falling From The Sun”
VÖ: 22.01.2010
Label: Sub Pop
Vertrieb: Cargo

Politiker wechseln ihre Ämter und nicht immer ist alles Neue, was dabei herauskommt automatisch besser. Glücklicherweise trifft dieser Sachverhalt nicht auf die kalifornische The Album Leaf zu. Denn gleich zwei fundamentale Dinge sind auf dem 2010er Album „A Chorous of Storytellers neu und gut.

Neu ist, dass The Album Leaf seit fünf Veröffentlichungen erstmalig während der Aufnahmen als komplette Band agiert haben. In der Vergangenheit war es Hauptsongschreiber und Multiinstrumentalist Jimmy LaValle, der jedes Instrument einspielte. Dieses Mal war die ganze Band eingeladen, ihr Scherflein zum Endresultat hinzuzugeben. Viele „Vorabhörer” halten unter anderem deshalb „A Chorus Of Storytellers” für das beste The-Album-Leaf-Werk ihrer bisherigen Karriere

Neu ist auch, dass „A Chorus Of Storytellers” am 05.02.2010 weltweit via Sub Pop Records erscheint. Bislang nur für Nordamerika zuständig, hat sich Sub Pop für das sechste Album von The Album Leaf die weltweiten Rechte gesichert.

Weitere Infos
www.myspace.com/thealbumleaf
www.thealbumleaf.com

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Speech Debelle, Gewinnerin des renommierten Mercury Prize 2009, präsentiert ihre neue Single „Spinnin’ “, der klarste Pop-Song von ihrem hoch gelobten Debütalbum „Speech Therapy”

Produziert von Mike Lindsay, Musiker der englischen Band Tunng, ist „Spinnin’ ” ein eingängiger Sing-A-Long, eine fröhliche fast unbeschwerte Reise in die teils dunkle und emotionale Welt der Ms Debelle. Was natürlich nicht bedeutet, dass der Song auch nur einen Hauch der lyrischen Intelligenz der 25-jährigen Londonerin vermissen lässt.

Die Presse in England nennt Speech Debelle „a Star in the making” - spätestens mit „Spinnin’ ” strahlt er hell und für jedermann sichtbar.

Und mit dem Erfolg beim Mercury Preis steht sicher auch fest, dass die turbulenten Wochen weitergehen: nach Glastonbury, dem Cover von The Independent und Stories im Daily Mirror und der Sunday Times ging ab Oktober auf große UK-Tour. Bald ist sie auch bei uns live zu sehen.

Tourdaten
28.11.2009 München // On3 Radio Festival

Weitere Infos
www.myspace.com/speechdebellemusic

www.speechdebelle.com

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Album: „We Are Only Riders”
VÖ: 15.01.2010
Single: Nick Cave “Ramblin’ Mind”
VÖ: 15.01.2010
Label: Glitterhouse
Vertrieb: Indigo

Manche Dachbodenfunde gehören nicht auf den Müll. Das muss sich auch Tony Chmelik gedacht haben. Lange ist es her, dass er in einem Londoner Plattenladen, unweit der Wohnung des Gun-Club-Sängers Jeffrey Lee Pierce, arbeitet. Pierce kam dort öfter vorbei und die beiden hörten alte Bluesplatten. Aus dieser Freundschaft entstand 1992 das Projekt „Ramblin Jeffrey Lee & Cypress Grove With Willie Love”, mit dem Pierce und Chmelik blues Coverversionen veröffentlichten.

Als Chmelik alias „Cypress Grove” vor ein paar Jahren seinen Dachboden entrümpelte, hielt er plötzlich eine Kassette mit Jams und Songskizzen von Jeffrey Lee Pierce in den Händen. Er war begeistert und sich deren Bedeutung durchaus bewusst. Zum Veröffentlichen waren die Momentaufnahmen allerdings zu roh. Doch als Ausgangsmaterial, um sie in Jeffreys Sinne weiterzubearbeiten, waren sie ideal.

In drei Jahren harter Arbeit wurden Weggefährten und bekennende Verehrer des Gun-Club-Sängers angefragt, ob sie bei diesem einmaligen Projekt dabei sein möchten. Das Ergebnis heißt „We Are Only Riders”…

Als Opener spielte Nick Cave eine beseelten Version von „Ramblin’ Mind” ein. Jeffrey Lee’s Gitarrenspur blieb beibehalten, während Cave seinen charismatischen Gesang darüber legte. „Ramblin’ Mind” ist auch die Promosingle dieses Albums.

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Mit weit über 85 Millionen weltweit verkaufter Alben hat KISS eines der spannendsten Kapitel in der Rockgeschichte geschrieben. Ihre explosiven Bühnenshows in Sci-Fi-Kostümen, mit unverkennbarem Make-up und auf den schon legendären Plateauboots wurden weltweit zum Markenzeichen von KISS, nominiert für die “Rock’n'Roll-Hall of Fame”. Gene Simmons: “Uns wurde klar, es ist Zeit für neue Songs. An jedem freien Tour-Tag schrieben und probten wir neue Stücke und in L.A. entstand unser 19. Studio-Album ‘Sonic Boom’”. Paul Stanley fügt hinzu: “Jeder Song trägt den KISS-Stempel - erdbebengleich und ohrenbetäubend”.

Das lang erwartete Album “Sonic Boom”und das erste neue Mterial seit 11 Jahren wurde in Europa bei Roadrunner Records am 02.10.2009 veröffentlicht. Die KISS-Army, die Fans rund um den Erdball, werden begeistert sein.

Bassist Gene Simmons sagt: “SONIC BOOM may be the best new record we’ve done since Destroyer! It is Rock And Roll Over meets Love Gun!”. Paul Stanley stimmt zu: “SONIC BOOM is the perfect title for what we’re creating – it’s earthshaking and deafening”!

In den vergangenen 14 Livesendungen gelang es dem Tenor gemeinsam mit vielen anderen Stars und natürlich den Spendern, 79,8 Millionen Euro zugunsten der “Deutschen José Carreras Leukämie Stiftung” zu sammeln. Mit diesem Geld konnten mehr als 600 Projekte in ganz Deutschland finanziert werden. Das Ziel von José Carreras und seiner Stiftung ist es, die Heilungschancen für Menschen, die an Leukämie erkrankt sind, zu erhöhen, die Therapien erträglicher zu machen und die Lebensqualität der Erkrankten zu verbessern.

Album: In And Out Of Control
VÖ: 23.10.2009
Single: „Bang!”
VÖ: 09.10.2009
Label: Fierce Panda
Vertrieb: Cargo

The Raveonettes sind und waren Sharin Foo und Sune Rose Wagner, deren Heimat Dänemark heißt und die seit einigen Jahren von New York aus manischen Einfluss auf junge, aufstrebende und zu recht erfolgreiche Bands ausüben. Jene Bands, die genau wissen, wem die Krone im Retro Block gebührt. Als Beweis dessen gab James Allen von Glasvegas im NME unverblümt seine Liebe zum letzten Album des dänischen Duos „Lust Lust Lust” bekannt…

Doch „Lust Lust Lust” war gestern (genauer 2007) und der Raveonettes Status Quo von 2009 hört auf den Namen „In And Out Of Control”. Für ihr viertes Album engagierten Sharin und Sune mit Thomas Troelson einen Top Produzenten, weil - und jetzt passt auf - die Raveonettes eine Pop Platte machen wollten. Dabei handeln sie in großartigen 37 Minuten und 11 Sekunden 11 Songs ab, die vor allem eines beweisen: The Raveonettes kennen keine Wiederholungen.

“Wir haben zwei Jahre lang an dem Sound und den Songs von „Lust, Lust, Lust” rumgefeilt, das in meiner Wohnung in New York aufgenommen wurde und die dunkelste Platte wurde, die wir je gemacht haben”, erinnert sich Sune. “Und da wir es schon immer gehasst haben, uns selbst zu wiederholen, haben wir die Messlatte für „In And Out Of Control” von vornherein sehr hoch gehängt.”

Tourdaten
06.12.2009 Hamburg // Knust
07.12.2009 Berlin // Lido
11.12.2009 Schorndorf // Club Manufaktur

Weitere Infos:
http://www.theraveonettes.com/
http://www.myspace.com/theraveonettes

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VÖ: 30.04.10
Single: “Soll/Haben”
VÖ: 20.11.2009
Label: BoingBoing Rec.

Nachlader – Das ist wie Geld ohne Arbeit - sofort! Das ist Haben, anstatt Soll.

Das ist der Berliner Musiker Daniel Baumann, der auf seine ganz eigene Weise tanzbare elektronische Klänge mit gewitzten Texten in deutscher Sprache verschmelzen lässt, wie es ihm keiner so leicht nachmacht. (Ein Individuum Vakuum, ein Talent auf vielen Ebenen.)

Sein Können hat er bereits auf dem ersten Album “Bock auf Aphorismen” (Labels/2005) unter Beweis gestellt. Seit dem hat NACHLADER die Zeit genutzt, um neue geistreiche Melodien und Texte zu erfinden und außerdem seine Band mit Shokkaboy (Synth-Bass/Keys) und dem Gott am Schlagzeug Marco Barotti neu aufzustellen.

Und ganz nebenbei hat er nicht nur in dieser Formation viel live gespielt, sondern auch ausgiebig mit den Jungs von Mittekill, mit RichandKool sowie mit österreich-, schweiz- und deutschlandweit die Bühne gerockt.

Weitere Infos:
www.myspace.com/nachlader
www.nachlader.de

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Album: „Hedonist”
VÖ: 27.11.2009
Single: “We are discoteque”
VÖ: 27.11.2009
Label: Motor Digital

ME AND THE WHITE TIGER sind ein Vorzeige-Electro-Pop-Projekt aus Leipzig. Es entstand 2008  aus Mitgliedern von lokalen Größen und Geheimtipps der Leipziger Elite in Sachen Electro und Pop wie The Caine, The Galan Pixs und TafkaCS. Im Gegensatz zu den meisten genretypischen Vertretern verfolgen ME AND THE WHITE TIGER eher einen „klassischen” Band-Ansatz.

So programmieren Carsten Schulze und Timo Lurgenstein Sounds  und Beats, während sich Stefan Kopielski und Sui Kemmer neben Songwriting und Texten die Vokalarbeit teilen. Für das Me-And-Ahe-White-Tiger-Produktionsteam sind die Sounds des Ed-Banger-Universums ebensowenig fremd wie die Sono’sche Klangzentrifuge oder der allseits beliebte Trentemöller-Beat. Ganz zu schweigen von einem geschmacklich und zitatsicherem “Eighties”-Oevre.

In diesem Herbst 2009 erschient ihr Album “Hedonist”, zu dem die Fachpresse bereits ins Jubeln geriet: “Wenn dieses treffsichere Konglomerat aus Pop-Floor-Empfinden von Tigas Gnaden, magnetisierender Urban-Eingängigkeit, einem großen Schuss 90ies-Dekadenz…”

Mit “We Are Discoteque” schicken ME AND THE WHITE TIGER die erste griffige Singleauskopplung aus “Hedonist” ins Rennen.

Weitere Infos
www.meandthewhitetiger.com
www.myspace.com/meandthewhitetiger
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Martin Kilger ist ein Multitalent und eine Klasse für sich. Songwriter, Sänger, Keyboarder, Videoregisseur und –produzent, Tontechniker und Absolvent der Kölner Kunsthochschule für Medien.
Nach erfolgreichen Zusammenarbeiten mit Künstlern wie den “Söhne Mannheims” überzeugt Martin Kilger auch solo
mit seinem neuen Album, das er bezeichnenderweise „Wofür ich steh“ genannt hat. „Oftmals werde ich gefragt“, erzählt Martin, „wer bist du, was macht dich aus, wofür stehst du?“ Und eines ist sicher – auf diesem zweiten Werk von ihm werden all diese Fragen ausführlich auf musikalische Weise beantwortet.
Am 03.12.2009 ist Martin zu Gast bei “Inas Nacht” (ARD, 23:45Uhr)

Wer Tina Turner einen persönlichen Geburtstagsgruß senden möchtet, kann das hier tun: http://www.beyondsinging.com/deutsch/home/detail/article/82457/0/geburtstagsgruesse-fuer-tina-turner/

Unter http://www.beyondsinging.com/deutsch/videos/ findet ihr zwei neue Videos von Beyond.
Und auch Im TV werden Beiträge zu dem Geburtstag von Tina Turner in ZDF Leute Heute und ARD Brisant gezeigt.  Für mehr Infos im Netz, einfach http://www.klassikakzente.de/aktuell/news/detail/article/82763/0/tina-turner–beyond-the-70th/ anklicken.

Julian Plenti begann 1996 zu komponieren. Er spielte akustische Solo-Shows in und um Manhattan in Clubs wie Pete’s Candy Store, The Knitting Factory oder The Living Room. 2001 hörte er damit auf. Gelegentlich bastelte er noch im Studio, aber vor allem nahm Julian Plenti sich eine ausgedehnte Auszeit. In dieser Zeit war es stattdessen sein Alter Ego Paul, der als Frontmann einer bekannten Band dreimal die Welt umrundete: Interpol.

Plentis künstlerische Pause endete 2006, als er die Produktions-Software Logic Pro entdeckte. Logic erwies sich als kreativer Riesengewinn für ihn, weitaus besser als alles andere, das er bis zu diesem Zeitpunkt ausprobiert hatte. So konnte er gleichzeitig an mehreren Instrumenten komponieren und das Ergebnis zum Schluss noch selbst mit Beats verfeinern. Zunächst verhalf er seinen Akustikarbeiten “Girl On The Sporting News“, ”On The Esplanade”, ”Fly As You Might“ und „Fun that We Have“ zu einem frischen neuen Anstrich mit Streichern und Beats: Skyscraper war geboren.

Weitere Infos:
www.myspace.com/julieanplenti
www.julianplenti.com

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The Imperator of Pop is back!

Mit seiner neuen Weihnachtssingle „XXXmas“ lieferte AMOS endlich einen Weihnachtshit, der es mit “Last Christmas” aufnehmen kann und ordentlich Würze in die sonst so schnöde musikalische Kost der Festtage bringt. AMOS bezieht sich inhaltlich auf die warmherzigen Momente der Weihnachtszeit – schließlich sprechen wir ja vom Fest der LIEBE – spaziert dabei aber so unbedarft zweideutig durch die Textzeilen, dass es einfach Spaß macht, mitzusingen und sich heimlich in den aufgeklebten Bart zu lachen. Die eingängige Pop-Melodie von „XXXmas“  gepaart mit einem genial-komischen Text dürfte schon bald nicht mehr aus dem alljährlichen Weihnachtsprogramm unserer Ohren weg-
zudenken sein.

Auch das Video zur Single, das ästhetisch wie das gesamte Artwork an die idyllischen 50er Jahre angelehnt ist, schlägt in die gleiche Kerbe und beweist AMOS’ ausserordentlichen Sinn für Humor und Ästhetik, die er wie kein zweiter zu vereinen weiss.

Auf der B-Seite schlägt AMOS mit dem Song Goodbye Santa sanftere Töne an und nimmt Weihnachten zum Anlass, um im Geiste gemeinnütziger Künstlervereinigungen (etwa Band Aid) auf die sozialpolitischen Missstände dieser Welt aufmerksam zu machen. Herausgekommen ist eine zuckersüße Ballade mit überraschendem Ende.

Statt nur zu pointieren ließ AMOS auch Taten sprechen. Zusammen mit seinem Label Sounds of Subterrania spendete AMOS den Gewinn aus den Plattenverkäufen an “Futuro Si!” - Initiative für Kinder in Lateinamerika e.V.

Viele Bands bleiben immer bei ihren alten Strickmustern, andere verändern sich von Album zu Album radikal. Vampire Weekend unternehmen bei ihrem zweiten Werk weder das eine noch das andere: „I think we sound more like Vampire Weekend than we did on the first record“, meint Schlagzeuger Christopher Tomson.

Das neue Album sprudelt über vor frischen Ideen die mit einer Wucht präsentiert werden, dass es einem die Sprache verschlägt. „Contra“ ist kurz und straff durchkomponiert (10 Titel, 39 Minuten!). Die eingängigen Songs verarbeiten fast unmerklich schwierige Themen wie Verlust, Angst und dem Tod. Ein gewagtes Unterfangen, das dennnoch als gelungen bezeichnet werden kann.Nach einer 18monatigen Welttournee begann die Band an neuen Stücken zu arbeiten. Als Vampire Weekend dann im März 2009 durch Mexiko tourten, fanden sie nur wenige Blocks von Frida Kahlos Haus entfernt das Studio, in dem sie erste Songs eingespielten und neue Energien sammelten.Frisch motiviert kehrte die Band nach New York zurück. Dort spielten sie ihren Sound ein und kombinierten ihn mit Lyrics, die viel Interpretationsspielraum lassen – darauf deutet auch der Titel „Contra“ hin.

„Cousins“ heißt die erste offizielle Single zum Album. Ein Teaser in Form der Single „Horchata“, ist bereits als Free-Download unter www.vampireweekend.com verfügbar. 2010 kommen die Amerikaner für drei Gigs nach Deutschland.

Weitere Infos:
www.myspace.com/vampireweekend
www.vampireweekend.com

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Album: The Ground Below
VÖ: 23.10.2009
Single: Queen Of The Wolves
VÖ: 09.10.2009
Label: Asinella Records

Während man hierzulande nach wie vor gerne die Schubladen öffnet und CLARA LUZIA mit dem Ablegen im „Indie”-Fach einer konkreten Zielgruppe zugehörig abstempelt, anerkennt man anderswo ihre Fähigkeit, Emotionen und Themen zu transportieren wie nur wenige andere: „Clara Luzia”, urteilte letztens die spex, „singt von bösen Menschen und verflossenen Liebhaberinnen, von Trennung und Verlust - mit einem verschmitzten Lächeln auf den Lippen.” Was sie schreibt, sind „tolle Folksongs, wundervoll arrangiert und getextet, betörend schön gesungen.” - meint Intro.

THE GROUND BELOW

Nunmehr setzt sie den Weg fort, auf den sie „Railroad Tracks” (2006) geführt haben und die später in „The Long Memory” (2007) einen ersten Höhepunkt erfahren haben (wofür sie gar mit einem „amadeus” ausgezeichnet wurde). „The Ground Below” geht vorbei an den gewohnten Wiegeliedern, die stark von der Stimme geprägt sind. Die Instrumente haben sich weiterentwickelt, sind stärker und lauter geworden. Cello, Posaune und elektrische Gitarren gesellen sich in die erste Reihe. In dieser musikalischen Verbundenheit klingt Claras sanfte Melancholie vertrauter und lebendiger als je zuvor, mit etwas mehr Leichtigkeit in den Songs durch eine spürbarere Pop-Ausrichtung…

Tourdaten
27.11.2009 Hamburg // Hasenschaukel
28.11.2009 Offenbach // Hafen 2

Weitere Infos:
http://claraluzia.com/

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Paranoia. Schuld. Erlösung. Und ab und zu das kurze Aufblitzen einer vagen Vorahnung auf ein besseres Morgen. All dies aufgepeppt mit catchy Pop-Hooklines, funky Electro-Beats und nerdy   Eighties-Synths, die dafür sorgen, dass man die „Medizin” auch tatsächlich runter bekommt - das ist, in einige dürre Worte gefasst, das Debütalbum der aus  Cambridge, Massachusetts, stammenden Band Passion Pit.

Beim ersten Hören könnte man „Manners” auch für eine weitere verloren geglaubte LP aus Brian Wilsons „Sandkisten”-Phase halten. Bei genauerer Betrachtung ist die Faktenlage allerdings ganz anders: Passion Pit ist das Projekt des 21-jährigen  Michael Angelakos, der ganz offensichtlich weit mehr in seinem durchgeknallten Hirn hat als Girls, Girls und noch mal Girls, sondern vielmehr eine ganze Reihe relevante Dinge, wie z.B. das Ende der Welt und wie man lernt, jemandanderen zu lieben als die Person, die man im Spiegel sieht. Und gerade jenes Element wurde von vielen Menschen übersehen, als die Passion-Pit-Debüt-EP „Chunk Of Change” im September 2008 in den USA erschien.

Okay, die Songs waren ursprünglich als Valentinstag-Geschenk für seine Freundin gedacht, als Dank, dass sie sich die Beziehung mit Michael überhaupt „antut”. Aber dieses Detail ist lediglich die Hälfte der Story, die bei weitem nicht so kuschelig ist, wenn man die genaueren Umstände kennt…

Weitere Infos:
http://www.myspace.com/passionpitjams
http://www.passionpitmusic.com/

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Album: „Hidden”
VÖ: 16.10.2009
Label: Despotz Records
Vertrieb: Cargo Records

„Besser spät als nie” oder um noch tiefer in der Sprüchekiste zu kramen: „Gut Ding will Weile haben”. An welcher dieser Weisheiten sich die schwedische Künstlerin TITIYO nun orientiert hat, wird ihr Geheimnis bleiben, alleine die Tatsache, dass nun nach ihrem Mega-Hit „Come Along” aus dem Jahre 2001 endlich ihr wahres Nachfolgealbum „Hidden” in den Startlöchern steht, wird der Öffentlichkeit nicht verborgen bleiben.

Doch wie macht man weiter, nachdem man in ganz Europa einen Riesenhit gelandet hat? Man stellt sich genau diese Frage, sucht nach einer Antwort, sucht noch ein wenig weiter, unternimmt schließlich im Jahre 2004 den Versuch, ein Nachfolgealbum zammenzuschustern, verwirft diesen Versuch wieder und fasst den Entschluss, die Nase voll zu haben von dem Etikett „The Queen Of Swedish Soul”, dieses hinter sich zu lassen und komplett bei Null anzufangen.

Es hat ja auch niemand behauptet, als Halbschwester von NENEH CHERRY hätte man es einfacher. Allerdings sollte genau dieses das neue Stichwort für TITIYO sein. Einfach und übersichtlich war das Studioequipment mit dem sie sich einen Winter lang in ihrem Stockholmer Appartement einschloss, um ihre neuen Pop Visionen auszuprobieren.

“Hidden” wurde in Schweden schon Ende 2008 veröffentlicht und mit Lobeshymnen nahezu überhäuft. Ein Zitat aus einem der ersten überschwänglichen Rezensionen fand eine sehr passende Beschreibung für diese beeindruckende Platte: „Die schönste Traurigkeit, die je zu hören war.”

Weitere Infos
www.myspace.com/titiyo

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Daniela Leubner
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Album: Tainted Glove
VÖ: 23.10.09
Single: Boxes into Boxes
VÖ: 10.12.09
Label: Sister Jack Records

Dogs on Catwalk aus Bremen liefern die Beats für euphorische Clubnächte und lassen sie auf verstörende Texte, zerstörende Gitarren und hymnische Melodien treffen. Ihre Liebe für Punk der späten 70er und frühen 80er findet sich auch in den Songs ihres Debüts „Tainted Glove” wieder. Stets kommen aber auch tanzbare Melodien und Beats zur Soundmischung von DOGS ON CATWALK hinzu, die ihre Vorliebe für die frühe Wave Szene widerspieget. Ein mitreißender Sound, mal unterkühlt und düster, dann wieder entspannt und cool. Szeneübergreifend wirft das Album mit Hits nur so um sich.

Tourdaten
26.11.2009 Hamburg // Fundbureau

Weitere Infos: http://www.myspace.com/dogsoncatwalk

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VÖ: 16.04.2010
Label: Wannsee Records / Neo
Vetrieb: Sony

Wattestäbchen sind dazu gedacht sich punktuell abzuschminken oder Tonköpfe zu reinigen -  werden aber häufiger für anderes genutzt. Ähnlich alltäglich und gleichzeitig irgendwie absurd sind die Themen, die Matthias Schrei aka Blockflöte des Todes in seinen Liedern besingt - das ist schräg, amüsant und es ist trotzdem nachhaltig.

Der Berliner spielt mit Sprache und Popelementen, singt vom Bodymassindex wie andere von Liebe und umgeht es dabei geschickt ins Alberne abzudriften.

Auf der neuen Single “Mädchenhaar” befinden sich vier Stücke die Lust auf das kommende Album “Wenn Blicke flöten könnten” machen - darunter ein Duett mit ex-Lemonbaby Diane Weigmann. Und überall schafft die Blockflöte dabei den Spagat zwischen Humor und ernstzunehmender Musik, die nicht einfach nur Begleitung seiner Texte ist.

Um es kurz zu sagen: Die Blockflöte des Todes geht ins Ohr wie Wattestäbchen.

Nach dem großen Erfolg der EP “Happy Birthday Jesus” darf man also auf Neues von der Blockflöte gespannt sein.

Weitere Infos
www.blockflötedestodes.de
www.myspace.com/bfdt

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Matthias Kringe
Tel: +49 (0) 30 - 627 351 - 71
matthias@revolverpromotion.de

Es tut gut, zu wissen, dass es auch anders geht – anders als nach den ganzen Business-Spielchen oder Szene-Leitfäden – unabhängig von Image, Trends und Prognosen das eigene Ding zu machen!

Kafkas haben sich niemals für den einfachen, bequemen Weg entschieden – statt langweiligen Wahlwiederholungen, bieten die Herren überzeugende, charismatische und selbstbewusste Eigenständigkeit. Kafkas sind alles, nur nicht normal.
Eine emanzipierte Punkband ohne Nietenlederjacken, die nicht ein einziges Band-Tattoo vorzuweisen hat. Das klingt in etwa so, als hätte man die Münchner Freiheit für 3 Monate bei Che Guevara in ein politisches Trainingscamp geschickt.
Der Buchautor Oliver Uschmann schreibt zum neuen Album:
“Es gibt Bands, die reifen von rotzigen Rebellen zu seriösen Sentimentalisten heran. Von Renitenz zu Raiffeisenbank. Nicht so die Kafkas. Sie werden erwachsen, ohne aufzugeben. Sie schreiben plötzlich Songs, so horizontweit wie die Weakerthans, sogar verspielt und bastelfreudig. Sie offenbaren persönliche Gefühle. Sie gehen ans Herz. Und trotzdem haben sie noch den Zorn, den die einen dauerjugendlich und die anderen prinzipientreu nennen. Wie das Tagebuch eines Aktivisten, der endlich anfängt, sich auch um sich selbst zu kümmern, seine Sache dafür aber nicht vergisst. Aufwühlend und anders.”
Im August 2008 veröffentlichte die Band vorab, die 5-Song-CD „LD 50“. Mit einem derart positiven und geradezu euphorischen Feedback hatte niemand gerechnet.

Jeder kennt es aus langjähriger Erfahrung: Mit wenigen anderen Attributen wird so sorglos, fahrlässig und inflationär jongliert, wie mit den Begrifflichkeiten Legende und Kult. Die amerikanischen Classic Rock-Urgesteine Lynyrd Skynyrd bedürfen heute keiner detaillierten Vorstellung mehr - zu ihrem unsterblichen Über-Hit „Sweet Home Alabama” (der kürzlich die Zwei-Millionen-Marke der Klingelton-Downloads knacken konnte) füllen sich die Tanzflächen typischer Rockschuppen und mega-angesagter Szeneläden gleichermaßen in Windeseile und manchmal sogar noch schneller! Und die Schlussszene aus Rob Zombies „The Devil`s Rejects”, in der die flüchtende Firefly-Family in Zeitlupe von Polizeikugeln durchlöchert wird, gehört nicht zuletzt wegen ihrer musikalischen Untermalung mit den sehnsüchtigen Klängen des LS-Gassenhauers „Free Bird” zu den wohl eindrucksvollsten Momenten modernen Horror-Kinos.

Lynyrd Skynyrd stellen das Paradebeispiel für beide Attribute dar; sind mit über 60 Alben und um die 30 Millionen weltweit über den Ladentisch gegangener Einheiten sowohl Kult im besten Sinne, als auch (über)lebende Legende, die sich nun nach der Aufnahme in die glorreiche Rock `N Roll Hall Of Fame und sechs Jahren Veröffentlichungspause mit „God & Guns” in alter Stärke zurückmeldet!

So, jetzt bitte einmal tief Luft holen und dann: Vergessen Sie alles, was Sie über Adam Green zu wissen glauben. Natürlich macht der Mann seit seinem 14. Lebensjahr Musik, war seine Urgroßmutter die Geliebte Frans Kafkas, legte er während der Dauerpause seiner Band The Moldy Peaches mit fünf Alben in knapp sechs Jahren eine beeindruckende Solo-Karriere hin. Alles wahr, ja ja - trotzdem mal bitte kurz ausblenden.
Denn, und hier setzt der Trommelwirbel ein, es gibt jetzt einen anderen Adam Green. Einen, der nicht auf die Füße fällt. Dem das Herz gebrochen wurde. Der sich mit seinem sechsten Werk “Minor Love”(VÖ 8.01.) zwar nicht komplett neu erfunden, in gewisser Weise aber wieder gefunden hat. Der auf bestechende Weise die Anti-Folk-Attitüde der frühen Tage mit der musikalischen Cleverness von heute in Einklang bringt.

Talk
http://www.ardmediathek.de/ard/servlet/content/3321550

Performance: “Soul Cake”
http://www.youtube.com/watch?v=crqmozdzl9o

„Beyond“ ist zu einer musikalischen Meditation mit einer starken Botschaft geworden. Das Projekt von Regula Curti, Dechen Shak-Dagsay und Tina Turner hat in der Schweiz inzwischen weit über Gold verkauft und viele positive Reaktionen ausgelöst.

Vom Erfolg beflügelt, hat nun Tina Turner für die Gold-Edition von „Beyond“ drei neue „Chants“ beigesteuert, die sofort unter die Haut gehen. Die 70-jährige Rock-Legende erklärt ihre Motivation folgendermassen: „Ich habe mit Chanten angefangen, als es mir nicht gut ging. Ich hoffte, Antworten zu finden und mich besser zu fühlen. Beides ist passiert! Du musst es praktizieren, um es wirklich zu verstehen.

Vom Erfolg beflügelt, hat nun Tina Turner für die Gold-Edition von „Beyond“ drei neue „Chants“ beigesteuert, die sofort unter die Haut gehen. Die 70-jährige Rock-Legende erklärt ihre Motivation folgendermassen: „Ich habe mit Chanten angefangen, als es mir nicht gut ging. Ich hoffte, Antworten zu finden und mich besser zu fühlen. Beides ist passiert! Du musst es praktizieren, um es wirklich zu verstehen.

Ab dem 03.11.09 wird sie dann auch auf Deutschlandtour sein.

Alle Dates hier:
03.11.09 Hamburg - Grünspan
04.11.09 Berlin - Kesselhaus
09.11.09 München - Muffathalle
11.11.09 Wiesbaden - Schlachthof
12.11.09 Köln - Gloria
19.11.09 Bochum - Zeche

Universal Music veröffentlichte am 20. November 2009 das ganz persönliche Weihnachtsalbum des italienischen Star-Tenors als CD und CD/DVD Deluxe Package. Mit Produzent David Foster versammelte Bocelli prominente Duettpartner wie Natalie Cole, Mary J. Blige und Katherine Jenkins.

Weihnachten ist ein Fest der Freude, ein Fest der Familie, der Besinnung, der Liebe und des Friedens. Vor allem aber ist Weihnachten ein Fest der Musik. Und weil das so ist, nahm Andrea Bocelli zum Fest der Feste ein Weihnachtsalbum auf: „My Christmas“ – mit den ganz persönlichen Lieblingsweihnachtsliedern des preisgekrönten Star-Tenors. Gemeinsam mit dem kanadischen Komponisten und Produzenten David Foster, der u.a. bereits mit Whitney Houston, Céline Dion, Josh Groban und der Band Chicago zusammengearbeitet hat, entstanden 16 einfühlsam produzierte Titel, die passend zu Weihnachten keine Wünsche offen ließen. Außerdem hat sich Andrea Bocelli prominente Gäste eingeladen. Mit von der Partie sind die große Natalie Cole, R&B-Diva Mary J. Blige, die walisische Mezzosopranistin Katherine Jenkins, der renommierte Mormon Tabernacle Choir aus Salt Lake City und als Überraschungs-Gag: die Puppen aus der Muppetshow. „My Christmas“ – ein Weihnachtsalbum für die ganze Familie.

Andrea Bocelli – Kurzbiografie

Der am 22. September 1958 in Lajatico bei Pisa geborene Andrea Bocelli wuchs auf einem Bauernhof auf und musste als Kind mehrfach an den Augen operiert werden. Als Jugendlicher erblindete er vollständig. Nach dem Abitur folgte ein Jurastudium. Anschließend promovierte er und arbeitete zunächst als Anwalt. Seit seiner Kindheit beschäftigt sich Andrea Bocelli intensiv mit Musik. Er lernte Klavier, Flöte, Saxophon und Klarinette. Seinen ersten Gesangswettbewerb absolvierte er mit zwölf Jahren, und auch als Jurist nahm er weiterhin Gesangsunterricht. 1992 wechselte er von der Kanzlei auf die Bühne, und der italienische Rockstar Zuccero engagierte den noch unbekannten Sänger für Demoaufnahmen. Ebenfalls mit Zuccero nahm Bocelli den Titel „Miserere“ auf und wurde über Nacht einem großen Publikum bekannt. 1993 und 1994 gewann er beim Festival von Sanremo. Im Duett mit der englischen Sopranistin Sarah Brightman und der Hymne „Time To Say Goodbye“ feierte er 1996 seinen internationalen Durchbruch. In Deutschland avancierte der Titel zur meistverkauften Single aller Zeiten. 1997 folgte das Album „Romanza“, das sich bis heute über 16 Millionen Mal verkaufte. Weltweit bringt es Bocelli inzwischen auf über 65 Millionen Alben.

Die Brüder Andi und Hannes Teichmann arbeiten als DJs, Produzenten, Musiker, Komponisten und Labelbetreiber Genre- und Szene-übergreifend in diversen Projekten; von Rock über Elektronik und HipHop bis hin zur Klassik.
Seit 1999 betreiben sie das Elektronik Label Festplatten und veröffentlichten als Gebrüder Teichmann, unter anderem auf dem Kölner Label Kompakt und dem Münchener Label Disko B. Als Djs und Live-Act sind die beiden ständig auf Tour durch Deutschland, Europa, aber auch Russland, Asien, Afrika oder Südamerika. Ihre Definition von einem guten Set ist vorallem Abwechslung und eine lange Party: ob Acid, Deep House, Elektro, Minimal, Techno, Chicago House, Rock, Elektronika, Ambient, Hip Hop, Disco oder Dubstep… Alles kommt bei Ihnen auf die Teller!
Ihre Live-Sets sind vorallem eins: Analog. Ein Tisch voller Maschinen & Kabel, ersetzt bei Ihnen den Laptop. Es darf gerockt werden!
Das Album “The Number of The Beat” erschien 2007 auf dem Münchner Label Disko B. Anfang 2010 ist es endlich soweit, der zweite Silberling der Brüder erscheint. Mehr Infos dazu in Kürze.
http://www.myspace.com/teichmann

Modeslektor, Jahcoozi und Gebrüder Teichmann mit dem Goethe-Institut in Afrika

Im neuen Jahr steht zudem ein großes Austauschprojekt an, welches die Teichmänner mit dem Goethe-Institut Nairobi initiieren.
Drei Berliner Musikacts (Modeselektor, Jahcoozi und Gebrüder Teichmann), drei Acts aus Nairobi nehmen an diesem Projekt teil. Alle Musiker stehen dabei für hohe künstlerische Qualität und ein Überschreiten der Genregrenzen. Die Zusammenarbeit geschieht auf der Basis intensiven gemeinsamen Arbeitens, Aufnehmens und Auftretens der Bands in Zweier-Konstellationen.

Als Auftaktveranstaltung dazu für finden schon am 31.10.09 die Urban Beats zur Deutschen Kulturwoche in Nairobi, Kenia statt.
Die Gebrüder Teichmann und Jahcoozi werden neben ihren Auftritten, die bestehenden Kontakte zu den einheimischen Acts Just a Band und Ukoo Flani vertiefen und weitere Teilnehmer für das Projekt suchen.

2010 schließen sich dann noch Modeselektor an. Die drei Berliner Acts  arbeiten mit ihren kenianischen Projektpartnern im Studio an gemeinsamen Stücken und treten zusammen sowohl in Kenia und Deutschland auf. Eine gemeinsame CD, sowie eine Dokumentation über dieses Projekt sollen ebenfalls folgen.
erste Infos unter:
http://www.facebook.com/event.php?eid=148882654038&ref=mf

Weitere Teichmann Projekte:
Ihre musikalische Laufbahn begann 1989 im Alter von zwölf und neun Jahren mit der Punk-Band Totalschaden, die bis es 1994 gab.
http://www.myspace.com/realtotalschaden

Mit ihrer Indierock-Band beigeGT veröffentlichten sie später zwei Alben auf dem Hamburger Label L’Age D’Or und ihr Song “Heat” wurde der offizielle Song der Deutschen Handball Nationalmannschaft für Olympia 2004. Auch steuerten Sie mit Ihrem Cover von “Knights Of The Jaguar” den Schlusstitel zum Film “Die Fetten Jahre Sind Vorbei” bei.
http://www.myspace.com/beigegt

Mit dem klassischen Komponisten und Zitherspieler Leopold Hurt betreiben sie das Projekt “Teichmann Hurt”, eine Mischung aus Alpen-Dub, Elektronika und Neuer Musik. Sie sind aber auch solo an diversen Klassik- und Neue Musik-Projekten beteiligt. So arbeiteten sie unter anderem mit dem Komponisten Moritz Eggert für die
Tiroler Festspiele zusammen.
http://www.myspace.com/teichmannhurt

Andi Teichmann ist zudem Gitarrist der 6Köpfigen IndieNoisePop- Band “The Happy End” . 2007 gegründet steht nun in Kürze ihre erste Veröffentlichung an.
http://www.myspace.com/thehappyend

2002 erhielten sie für ihr Schaffen als jüngste Preisträger, den Kulturförderpreis ihrer Heimatstadt Regensburg.

Eine ausführliche und hochinteressante Audiobiographie (Ausgewählte Songs zu den Projekten + knappen Begleittext), sowie weiteres Audio- und Videomaterial zu den Geschwistern liegt vor und kann jeder Zeit bestellt werden.

Zu den aktuellen Projekten und kommenden Releases von Gebrüder Teichmann, The Happy End und Teichmann Hurt wird es künftig mehr Infos geben.

http://www.youtube.com/watch?v=PsD0NpFSADM

Die Geschichte ist schnell erzählt. Boy meets girl. Boy falls in love. Girl doesn´t. Nunja. Dieser Film ist mehr als die nächste neue Romantikkomödie mit umgekehrten Vorzeichen. Dieser Film strahlt eine Leichtigkeit und Atmosphäre mit popkulturellem Hintergrund aus, wie sie nur von einem Musikvideoregisseur kommen kann, der zum nächsten Vorzeige-Regisseur des US-Independentkinos werden dürfte.
Gleich zu Beginn eine bezeichnende Fahrstuhl-Szene: The Smiths und ihre Musik werden zum ersten Kontaktpunkt zwischen den beiden Hauptcharakteren. Überhaupt spielt die geschmacklich sicher Songauswahl die übergeordnete Rolle in diesem Film. In diesem Sinne steht (500) Days Of Summer ganz in der Tradition von all-time-Popkultur/Musikliebaber-Filmen wie “Garden State” oder des geek’igen Universum von Clerks I+II. Der Original Soundtrack ist eine Entdeckung wert, u.a. mit Temper Trap, Regina Spektor, The Cure, The Smiths, Carla Bruni und der Band der Hauptdarstellerin (Zooey Deschanel) She And Him.

(500) Days Of Summer
Regie:
Marc Webb (neben seinen Filmen u.a. Musikvideos für Weezer, Regina Spektor, Good Charlotte, All American Rejects, Lenny Kravitz, Green Day, My Chemical Romance, Hot Hot Heat… etc.pp.)

Hauptdarsteller:
Zooey Deschanel (u.a. Almost Famous - Fast Berühmt, Der Ja-Sager, Per Anhalter durch die Galaxis),
Jospeh Gordon-Levitt (u.a. 10 Dinge, die ich an Dir hasse, The Lockout, Aus der Mitte entspringt ein Fluß)

Kinostart Deutschland:
22.Oktober 2009

Es gibt Bands, die sich Superstars schimpfen und noch nie vor einem Publikum gestanden haben, das ihretwegen Eintritt bezahlt hat. Und es gibt Musiker, die schon vor Tausenden zahlender Gäste gespielt, aber noch nie ein Studio von innen gesehen haben. Solche Musiker spazieren, nachdem sie doch irgendwann im Studio waren und nun ihr erstes Album vorstellen möchten, über keine roten Teppiche vorbei am Blitzlichtgewitter, sie mieten sich stattdessen einen Club in, halten Sie sich fest: Iserlohn, weil sie da nämlich herkommen, spielen ein tolles Konzert und verkaufen am Ende des Abends die Hälfte der Erstauflage ihres Albums. Doch wir greifen vor.
Also alles auf Anfang. 2003 gründete sich besagte Band, damals noch unter anderem Namen und nur mit Coverversionen bewaffnet. Seit 2006 spielt sie in jener Formation, die noch heute den Namen Luxuslärm trägt. „Wir fingen damals an, die ersten eigenen Songs zu schreiben“, erinnert sich Janine „Jini“ Meyer, die seither zwar nicht als einziges, aber schönstes Gesicht von Luxuslärm agiert, die vier Herren neben ihr mögen dies verzeihen. „Wir wollten Signale aussenden. Und irgendwann kamen die offenbar an, wir wurden angesprochen von jemandem, der einen Produzenten kannte.“ Kurz darauf lernten sie Götz von Sydow kennen, „und natürlich haben wir gedacht, oh Gott, was müssen wir jetzt für Klamotten tragen, welchen neuen Namen zwingt man uns auf?“ Götz aber fragte einfach nur „was wollt Ihr, wo wollt Ihr hin?“
Ein Jahr lang ließ er das Quintett sich ausprobieren, am eigenen Sound basteln, sich „zwischen Poprock und Heavy Rock einsortieren“, wie Jini sagt. Und wurde so zum sechsten Bandmitglied. Der erste Auftritt fand dann, ausgerechnet, bei einem Wettbewerb statt, „dem ’Rock It‘ in Gronau. Aber: Wir haben ihn gewonnen.“ Womit wir zurück wären beim Showcase in Iserlohn 2008. Danach gewann Luxuslärm den deutschen Rock- und Poppreis in gleich sechs Kategorien, 2009 folgte der Gewinn des 1Live Krone als bester Newcomer, da waren vom Album-Debüt schon 25.000 Stück verkauft.
Jini erzählt trotzdem von nichts Glamourösem, sondern lieber davon, wie ihre Band sich eine Zukunft jenseits aller Strohfeuer aufzubauen gedenkt. „Wir wollten auch jenseits Nordrhein-Westfalens wahrgenommen werden, also haben wir uns überall hin getraut.“ Zum ersten Konzert etwa in Stuttgart seien „noch gut 20 Leute gekommen, für die wir uns den Arsch abspielten. Ein Jahr danach haben wir dasselbe dann schon für 500 Besucher getan.“ Was mit dem ersten Longplayer „1000 km bis zum Meer“ so schön begann, findet seine Fortsetzung nicht etwa im sprichwörtlich schwierigen zweiten Album. Nachdem sich viele der frühen Songs „während der gut 150 Konzerte, die wir gespielt haben, spürbar verändert hatten“, sagt Jini, „fiel uns der Nachfolger nicht sonderlich schwer, zumal ja das selbe Team dahinter stand.“ Weshalb „So laut ich kann“ jetzt auch „fast so klingt wie unsere Liveshows. Selbstverständlich irgendwie. So natürlich wie auch unsere Texte auf deutsch, weil wir keine Barrieren zwischen uns und den Fans haben wollen.“
Luxuslärm ist im Wortsinn eine Band. Eine Band, die für ihr Video zu „Unsterblich“ noch ein Piano auf die A46 stellte und irgendwann in Brand setzte, „bis die Polizei kam und uns unerwartet höflich darum bat, die Autobahn wieder frei zu machen.“ Jini lächelt, „auf uns“, sagt sie, „warten nach dem Konzert die Leute, weil wir uns diese Riesenenergie der ersten Tage offenbar erhalten haben. Das heißt keineswegs, Kritik könne uns nicht erreichen.“ Ein kurzes Räuspern, „aber Klugscheißer, die brauchen wir definitiv nicht mehr.“ Da kann man nur nicken wie ein Wackeldackel auf der Hutablage. Bloß weniger willenlos. Die Welt kann gar nicht genug Luxuslärm bekommen.

Im NDR wird der Auftritt am 18.12.09 um 24:00 Uhr ausgestrahlt.

Gleich nachdem klar war, dass KRYPTERIA ihre Deutschlandtour im Oktober aufgrund der gesundheitlichen Probleme von Chris nicht würden durchführen können, wurde mit Hochdruck an einem Ersatzplan gearbeitet, um die Fans MY FATAL KISS möglichst bald und möglichst flächendeckend auch live präsentieren zu können.

Nun freuen wir uns, Euch mitteilen zu können, dass Krypteria noch vor Jahresende auf Deutschlands Bühnen zurückkehren werden.
In der Kürze der Zeit war es aus logistischen Gründen leider nicht mehr möglich, noch eine neue Headlinertour für das Jahr 2009 zu realisieren, aber glücklicherweise sprang eine gute Freundin mit ihrem Team zur Seite:

Doro Pesch, die Metalqueen schlechthin, und ihre Bookingagentur Noisegateproductions haben Krypteria kurzentschlossen als Special Guest auf ihre Dezembertour eingeladen!
Die Hard&Heavy-Ikone aus Düsseldorf ist ja generell als ausgesprochen liebenswürdige Person bekannt; zudem existiert eine besondere Verbundenheit aus der Zusammenarbeit bei Doros letzter Single “Celebrate”, auf der Ji-In als Gastsängerin mit von der Partie war. Diesen Song, übrigens gemixed von Krypterias Chris, stellte man auch mit einem All-Girl-All-Star-Line-up im Rahmen des letztjährigen Megaevents zu Doros 25. Bühnenjubiläum live vor.

Nun kann man sich getrost auf eine spannende Tournee mit jeder Menge Frauenpower freuen.
Doro und ihre Jungs sind live immer ein Genuss und auch Krypteria sind wildentschlossen, den Fans ordentlich einzuheizen.

Die Termine:
11.12.2009 - HAMBURG, Große Freiheit 36 (w/Doro)
12.12.2009 - BERLIN, Postbahnhof (w/Doro)
13.12.2009 - DORTMUND, FZW (w/Doro)
15.12.2009 - MÜNCHEN, Backstage (w/Doro)
16.12.2009 - STUTTGART, Longhorn (w/Doro)
18.12.2009 - BAD AROLSEN, Outback (w/Destruction et al)
19.12.2009 - LANGEN, Stadthalle (w/Doro et al)
20.12.2009 - BAMBERG, Jako Arena (w/Doro et al)

Wer Nickelback endlich wieder live erleben möchte darf sich schon auf 2010 freuen, denn im Januar / Februar wird die Band für vier Konzerte nach Deutschland kommen:

Marek Lieberberg & Wizard Promotions in association with Live Nation present: Nickelback
26.01.2010 Mannheim - SAP Arena
29.01.2010 Oberhausen - König-Pilsener-Arena
30.01.2010 München - Olympiahalle
01.02.2010 Hamburg - Color Line Arena 

Alle Fans dürfen sich schon einmal auf 2010 freuen, denn im Frühjahr wird “Letters & Signs Part Two” erscheinen.

06.11.2009 Eisenach - Stern
07.11.2009 Schwerin - Alpha Festival
12.11.2009 Bochum - Zeche
13.11.2009 Hamburg - Markthalle
14.11.2009 Altenburg - Halle 26
19.11.2009 Zürich - Hive
20.11.2009 Luzern - Schürr
21.11.2009 Regensburg - Gloria Kulturtheater
25.11.2009 Stuttgart - Die Röhre
27.11.2009 Ingolstadt - Ohrakel
28.11.2009 München - Backstage
02.12.2009 Nürnberg - Hirsch
04.12.2009 Rostock - Mau
05.12.2009 Berlin - Astra
09.12.2009 Frankfurt - Nachtleben
10.12.2009 Köln - Luxor
25.12.2009 Erfurt - Erfurt Arena
26.12.2009 Dresden - Eventwerk
27.12.2009 Leipzig - Werk II
28.12.2009 Zwickau - Alter Gasometer

Zudem verschenken Voicst auf ihrer Homepage die aktuelle Single “Everyday I Work On The Road”
Hier gehts zum gratis Download: http://www.voicst.com/download/

Voicst auf Tour
Support für Florence & The Machine
05.10.09  Hamburg // Logo
06.10.09  Köln // Luxor
12.10.09  Berlin // Frannz Club
14.10.09  A-Wien // Flex
15.10.09  München // 59:1
17.10.09  CH-Zürich // Mascotte

Headlinershow
14.11.09  Hamburg // Prinzenbar
15.11.09  Frankfurt // Sinkkasten
28.11.09  Stuttgart // Schocken
29.11.09  München // 59:1
30.11.09  Köln // Underground

Die Band steht an allen Terminen für Interviews zur Verfügung, sowie an den Off-Days 13.10./ Berlin und 16.10./München.

Sting, der ganz große Gentleman der Rockmusik, schlägt leisere Töne an. Sein neues Album „If on a Winters Night“ ist eine eine “akustische Meditation” über die verschiedenen Aspekte des Winters.
In der Folge seines internationalen Erfolges als Solokünstler und der spektakulären Re-Union Tour von THE POLICE spannt STING’S neues Album If on a Winter’s Night… den Bogen quer durch die Jahreszeit der tiefen Besinnung und Religiosität, der unheimlichen Stille schneebedeckter Landschaften, einsamer Tage der Selbstreflexion und - für manche- der inneren Wiedergeburt.

Beginnend mit traditioneller Musik von den britischen Inseln schlagen STING und seinen Gäste (u.a. Daniel Hope, Dominic Miller, Chris Botti) den Hörer mit einer Sammlung von Songs, Weihnachts- und Wiegenliedern durch die Jahrhunderte in ihren Bann - wie etwa The Snow it Melts the Soonest (traditionelle Ballade aus Newcastle), Soalin (traditioneller englischer “Bittgesang”), Gabriel´s Message (ein Weihnachtslied aus dem 14. Jahrhundert), ebenso wie mit zwei eigenen Kompositionen von STING – Lullaby for an Anxious Child und The Hounds of Winter. Gleichfalls auf diesem Album zu finden ist Hurdy Gurdy Man – eine musikalische Adaptation und englische Übersetzung (von Sting) von Der Leiermann aus Schuberts klassischem Winter-Liederzyklus Winterreise.

Der britische Ausnahmekünstler Sting wird im Rahmen der Movimentos Festwochen der Autostadt in Wolfsburg 2010 zwei Konzerte geben. Am 26. und 27. Mai 2010 spielt er gemeinsam mit dem Bundesjugendorchesters im denkmalgeschützten KraftWerk des Volkswagen Konzerns. Der Vorverkauf beginnt am 22. Dezember 2009.

„Dass wir Sting für die Movimentos Festwochen gewinnen konnten, erfüllt mich mit großer Vorfreude“, erklärt Dr. Maria Schneider, die künstlerische Leiterin der Movimentos Festwochen und Kreativdirektorin der Autostadt. „Er ist nicht nur einer der besten Musiker unsere Zeit, sondern bringt darüber hinaus viel Zeit und Energie auf, um sich für Umweltschutz und Menschenrechte einzusetzen. Solches Engagement ist heute längst nicht mehr selbstverständlich – es gibt nur noch wenige Vorbilder wie ihn. Im kommenden Jahr heißt unser Festivalthema ‚Mut und Demut’ und ich kann mir keinen anderen Künstler vorstellen, der diese Haltung so authentisch verkörpert wie er“.

Mit dem Konzert im Rahmen der Movimentos Festwochen der Autostadt in Wolfsburg werden Sting und das Bundesjugendorchester auch zeigen, wie inspirierend das Zusammenspiel von klassischer und zeitgenössischer Musik für alle Beteiligten sein kann. Das Orchester besteht aus 100 ausgewählten Musikern zwischen 14 und 19 Jahren, die jeweils zwei Jahre lang die Möglichkeit haben, im In- und Ausland mit renommierten Dirigenten und Dozenten zusammenzuarbeiten.

26. Mai 2010 Wolfsburg, KraftWerk des Volkswagen Konzerns
27. Mai 2010 Wolfsburg, KraftWerk des Volkswagen Konzerns

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