Travis, eine der bekanntesten UK Bands kehrt nach fünfjähriger Abstinenz mit ihrem siebten
Album „Where You Stand“ zurück.

Gemeinsam mit dem schwedischen Produzenten Michael Hilbert (The Cardigans, The Hives,
The Wannadies) haben Travis ein Album voller melodischer Pop-Perlen scheinbar mühelos
aus dem Ärmel geschüttelt und klingen darauf fokussierter und auch gestärkter als je zuvor
in Ihrer Karriere.

Gleich zu Beginn des Albums begeistert der Track „Mother“ mit einem erfrischenden Rausch
voller Popharmonien und einem glockenklaren Piano-Solo. Gefolgt von dem hymnischen
„Moving“ und dem hypnotischen „Where You Stand“. Diese umwerfende Song-Sammlung
wird durch die große Piano Ballade „The Big Screen“ abgerundet.

Geschrieben und aufgenommen wurde das Album in London, Norwegen, New York und auch
ein Abstecher ins legendäre Berliner Hansa Studio wurde unternommen. Am Ende nahm die
Band allerdings den Großteil der Songs am gleichen Mischpult auf, an dem Radioheads „OK
Computer“ entstand, sowie auch ihr eigenes Durchbruchsalbum „The Man Who“.

„Man bleibt so lange weg, wie es dauert,“ sagt Bassist Dougie Payne über die wohlüberlegte
Auszeit der Band, „dadurch kann man den Hunger und das Verlangen wieder spüren,
welches man hatte, als man ganz am Anfang stand.“

Mit zwei UK Nummer Eins-Alben, fünf Top Ten Singles, zwei Brit Awards und mehr als acht
Millionen verkauften Tonträgern, haben Travis Songs erschaffen, die dank breitem Radioplay
ihren Weg in sämtliche Wohnzimmer fanden. Hits wie „Turn“, „Why Does It Only Rain On
Me“ oder „Sing“ brauchen lediglich wenige Sekunden, um diese wohlige Emotionen
hervorzurufen, die sorgfältig darin eingebettet wurden.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Mehr zum Fernsehgarten: http://fernsehgarten.zdf.de/

Weitere Infos zu Circus HalliGalli: http://www.prosieben.de/tv/circus-halligalli/

2007 gründete Sänger Jesse-James Cameron die Gruppe MAKESHIFT INNOCENCE. Der gebürtige Kanadier Cameron verbrachte unter anderem drei für seinen Werdegang wegweisende Jahre in Negril / Jamaika. Die Klänge und das Lebensgefühl des Reggae faszinierten und inspirierten den jungen Cameron - ein Einfluss, der den heutigen Sound von MAKESHIFT INNOCENCE prägt. Reggae, Rock und Roots Sound verbunden mit karibischem Lebensgefühl.

In Kanada gelten MAKESHIFT INNOCENCE bereits als eine der besten Liveacts überhaupt. Nur ein Grund, warum sie seit 2010 beinahe jede Show ausverkaufen. Auch in Nordamerika begeisterten sie auf ihrer 45 Termine umfassenden Tour im Mai und Juni 2012 das Publikum, auf der sie nahezu in jeder großen Stadt der USA spielten.

Darüber hinaus traten MAKESHIFT INNOCENCE auch auf den wichtigsten Showcases in Nordamerika auf. Darunter The WORLDWIDE RADIO SUMMIT (Los Angeles, USA), COCA (Whistler, B.C. Kanada), MUSEXPO (West Hollywood, USA) und diverse ausverkaufte Auftritte bei der Canadian Music Week (Toronto, Canada) und gewannen mit ihrer Single “All You Need Is Love” den größten kanadischen Radio-Award, dotiert mit 200.000 Kanadischen Dollar.

Im September 2012 präsentierten sie sich erstmalig der deutschen Musikszene. Im Rahmen der European Music & Media Night (EMMN) performten MAKESHIFT INNOCENCE vor gut 1.000 Gästen der deutschen Musik- und Medienwirtschaft in Hamburg. Sie begeisterten das Publikum und stellten im Anschluss des Konzertes zufrieden fest: “We made the penguins fly.”

Vergessen wir für einen Moment die gängigen Brasilien-Klischees, die Copacabana, den Zuckerhut, den Fußball, die Telenovelas und den Karneval. Betrachten wir Brasilien mal nicht mit sozialromantisch verklärtem Blick, der Favelas in zweifelhafter Manier huldigt. Wenn wir nicht vergessen, dass Brasilien Traum und Alptraum zugleich ist, können wir das Land durch die Augen von Bê Ignacio betrachten. Die Deutsch-Brasilianerin kennt ihr Geburtsland, seine Klischees und seine vielen Wahrheiten, die so unterschiedlich sind, wie die Brasilianer selbst. Und sie kennt eine Wahrheit Brasiliens seit ihrer Geburt, die der ganzen Welt zur Entkrampfung verhilft… die Samba.

Ein Rhythmus, ein Tanz, ein Lebensgefühl – die Samba ist all das und noch viel mehr. Mit „Samba ê“, dem inspiriert-pulsierenden Vorboten ihres neuen, vierten Albums „India Urbana“, erklärt die Musikerin und Songwriterin Bê Ignacio, deren Wurzeln in der brasilianischen Millionen-Metropole Sao Paulo liegen, was Samba für sie ist. Im Bewusstsein für die Ursprünge der Samba hat Bê Ignacio das rhythmische Aushängeschild Brasiliens in eine moderne, urbane Form gebracht. Getragen von einem luftig-leichten Gitarrenthema über einem pulsierenden Beat, lädt Bê Ignacio mit „Samba ê“ dazu ein, sich der Winter-Depressionen endlich zu entledigen und der Wärme, der Weite, dem Licht und dem Gefühl fürs Leben die Türen zu öffnen. Ohne Verklärung, ohne Klischees, aber mit dem Selbstbewusstsein einer Kultur, die die ganze Welt in Schwingung hält. Es ist die Samba-Kultur, die Kultur von Bê Ignacio.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Hier steht das Presse-Statement zum Release des neuen Albums zum Download zur Verfügung!

http://www.radioeins.de/programm/sendungen/sendungen/28/1304/130414_eins_h_rbar_rust_4910.html

01.05.2013 Kiel, Schaubude
02.05.2013 Düsseldorf, Tube
03.05.2013 Kassel, Arm aber OK
04.05 2013 Leipzig, Neues Schauspielhaus

Einen Trailer zur Tour zeigen The TCHIK auch auf YouTube.com.

Am 26.07.2013 erscheint das 2. Studioalbum der Band mit dem Titel “Mama ich blute” und im Anschluss daran geht es im Herbst auf eine ausgedehnte Deutschland-Tour.

22.03.2013 Rostock // Stadthalle
23.03.2013 Lübeck // MUK
24.03.2013 Hamburg // CCH Saal 1
25.03.2013 Essen // Grugahalle
26.03.2013 Kempten // bigBOX
27.03.2013 Siegen // Siegerlandhalle
28.03.2013 Fulda // Esperantohalle
29.03.2013 Dresden // Messe

Auch die BILD Zeitung hat sich vom schnellsten Magier der Welt verzaubern lassen…

20.04.2013 Köln // Luxor
21.04.2013 Frankfurt // Zoom
22.04.2013 Berlin // Magnet
23.04.2013 Hannover // Musikzentrum
24.04.2013 Hamburg // Logo
26.04.2013 München // Backstage Club
28.04.2013 Stuttgart // dasCANN

Die in Chicago / Illinois geborene Sängerin mit der rauchigen Bariton-Stimme stellt seit vielen Jahren ihr aussergewöhnliches Können unter Beweis! Wer Marla Glen einmal live und in Hochform erlebt hat, kommt nicht wieder von ihr los!

Diese geniale und einzigartige Künstlerin, die im Verlauf ihrer Kariere so viele Höhen und Tiefen erlebt hat, befindet sich nun mit einem neuen Management, mit eigener Plattenfirma und mit einem komplett runderneuerten Team zurück und gefestigt auf dem Weg zum Erfolg!

Im Sommer 2013 veröffentlicht Marla Glen ihr neues Album “Tricks & Tracks”.

Mit Marla Glen Records und Marla Glen Publishing plant die Soul-Künstlerin bereits ein House-, ein Unplugged- und ein Live-Album - ihre Fans können gespannt sein, wie sich die Sängerin entwickelt hat.

Darüber hinaus schreibt Marla Glen gerade an ihrer Biografie, in der Details über ihre Kindheit in Chicago, ihr Leben mit dem angeborenen ADHS-Syndrom und ihren Projekten fernab der Musik. Das Buch wird alle Gerüchte aus der Welt räumen und einen Einblick auf die echte Marle Glen geben!

Mehr Infos: www.marlaglen.net

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de

The Toten Crackhuren im Kofferraum (The TCHIK) sind eine
Elektro-Schlager-Punk-Pop-Band aus Berlin. Die Bandmitglieder treten unter den Künstlernamen Luise Fuckface, Kristeenager, Netja Triebeltäter und Stehfanje etc.
auf. Gründungsmitglieder sind Luise Fuckface, Schrüppe McIntosh und Lynn Love.

Die Ende November 2005 in Berlin gegründete Band tritt mit bis zu drei Sängerinnen,
einer variablen Anzahl von Tänzerinnen und drei Männern (Toy-Boys) als
Begleitmusiker im Hintergrund auf. Entdeckt wurde das Kollektiv vom Frontpage-
Gründer Jürgen Laarmann, von dem die Band sich aber nach Vertragsstreitigkeiten
schon nach kurzer Zeit wieder trennte. Luise Fuckface und Schrüppe McIntosh
gingen dann etwa ein Jahr lang ihren eigenen Weg ohne fremde Hilfe und vernetzten
sich erstaunlich erfolgreich über Myspace und Youtube mit einer rasch wachsenden
Gefolgschaft von Fans und anderen Bands. Neben ersten Live-Auftritten
organisierten sie auch Parties, produzierten ihre ersten eigenen Songs zusammen
mit Freunden und brachten ihre ersten selbstproduzierten Fanartikel unters Volk. Im
Sommer 2008 wurden dann Beat Gottwald vom „Beat the Rich“ (Management u.a.
KIZ, Casper und Kraftklub) und Archi Alert (Produzent u.a. KIZ, Terrorgruppe,The
Movement) auf die Band aufmerksam und planten gemeinsam mit der Band das
Projekt: Debut – Album.

Im Dezember 2008 ging Deutschlands letzte/einzige Riot-Girl Band als Vorgruppe
von K.I.Z. mit auf Tour. Während sich die Rap-Stars rührend neu gewonnen kleinen
„Schwesterchen“ kümmerten, reagierte das Publikum streckenweise noch etwas
respektlos, so dass sich die Hauptband manchmal sogar für ihr eigenes Publikum
schämen musste. Auffallend war, dass es auch Auftritte gab bei denen die
„Crackhuren“ doch auch richtig gefeiert wurden. Es wurde immer deutlicher,The
TCHIK polarisieren und dieser umstand machte das Unternehmen Debut-Album
für alle Beteiligten nur noch spannender.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Das klassische Pop-Duo ist spätestens seit Sonny and Cher wohl nicht mehr aus der Popwelt wegzudenken - Eurythmics, Moloko, Goldfrapp: die Liste ließe sich endlos fortführen.

Clarence + Napoleon treffen sich 2008 in Hamburg und fortan beginnt die leidenschaftliche Beziehung mit der gemeinsamen Liebe zur Musik. Clarence + Napoleon, das sind Anna und Arne.

In den vergangenen zwei Jahren haben C+N an ihrem Debütalbum gearbeitet. Zum Schreiben ziehen sie sich immer wieder aufs Land zurück. Der Stille und Weite werden Ausflüge nach Berlin, London und ins Hamburger Nachtleben entgegengesetzt. Genau dieser Gegensatz, die Spannung aus den fragilen Tönen, die von elektronischer Musik durchsiebt werden und urbaner Kühle, macht ihre Musik aus. So entsteht ein synthesizerlastiges Popalbum, auf dem - mit viel Liebe zum Detail - Einflüsse aus Film- und Folkmusik eingewoben werden.

Mit drei Songs und drei Videos wird eine besondere Geschichte umgesetzt. Unter der Regie von Stephane Leonard wurde die ungewöhnliche Trilogie verfilmt. Ein Auto auf dunkler Landstraße, ein weißes Licht, Crash und Schwerelosigkeit, dann erklingt eine Stimme in der Dunkelheit: „Breaking the silence…hearing the sirens!“ Wir werden eingesogen und fortgetragen auf eine Reise ans Ende der Nacht. Wie die Geschichte weitergeht, wird uns dann im zweiten und dritten Teil der Trilogie dargelegt.

Clarence + Napoleon holen einen da ab, wo man sich verloren gegangen meint, in den Erinnerungen an finstere Märchen, an die Rätselhaftigkeit der Liebe und einer Zukunft, in der die Nächte niemals enden und es immer noch einen Tanz, einen Drink und eine Geschichte gibt. Irgendwo auf einer leeren Straße zwischen Club und Zuhause. Nur zu gerne will man bleiben, verweilen in der verwunschenen Traumwelt von Clarence + Napoleon.

Clarence+Napoleon im Web:
Webseite
Facebook

Kontakt - Online Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Hakan Halac Tel: + 49 (0)30/ 627 351 70; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: hakan@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

In Deutschland werden die Psychedelc-Blues-Rocker beim WDR Rockpalast am 22.03. zu sehen sein!

Rival Sons auf Tour:
22.03.13 GER Bonn // Harmonie (WDR Rockpalast)
28.03.13 GER Hamburg // Mojo
29.03.13 GER Frankfurt // Zoom
01.04.13 SWI Zürich // Komplex

Zunächst als 12köpfiges Wohnzimmerorchester gegründet (zu den legendären „Laboranten in Aspik“-Parties in der Leipziger Erika-von-Brockdorff-Straße), wechselten die Musiker nach dem Austritt von Benedikt Jobim (drmfl) zu elektronischen Instrumenten. Noch zusätzlich motiviert durch die Anschaffung eines 4-Track-Recorders hatten die Musiker im August 1997 einen enormen stream of consciuosness („Man hatten wir einen stream of consciousness!“). Die innerhalb von 24 Stunden entstandenen Songs reichten zur Veröffentlichung von vier strengstens limitierten Tapes, von denen eines, „Tausend Bunte Lichter“ (1997), aufgrund seiner einzigartigen Symbiose von Flöte und Beatbox den Ruf der Band als Pioniere des Elektro-Folk begründete.

Die vermehrten Live-Vorführungen des bis dahin erarbeiteten durchweg erstklassigen Materials und die Tüfteleien im Heimstudio gipfelten 2000 in der Veröffentlichung der ersten Demonstrations-CD „Brockdorff Klang Labor“ und der Uraufführung des selbstgeschriebenen Musikdramas „Die Entdeckung der Neuen Welt“ im Leipziger Theater „Lofft“ (mit Hermann Heisig als Indianer). Ein rauschender Erfolg.

Bei einem Konzert lernten die Musiker Jens Friebe und Szene-Urgestein Alfred Hilsberg kennen. Letzterer nahm die Band unter seine Fittiche und eine Veröffentlichung auf seinem Label ZickZack wurde geplant. Wilde Auseinandersetzungen, zermürbende Sessions auf der Suche nach geeigneten Dreiklängen, sowie Gerüchte über Kooperationen mit Otto Mühl oder Täve Schur begleiteten die Produktion. Schlußendlich mit Elektro-Crack Plemo im phoneraum / Hamburg aufgenommen und vom Hamburger Schulinspekteur Tobias Levin im Electric Avenue Studio produziert, erschein das lang ersehnte Album „Mädchenmusik“ im September 2007 auf ZickZack, Hamburg.

Im Herbst 2008 schrieben sich die drei Helden der Musikarbeit “Live Slow, Die Old” auf die Homepage und zogen mit Schlafsack, Korg und Moog hinaus aufs Land. Im kleinen Örtchen Doberschütz, in einer Scheune, die den alten Recken von Can bereits 1972 wegen ihrer überirdischen Klangeigenschaften und Schönheit als, nun ja, Scheune diente, entstanden die streng geheimen Doberschütz-Tapes 1-3. Hier in der Natur, beim Holzhacken, am Kaminofen im Wohnwagen und in der Open-Air-Badewanne fanden die Musiker zurück zu sich, zueinander und zur Essenz ihrer Musik.

Doch noch war es ein gutes Stück auf dem Weg zum neuen Tonträger. Ekki Labor verliebte sich Hals über Kopf in Kommunikation und Design (gleichzeitig), Nadja in einen bezaubernden Schrebergarten (“Medusa in Mesopotamien”) und Sergej verschwand für Monate auf der Suche nach dem Goldenen Base Cap an die rauhe Schwarzmeerküste, und tauchte plötzlich an den Plattentellern eines Berliner Clubs und schließlich im Fernsehen wieder auf.

Nun ist die Zeit reif. Unsere Helden haben ihre Hausaufgaben gemacht, die Tracks und Hausschuhe eingepackt und sich in die Obhut zweier begnadeter Produktionsgenies begeben. Im Fat of Excellence Studio in Köln und im Electric Avenue in Hamburg legen Bob Humid (Mathias Schaffhäuser, Coloma, Holger Czukay) und Tobias Levin (Tocotronic, Kante, Jens Friebe) Hand an die neuen Brockdorff-Stücke. Unbestätigten Gerüchten zufolge, soll das Album den großartigen Titel: „Die Fälschung der Welt“ tragen. Einige Beobachter halten dies allerdings für eine von der Band selbst lancierte Falschmeldung.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Auf ihrem dritten Album „Black Dog Barking“ schließen die Jungs aus dem kleinen Küstenort Warnambool im Südwesten Australiens nun nahtlos mit ihren schnell zum Trademark gewordenen Hand-In-The-Air-Hardrock an die beiden Vorgänger „Runnin`Wild“ und „No Guts, No Glory“ an. Seit Mitte 2011 arbeiteten Airbourne zusammen mit dem kanadischen Produzenten Brian Howes (u.a. Nickelback) an „Black Dog Barking“.

Hier ein Bandstatement zu „Black Dog Barking“: „Nicht nur die Band selbst hat eine Menge Anstrengung und Ideen in diese Platte gesteckt. Das Album ist ein Gesamtprodukt von Band und der Produktionscrew, die unzählige Stunden, sieben Tage in der Woche, selbst an Weihnachten und Sylvester am bestmöglichen Ergebnis geschuftet hat! Jetzt hört selbst – lasst es krachen, macht euch ein Bier auf und lasst euch die Ohren von ein bisschen Rock N`Roll freiblasen!“

Airbournes catchy Tracks wurden mittlerweile für mehr als 20 Videospiele, zahlreiche Filme, Trailer und Ähnliches verwendet. Inspiriert von Bands wie Judas Priest, Thin Lizzy, AC/DC und Motörhead konnten Airbourne seit 2003 zahllose Fans von ihrem energetischen und zugleich bodenständigen Rock `N Roll überzeugen. Die Australier heimsten außerdem diverse Auszeichnungen ein; ihr erstes Album „Runnin’ Wild” wurde z.B. 2008 vom Metal Hammer UK als das beste Debütalbum des Jahres geehrt, vom Classic Rock Magazine wurden sie im selben Jahr als beste neue Band ausgezeichnet.

Airbourne im web:
www.airbournerock.com
www.facebook.com/airbournerock

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Wer mehr über die Blockflöte des Todes und das neue Album erfahren möchte, sollte keinesfalls heute Abend vergessen, um 18.00 h bei Pop10 einzuschalten - dort wird die Flöte exklusiv im Talk sein!

Hier geht es zum Artikel

Die modernen Zeiten sind farblos. Die Kunst ist stromlinienförmig. Der Erfolg wird flüchtig. Kaum jemand ist noch bereit, etwas in eine langfristige Karriere zu investieren. Weder kreativ noch kommerziell. Schlechte Zeiten für die Kultur in unserem Land. Oberflächlichkeit meets Ausverkauf von Ideen. Anthony Thet ist sich all dieser Missstände bewusst. Und er lacht fröhlich, wenn er darüber spricht, irritierender Weise: “Gerade weil die Musikszene von heute mehr oder weniger stagniert, stehen dir als jungem Künstler doch alle Türen offen, wenn du nur anders bist als die anderen. Nun, ich bin anders.”

Das ist Anthony in der Tat, so seine Selbstverpflichtung: “Als Entertainer, der ich bin, ist es meine Aufgabe, dass ich aus der breiten Masse heraus steche. Ich mag es, gut gekleidet zu sein und gebe mich gerne witzig und galant - kein griesgrämiger Typ, der in abgerissenen Jeans seine Lieder runter schrammelt. Ich möchte glitzern und funkeln auf der Bühne, ebenso meine Band. Wir sind ganz bewusst anachronistisch altmodisch. Das Auge hört schließlich mit.” Anthony Thet bezeichnet sich gerne als “gentlemental”, so heißt auch seine erste Single und sogar das Album - die geschmeidige Schnittmenge aus “Gentleman” und “sentimental”. “Dieser Begriff verkörpert meine Musik wie meine Art zu leben”, erklärt der gebürtige Erfurter, der seit 1988 in Berlin lebt, “er hat etwas mit Robert Palmer zu tun, meinem großen Vorbild - auch er verstand es stets, in der Öffentlichkeit zu strahlen.”

Die Aufnahmen für Anthonys Debütalbum “Gentlemental” sind fertig gestellt, die
Veröffentlichung am 10.05.2013 zum Greifen nahe. Von den geplanten Live-
Auftritten ganz zu schweigen, “denn ich will endlich wieder für Glamour in der
Öffentlichkeit sorgen. Ich orientiere mich dabei eher an Modeschauen als an
klassischen Rock-Shows. Denn ich will leuchten! Und ich will, dass meine Kunst
große Kreise zieht! Dass alle Sinne von meiner Arbeit angesprochen werden! Dann
habe ich meine Mission als “moderner Dandy” erfüllt!”

Anthonys Fazit für die ganz persönliche Zukunft: “Was die noch bringt, weiß ich
nicht. Aber mein Wunsch für sie ist einfach: Ich will jeden Morgen glücklich und
zufrieden aufwachen.”

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

http://www.rollingstone.de/news/meldungen/article375246/tusq-perfect-game.html

Tickets gibt es an allen bekannten Vorverkaufs-Stellen oder unter www.eventim.de!

Über 80 Millionen verkaufte Tonträger, weltweit ausverkaufte Tourneen, etliche Platin-Auszeichnungen, jährliche - bis heute ungebrochene - Rekord-Umsätze im Merchandise in Höhe von bis zu einer Millarde Dollar: NEW KIDS ON THE BLOCK haben als eine der erfolgreichsten Boybands der Welt die Pop-Welt nachhaltig verändert. Und dass sie nun ihr zehntes Album veröffentlichen, lässt sich die 1984 gegründete Band trotz Trennung von 1994 bis 2008 ganz und gar nicht anmerken.

Die erste Single “Remix (I Like The)” aus dem am 05.04.2013 erscheinenden Album “10″ ist ganz im Stil der NEW KIDS ON THE BLOCK: eingängig, tanzbar, catchy - und verbirgt mindestens so viel Ohrwurmcharakter wie die größten Hits der Band “Step By Step”, “You Got It (The Right Stuff)” oder “Cover Girl”. Bereits 2010 waren NKOTB mit den Backstreet Boys als “NKOTBSB” auf erfolgreicher Tournee, und um nun ein weiteres mal die Herzen der Fans zum Stillstand zu bringen, touren die NEW KIDS ON THE BLOCK auch noch mit BOYZ II MEN und 98 DEGREES vom 31.05.2013 - 13.07.2013 durch die USA: “Ladies, we’re coming for you,” so NKOTB Mitglied Donnie Wahlberg. “This is going to be the craziest year yet-the single, the album, the tour with 98 Degrees and Boyz II Men … We can’t wait to give fans ‘The Package!’” Da werden die Sanitäter vorort wieder pausenlos zu tun haben…

Die englische Biografie gibt es hier:

Mehr zum SXSW gibt es unter http://sxsw.com/music

Erste Teaser gibt es hier:
http://www.youtube.com/watch?v=zj_myiTa7vQ
http://www.youtube.com/watch?v=uBJjSIqEYis&NR=1

Hier kann der Auftritt gestreamt werden: http://www.zdf.de/ZDFmediathek/beitrag/video/1835246/Diane-Weigmann-mit-7-Leben?bc=sts;suc;kua446;kua1835100

Einen kurzen Einblick in die Sendung gibt es hier: http://www.youtube.com/watch?v=xP55KIlsDZ4

Den Stream (ab Montag online) und die Sendezeiten hier: http://www.nachtfahrttv.de/sendezeiten/

Einschalten!

Update:
Der Auftritt steht jetzt in der Mediathek des ZDF online:
Hier geht es zum Video

Weiter Infos gibt es unter diesem Link: http://www.dradio.de/dlf/programmtipp/stage/1968241/

VÖ: 19.04.2013
Label: Kunsthaus

Es existieren nur wenige Bands, die es schaffen, atmosphärische Klänge und eingängingen Sound in Einklang zu bringen. Lowlakes sind eine dieser wenigen Bands. Mit ihrem Mix aus Ambience, Alternative, Indie und Pop geben Lowlakes einen Sound vor, der beweist, dass diese faszinierende Kombination auf direktem Wege ins Ohr gehen kann.

Nachdem Lowlakes sich bereits auf ihren unzähligen Shows in die Köpfe und Herzen der  Zuschauer spielen konnten, nahmen die vier Jungs ihre erste selbstbetitelte EP in  Melbourne auf. Von einem  Bäcker aus Wien im sogenannten „Kunsthaus“ live und analog aufgenommen und produziert, folgte die erste Singleauskopplung „Song for Motion“, die repräsentativ für die Dynamik dieser Band steht. Die Vocals von Frontmann Tom Snowdon sind so verträumt und emotional, dass sie  den Hörer auf eine Reise in neue Dimensionen mitnimmt, welche so klar und doch so unbegreiflich zu sein scheinen. Es hageln Vergleiche á la Antony Hegarty
(Antony and the Johnsons), Sigur Ros, Scott Matthew, Matt Berninger (The National) und Jeff Buckley.

Die EP bekommt hochlobende Worte von alles Seiten der Internet-Kritiker, wird auf den  Radiostationen hoch und runter gespielt – doch der wahre Höhepunkt für Lowlakes war  das Konzert beim CMJ Music Festival, welches jährlich seit 1980 stattfindet und schon  Künstler wie Arcade Fire, Esperanza Spalding oder Gotye verbuchen konnte.

Das Debut-Album, mit welchem Frühjahr 2013 gerechnet wird, wird bereits heiß erwartet.  Nach dem Stück Kuchen, das Lowlakes mit ihrer EP servierten, folgt mit dem Album nun die
ganze Torte. “Cold Company”, die erste Single- und Video-Auskopplung des Albums, zeigt
Lowlakes’ Fähigkeiten in Bestform: melodiöse, brummende Sounds mit einem Touch des 80er Pop, welcher den Hörer in seinen Bann zieht, aus dem man nicht flüchten kann. Und auch nicht will.

Lowlakes im Web:
Homepage
Facebook

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

HIER gehts zur Sendung!

HIER gibt’s den Link zur Sendung!

Eine Seele unter Millionen und sie singt deutsch. Ständig auf der Suche nach einer Bedienungsanleitung für Leben, Fühlen oder Denken. So kennt man Martin Kilger. Natürlich sieht er das, was alle sehen und er nimmt es wahr. Oft dreht er die Dinge oder sich selbst um 2 oder 3 Grad, um das ewig Gleiche aus einer neuen Sicht zu beschreiben. Selbst das Leben zeigt sich auf den ersten schnellen Blick in scheinbar gleichen Bildern. Doch Martin Kilger nimmt sich die Zeit, um das zu beschreiben, was Menschen spüren… die ständige Bewegung und Veränderung eines Stand-
bildes namens Leben. Nicht nur die Balladen tragen die unverkennbare Handschrift
und fühlbare Stimme Kilgers. Sie haben eines gemeinsam – sie berühren einen an
Stellen, an denen man sich nicht dagegen wehren kann und möchte. Martin Kilger
spricht es aus: „Jetzt sollten wir uns entscheiden, ob wir leben oder nicht.“

Martin Kilger ist ein Multitalent und eine Klasse für sich: Texter, Komponist, Sänger,
Keyboarder, Videoregisseur und Absolvent der Kölner Kunsthochschule für Medien.
Bereits im jungen Alter von 17 Jahren wurde seine Musikkarriere in die richtigen
Bahnen gelenkt, als er den ersten Platz bei einem bekannten deutschen Gesangs-
wettbewerb belegte um dann schon wenig später als Keyboarder für Größen wie
Nina Hagen und den Söhnen Mannheims zu glänzen. Als Videoregisseur drehte
Martin Clips und Dokumentationen (u.a. für Xavier Naidoo, Brothers Keepers,
Groove Guerilla, Joachim Witt und Valentine), die ihm Nominierungen für den
„Echo“ und den „Viva Comet“ einbrachten.

Viele dürften noch seine Ballade „Leicht“ im Ohr haben, den Titeltrack seines ersten
Albums von 2007. Martin Kilger war mit diesem Titel höchster Neueinsteiger und
anschließend drei Monate lang in den Airplaycharts präsent. Es folgten ausgiebige
Tourneen mit Söhne Mannheims und Joe Cocker, bei denen er das Publikum nicht
nur überzeugen, sondern sich auch langfristig deren Sympathien sichern konnte.

Im Herbst 2009 veröffentlichte Kilger, produziert von Franz Plasa und teilweise
aufgenommen in den legendären Berliner Hansa Studios, sein Album „Wofür ich
steh“. Mit der Single „Unendlich frei“ gelang ihm ein weiterer Achtungserfolg im
Funk, und auf dem Track „Weinen“ gibt es eine soulheilige Gesangsallianz mit
Xavier Naidoo.

Fast auf den Tag genau, ein Jahr später, erschien mit „Nackt“ der nächste
Longplayer von Martin Kilger. Seine ganz persönliche Sicht auf die Widrigkeiten des
Lebens – so wurde im Vorfeld der Produktion sein geliebter VW-Bully aufgebrochen
und sämtliches Equipment und Hab und Gut entwendet – verarbeitet Martin, wieder
mit dem ihm eigenen Flow und Wortwitz, auf diesem, mit viel Soul und Hip Hop
angereicherten Album.

Jetzt steht Martin Kilger mit seinem nächsten Streich, den er bezeichnenderweise
„Leon“ (nach seinem Song „Leben oder nicht“) betitelt hat, wieder in den Start-
blöcken. Das neue Album erscheint am 25.01.2013 und eines ist sicher –
auf diesem vierten Werk von ihm werden all diese Lebensfragen auf musikalische Weise
ausführlich behandelt. Martin ist bereits vor einigen Jahren zum Musizieren vom
heimischen Süddeutschland aus in die raue Hansestadt Hamburg gezogen. Mit
Sandi Strmljan (u.a. Lindenberg, Chris Norman u.v.m.) als Produzenten hält dann
auch gleich eine frische Brise Einzug in die Songs.

Mit ihm spielte Kilger die 12 Titel für „Leon“ ein. Auffallend sind wieder die sowohl
eingängigen, als auch sensiblen Texte, die direkt aus Martin Kilger’s Seele zu
sprechen scheinen und einen tiefen Einblick in seinen Charakter geben, wie auch in
die diversesten Stilrichtungen, die allesamt ein Teil seiner musikalischen
Persönlichkeit sind. Alles in allem ein stilistischer Weg, der gerne Parallelen und
Vergleiche mit anderen deutschsprachigen Künstlern nach sich zieht. Dabei ist
Martin Kilger nur eins – er selbst.

Martin Kilger im Web:
www.martin-kilger.de
Martin Kilger auf Facebook

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
Anke Baumann Tel: + 49 (0)30/ 627 351 75; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: anke@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Update 28.01.2013:
Das Video zum Auftritt ist nun in der Mediathek zu finden:
HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Zwischen 09:00 und 10:30 Uhr wird er ausführlich Rede und Antwort stehen!

Einen ersten Teaser gibt es bereits hier!

Hier ansehen!

Das Album “Kein unbeschriebenes Blatt” der Berliner Künstlerin, erscheint am 08. Februar und kann bereits jetzt überall vorbestellt werden!

DI-RECT gehören zu den erfolgreichsten europäischen Rockbands und blicken auf
eine über 12-jährige Karriere zurück. Mit über 100 Konzerten im Jahr und zahllosen
Festivalauftritten, unter anderem beim Pinkpop, Parkpop, Lowlands und Beatstad,
hat die Band ihren Status als außergewöhnlicher Live Act etabliert. DI-RECT haben
bisher sechs Alben veröffentlicht und hatten 22 Hit Singles in den holländischen
Radio Charts, außerdem gewann die Band insgesamt 13 Musikbranchen Awards
inklusive dem MTV Networks TMF Award für ihre mitreissenden Auftritte und ihre
fantastischen Musikvideos.

DI-RECT können aber nicht nur in Europa die Massen begeistern, auch in Indonesien
liegt ihnen das Publikum zu Füssen. In kürzester Zeit landeten sie dort einen
Nummer 1 Hit und spielten eine ausverkaufte Tour. 2010 waren DI-RECT zusammen
mit den Smashing Pumpkins, Wolfmother und den Stereophonics Headliner beim
renommierten Jakarta ‚Java Rockin’ Land’ Festival.
Über die Jahre entwickelte sich die Band stetig weiter, ihr Sound wurde individueller
und kraftvoller. Doch nicht nur der Sound veränderte sich, auch in der Besetzung
gab es maßgebliche Neuerungen. Nachdem Sänger Tim Akkerman die Band Mitte
2009 verlassen hatte, wurde der äußerst charismatische Marcel Veenendaal neuer
Frontmann und mit Vince van Reeken an den Keyboards komplettierte ein alter
Weggefährte und hervorragender Songwriter das aktuelle Line Up.
Kurz nach dem Einstieg von Marcel und Vince erschien das Album „This Is Who We
Are”. Und dann ging es Schlag auf Schlag und DI-RECT landeten einen Hit nach dem
anderen. Die Singles „Times Are Changing”, „This Is Who We Are”, „Hold On” und
„Natural High” landeten allesamt auf den vordersten Plätzen der holländischen
Charts. „Times Are Changing” war der erste Nummer 1 Hit der Band und konnte sich zudem

für sechs Wochen an der Spitze der Aiplay Charts halten. 2010 waren DI-RECT eine
der meistgespielten Bands im holländischen Radio. Dass das Publikum die neue
Formation positiv aufnahm, wurde sowohl bei zahlreichen Festival Auftritten, als auch
bei der ausverkauften Club Tour im Herbst 2010 mehr als deutlich.

Mittlerweile hat die Band auf allen bedeutenden Festivals in den Niederlanden
erfolgreich performt und sich mit ihrem neuen Sound eine größere und reifere
Anhängerschar erspielt. Wenn die Band auf der Bühne steht, kann man deutlich
spüren und hören, wie sich die unterschiedlichen Charaktere ergänzen und die Band
zu dem machen, was sie heute ist: Größer und kraftvoller als je zuvor!
Ende 2010 sprudelt die Band vor Kreativität geradezu über und zieht sich zum
Songwriting ihres zweiten Albums zurück, das im Sommer 2011 in kompletter
Eigenregie aufgenommen wurde. „Time Will Heal Our Senses” wurde von der Band geschrieben, produziert und aufgenommen, lediglich für Sound und Mix holte man sich Hilfe von Produzent James Lewis. Dieses Album aufzunehmen war die bis dato größte Herausforderung für DI-

RECT, die in ihrem persönlichsten und aufwändigsten Werk resultierte.
Anfang September 2011, als die Band gerade an den letzten Songs des Albums
arbeitete, wurde die erste Single „The Chase“ veröffentlicht. Mit überwältigendem
Enthusiasmus wurde der Titel von allen großen Radiostationen auf Heavy Rotation
genommen. Und wieder erreichte ein Song der Band den ersten Platz der Airplay
Charts und wurde sogar zum meistgespielten Titel in der Veröffentlichungswoche im
holländischen Radio. Auch der Nachfolger „Young Ones“ erhielt erhebliche
Unterstützung aller großen Radiosender.
Das aktuelle Album „Time Will Heal Our Senses” wurde im Herbst 2011 im
Heimatmarkt veröffentlicht und stieg direkt in die Top 10 ein. Die aktuelle Single
„Young Ones“ und das dazugehörige Video verkörpern exakt das Lebensgefühl der
Band.

Auch in Deutschland wird die Band in naher Zukunft diesen Spirit auf die Bühnen
bringen und scharenweise neue Fans für sich gewinnen können.
Die erste Single aus dem Album „Time Will Heal Our Senses“ wird in Deutschland
der Hit ‚Long Way Home’ sein, der am 25.01. veröffentlicht wird. Hymnische
Chorus Lines treffen auf geniale Popmelodien, die auch hierzulande auf offene Ohren
stoßen werden. Am 22. März folgt dann das Album „Time Will Heal Our Senses“.

DI-RECT im Web:
http://www.di-rect.de /
http://www.facebook.com/directband/
twitter.com/di_rectband

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Heute Abend startet auf dem BR die neue Sendung “Freitag auf’d Nacht”, in der Erkan Aki zu sehen sein wird!
Morgen Abend geht es auf Pro7 weiter mit “Schlag den Raab”, wo Max Raabe & Palast Orchester auftreten werden!

Einschalten lohnt sich!

Morgen wird Max Raabe zusammen mit dem Palast Orchester beim ZDF Morgenmagazin auftreten um sein neues Album “Für Frauen ist das kein Problem” vorzustellen!

8:29 Uhr und 8:55 Uhr sind also Pflichttermine für alle Frühaufsteher!!

22.03. Bonn // Harmony / WDR Rockpalast - Crossroads

28.03. Hamburg // Mojo Club
29.03. Frankfurt // Zoom

Man muss dieses Album nur einmal hören, um sich von Adam Green & Binki Shapiro ein bisschen verzaubern zu lassen. Das süße Echo eines späten 60’s-Folk-Pop in den hübschen Arrangements und im lockeren Miteinander der Protagonisten scheint dann ideal zu einem sonnigen Sommertag zu passen, womöglich noch in Südkalifornien, wo es ja nie regnen soll. Doch weil man das Duo dann immer wieder hören will, stellt sich bald heraus, dass diese zehn Songs als tröstlicher Begleiter am einsamen Ende einer Großstadtnacht fast noch besser funktionieren (zumal bei Regen). Gewiss, die Atmosphäre, die Green und Shapiro in dieser knappen halben Stunde heraufbeschwören, sie scheint voller romantischer Optionen zu stecken. Doch in den luziden Texten machen schnell auch Verrat, gebrochene Herzen und Zwietracht die Runde. Langsam, aber unausweichlich entfaltet sich ein intimes Drama – eins, das sogar Green und Shapiro selbst überrascht hat, als ihr gemeinsames Debüt Form annahm.

Debütanten sind beide natürlich mitnichten. Adam Green machte zunächst in der New Yorker „Anti-Folk“-Szene als eine Hälfte der Moldy Peaches von sich reden. Doch als seinem Duo mit Kimya Dawson 2007 im Grammy-gekrönten Soundtrack des Indie-Films „Juno“ später Mainstream-Erfolg zuteil wurde, hatte Green längst zu einer Solo-Karriere abgehoben, die ihn mit frechen, eigenwilligen Songs wie „Jessica“ und „Emily“ nicht nur zum Darling der hiesigen Musikpresse werden ließ. Alben wie „Gemstones“ und „Jacket Full Of Danger“ konnten sich auch noch hoch in den deutschen Charts platzieren.

Derweil machte Binki Shapiro mit Little Joy auf sich aufmerksam. Ihr L.A.-Trio mit Fabrizio Moretti (von den Strokes) und dem Brasilianer Rodrigo Amarante (von Los Hermanos) begeisterte 2008 mit seinem Debütalbum Kritiker und Fans. Zuvor war Shapiro bereits im Umfeld von Beck positiv aufgefallen, mit der gemeinsamen Video-Arbeit für sein Album „The Information“ und den Leonard Cohen-Songs auf seinem Record Club Blog. Ihr charmanter Retro-Modern-Look machte sie zudem zum Blickfang auf Modeseiten. Die Los Angeles Times listete Binki Shapiro kürzlich unter die „30 unter 30“-Künstler, die man doch mal im Auge behalten sollte.

Adam Green hatte ein paar Backing-Vocals auf dem Little Joy-Album gesungen, und gemeinsame Konzerte auf einer Brasilien-Tour eröffneten die Möglichkeit, Binki Shapiro besser kennenzulernen. Auch wenn Green zu der Zeit noch nicht wusste, wie eine Zusammenarbeit genau aussehen könnte, wurde ihm schnell klar, dass „sie die Nummer 1“ dafür wäre. „Ich mag ihre Stimme wirklich sehr“, sagt Green, „sie ist einfach verblüffend.“ Es ist diese Stimme, die jetzt im vergifteten Schleicher „Casanova“ zugleich verträumt und verrucht rüberkommt. Die in „Pity Love“ gemeinsam mit Green so leutselig wirkt wie einst die von Nancy mit Frank (Sinatra) in „Something Stupid“, während sie halbwegs vergnügt ihre Neurosen besingen.

Zwar ist Binki Shapiro inzwischen wieder nach Los Angeles zurückgekehrt. Doch sie lebte
vorübergehend in New York, um mit Adam Green herauszubekommen, was sie wohl gemeinsam zustande bringen könnten. Überall auf dem Fußboden ihres Appartements verteilt lagen die Karteikarten mit den ersten Text- und Songideen.

„Wir konnten gut darin übereinstimmen, was gut und was schlecht war“, erinnert sich Green. „Und wir waren gute Kritiker unserer jeweiligen Empfindlichkeiten und Geschmäcker. So konnten wir übereinkommen, in welche Richtung die Songs gehen sollten.“

„Es war schon eine sehr verwundbare Angelegenheit“, erinnert sich Binki Shapiro. „Da zu sitzen und einem anderen deine Worte und Ideen zu zeigen, dich zu öffnen für Kritik. Aber das fühlte sich schon bald natürlich und einfach an. So haben wir gegenseitig Dinge aus uns rausgeholt, die im Alleingang wohl nicht zustande gekommen wären.“ Zudem entpuppte sich die Kooperation auch als Katharsis jenseits jeder Erwartung. Sowohl Shapiro als auch Green gingen zu dieser Zeit durch schwierige Beziehungsphasen, und diese Songs zu schreiben kanalisierte ihre Emotionen. Wobei es weniger darum ging, einfach mal seinem Herzen Luft zu machen. Vielmehr versuchten beide, sich in den jeweils anderen hineinzuversetzen, und dann intuitiv Worte für dessen Gefühle zu finden. Das brachte eine Freiheit und eine Empathie in ihr Unterfangen, die das Ergebnis selbst da überraschend aufrichtig machen, wo die eine dem anderen die Worte in den Mund legt (oder umgekehrt).

„Wir gingen beide durch diese Übergangssituation, wenn eine Beziehung nicht mehr richtig funktioniert“, erklärt Adam Green. „Und das hatte auch was Existenzielles: Zwei Menschen singen zusammen, während sie zugleich sehr isoliert sind. Und es hat natürlich auch eine komische Note, wenn ich Binki’s Breakup-Platte schreibe und sie meine. Ich schrieb also und dachte: Genau das muss Binki jetzt sagen! Und ich hatte das Gefühl, dass sie über mich ähnlich dachte.“ War es so? Binki Shapiro sagt: „Es ist jedenfalls interessant, wenn du die richtigen Worte für jemand anders finden sollst. Da bleibt einfach kein Platz mehr für Eitelkeit. Du sagst einfach, was du sagen willst. Und das schaffte mehr Raum für was auch immer wir zu schreiben hatten.“ Und Adam Green ergänzt: „Wir sind beide wirklich sehr romantisch veranlagt, und wir wollten diese echt romantische Platte machen, aber zuguterletzt ist sie dann viel mehr Reflexion geworden. Was ich nicht gedacht hätte, bevor wir sie gemacht haben, und mir fällt auch keine andere Platte als Referenz ein, die dieses Gefühl ähnlich transportiert.“

Das Ergebnis ist jedenfalls ein besonderes – selten, wenn nie klang ein Duett-Album so harmonisch und bittersüß zugleich. Adam Green und Binki Shapiro gewinnen als Vertraute, als Geistesverwandte, die schwierige persönliche Umstände in zehn genau beobachtete, konzis konstruierte Songs verwandelt haben, die sich souverän einer breiten musikalischen Palette bedienen. Von den engelsgleichen Stimmen, die zur Eröffnung „Here I Am“ dominieren, über die Pop-Psychedelia von „I Never Found Out“ und das Surf-Gitarren-Intermezzo von „What’s The Reward“ bis zum eleganten Schluss-Waltzer „The Nighttime Stopped Bleeding“. Die Intimität und Unmittelbarkeit, die diese Stücke ausstrahlen, geht aber nicht nur auf ihren schon beschriebenen Entstehungsprozess im New Yorker Appartement zurück. Genauso wichtig war die Umsetzung, die entspannte Session- Atmosphäre bei der Studioproduktion in Encino, Kalifornien, wo Produzent Noah Georgeson (Devendra Banhart, Joanna Newson) mit Musikern wie Multi-Instrumentalist Josiah Steinbrick, Schlagzeuger Jason Boesel und Todd Dahlhoff nur das Beste gut genug war. Wahrscheinlich hat es nicht mal geregnet. „Don’t Ask For More“? In diesem Fall schwierig…

Adam & Binki im web:
http://www.adamandbinki.com/
http://www.adamgreen.net/
https://www.facebook.com/AdamGreenOfficial
https://twitter.com/binki_shapiro

Kontakt - Online Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Anke Baumann Tel: + 49 (0)30/ 627 351 75; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: anke@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Nach “Getting Lost Is Part Of The Journey: MTV, Deutschland und ich” von Steve Blame und Stephan Glietsch (2011) trägt das neue Werk den Titel “Emotionale Vaseline - Wie Popstars ihre offenen Wunden in Treibstoff für Kreativität umwandeln”

Am 11.01. wird nicht nur das neue Max Raabe Album “Für Frauen ist das kein Problem” erscheinen - der Künstler wird auch zusammen mit dem Palast Orchester beim ZDF Morgenmagazin auftreten um eben jenes Album vorzustellen!

8:29 Uhr und 8:55 Uhr sind also Pflichttermine für alle Frühaufsteher!!

Alles Liebe und auf ein Neues im neuen Jahr!!

Euer Revolver-Team

(Unser Büro bleibt bis einschliesslich 06.01.2013 geschlossen! )

Der Schweizer Startenor Erkan Aki wird am 11. Januar 2013 gemeinsam mit der Schauspielerin Janina Hartwig zu Gast sein bei der ersten Folge der neuen Sendung “Freitag auf d’Nacht”, die ab Januar wöchentlich Freitags um 23:00 Uhr im Bayerischen Fernsehen ausgestrahlt wird. Gastgeber der neuen Show sind die Bayern-3-Moderatorin Brigitte Theile und Hans Sigl, den TV-Zuschauern u.a. bekannt als “Der Bergdoktor”.

Mit „Freitag auf d’Nacht“ startet das Bayerische Fernsehen eine neue Personality-Show. Das Sendungskonzept: zwei Moderatoren mit zwei prominenten Gästen, ein Thema des Abends, Live-Musik und viel Spontaneität – auch mit den Marionetten der Augsburger Puppenkiste, die backstage ihre Sicht der Dinge zum Besten geben.

Nachdem er bei Berlin live auf ARTE (HIER GEHT ES ZUR SENDUNG) zu sehen war, steht nun auch der großartige Auftritt bei TV Noir online und kann unter folgendem Link gesehen werden: HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Das Video kann man nun hier bewundern: <a href=’http://www.tape.tv/vid/386111′>UNTIL THE SUN COMES</a>

Erkan Aki kann man zur Zeit auch live erleben:
17.12.12 WÜRZBURG // St. Johannis-Kirche
18.12.12 ALZENAU // Chor-Christmas-Benefiz
26.12.12 OBERSTDORF // Oberstdorf Haus
11.01.13 REUTLINGEN // Christuskirche

Weitere Infos dazu gibt es hier: TV NOIR

Weiterhin gab es eine großartige Resonanz auf das Konzert in Wien, wo Moneybrother eines der besten Konzerte des Jahres in der Arena spielten: ZUM ARTIKEL

HIER GEHT ES ZU DEN CHARTS

Zur Zeit ist Moneybrother auf Tour und live zu erleben:
13.12.12 Frankurt/M // Sankt Peter Kirche
14.12.12 Köln // Luxor
15.12.12 Hamburg // Uebel & Gefaehrlich
17.12.12 Berlin // Postbahnhof am Ostbahnhof
18.12.12 Münster // Sputnik Halle

Hier geht es zum Video

Erkan Aki live gibt es zu folgenden Terminen:

11.12.12 KEMPTEN/ALLGÄU // St. Franziskus-Kirche
17.12.12 WÜRZBURG // St. Johannis-Kirche
18.12.12 ALZENAU // Chor-Christmas-Benefiz
26.12.12 OBERSTDORF // Oberstdorf Haus
11.01.13 REUTLINGEN // Christuskirche

08.12.12 Hannover // Faust
09.12.12 Dresden // Scheune
10.12.12 München // Ampere
12.12.12 A-Wien // Arena
13.12.12 Frankurt/M // Sankt Peter Kirche
14.12.12 Köln // Luxor
15.12.12 Hamburg // Uebel & Gefaehrlich
17.12.12 Berlin // Postbahnhof am Ostbahnhof
18.12.12 Münster // Sputnik Halle

Diese Dokumentation zur Tour kann man am 8.12., 15.12. und 22.12. um 10:30 Uhr auf Servus.TV erleben. Weitherhin wird Moneybrother noch am 14.12. bei TV Noir auf ZDFkultur und am 15.12. bei BerlinLive auf ARTE zu sehen sein

Wer sich schon einmal auf die Sendung vorbereiten will, sollte sich diesen großartigen Artikel über den Künstler ansehen: Weihnachten bei Erkan Aki

01.12.2012 Leipzig // Frauenkultur
03.12.2012 Nürnberg // Mata Hari Bar
04.12.2012 Ulm // Hauskonzert
06.12.2012 Basel (CH) // Sääli
08.12.2012 Kassel // Arm
09.12.2012 Bielefeld // Bunker Ulmenwall
11.12.2012 Köln // Die Wohngemeinschaft
12.12.2012 Wiesbaden // Walhalla (TBC) oder Stuttgart - Café Galao (TBC)
13.12.2012 Castrop-Rauxel // Bahia de Cochinos
15.12.2012 Zwickau // Alter Gasometer

Das Album kann ab jetzt auf iTunes heruntergeladen werden: iTunes Store

Einen Teaser dazu gibt es hier: HIER GEHT ES ZUM VIDEO

27.11.12 AUGSBURG // Heilig-Kreuzkirche
09.12.12 GLAUCHAU // Stadttheater
11.12.12 KEMPTEN/ALLGÄU // St. Franziskus-Kirche
17.12.12 WÜRZBURG // St. Johannis-Kirche
18.12.12 ALZENAU // Chor-Christmas-Benefiz
26.12.12 OBERSTDORF // Oberstdorf Haus
11.01.13 REUTLINGEN // Christuskirche

Als Vorgeschmack gibt es zudem hier noch ein Video zum neuen Album “True Love”: HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Weitere informationen zu den Gründen gibt es auf der Homepage der Künstlerin: http://www.catpowermusic.com/

Ausnahmegitarrist und Rock-Sänger Mick Rogers manövriert 2013 mit dem gleichnamigen Album seinen neuen musikalischen Omnibus, den „Sharabang“, zielsicher auf den Rock ’n’ Roll-Highway. Auch beim aktuellen Solo-Werk bevorzugt Mick jedoch stets beste Gesellschaft auf seiner Reise: So sind die vordersten Sitzreihen des Vehikels diesmal zwar nicht mit seinen langjährigen Weggefährten von Manfred Manns Earth Band gefüllt, wohl aber mit ebenso brillanten Hochkarätern vom Schlage der Gebrüder Bissonette an Schlagzeug und Bass, sowie eines Matt Rollings an den schwarzen und weißen Tasten.

Ein ganzes Stück weit entfernt von Micks englischer Heimat, machen die Musiker schließlich Halt am Prime Studio, das inmitten der Tiroler Alpen-Idylle eine der wohl beeindruckendsten Tonwerkstätten Europas darstellt. In der Wohlfühlatmosphäre dieser großzügigen und akustisch hochoptimierten Aufnahmeumgebung, bieten dann auch die Prime-Studio-Gründer Gerhard Buchbauer und Björn Heitzer als Produzenten grundlegende Navigationshilfe, um gemeinsam eine Langspielplatte zu formen, die sich als stimmige Mixtur aus Micks Neuinterpretationen geschichtsträchtiger Rock-Songs und eigenen Musiktiteln versteht. Im Anschluss übernimmt Tontechniker und Nashville-Legende Chuck Ainlay mit der umfassenden Auswahl liebevoll aufbereiteter Vintage-Technik des österreichischen Studiokomplexes das minutiöse Feintuning unter der Motorhaube des stilistisch höchst abwechslungsreichen „Sharabang“.

So ist Micks Cover-Version von John Lennons und Yoko Onos „Happy Xmas (War Is Over)“ – hier im Duett mit der barbadischen Sängerin Heidi Aboab – gar von einer souligen, Vinyl-verrauschten Patina überzogen, die dem Antikriegs-Song eine neue Wirkungsebene verleiht. Und spätestens, wenn die Eigenkomposition „Cutting Me To Pieces“ mit weit herunter gestimmten Gitarrenwänden und peitschenden Drums die gesamte Bus-Karosserie und gleichermaßen die Magengegend zum wohligen Vibrieren bringt, wird deutlich, dass Mick auch hier gerne mal an einer neuen Sound-Abzweigung den Blinker setzt.

In der von Streichern durchsetzten Pop-Hymne „Right For Change“ wirft er dann die Frage auf, ob in einer scheinbar aussichtslos verzwickten Beziehungsphase zwischen zwei Liebenden noch erlösende Sonnenstrahlen am Ende des dunklen Gefühlstunnels zu sehen, oder vielleicht doch bereits alle Schranken verschlossen sind. Die endgültige Entscheidung darüber, ob die Zeit wirklich reif zu einem Ausbruch aus diesem Lebensabschnitt sein könnte, überlässt Mick dabei jedoch bewusst dem Hörer. Ein solcher Ausbruch aus der ursprünglichen Leidenschaft seiner frühesten „Rock ’n’ Roll-Days“ ist „Sharabang“ trotz manch befahrener klanglicher Seitenstraße aber keineswegs: In dieser balladesquen Ode an seine musikalischen Wurzeln chauffiert er den Hörer per lyrischem Rückwärtsgang zurück in die 50er, als ein zehnjähriger Mick den „King“ Elvis Presley für sich entdeckte und mit der Gitarre loszog, selbst ein Rockstar zu werden. Mit fast ebenso kindlicher Leichtigkeit demonstriert Mick außerdem eindrucksvoll, dass seine Folk- und Country-Einflüsse auch im „Sharabang“ noch lange nicht die ursprünglich von den Traveling Wilburys besungene Endhaltestelle, die „End Of The Line“, erreicht haben.

Mick hat den Hörern einige Busplätze freigehalten. Denn egal ob gestandener Mick-Rogers-Fan oder Neuzusteiger, schafft der „Sharabang“ über seine zehn Tracks eine widerspruchslose Verbindung zwischen Vergangenheit und Zukunft, Rock ’n’ Roll-Highway und stilistischen Alternativrouten.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Wer Corey Taylor und seine Band live erleben will, kann dies ab Ende November auf der Deutschlandtour von Stone Sour tun:

29.11. Ludwigsburg // Arena
02.12. München // Zenith
03.12. Offenbach // Stadthalle
04.12. Berlin // Huxleys Neue Welt
06.12. Oberhausen // Turbinenhalle

Die fünf Bandmitglieder von Postyr Project singen seit ihrer frühesten Kindheit. Sie begegneten sich im inspirierenden Umfeld des weltbekannten dänischen Chors „Vocal Line“ sowie derpreisgekrönten Vocal Group Vox 11. Postyr Projects fünf Mitglieder gründeten die Gruppe mit einem klaren Motiv: Die gemeinsame Neugier auf das Grenzgebiet zwischen der Natürlichkeit und der Emotionalität der menschlichen Stimme und der kompromisslosen Direktheit elektronischer Musik.
Gegründet im Oktober 2009, veröffentlichten Postyr Project im Juni 2010 ihre erste EP. Kurz danach folgte der erste Preis beim Wettbewerb Solevoci in Varese, Italien und erste Auftritte im dänischen Fernsehen. Bei den Vorbereitungen für das Debut-Album, das im Mai 2011 erschien, wurden nicht nur viele neue Songs geschrieben, sondern auch immer mehr am technischen Set-up gearbeitet: Die Mischung aus starken Eigenkompositionen und elektronischen Sounds und Beats sollte schnell zum Markenzeichen der Gruppe werden. Mit dem Album im Gepäck tourte die Band erfolgreich in vielen Ländern Europas. Im Juni 2011 gewann Postyr Project den ersten Preis beim Wettbewerb des renommierten Tampere Vocal Music Festival in Finnland. Das Medienecho und das Erscheinen des Albums führte zu weiteren, intensiven Tour-Aktivitäten für die Jahre 2012 und 2013. Im März 2013 wird die Band in Deutschland ein neues Album veröffentlichen. Es enthält bis dahin unveröffentlichte Titel sowie Remixes von Songs des Debütalbums. Der Launch des Albums wird mit Live-Konzerten und PR-Terminen in Deutschland verbunden sein.
Postyr Project ist eine fünfköpfige, dänische Band, in deren verführerischen und eingängigen Popstücken sich Vocal und Electronic Music verschmelzen. Auf ihrem im Mai 2011 erschienenen Debütalbum erforscht die Gruppe das Grenzgebiet zwischen der Emotionalität der menschlichen Stimme und der Rauheit elektronischer Sounds.
Nachdem die fünf Bandmitglieder schon früh mit Grammy-Gewinner Bobby McFerrin, der legendären schwedischen Real Group sowie den dänischen Newcomern Mads Langer und Julie Maria auf der Bühne standen, beschlossen man, langfristig gemeinsame Sache zu machen.
Die Begeisterung für sensible, US-amerikanische Songwriter, für die kompromisslose Härte elektronischer Musik und die Soundscapes des Avantgarde-Pop sollte noch intensiver auf der Bühne und im Studio ausgelebt werden und so wurde Postyr Project im October 2009 gegründet.

Postyr Project sind:
Tine Fris
Line Groth
Andreas Bech
Anders Hornshøj
Kristoffer Fynbo Thorning

Mehr Informationen zur Gruppe, den aktuellen Tourdaten, dem neuen Video, Blogs und der Musik von Postyr Project gibt’s auf
www.postyrproject.com

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

The xx live gibt es ab Ende November:
28.11.2012 Hamburg // Sporthalle
30.11.2012 München // Zenith
01.12.2012 Lausanne (Schweiz) // Metropole
03.12.2012 Zürich (Schweiz) // Volkshaus
04.12.2012 Köln // Palladium

28.11.2012 Hamburg // Sporthalle
30.11.2012 München // Zenith
01.12.2012 Lausanne (Schweiz) // Metropole
03.12.2012 Zürich (Schweiz) // Volkshaus
04.12.2012 Köln // Palladium

Weitere Infos zu The xx findet Ihr wie immer hier auf unserer Künstlerseite.

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Einen Vorgeschmack auf die Sendung gibt es hier:

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

HIER GEHT ES ZUM TRAILER

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Erkan Aki, geb. am 20. Juni 1969, im nicht einmal 10.000 Einwohner zählenden Schweizer Sursee, erreicht heute mit seiner außergewöhnlichen Stimme ein Millionen-Publikum in allen Teilen der Welt. Der Sohn türkischer Einwanderer wuchs unter dem Einfluss zweier unterschiedlicher Kulturen auf, die ihn bis heute prägen und sich in seinen Aktivitäten im Rahmen des Integrationsprozesses widerspiegeln. So erhielt er für seine Arbeit in interkulturellen Projekten im Jahr 2002 den Deutsch-Türkischen Freundschaftspreis.

Erkans Weg zu einem der besten Tenöre beginnt mit 17 Jahren. Während seines
Gesangsstudiums beim Schweizer Tenor und Musikpädagogen Paul Späni, spezialisiert er sich auf das Liedfach und erfüllt sich damit sehr schnell seinen großen Traum: Eine Karriere als Bühnensänger. Nach drei Jahren Musiktheorie-Unterricht in seiner zweiten Heimat, der Türkei, kehrt er 1997 aus Istanbul zurück nach Zürich.
1999 produziert Erkan Aki sein erstes Album „Here’s To The Heroes“, mit Starproduzent Nigel Wright, (Madonna, Barbara Streisand, José Carreras). Der Erfolg lässt nicht lange auf sich warten.
Das Album stürmt die Deutschen Charts und mit seiner unverwechselbaren Stimme zieht er schnell ein breites Publikum in seinen Bann.

Schon die ersten Auftritte lassen Erkan Aki erkennen, dass sein Publikum die Darbietung populärer Musik im Klassik-Stil besonders begeistert. Mit seinem zweiten Album „Pop Classics“ setzt er seinen Trend eindrucksvoll fort, und erstmals spricht die internationale Presse von ihm, als „The Tenor Voice Of Popular Classic“. Es folgen Aufnahmen mit internationalen Stars wie Xavier Naidoo und Patricia Kaas und die Veröffentlichung seines dritten Albums „Zeit der großen Gefühle“, das er rein in deutscher Sprache aufnimmt.

Mit den Alben „Songs For Lovers“ und „Music In My Heart” zeigt sich Erkan Aki wieder einmal von seiner vielseitigen künstlerischen und feinfühligen Seite. Weitere Alben folgen: „In Love For Europe“, auf dem er in sieben Sprachen singt, sowie das Weihnachtsalbum „Romantische Weihnachten“.
Mehrere gemeinsame Konzert-Tourneen mit dem Weltstar Sarah Brightman, 2009 durch Süd- und Mittelamerika und im Jahr 2010 durch Japan, China, Korea und
Kanada, zeigen immer wieder seine Vielseitigkeit und außergewöhnliche Live Performance, bei der er neben seinem zum Markenzeichen gewordenen, eigenen Pop-Classic Stil auch klassische Stücke eindrucksvoll darbietet.

Im Frühjahr 2012 beginnt Erkan Aki die Zusammenarbeit mit seinem neuen Label MOKOH Music. Es entsteht die Idee zu einem Album, das sowohl große musikalische Momente der Pop- und Rock Musik, als auch Neuinterpretationen von klassischen Weihnachtsliedern umfasst. Allein die Auswahl der Stücke dauert mehrere Wochen, bevor man sich gemeinsam an die Umsetzung macht.

Der Titelsong „True Love“ hat für den Sänger eine besondere Bedeutung. Die Neuaufnahme des berühmten Duetts, im Original gesungen von Grace Kelly und Bing Crosby, trägt nicht nur musikalisch Erkan Akis Handschrift, sondern auch emotional. So ist die Wahl seiner perfekten Duett-Partnerin fast selbstverständlich: die Sopranistin Anna Aki, Erkans Frau und große Liebe.
Mit „True Love“ gedenken Erkan und Anna Aki der Filmlegende und späteren monegassischen Fürstin Gracia Patricia, deren Todestag sich 2012 zum 30. Mal jährte. Und gleichzeitig setzen sie ihrer eigenen „wahren Liebe“ ein musikalisches Denkmal.

Welthits, wie “Angels“, von Robbie Williams, “All At Once“, von Whitney Houston, “Halleluja“ von Leonard Cohen und nicht zuletzt „The Show Must Go On“ von The Queen werden auf seine einzigartige Art und Weise von Erkan Aki neu interpretiert und umgesetzt.

Eine ganze Reihe von Neukompositionen, eine neue Aufnahme seines bisher größten Erfolgs “Here’s To The Heroes“ und die Auswahl an klassischen Weihnachtsliedern runden das Bild eines zeitgemäßen Albums ab, welches die Stimmung der Jahreszeit in die Herzen der Menschen trägt.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

18.01.13 Hamburg - Astra Stube
01.02.13 Dortmund - FZW -Visions Party
02.02.13 Leer - JuZ
14.02.13 Leipzig - NaTo
15.02.13 Berlin - Magnet (Flux Klub)
16.02.13 Hannover - Kulturpalast Linden
17.02.13 Köln - Studio 672
18.02.13 Wiesbaden - Schlachthof
19.02.13 München- Atomic Café
20.02.13 Stuttgart - Goldmarks
21.02.13 Nürnberg - Club Stereo
22.02.13 Kassel - Club A.R.M.
23.02.13 Bremen - MS Treue

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Hier geht es zum Video!

http://on3.de/element/15387/ueberraschungskonzert-me-and-my-drummer-gig-im-gewaechshaus

Alle die Tristano live erleben wollen, sollten sich die Tourdaten der kommenden Wochen merken:

09.10.2012 Köln // Philharmonie
10.10.2012 Dortmund // Konzerthaus
17.11.2012 Münster // Hörsaal H1 der Universität
19.11.2012 Berlin // Kammermusiksaal
20.11.2012 Hamburg // Kampnagel
26.11.2012 München // Allerheiligenhofkirche

Das Video des Auftritts ist hier zu sehen: TORI AMOS beim ZDF

Der leichtere Weg hat Stone Sour noch nie interessiert. Zu keiner Zeit war die Band um Slipknot-Frontmann Corey Taylor an der vermeintlich „sicheren Nummer“ interessiert. Nicht ansatzweise. So auch nicht auf dem vierten Studioalbum, dem ersten Part des Zwillings-Releases „House Of Gold & Bones“.

Mit dem zweigeteilten „House Of Gold & Bones“ Part 1 & 2 legen die mehrfach Grammy-nomierten US-Alternative Rocker eine insgesamt 23 Tracks umfassende Konzeptstory auf zwei Tonträgern vor. Der aus 11 Songs bestehende, erste Teil erscheint am 19.10., mit dem für das kommende Frühjahr geplanten, zweiten Teil findet die Geschichte schließlich 2013 ihren Abschluss. Mit „House Of Gold & Bones“ veröffentlichen Stone Sour nicht weniger als ein konzeptionelles Multimedia-Gesamtkunstwerk für alle Sinne, welches weit über einzelne Songs hinausgeht: Videoclips, eine spezielle Online-Präsenz, Album-Artwork, spezielle Liveshows und ein begleitender Comic-Roman vervollständigen und erweitern die Gesamtstory auf unzähligen Levels! Tatsächlich alles andere als der leichte Weg, doch bekanntlich haben Stone Sour noch nie irgendwelche Herausforderungen gescheut. Ganz im Gegenteil.

Nach über vier Millionen weltweit über die Ladentische gewanderter Einheiten ihrer bisher drei veröffentlichter Longplayer und Nr. 1-Singles wie „Through Glass“, „Say You`ll Haunt Me“ sowie „Bother“ katapultieren sich die Gold-ausgezeichneten Rocker aus Des Moines/ Iowa nun auf ein völlig neues Level. Während man mit seinem selbstbetitelten 2002er Debüt sowie seinem vier Jahre später releasten Zweitwerk „Come What(ever) May“ jeweils Goldstatus erreichte, stiegen Stone Sour mit ihrem 2010er Album „Audio Secrecy“ auf Anhieb auf einem phantastischen 6. Platz der US-Billboard Top 200 ein. Mit „House Of Gold & Bones“ setzen Sänger Corey Taylor, die Gitarristen James Root und Josh Rand sowie Drummer Roy Mayorga nun an, die Welt komplett aus den Angeln zu heben!

„Für uns ist diese Sache viel größer und viel wichtiger als alles andere. Es ist nicht nur eine simple Aneinanderreihung von Songs“, erklärt Rand. „Wir wollten etwas wirklich Besonderes erschaffen – genau von dem Moment an, in dem uns Corey das erste Mal von seiner Idee zu diesem Konzept erzählte. Eine bedeutende Mission, von der Handlung bis zur Musik. Jeder von uns hat sein Herzblut in dieses Projekt gesteckt.“

„Wenn man nicht bereit ist, etwas zu riskieren, wird man auch niemals etwas gewinnen“, ergänzt Corey Taylor. „Es gibt noch einen ganzen musikalischen Kosmos, den ich bisher noch nicht einmal gestreift habe! Ich war noch nie ein großer Freund davon, den gleichen Scheiß ein ums andere Mal wieder zu schreiben und niemals den Versuch zu machen, neue Wege zu beschreiten. In der Minute, in der ich mich in dieser Band langweile, nehme ich den Hut und gehe! Die Arbeiten an diesem Album waren extrem aufregend – ein unglaubliches Gefühl, zu sehen, wie man die eigenen Grenzen noch ein ganzes Stück höher legt.“

Entstanden sind die beiden Teile von „House Of Gold & Bones“ ab Frühjahr 2012 in Jamaica, Iowa in den Soundfarm Studios in Zusammenarbeit mit Producer David Bottrill (Tool, Muse, Staind). Nachdem Taylor und Root ihre Tour mit Slipknot beendet hatten, begab sich der Stone Sour-Frontmann in seinem Heim in Songwriting-Klausur, die schließlich in der ausgearbeiteten Story des Albums sowie 15 Demos mündete. Nach seinem im vergangenen Jahr veröffentlichten Buchdebüt „Seven Deadly Sins“ (welches es mühelos auf internationale Bestsellerlisten schaffte) ein weiterer lyrischer Musen-Kuss für Taylor. Nachdem das Grundgerüst der Songs errichtet war, machte man sich mit einer genau definierten Vision und klaren Vorstellung an die Arbeit. Unter Bottrills Aufsicht spielte man in nur drei Monaten schließlich insgesamt 23 Tracks ein, die die musikalische Seite von „House Of Gold & Bones“ repräsentieren.
„Mit dem Einsatz von Pro Tools lässt sich heutzutage alles perfektionieren – genau das wollten wir nicht“, berichtet Rand weiter. „Wir wollten einen lebendigen, organischen Sound von echten Instrumenten. Und David war tatsächlich in der Lage, das auf Tape einzufangen. Er hat buchstäblich das Beste aus uns herausgeholt und es war eine großartige Erfahrung, ihm dabei über die Schultern zu schauen. Ich bin nicht sicher, ob wir dies mit irgendeinem anderen Producer innerhalb dieser kurzen Zeit geschafft hätten…“

„Für mich war David genau der richtige Mann für dieses Projekt“, ergänzt Taylor euphorisiert. „Ich war von Anfang an sicher, dass er uns dabei behilflich sein würde, den überflüssigen Ballast zu entfernen und die wahre Essenz der Songs herauszuarbeiten. Ich wusste, dass er uns in Richtungen lenken würde, die wir bisher in dieser Weise noch nie gegangen sind. Er verstand sofort, worum es bei diesem Album-Package ging.“

Doch nicht nur mit David Bottrill haben Stone Sour zum ersten Mal gearbeitet – eine Premiere war auch die Zusammenarbeit mit Skid Row-Tieftöner-Legende Rachel Bolan, der ebenfalls von der ersten Sekunde Feuer und Flamme für die gemeinsame Vision von „House Of Gold & Bones“ war. „Ich war schon als Kind ein riesiger Skid Row-Fan“, verrät Taylor. „Sie waren eine der ersten Bands, die ich mir bewusst angehört habe. Wir haben Rachel auf der letzten Stone Sour-Tour kennen gelernt. Eines Nachts saßen Josh, Roy und ich an meinen Küchentisch und quatschten. Josh schlug Rachel als neuen Bassisten vor – wir waren sofort der Meinung, dass er perfekt geeignet wäre und riefen ihn noch in der gleichen Nacht an. Es muss so etwas wie ein Wink des Schicksals gewesen sein, dass er tatsächlich zur Verfügung stand und danach die Songs einspielte!“

Eine gemeinsame musikalische Reise, die mit dem Doppelgeschoss „Gone Sovereign“/ der ersten Vorabsingle „Absolute Zero“ begann und sich weiter fortsetzt. „Das Ding knallt dir wie ein Faustschlag ins Gesicht“, kommentiert der Frontmann. „`Gone Sovereign` ist auf seine Art unerbittlich. Komplett anders, als alles andere, was wir bisher gemacht haben. Es erinnert irgendwie an die Bands, mit denen wir aufgewachsen sind und die wir als Teenies gehört haben. Es hat irgendwie diesen Straßenpunk- und Oldschool-Thrash-Metal Vibe! Fast könnte man den Track als eine Art Ouvertüre ansehen – einen guten Vorgeschmack dessen, was einen auf dem Album noch erwartet!“

So präsentiert sich „Absolute Zero“ mit seinem hymnischen Refrain als kraftvolles Zwischending aus Power und Poesie. „Unser Anti-Hero-Song“, erklärt Taylor. „Die Hauptfigur `The Human` legt absolut alles auf den Tisch und erklärt: This is what I am. There`s no reason for you to assume anything. Eine Art Charakterstudie des „Helden“ in dieser Geschichte. Die Einstiegsszene, wo sich diese Person wieder findet, als sie diese Phantasiewelt betritt. So etwas wie die Startrampe für Evel Knievel, von der er damals seine Sprünge gemacht hat.“

Sprünge in eine surreale Welt. Die Band selbst leitete das Album mit einem interaktiven „Scavenger Hunt“ ein, welche im Veröffentlichungsvorfeld bereits das Albumcover sowie die ersten beiden Songs auf der offiziellen „House Of Gold & Bones“-Website preisgab. Momentan arbeitet Corey Taylor noch auf Hochtouren an der das Album begleitenden Graphic Novel. Handlung: Ganz reale wie auch philosophische Scheidewege und die Folgen bedeutender Entscheidungen, denen sich der Protagonist ausgesetzt sieht, während er in einer Art Traumwelt gefangen ist.

„Es gibt auf diesem Album viele Elemente, die tatsächlich autobiographischer Natur sind“, so Taylor. „Es war ein ganz schön langer und steiniger Weg von diesem jungen, verrückten Typen zu dem erwachsenen, verrückten Menschen, der ich heute bin. Die Story handelt von all diesen Wegen und Irrwegen, die man gezwungenermaßen gehen muss, um sein Leben auf die Reihe zu bekommen. Gleichzeitig wird innerhalb der Story jedoch zu keinem Zeitpunkt ein Name genannt – der Hörer soll die Möglichkeit bekommen, sich selbst in den Songs wieder zu finden.“

„Der Thrill, etwas komplett Unvorhersehbares zu erschaffen. Das ist unser nächster Entwicklungsschritt“, kommentiert Rand. „Es ist nicht nur ein anderes Level“, ergänzt Taylor abschließend. „Diesmal betrachten wir alles von einem dreidimensionalen Standpunkt. „House Of Gold & Bones“ feels ready to explode!“ Volle Deckung!

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Im Januar 2011 ist die Platte „Küssen kann man nicht alleine“ herausgekommen. Für dieses Album hatten sich, zum ersten Mal, zwei der interessantesten deutschen Unterhaltungskünstler der letzten Jahrzehnte zusammengetan: Max Raabe und Annette Humpe. Wer eine Platte herausbringt, hofft selbstverständlich, dass sie beim Publikum ankommt. Aber das, was mit „Küssen kann man nicht alleine“ passiert ist, war schon erstaunlich. Hervorragende Kritiken, ausgezeichnet mit Platin, … nun, so erstaunlich war es vielleicht doch nicht.
Annette Humpe hat als Sängerin, Komponistin, Musikerin und Produzentin auf der Bühne eine lange, tiefe Erfolgsspur gezogen, von den „Neonbabies“ über „Ideal“ bis „Ich+Ich“; hinter der Bühne hat sie, um nur zwei von sehr vielen Namen zu nennen, für Udo Lindenberg und die „Prinzen“ gearbeitet.
Max Raabe aber gehört zu den wenigen Musikern, die sich ihren eigenen, unverwechselbaren Stil geschaffen haben, mit dem Palast-Orchester und seinem Pianisten und Arrangeur Christoph Israel. Als Raabe anfing, schien es bei ihm um eine Hommage an die elegante, witzige Schlagermusik der 20er und 30er Jahre zu gehen. So dachte man. Inzwischen ist klar, dass Max Raabe keiner ist, der etwas kopiert. Er ist einer, der etwas fortführt. Er hat diese Musik nicht nostalgisch aufbereitet, sondern tatsächlich wiederbelebt. Auf der Basis der Tradition hat Max Raabe ein eigenes Werk geschaffen. Diese Musik ist, dank Max Raabe, plötzlich wieder jung und heiß.
Die Frage war, ob sich die beiden eigensinnigen Ausnahmetalente Raabe und Humpe einfach so addieren lassen. So was kann ja auch schief gehen. Inzwischen steht fest: es funktioniert.
Als Max Raabe fragte, ob sich Annette Humpe, die gerade viel um die Ohren hatte, eine zweite Zusammenarbeit vorstellen kann, eine zweite Platte, bekam er von ihr die Antwort: „Für Frauen ist das kein Problem.“
Das Leitthema der neuen gemeinsam geschriebenen Songs sind die Frauen. Oder doch eher die Liebe? Es sind, mit ein paar Ausnahmen, meist Liebeslieder, bei denen aber nicht vorgeschrieben ist, wen man sich beim Zuhören im Einzelnen vorstellt, Mann oder Frau. Liebe tut oft weh – das weiß jeder. Weil die unerwiderte oder die endende Liebe wehtut, hat dieses Thema auch ein großes Humorpotential. Humor macht den Schmerz erträglich. Auf diesem schmalen Grat balancieren die Songs, sie sind oft wehmütig, aber immer leicht, sie verwandeln den Liebeswahnsinn und das Liebesleid in eine schwebende, sanfte, oft sogar heitere Erinnerung.
Ein Verlassener will seine CDs zurück, ein Untreuer preist die kleinen Lügen. Ein Einsamer sitzt vor dem PC und sieht seinem Kaktus beim Vertrocknen zu. Einer, der zwischen zwei Lieben hin- und hergerissen ist, hat sich für die eine entschieden und nimmt Abschied von der anderen. Ein anderer Liebender singt das Lob der Langsamkeit, beim Liebesakt und generell.
Diese Lieder sind voller Gefühl. Aber sie werden erstaunlicherweise nicht pathetisch oder gar exhibitionistisch. Sie bleiben fein, zart, dezent, sie dosieren genau. Max Raabes Kunst besteht darin, die Form und das Gesicht zu wahren, also ein Gentleman zu bleiben und doch einen Blick in die Seele zuzulassen. Wer die erste Platte mochte, kann ohne die zweite nicht sein.

Max Raabe & Palast Orchester

Max Raabe ist nicht vorstellbar ohne das Palast-Orchester. Seit Jahren geben sie Konzerte auf der ganzen Welt, und sind inzwischen Deutschlands erfolgreichster Musik-Export. Vergleichbares ist in jüngerer Zeit nur der Band “Rammstein” gelungen.
Auch die neuen Lieder hat das Palast-Orchester in seinen typischen Sound übertragen, der sich, wie der Musiker Max Raabe, ständig weiterentwickelt und längst von allen Vorbildern emanzipiert hat.
Ab Februar wird sich das Konzertpublikum davon überzeugen können.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

GONE SOVEREIGN AUF TAPE.TV

Hier geht es zum Video

Count To Ten

Warm Sand

True North

Wie Popstars ihre offenen Wunden in Treibstoff für Kreativität umwandeln

Es wäre zu einfach, Emotionale Vaseline als eine weitere Sammlung von Interviews mit den großen Popstars der Welt zu umschreiben oder zu sagen, es sei ein Buch über Popkultur. Es ist viel mehr als das. Es kann ein Weg zur Selbsthilfe sein, ein Weg, herauszufinden, wer Du bist, und wie Du Deine Ziele erreichen kannst. Durch eingehende Analyse von Interviews und dem Lebensweg meiner Lieblingsstars von Madonna bis Bowie, von Stevie Wonder bis Frank Zappa, habe ich etwas über den Ursprung ihrer Kreativität und ihren Antrieb herausgefunden. Er unterscheidet sich oft gar nicht so sehr von dem, was uns „normale Menschen“ umtreibt. Diese Kraft, die in uns allen schlummert, nenne ich unsere „Emotionale Vaseline“. Emotionale Vaseline ist ein Weg, Kreativität und Motivation für sein eigenes Leben zu entdecken und zeigt, dass in Bezug auf Kreativität das englische Sprichwort gilt: „No Pain, no gain!“

Die Möglichkeit, von Popstars etwas Sinnvolles für mein eigenes Leben zu lernen, hat mich schon während meiner Arbeit für MTV fasziniert. Als ich vor 25 Jahren anfing, die Interviews, die ich mit einigen der größten Popstars unserer Zeit geführt habe, aufzuschreiben, bemerkte ich, wie jeder auf seine Weise einen Einfluss auf mein Leben hatte – durch ihre Äußerungen, ihr Auftreten und natürlich durch ihre Musik und Texte.

Ich habe mich in die persönliche Entwicklungsgeschichte der Stars vertieft, untersucht, welche Erfahrungen uns trennen, und – vor allem – welche wir gemeinsam haben: Drogen, Gewichtsprobleme, Selbstwertgefühl, der Umgang mit der eigenen Sexualität, das Gefühl, abseits der Norm zu stehen. Ich bemerkte, wie ihr künstlerisches Schaffen mir erlaubte, Dinge über mich selbst zu entdecken. In einem sokratischen Dialog mit dem Psychologen Dr. Guido Dossche und dem Anthroposophen Sebastian Gronbach bin ich zu dem Ergebnis gekommen, dass der Ursprung der Kreativität dieser fantastischen Künstler in den Momenten in ihren Leben begründet liegt, in denen sie verloren, unglücklich waren und die sie nachhaltig zu den Persönlichkeiten gemacht haben, die sie geworden sind. Das sind oft die dunkelsten Momente eines Lebens, so ist es bei Popstars, so war es bei mir selbst und so – oder sehr ähnlich – ist es zweifellos bei jedem Menschen. Genau in diesen Momenten empfinden wir die engste Verbindung zu Stars, die für unser Leben eine Bedeutung haben.

Der Produzent Quincy Jones, der u.a. mit Michael Jackson gearbeitet hat, hat es so formuliert: „Musik ist für den Künstler die Befreiung aus seinem emotionalen Gefängnis.“ Für Joseph Beuys entstand jegliche Kreativität aus Schmerz. Zu lernen, diesen Punkt des Schmerzes zu finden und benennen zu können, ermöglicht es uns allen, zu unserer eigenen Kreativität, zu unserem Antrieb zu finden. Auf diesem Weg können wir nicht nur den Schmerz der Vergangenheit neu bewerten, sondern Kraft schöpfen für neue Ideen, Projekte und Ziele, die unser Leben zu neuen Höhen führen können.

Der Schmerz ist der Kern unserer Persönlichkeit. Es ist der Kern, der Ursprung, die Quelle von Kreativität und Motivation, zu der ich den Leser zurückführen will – zu seiner persönlichen Emotionalen Vaseline.

Mit dabei sind: Stevie Wonder, Tina Turner, Brian Wilson, Dave Gahan, Elton John, Dave Gilmour, Madonna, Boy George, Kylie Minogue, Janet Jackson, Morten Harket, Pet Shop Boys, Whitney Houston, Kurt Cobain, Frank Zappa und David Bowie.

«Und doch war ich gewiss, dass dieses nichtssagende, schmächtige Ding ihnen standhalten würde und durch seine einfache Anwesenheit die Polizei der ganzen Welt in Aufregung versetzte…» – Jean Genet über Vaseline, in: Tagebuch eines Diebes, 1949

Emotionale Vaseline - Wie Popstars ihre offenen Wunden in Treibstoff für Kreativität umwandeln wird ab 9. April 2013 als free-Download auf www.steveblame.com zur Verfügung stehen. Die Printversion kann eine Woche später auf www.steveblame.com zum bestellt werden.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Ab 22:45 Uhr zur besten FreitagAbendSendezeit fliegt die Kuh, wenn SKUNK ANANSIE ihren Song “I Believed In You” performen werden!

Auf der Agenda steht der Song “I Hope You Get To Meet Your Hero” vom “Black Traffic” Album. Und wie es der Zufall will, ist dies auch die zweite Single aus dem am 14.09. erschienen und auf #33 gecharteten Longplayers.

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Danko Jones auf Platz 1 der Metal Rock Charts
Skunk Anansie auf Platz 4 der Metal Rock Charts

Herzlichen Glückwunsch!

Schaut euch die kompletten Charts hier an:

Die RIVAL SONS treten bereits zum zweiten Mal in ihrer Kariere in der Harald Schmidt Show auf!

Am 04.10. werden sie ihre aktuelle Single “Keep On Swinging” vom neuen Tonträger “Head Down” performen! Ab 22:15 Uhr anzusehen auf SKY

Tusq, die Großleinwand-Indieband aus Hamburg und Berlin veröffentlicht ihr zweites Album Hailuoto. Live, isoliert und extrem fokussiert auf der Insel gleichen Namens in Finnland aufgenommen. Ein Indierock-Entwurf voller Detailfreude und kristallklarer Hymnen, mit Hang zu dem, was die 80er wirklich cool machte. Hailuoto erscheint am 18. Januar.

Der Weg
Bis Hailuoto haben Tusq einen weiten Weg zurückgelegt. Es ist manchmal schon kompliziert, dass sich die Band zu Dreivierteln auf Hamburg und einem Viertel auf Berlin aufteilt – aber von ihren Tourneen lassen sich Tusq sogar nach Südamerika, England und Russland und für ihre Aufnahmen bis auf eine finnische Insel treiben. Nach Hailuoto eben. Nahe am Polarkreis gelegen, bewohnt von ca. 1001 in Abgeschiedenheit lebenden Insulanern. Tusq haben sich so hoch in den Norden verirrt, weil dort, auf Hailuoto, derjenige wohnt, mit dem sie unbedingt aufnehmen wollten: Jürgen Hendlmeier, berüchtigt als analoges Genie mit Sinn für Live-Recording, ist mittlerweile rausgezogen aus der großen Stadt. Auf Tusqs zweitem Album ist er – wie schon beim Debüt Patience Camp – unverzichtbares fünftes Bandmitglied.

Die Insel
Im März, einem Monat, in dem Schnee und Eis immer noch die Insel beherrschen, bricht die Band in die frostige Abgeschiedenheit auf – und verweilt dort vier Wochen emsig arbeitend in einem Lotsenhaus in der Nähe eines Leuchtturms direkt an der Küste. Der nächste Supermarkt ist zehn Kilometer entfernt. Der Bus fährt einmal am Tag. Die Atmosphäre ist überwältigend, das Maß an Einsamkeit genau richtig, um sich auf die Aufnahmen zu konzentrieren. Es ist schwer zu beurteilen wie sehr die kreative Isolation ihren Einfluss auf die neuen Songs von Tusq hatte. Eigentlich standen die bereits vor der Abreise fest, aber ständig fanden neue Teile und Details in die Songs. Wie zum Beispiel der Song Trial By Fire, der auf Hailuoto aus spontanem Funkenflug entstand, abends in dem gemütlichen Lotsenhaus, umringt von schroffer Natur und umbraust von kalter Meeresbrise.

Das Album
Irgendwie hört man es der Platte an. Die kühlen, schimmernden Gitarrensounds, die der Wind durchs Fenster geweht hat und das heitere, vielleicht klassisch britische Jingle-Jangle. Es ist die Musik von vier Freunden, die die Zeit ihres Lebens haben. Waren früher The Soundtrack Of Our Lives und Motorpsycho die Lieblingsbands, auf die sich alle einigen konnten, hat sich nun der UK-Indierock der 80er seinen Weg in die zehn Stücke von Hailuoto gebahnt. New Order und The Cure highfiven sich, während Dreampop und Shoegaze heimlich durch die Lücken in den Dielenbrettern schielen. Dass diese Platte in Finnland aufgenommen wurde, ist schwer zu glauben. Sie klingt so zeitlos und international, dass man die Band auch in London, Manchester oder gar New York verorten könnte. Doch wenn Sänger Uli Breitbach sein Akkordeon hervorholt, ist der Sound unverwechselbar Tusq. Es sind große Songs, die für das Stadion gedacht und den Club geschrieben sind. Von Tusq aus gerne auch in Neufundland, Tadschikistan oder wo es die Band mit diesem Album diesmal hintreibt. Englisch versteht man schließlich (fast) überall.

Was man noch wissen sollte…
Tusq (spricht sich so, wie der Titel von Fleetwood Macs Tusk) gründen sich 2009. Alle vier Bandmitglieder spielten zuvor in anderen Bands. Ihr erstes Album heißt Patience Camp, erscheint 2010 und klingt überhaupt nicht nach diesen anderen Bands. Einen Songwriter gibt es nicht – jeder darf sich gleichwertig einbringen. Bassist Paul Konopacka verlässt die Band 2011, weil er sich seiner anderen weiterhin verpflichtet fühlt. Florian Gelling ist der Neue, der Bandälteste. Die Bühne haben sich Tusq als Support mittlerweile übrigens mit The Soundtrack Of Our Lives, Teenage Fanclub, Kashmir, Beatsteaks und vielen mehr geteilt.

Der Song Drive mit der exklusiven B-Seite Counting Sheep wurde am 12. Oktober als limitierte 7-Inch Vinyl-Single im Rahmen der Plattenladenwoche veröffentlicht.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

03.10.2012 Flensburg // Deutsches Haus
04.10.2012 Oldenburg // Kulturetage Oldenburg
05.10.2012 Hamburg // Laeiszhalle Hamburg
06.10.2012 Berlin // Huxley’s Neue Welt
07.10.2012 Mannheim // Capitol Mannheim
09.10.2012 Dresden // Theater Wechselbad
10.10.2012 Essen // Lichtburg Essen
11.10.2012 Münster // Jovel
12.10.2012 Köln // Kölner Philharmonie
13.10.2012 Zürich (CH) // Kaufleuten
14.10.2012 Freiburg // Jazzhaus
16.10.2012 Darmstadt // Staatstheater
17.10.2012 Wien (A) // WUK
18.10.2012 Linz (A) // Posthof
19.10.2012 München // Alte Kongresshalle
20.10.2012 Karlsruhe // Tollhaus
21.10.2012 Stuttgart // Theaterhaus

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Wer Hans Klok selbst auf der Bühne erleben will, hat nächstes Jahr Gelegenheit dazu. Vom 15.02. bis 29.03.2013 ist der Magier auf großer Deutschlandtour unterwegs.

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Hier findet ihr den

TALK MIT STEFAN RAAB

SONG FOTOALBUM

SPOTT ZUM BUNDESVISION SONG CONTEST

HIER GEHT ES ZUM ARTIKEL UND VIDEO

06.10.2012 Wien // Wien Waves Festival // Badeschiff
11.10.2012 München // Ruby Bar
13.10.2012 Berlin // Berlinische Gallerie
18.10.2012 Helsinki // Kuudes Linja
19.10.2012 Stockholm // Club Niubi @ Nalen Club
20.10.2012 Tallinn // Kohvik Sinilind
26.10.2012 Paris // MaMA Festival // Les Trois Baudets
31.10.2012 Reyjkjavik // Iceland Airwaves
03.11.2012 Köln // Museum for Applied Sciences (Museum für Angewandte Kunst)

„Düster, sexy und einfach großartig – Musik auf die Karl Lagerfeld stolz wäre“ sagt die chinesische Vogue. Vom Time Out Magazine wurde sie zu einem von Chinas größten Rockstars gekürt, und von einem australischen Art Blog zu einer weiblichen Version von Jim Morrisson erklärt.

Nova Heart ist das Mitte 2011 gegründete Soloprojekt von Helen Feng, vormals Frontfrau der chinesischen Elektrosuperstars Pet Conspiracy und der Indierock-Combo Free the Birds. In einer wilden, Raki-geschwängerten Nacht in Istanbul traf Helen mit ihrem Partner Metro Tokyo auf den Römer Produzenten und Disko Cowboy RODION (Gomma), der ihre Debut EP “Beautiful Boys” produzierte.

Gerade mal ein Jahr nach ihrem Entstehen 2011, inzwischen zu einem Quartett angewachsen, haben Nova Heart mit ihren psychedelisch-diskoiden Popmelodien bereits einige der größten Musikfestivals in Europa, Australien, Amerika und China bespielt - und zählen Künstler wie Peaches , Acid Washed, Jeans Team oder Daniel Wang zu ihren Fans.

Nova Hearts Debut EP Beautiful Boys ist Ende April auf dem brandneuen Beijinger Label FakeLoveMusic erschienen – und in Europa als European Single ab dem 21.09.2012 digital erhältlich.

Wie es sich anhört? Als wenn der Geist von Larry Levan, mit Blondie im Morgengrauen auf einer Pekinger Baustelle ein Duett singen würde und Bowie dazu tanzt.

EP im Stream: http://soundcloud.com/revolver-promotion/sets/nova-heart-beautiful-boys-ep/s-ukwX3

Weitere Infos: https://www.facebook.com/pages/Nova-Heart/211992295524438

Lackluster No. 3 (by Vincent Moon): http://www.youtube.com/watch?v=fGDI7k0SNzw&feature=youtu.be

Kontakt - Online Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Anke Baumann Tel: + 49 (0)30/ 627 351 75; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: anke@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

HIER GEHT ES ZUM ARTIKEL UND VIDEO

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

Hier gibt es die Termine:

28.11. Hamburg - Sporthalle
30.11. München - Zenith
04.12. Köln - Palladium

HIER GEHT ES ZUM VIDEO

18.10.2012 Kortrijk (BE) // Cafe Den Trap
19.10.2012 Zutphen (NL) // La Bicyclette
20.10.2012 Amsterdam (NL) // Pacific Parc
22.10.2012 Künzelsau // Kokolores
23.10.2012 Stuttgart // Club Zwölfzehn
24.10.2012 Erfurt // Museumskeller
25.10.2012 Berlin // Duncker Club
26.10.2012 Würzburg // Alt Werdohl
27.10.2012 Hamburg // Balcony TV
28.10.2012 Münster // Gorilla Bar

Sehr euch hier die Premiere des großartigen Stücks mit David Sorg und Luisa Liebtrau an:
HIER GEHT ES ZUM VIDEO

13.09.12 // Skunk Anansie bei ZDFneo Paradise
13.09.12 // Francesco Tristano um 21.30 Uhr auf ZDFkultur
15.09.12 // the xx und Skunk Anansie bei ARTE Tracks
15.09.12 // Francesco Tristano um 19.25 Uhr auf 3SAT

Einen ersten Eindruck der Show gibt es HIER!

Tori Amos feiert 20 Jahre diskografische Karriere und präsentiert eine persönliche Auswahl von ihrer besten Songs –neu aufgenommen mit Orchester-Sound. So neu und doch so vertraut durch die unverwechselbare Stimme von Tori Amos.

20 Jahre tolle Songs. Es ist wahrlich nicht ganz einfach, diese Künstlerin und ihr Schaffen zu umschreiben, denn Tori Amos gehört den vielfältigsten, kraftvollsten und faszinierendsten Sängerinnen, Songwriterinnen und Musikerinnen der letzten zwei Dekaden. Über 12 Millionen verkaufte Alben, 12 veröffentlichte Werke und über 1000 gespielte Tournee-Konzerte sowie etliche Musikpreise sind dabei nur bemerkenswerte, wenngleich eine beeindruckende Statistik. Denn Tori Amos berührt die Menschen, bewegt mit ihrer Musik, hilft, heilt, inspiriert - die Fans rund um den Globus schätzen die Seele ihrer Songs, die Tiefe und die Stärke, die sie selbst mit den melancholischsten Stücken ausstrahlt.
Ihren persönlichen musikalischen Neuanfang fand Tori Amos mit dem Signing bei die Deutsche Grammophon und veröffentlichte im vergangenen Jahr ihr Klassik-Debüt “Night Of Hunters”, das hierzulande Platz 16 der Media Control Albumcharts eroberte und sogar einen ECHO Klassik 2012 in der Kategorie „Klassik ohne Grenzen“ gewann. Ihr neues Album “Gold Dust” (Goldstaub) ist eine Mischung aus Retrospektive sowie Kollektion von Neuinterpretationen ihrer persönlichen Favoriten aus ihrer 20 Jahre währenden Karriere. “Gold Dust” entstand gemeinsam mit dem Metropole Orchestra aus den Niederlanden, mit dem sie bereits 2010 live auftrat. “Ich war so berührt von dem Orchester und wollte das unbedingt auch mit einer Aufnahme einfangen. So wurde die Idee zu ‘Gold Dust’ geboren.”

Seit ihrem 5. Lebensjahr legt Tori Amos für die Musik und das Piano: Sie wurde am Peabody Institute angenommen, dort begann ihre Suche, die sie in den Folgejahren vorantrieb. Tori Amos suchte nach neuen, anderen Wegen, sich auszudrücken als nur mit Klassischer Musik. Mit 13 interessierte sie sich mehr und mehr für Rock. Nach zwei Jahrzehnten führte sie die Suche zurück zu den klassischen Wurzeln. “Das hat Musik so an sich - sie nimmt dich bei der Hand und sagt dir, dass es Zeit es, etwas auf ganz bestimmte Weise zu erschaffen.” Mittlerweile fühlt sich Tori Amos von der modernen Musik eingegrenzt. Das Gefühl der Freiheit ist einer Enge gewichen. Nur die Klassik hat es geschafft, diese wieder aufzubrechen. “Du hast in einem Pop- oder Rocksong weit weniger komplexe Strukturen, weshalb Musiker immer neue Wege suchen, um einen Song zu kreieren.” Ihre klassische Ausbildung führte Tori Amos zu der Sprache und gab ihr das Verständnis für Form und Struktur, um “Night Of Hunters” und “Gold Dust” zu erschaffen.

Die Auswahl der Songs auf “Gold Dust”, die sie mit dem Metropole Orchestra in Amsterdam aufgenommen hat, ist wie ein autobiografischer und sehr persönlicher Faden durch Toris Leben. Die Songs erzählen von ihrer Beziehung zu ihrer Mutter (”Jackies Strength”), ihrem Vater und Großvater (”Winter”) und der Liebe zu ihrem Ehemann (”Snow Cherries from France”). Bei den Neuinterpretationen wollte Tori Amos gesanglich alles anders machen, denn sie war sich stets bewusst, dass sie zum Zeitpunkt der Originalaufnahmen eine andere Frau war, als sie heute ist. Der Klang der Songs sollte dies ebenso verdeutlichen. “Meine Beziehung zu den Songs hat sich im Laufe der Jahre verändert. Ich habe Songs ausgewählt für das Album, die auch jetzt noch eine Geschichte und ein Erlebnis erzählen können.” “Silent all these years” ist so ein Song, der immer noch große Reaktionen bei ihren Fans auslöst. Noch immer kommen Frauen auf sie zu und erzählen, wie sehr sie sich in dem Song wiedererkennen. Tori Amos gelingt die Brücke zwischen den Jahrhunderten und einen Dialog zu erschaffen. Jene Gespräche, die sie mit den Menschen geführt hat, prägten ihre Kunst und flossen wieder zurück zum Publikum und sind der “Goldstaub”.

Auch zwanzig Jahre nach ihrem ersten Album scheint die kreative Kraft, die in ihrem Herzen fließt, ungebrochen. Tori Amos repräsentiert alles weibliche, intuitive und gleichzeitig geerdete und authentische, nach dem sich das Publikum sehnt. Eine faszinierende Künstlerin nimmt uns mit auf eine Reise in die Zukunft und wirft dabei mit “Gold Dust” einen atemberaubenden Blick zurück.

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

08.09.2012 Papenburg Festival NDR 2
09.09.2012 Hamburg // Rockspektakel
13.09.2012 Neumünster // Kunstfleckenfestival
15.09.2012 Lingen // Rock am Pferdemarkt
26.11.2012 München // Ampere
27.11.2012 Kassel // Musiktheater
28.11.2012 Jena // F-Haus
29.11.2012 Cottbus // Bebel
01.12.2012 Oldenburg // Amadeus
02.12.2012 Bielefeld // Falkendom
03.12.2012 Düsseldorf // Zakk
20.12.2012 Berlin // Astra
21.12.2012 Dortmund // FZW
22.12.2012 Hamburg // Uebel & Gefährlich

6.9. Radio eins um 19:00 uhr
6.9. live im Lido “Paris Connection” (ca 23 Uhr)
7.9. ZDF Morgenmagazin

Lest dazu auch den Artikel über das neue Album, welches bei Laut.de mit 4 Sternen bewertet wurde:
HIER GEHT ES ZUM ARTIKEL

HIER GEHT’S ZUM VIDEO

In diesem Zusammenhang wird Diane Weigmann am 6.9.2012 im Rahmen der Berlin Music Week zwischen 16:15 und 17:00 Uhr in der Capitol Golf Lounge (http://www.berlin-music-week.de/de/professionals/programm/conference/umgld/) zum Thema : POST HYPE CROWDFUNDING: WIE ERNST KANN MAN DAS NEHMEN? mit anderen Panel-Teilnehmer diese Frage diskutieren.

http://www.freshmilk.tv/unplugged/brigitte-battez-vous/

Hier findet ihr die Daten:
11.09. Nürnberg
12.09. München
13.09. Konstanz
14.09. Freiburg
15.09. Freiburg
16.06. Saarbrücken
17.09. Köln

MONEYBROTHER | THiS iS WHERE LiVE iS TOUR 2012
08.12.12 Hannover // Faust
09.12.12 Dresden // Scheune
10.12.12 München // Ampere
12.12.12 A-Wien // Arena
13.12.12 Frankurt/M // Sankt Peter Kirche
14.12.12 Köln // Luxor
15.12.12 Hamburg // Uebel & Gefaehrlich
17.12.12 Berlin // Postbahnhof am Ostbahnhof
18.12.12 Münster // Sputnik Halle

ZUM VIDEO

Allen weiteren Infos findet Ihr auf dem Flyer, den Ihr Euch hier herunterladen könnt:

Nachlesen könnt ihr ihr den Bericht und alle Infos HIER!

HIER GIBT ES ALLE INFOS

ZUR MEDIATHEK DES NDR

Hier geht es zu den Videos:
MACHINEHEAD
SOUND OF WINTER
GLYCERINE

In Deutschland könnt Ihr Nabiha das nächste Mal am 26.08. im ZDF Fernsehgarten erleben!

Das Video zur Single “Never Played The Bass” könnt Ihr euch hier anschauen:ZUM VIDEO

HIER GEHT’S ZUM INTERVIEW

Noch nicht mal zwanzig und schon fast altersweise - Vierkanttretlager hoffen und
verzweifeln auf ihrem Debütalbum zugleich. Irgendwo zwischen Element of Crime
und Turbostaat trifft reifes Textwerk auf nordisch-ungestüme Gitarren, der abgeklärte
Greis auf den jungen Wilden. ´Dort wo die Einsamkeit die schönsten Farben trägt´
singt Casper auf dem gemeinsamen Song “Hooligans” und meint damit die absurde
Romantik kleinbürgerlicher Tristesse. In Husum wächst eine Alternative heran.

Der Wind peitscht, der Regen prasselt und die Flutwellen schlagen dem Seebären
die Pfeife aus der Hand. Darum wird es wohl gehen auf dem Debütalbum der
Husumer Vierkanttretlager, wenn es nun schon „Die Natur greift an“ heißt.

Das möchte man denken und liegt wunderbar falsch: Die Naturgewalt, die
Vierkanttretlager in ihren 11 Liedern so eindringlich beschreiben, ist eine andere: die
Zeit. Der Titel beschreibt in all seinem Pathos am Ende nur die schlichte Erkenntnis
der eigenen Sterblichkeit. Eine Erkenntnis, die typischerweise mit dem Abschluss
eines Lebensabschnitts einhergeht. Bei Vierkanttretlager war das so. Mit nicht mal
zwanzig Jahren haben sie in ihrer Heimatstadt all ihre Pflichten erfüllt. Sie sind also
frei alles zu tun und doch befangen von ihrem Umfeld. Zu hadern gibt es viel,
Vierkanttretlager fangen bei sich selbst an. Sie zücken keinen Zeigefinger, der nicht
auch auf sie selbst zeigt und sind damit Kläger und Angeklagte zugleich. In vollem
Bewusstsein der eigenen Fehlbarkeit versuchen sie sich vor dieser Gewissheit zu
retten, verschließen die Augen, öffnen sie nur, um Schönheit zu sehen. Dennoch
mag man nicht recht sagen, ob es jugendlicher Hochmut ist oder eine alte Seele, die
die Texte der Band belebt. Das Zwiegespräch, das Sänger Max Richard Leßmann
mit seiner Welt führt, ist ein kühles, bedachtes. Doch immer wieder zieht ein Schleier
aus Eifer und Spott über die gesetzten Worte, immer dann, wenn der Junge dem
Greis ins Wort fällt.

Kernstück dieses Wechselspiels aus Entwicklung und Stagnation, der
Menschwerdung und der angedeuteten Flucht ist die namensgebende „Die Natur
greift an“ - Trilogie am Ende des Albums. Beginnend mit „Um Schönheit zu sehen“
setzt sie in dem Lebensabschnitt ein, in dem sich die Protagonisten befinden.
Ausgestattet mit dem Wissen und den Regeln unserer Zeit stehen sie da und
beginnen sich unwohl zu fühlen. All das Gerede, das ihren Alltag geformt hat, ist zu
statisch und formelhaft. Sie beginnen also mit winzigen Befreiungsschlägen, auf die
immer größere folgen.
Sie legen ab, was ihnen nicht mehr passt, machen sich mehr und mehr los von allem und stranden so in das nächste Stück „Keine Menschen mehr“. Hier erkennt der plötzlich so freie und scheinbar selbstbestimmte Mensch neben der
Unüberwindbarkeit seiner Dogmen und dem damit verbundenen Schmerz auch eine
große Notwendigkeit. Um welchen Preis gilt es also frei zu sein? Aus der Gewalt
dieses inneren Kampfes wird man nun in die anfängliche Stille eines Sprechstücks
entlassen. Eindringlich erzählt die personifizierte Menschheit, ein unüberschaubares
Wir, von der Entstehung neuen Lebens. Den neuen Menschen in den Armen
wiegend birgt „Gib deinem Leben keinen Sinn“ den Leitfaden durch die für ihn noch
unerschlossene Welt und gibt diesem traurigen Satz einen doch hoffnungsvollen
Kontext. Nur ohne Zwang lockt der Gewinn. Greis und Junge lassen sich in einem
Paddelboot über die Nordsee treiben.

Deutlich ist eines: Es soll nichts verändert werden und das kann es auch gar nicht.
Vierkanttretlager möchten die Stimme keiner Bewegung sein, Vierkanttretlager sind
die Stimme des Stillstands und der ist grausam und heilsam zugleich.

Weitere Informationen:
http://www.vierkanttretlager.de
http://skrotzki-kempf.com/vierkanttretlager/
http://skrotzki-kempf.com/vktl-presse/

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

18.08.2012 Stuttgart // zwölfzehn
19.08.2012 Offenbach // Hafen 2 Open Air
20.08.2012 Leipzig // Lu99
23.08.2012 Hamburg // Hafenklang (Goldener Salon)
24.08.2012 Kiel // Prinz Willy
25.08.2012 Kiel // Tatort Hawaii
29.08.2012 Köln // Kulturcafé Lichtung
30.08.2012 Dortmund // Subrosa
31.08.2012 Göttingen // Pools
09.09.2012 Bremen // VIelfalt
10.11.2012 Berlin // Franz Club
01.12.2012 Leipzig // Frauenkultur
04.12.2012 CH Zürich // Café Henrici
06.12.2012 CH - Basel - Sääli
08.12.2012 Kassel // Arm

20.08.12 BUSH @ SAT1 Frühstücksfernsehen
19.08.12 Quarter @ ZDF Fernsehgarten
22.08.12 Super700 @ ZDF Morgenmagazin
26.08.12 Nabiha @ ZDF Fernsehgarten
26.08.12 CatPower @ ARD TTT

http://www.viva.tv/news/15159-viva-tv-trifft-nabiha

Man kann sie leicht unterschätzen. Die Sängerin, Gitarristin und Songwriterin, die seit mehr als zwanzig Jahren auf der Bühne steht und bereits ihr siebtes Album veröffentlicht. Sie klingt wie ein braves Mädchen, spielt aber wie ein Cowboy. Ihre Musik fühlt sich zart an, schmeckt aber auch nach Schweiß und Tränen. Sie ist schon lange dabei, bringt aber jetzt zum ersten Mal ein Album auf ihrem eigenen Label, in eigener Regie und ohne Kompromisse heraus. Sie lächelt – und ihre Ehrlichkeit haut dich lässig vom Hocker.

Man kann sie wirklich mächtig unterschätzen, diese Diane Weigmann.

„Meine Songs schreibe ich zunächst mal für mich.“
»Mit meiner Musik ordne ich meine Lebensumstände, initial schreibe ich also ein Lied nie nur für andere.«
Das ist schon seit 1989 so als Diane mit Freundinnen die legendären Lemonbabies gründet. Die erfolgreiche Girlband macht insgesamt vier Alben, tourt durch ganz Europa und ihr Artwork zum Album Porno wird später zigmal kopiert. Das sieht Diane entspannt, denn an Kreativität hat es ihr nie gemangelt: Ihr neues Solo-Album ist bereits ihr drittes – und es ist ihr reifstes und verspieltestes zugleich. Es heißt vielsagend „Kein unbeschriebenes Blatt“.

»Der Titel fiel mir ein, als im Studio alle möglichen Papiere herumlagen, keines davon leer. Das brachte mich darauf, dass wir ja alle ‚beschrieben’ sind, schon als kleine Kinder. Ich zum Beispiel bin jetzt Ende dreißig – da hat man eine Geschichte zu erzählen.« Musikalisch gesehen beleuchtet „Tief“ die Essenz des Albums: Der Song strahlt eine Leichtigkeit aus, die nur mit viel Erfahrung zu erklären ist. Der Text ist
absichtlich intim und zugleich ganz offen formuliert. Diane will es ihren Hörern nicht allzu leicht machen:
»Ich lege vor, füge vielleicht Fiktion hinzu und dann kann sich jeder etwas nehmen und es weiterspinnen.«

„Ich höre meine eigenen Lieder. Wenn nicht ich, wer dann?“
»Wenn ich nicht schlafen kann, zum Beispiel. Und manchmal, um gelegentliche Selbstzweifel, die wohl jeder Kreative kennt, zu besiegen. Ich finde das, ehrlich gesagt, ganz normal. Wie kann ich denn hoffen, dass jemand anderes meine Songs mag, wenn ich es selbst nicht tue? Ich möchte keine elitäre Kunst erschaffen, ich möchte Musik schreiben, die dem Alltag Sinn gibt.« Unbeschwert ist der Alltag von Diane, wenn sie über ihr privates Familienglück singt („Immer schon ein Teil von mir“, „Fast zu schön, um wahr zu sein“) – ans Eingemachte geht es, wenn sie in „Wie klingt das letzte Lied?“ endgültigen Abschied in Worte fasst oder den letzten Schritt in Richtung „Zehntausend Meter freier Fall“ geht. „Sieben Leben“, die erste Single, ist nicht nur Symbolik - „Kein unbeschriebenes Blatt“ ist ja Dianes siebtes Album - sondern eigentlich auch untypisch für Diane. »Dafür aber typisch für das Album. Ich hatte dieses Mal die Freiheit,
alles umsetzen zu können, was ich schon lange mal machen wollte: eine Platte, die sich nicht so auf die Band konzentriert, sondern dem Songwriting noch mehr Raum lässt. Eine gute Portion Country-Feeling mit Banjos, Pedal Steel Gitarren, Lapsteel – und endlich mal ein Uptempo-Track als erste Auskopplung.«

Sie lässt sich einfach nicht festlegen. Die Presse bezeichnete sie schon mal als „Jeanne d’Arc des Pop“, in der Berliner Szene genießt sie höchste Anerkennung und neben der Solokarriere ist sie eine gefragte Komponistin für TV, Werbung und andere Künstler. Sie ist romantisch, sinnlich und selbstsicher; für ihre Fans ist sie Idol und Vertraute zugleich und seit kurzem ist sie auch noch Mutter. »Das widerspricht sich überhaupt nicht, das ist man ja alles! Wenn ich auf der Bühne stehe, bin ich zwar durch und durch Künstlerin, kann aber trotzdem auf Augenhöhe mit meinen Zuhörern sein und meinen Optimismus durch die Songs mit ihnen teilen.« Womit wir den Kritikpunkt abarbeiten können, Diane habe die berüchtigte ‚rosarote Brille’ auf. Ihre Musik atmet Mitgefühl, richtig, aber ihre Zuversicht hat sie sich redlich verdient.
»Ich bin sicher nicht naiv. Im Gegenteil: Ich komme aus einer Arbeiterfamilie mit einem Problem und ich habe hart gekämpft. Wo Licht ist, da ist eben auch Schatten.«
„Was ist Stil, was ist Nachlässigkeit?“
»Die Frage hat mich schon immer beschäftigt und ich prüfe sie bei jedem Album neu. Ist dieses oder jenes charakteristisch für meine Musik oder muss ich das in Frage stellen? Und wie hole ich das Beste aus meinen Songs heraus? Dabei helfen Produzenten. In meinem Fall war das Jens Oettrich, mit dem ich zum ersten Mal an einem Album gearbeitet habe. Aber diesmal lief sowieso alles anders, denn nach vielen Jahren in der scheinbaren Sicherheit branchenüblicher Plattenverträge wollte ich endlich die volle
Verantwortung. Und zwar nicht nur für meine Musik – die habe ich mir noch nie nehmen lassen – sondern auch darüber hinaus, im Umgang mit meinem Album. Ich wollte Verantwortung für die Art, wie es dem Publikum zugänglich gemacht wird und dafür, wie ich selbst Erfolg definiere.« Natürlich hätte sie es mit einem Standardvertrag leichter haben können, aber sie beschließt kurzerhand, es selbst zu machen.
Ohne mit der Wimper zu zucken, löst sie ihren Bausparvertrag auf und geht für die Aufnahmen von „Kein unbeschriebenes Blatt“ voll ins Risiko.

Eine wichtige Erfahrung, denn ohne Plattenfirma muss man zwar in Sachen Budget kleiner denken – weiß aber auch das Talent und den Zusammenhalt des eigenen Netzwerks wieder neu zu schätzen. Dieses Album ist mit Liebe und ohne Termindruck entstanden. Intensiver gibt es mich wohl nicht«, grinst Diane.
Erst später holt sie sich mit dem Förderprogramm „Initiative Musik“ und der ‚Crowdfunding’-Plattform „Pledge Music“ Unterstützung ins Boot. »Die Vorbereitungen grenzten an Wahnsinn. Euphorie und Angst hielten sich über weite Strecken die Waage. Man gibt alles, damit jedes Detail perfekt ist und weiß gleichzeitig, dass man grandios scheitern kann. Aber für mich stand trotzdem fest, dass ich mit meinem Label Rotschopf Records nur zu echten Bedingungen und auf dem richtigen Markt spielen würde. Eine
reine Online-Veröffentlichung stand für mich nie zur Debatte: Wenn ich spiele, dann am großen Tisch – und bei diesem Album gehe ich ‚All-in’.«

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Ein Blick auf die Uhr reißt dich kurz zurück in die Gegenwart. Es ist 7 Uhr morgens, an einem Sonntag. Eigentlich wolltest du schon längst zuhause sein, aber die Berliner Sommernacht hat dich und deine Freunde von einem Club in den nächsten getrieben. Und jetzt stehst du eben hier, mitten auf einem leicht heruntergekommenen Industriegelände. Um dich herum stehen ein paar Gebäude, dem Verfall näher, als der einstig betrieblichen Geschäftigkeit, welche hier vor Jahren einmal geherrscht haben musste. Wieso bist du noch mal hier? Du erinnerst dich. Das Schaf, dem du unterwegs begegnet bist, hat dir einen merkwürdigen Zettel mit einer Wegbeschreibung in die Hand gedrückt, welcher dich geradewegs hierher gelotst hat. Das Schaf? Das Schaf.
Aus einem der Gebäude dringt laute, tanzlastige Musik. Da gehst du hin. Und hinein. Ein alter, schwerer Vorhang trennt den Vorraum vom Dancefloor. Es wummert. Davor steht das Schaf und starrt dich unverwandt an. Es tritt zur Seite - und Du ein.
Nun bist du mitten drin in der eigenartig schönen Welt der SoundMonsters. Sie sind drei, platziert in Berlin und können sich wohl als die Erfinder des Genres Electronic Future Pop bezeichnen. Angefangen hat alles vor einigen Jahren, während einer dieser langen Berliner Nächte, in denen man sich zufällig trifft, über Musik und Visionen spricht und dann nach ein paar Bier jemand sagt: „Lasst uns doch mal zusammen Musik machen.“ Was dann einige Wochen später mithilfe eines alten Mikros und eines nicht ganz handzahmen Laptops entstand, war für Nils, Paul und Tino eine Art Befreiungsschlag. Die SoundMonsters waren geboren und damit einige Monate später auch LoveHate Sounds, ein recht roughes, gut tanzbares, gitarrenbetontes Indie-Album mit elektronischem Einschlag.
Schon von vornherein bestand eine große Verbindung und Affinität zur Berliner Techno-Szene, welche ein erstes Indiz dafür war, dass es sich bei den SoundMonsters nicht nur um „eine dieser Indiebands“ handeln konnte. So wurde LoveHate Sounds 2004 auf dem Berliner Label RoadRageRecords veröffentlicht, welches eher für Künstler der Elektro-Szene wie Klaus Jankuhn oder Westbam bekannt war. Die Single Rock the LoveHate Sound mit Remixen von Westbam stürmte sofort die DJ-Charts und wurde zum Garant für ekstatische Clubnächte. Lexy (Lexy & K. Paul), Haito und Tiasz sorgten einige Monate später für Nachschlag und remixten die zweite Single Blackout. Um die Symbiose perfekt zu machen, fand ihr Bühnendebut in einem der renommiertesten Clubs für elektronische Musik Berlins statt, der Maria am Ostbahnhof.

Nachdem die Monsters so einen enormen Erfolg in der Techno-Szene hatten, sich aber gleichzeitig zwischen mehreren Genres bewegten, stellte sich für sie die Frage nach ihrer Identität, wer oder was sie sein wollten und wohin das Ganze eigentlich führen sollte. Manche Bands zerbrechen an diesen Fragen, andere wiederum lassen sich von diesem Gefühl beflügeln und erschaffen somit eine ganz eigene Welt, welche dann an Authentizität und kompromissloser Leidenschaft kaum zu überbieten ist.

„Mir ist musikalische Offenheit wichtig. Und dafür stehen die Soundmonsters für mich ganz persönlich: Sich auch mal Sachen zu trauen, von denen ich sonst wahrscheinlich die Finger lassen würde.“, sinniert Paul, Drummer und Sound-Tüftler der Band, der sonst unter dem Namen Powel in Clubs auflegt.

Eine große Inspirationsquelle für die SoundMonsters ist auch der Berliner Zeitgeist und ihre Affinität zur Kunstszene, welche ihnen enormen Raum bieten sich zu entfalten und durch den stetigen Fluss von neuen Eindrücken aus der ganzen Welt ein Sammelsurium an neuen Ideen und Möglichkeiten sind. Das Ergebnis dieser selbstbewussten Freiheit kann sich hören lassen und kommt im Herbst 2012 auf die Welt. Es handelt sich um das zweite Album der SoundMonsters und trägt den Titel Winner Of The Year.

Electronic Future Pop
Berlin Friedrichshain
Noch bevor man die CD überhaupt aus seiner Hülle fischt, fällt einem das liebevoll-entrückte Album-Artwork von Fotograf Ivo Hofsté auf. Ein Ballonhaltender Schafsmann im Wald macht dann doch schon neugierig.
Ebenso das Musikvideo zu Supersound, der ersten Singleauskopplung von Winner Of The Year, produziert und gebastelt von Thomas Schmidt (Tocotronic, Fettes Brot oder Lena), schickt uns in eine völlig neue Welt. Tanzende Aliens und pinke Einhörner im wunderbunten Collagen-Stil setzen unsere Synapsen neu zusammen und laden dazu ein, unserer angerosteten Fantasie noch mal einen kleinen Schubs zu geben. Schrill, wunderschön, vielfältig, aber keineswegs kitschig. Bitte mitreißen lassen!
Spätestens jetzt sollte man sich also von der Vorstellung befreien, ein „Schema F – Indietronic Album“ vor sich liegen zu haben und sich für die schönverspulte Welt der Soundmonsters öffnen. Hat man Winner Of The Year dann zum ersten Mal komplett durchgehört, sitzt man vermutlich mit einem großen, lachenden und blinkenden Ausrufezeichen im Kopf da. Denn schnell wird man festgestellt haben, dass man wohl selten ein, in seinen einzelnen Songs, so abwechslungsreiches Album gehört hat.
In all seiner Vielschichtigkeit verliert Winner Of The Year niemals das Große Ganze. Im Gegenteil, es erzählt die Geschichte der ständigen Hin- und Hergerissenheit zwischen Liebe und Hass, Ordnung und Chaos, vom verlieren und finden. Auf seine ganz eigene Art schafft es, all seine unterschiedlichen Klangfarben und Eindrücke in einer Welt zu vereinen und sie damit noch runder zu machen, als sie es sowieso schon gewesen wäre.
So brauchst du dich dann auch nicht zu wundern, wenn du dir auf dem Konzert der SoundMonsters zusammen mit einem Schaf die Seele aus dem Leib tanzt - Und dich in keiner Sekunde fragst, was das Ganze eigentlich soll.

www.motormusic.de
www.ton.fm
www.rent-a-recordcompany.de

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Hinter dem Popduo La Blanche Alchimie stecken die Musiker Federico Albanese und Jessica Einaudi, beide aus Mailand und mit sehr unterschiedlichem musikalischen Background. Federico kommt aus der Rock Musik und spielt eine ganze Palette von Instrumenten (Klavier, Bass, Klarinette und Gitarre). Jessica ist im klassischen Gesang ausgebildet und Texterin. Die Musik schreiben sie gemeinsam. Seit 2007 arbeiten die beiden zusammen, als sie Gemeinsamkeiten und Vorlieben entdeckten.

Über den Bandnamen sagen sie: „La Blanche Alchimie beinhaltet das, was unsere musikalische Welt ausmacht. Die Alchemie hat uns immer interessiert, schon seit dem ersten Song, den wir zusammen komponierten und den wir „Sacred Alchemy“ tauften. Unsere Musik ist eine Mischung aus verschiedenen Spachen (Englisch, Französisch, Italienisch) und verschiedenen Klängen (klassisch, Indie, psychedelisch, Folk). Und Weiß ist die Farbe, die traditionellerweise die Reinheit symbolisiert und deshalb so gut zu uns passt, weil wir ja stets auf der Suche nach dem reinen Ausdruck sind.“

Das Debütalbum, das 2009 auf dem Ponderosa Music & Art Label erschien, ist eine betörende Sammlung von neun Songs, voller filmischer Atmosphäre, ätherischen Balladen und urbanen Fresken. Die Reaktion der Kritik in Italien war extrem positiv und bescherte der Band Kritiken sowohl von der Musikpresse (Rolling Stone Italy, Rockerilla, Rumore, Jam, Rockstar, Il Mucchio, Blow Up, Ritual) als auch von der nationalen Presse (Il Corriere della Sera, la Repubblica).

Das Duo konnte live das halten, was das Debütalbum versprach und so tourten sie 2009 und 2010 durch Italien, Großbritannien und Deutschland. Im Oktober 2010 reisten sie in die Staaten zu MTV’s „Hitweek“, wo sie bei einem Showcase für neue Italienische Musik in New York und Los Angeles auftraten.

Das zweite Album von La Blanche Alchimie heißt Galactic Boredom und wurde in Italien bereits 2011 veröffentlicht. Wie beim Debütalbum gab es wieder großartige Kritiken in der Presse. Die beiden haben sich weiter entwickelt und das Album wurde von niemand geringerem als Ludovico Einaudi produziert, dem weltberühmten Komponisten und Pianisten (und Jessicas Vater).

www.lablanchealchimie.com
https://www.facebook.com/blanchealchimie
www.ponderosa.it

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Anke Baumann Tel: + 49 (0)30/ 627 351 75; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: anke@revolverpromotion.de

Maren Kumpe Tel: + 49 (0)30/ 318 067 59
mail to: maren.kumpe@musicmatters.de
www.revolverpromotion.de

Neulich in der Rock’n’Roll Highschool:
„Hefte raus, Klassenarbeit: Was wissen wir über Rock’n’Roll?“
Die Auswertung:
„It’s got a back beat, you can’t blues it/Any old time you use it“
(Chuck Berry, ‘Rock And Roll Music’, 1957)
„You show us everything you’ve got/You keep on dancin’ and the room gets hot/ You drive us wild, we’ll drive you crazy“
(Kiss, ‘Rock And Roll All Nite’, 1975)
„Heavy decibels are playing on my guitar/We got vibrations coming up from the floor“
(AC/DC, ‘Rock and Roll Ain’t Noise Pollution’, 1980)
„Incarnate power, roaring from the sky/While others cower, rock ain’t gonna die“
(Twisted Sister, ‘You Can’t Stop Rock ‘n’ Roll’, 1983)
„Rock and roll can never die/There’s more to the picture than meets the eye“
(Neil Young, ‘Hey Hey, My My (Into the Black)’, 1979)

Auch Danko Jones weiß das alles. Und er zelebriert nicht einfach den Mythos, sondern ist hemdärmeliges Sinnbild für all die harte Arbeit, die die Denkmalpflege des Rock’n’Roll-Erbes eben erfordert. Danko kennt die schlaflosen Nächte, die endlosen Fahrten im Tour-Bus und all diese Fernbeziehungen. Danko kennt auch das Blut und den Schweiß die dazugehören. Nur auf Tränen wird verzichtet – denn Rock’n’Roll ist nichts für Heulsusen.
Die letzten 16 Jahre hat Danko Jones dieses Vagabundentum mit all seinen Höhen und Tiefen gelebt, wie auf der unlängst veröffentlichten DVD-Dokumentation „Bring On The Mountain“ festgehalten und im demnächst erscheinenden Bandbuch „Too Much Trouble: A Very Oral Histoy of Danko Jones“ nachlesbar ist.?Das jene bisherige Rock’n’Roll-Achterbahnfahrt selbst bei jemanden wie Danko ein paar schwarze und blaue Flecken hinterlassen hat, liegt auf der Hand. Doch wer Danko kennt weiß, dass er genauso offensichtlich nicht anders kann, als dem nächsten Kick (oder Rock) hinterzujagen, wie er es schon in seinen Songs immer so glaubwürdig besingt. Rock’n’Roll ist Dankos größte Sucht. Und die wird er auch niemals aufgeben.
Im Laufe von sechs Alben hat Danko Jones dem Rock’n’Roll jedenfalls seinen ganz persönlichen, unverkennbaren Stempel aufgedrückt. Vom Blues über Sechziger Garagen Rock, Siebziger Hard Rock und Power Pop, dem Hardcore der Achtziger, Indie Rock und Skandinavischer Metal aus den Neunzigern bis zu einer nicht unwesentlichen Portion Humor aus dem Stand Up-Comendian- Repertoire, reichen Dankos stilistische Einflüsse und können doch nicht vollkommen definieren, was Danko Jones ausmacht. Auch wenn sich all seine Alben auf besagte Grundpfeiler stützen, unterscheiden sie sich dennoch in individueller klanglicher Charakteristik und Attitüde: „I’m Alive And On Fire“ war eine furiose Blues-Punk-Orgie. „Born A Lion“ brachte den Boogie und Dampfhammer-Soul ins Spiel. „We Sweat Blood“ war etwas unruhiger und aggresiver zugleich. „Sleep Is The Enemy“ verführte mit schnittigen Hooks. „Never Too Loud“ war so routiniert-poliert, wie „Below The Belt“ ein basisch-abgespecktes Statement war. Verglichen mit all diesen vorherigen Ecksteinen, ist das neue Album „Rock And Roll Is Black And Blue“ gleichsam Dankos bis dato emotionalste wie epischste Scheibe. Nein, keine Angst, die Verwendung dieser beiden Adjektive mit E am Anfang und Superlativ belegt bedeutet nicht, dass Danko Jones nun doch unter die Heulsusen gegangen ist. Denn um Kinderchöre, Symphonie- Orchester oder sensible Piano-Balladen macht auch dieses Album einen verdammt großen Bogen. Was uns Danko hier zu hören kredenzt ist nicht weniger als die Grundessenz seines Schaffens - allerdings hoch zehn. Diese 12 Songs sind cooler, kühner und kompakter als alles, was Danko bisher angepackt hat. Und das will etwas heißen.

Was genau also hat sich seit dem 2010er Album „Below The Belt“ getan? Abgesehen davon, dass jenes Album die U.S. Top 40 Active Rock Radio Charts geknackt und eine Video- Trilogie hervorgebracht hat, die Elijah „Frodo“ Wood, Ralph „Karate Kid“ Macchio, Lemmy „Motörhead“ Kilmister und Mike „Minutemen“ Watt erstmalig gemeinsam vor die Kamera gebracht hat?
Kleiner Tipp, guckt mal auf den Schlagzeuger- Schemel. Richtig, Danko Jones haben einen neuen Drummer: Adam „Atom“ Willard schwingt als sechster Trommler in der bisherigen Bandgeschichte nun die Stöcke.
Dabei ist er allerdings der erste, der mit Danko und seinem langjährigen Kompositions-Partner und Bassisten John „JC“ Calabrese in kreativer Hinsicht auf Augenhöhe ist. Willards Lebenslauf spricht für sich: Er war nicht nur die treibende Rhythmuskraft hinter Dankos erklärter Lieblings- Garagen-Punk-Kombo aus San Diego, Rocket From The Crypt, sondern hat ebenso bereits für die Multiplatin-Punks The Offspring oder die Supergroup Angels & Airwaves den Takt angegeben. Adam hat es also mehr als drauf, einen massiven, radio-freundliches Monster-Song rhythmisch zu bedienen.
Wir alle wissen, dass Danko Jones nie wie eine schüchterne Schülerband rüberkamen. Doch mit dem Feuerschutz von Willards Trommelkraft im Rücken klingt das Trio unaufhaltsamer und unerschrockener denn je. Sei es beim langsam und tief walzenden Groove der Led Zeppelin-Hommage ‘You Wear Me Down’, dem hymnischen Ohröffner- Refrain von ‘Just A Beautiful Day’ oder dem kernschmelzenden Album-Herzstück ‘Always Away’. Jenes reiht sich übrigens nahezu nahtlos in den bisherigen Kanon von Liedern über das Leben auf Achse ein. Doch wo ‘Code Of The Road’ und ‘Sleep Is The Enemy’ vorwiegend Oden an die unentwegte Rock’n’Roll-Rumtreiber-Mission waren, widmet sich ‘Always Away’ nun der Gegenperspektive: Der Song ist hymnisch, und ganz offen und ehrlich an jene ganz besondere Person gerichtet, die unterdessen zuhause die Stellung hält. Damit ist er der vielleicht authentischste, herzergreifendste Song, den Danko bisher gesungen hat. Aber wie gesagt, keine Angst. Denn selbst wenn Danko sentimental wird, hat er dabei noch einen Riffbrecher mindestens so groß wie ‘Thunderstruck’ in der Hinterhand.
Darüber hinaus gibt es weitere neue inhaltliche Schwerpunkte auf dem Album zu verzeichnen. ‘I Don’t Care’ widmet sich der geo-politischen Weltlage, während ‘I Believed In God’ - das Gospel-Grand Finale der Platte, das aus ähnlichem Holz wie der frühe Klassiker ‘Love Is Unkind’ geschnitzt ist – sich dem Themenkomplex Religion annimmt. Wie zu erwarten war ist die Enderkenntnis bei beiden Songs die gleiche: Die geo-politische Weltlage und Religion interessieren Danko Jones einen Scheiß. Denn letztendlich dreht sich auf „Rock And Roll Is Black And
Blue“ alles um Rock’n’Roll mit allem was dazugehört. Herzbrüche (‘Type Of Girl’), sexy Körperteile (‘Legs’), den morgendlichen Motivator (‘Get Up’), Angstzustände (‘Terrified’) und Kampfansagen (‘Don’t Do This’)
sowie die Einsicht, dass man selbst schon einiges einstecken können muss, will man den ganzen Scheiß überleben (‘Masochist’). Aber genau das ist es ja, was wir alle - und Danko vorweg - am Rock’n’Roll so lieben. Doch noch was dazugelernt.

Danko Jones im Web:
http://www.dankojones.com/
http://www.facebook.com/dankojones

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

The xx existieren in einem selbsterschaffenen Kosmos. 2009 hatte das Londoner Trio das Debütalbum xx im Verborgenen aufgenommen und rückte von dort nach und nach in das Bewusstsein der breiteren Öffentlichkeit. Die Band steht für eine melancholische Leiden-
schaft zur Musik; ihr düsterer Sound zeichnet klare Konturen und bietet seinem Hörer dennoch Räume in deren Tiefe er sich schon mal gerne verlieren kann.
Nun sind Romy Madley Croft, Oliver Sim und Jamie Smith zurück mit ihrem neuen Album Coexist. Während ihr erstes Album dem Hörer noch schüchtern ins Ohr flüsterte, blickt der Nachfolger einem fest und voller Selbstvertrauen in die Augen- The xx sind erwachsen geworden.

Nach der Veröffentlichung des Debüts im Sommer 2009 verbrachten The xx den größten Teil der Folgezeit weit weg von zuhause, um ihren Sound in die Herzen ihrer Fans rund um den Globus zu tragen. Von Amerika über Australien und Japan wurde die Band von Publikum und Kritik gleichermaßen gefeiert, und der Erfolg zeichnete sich bald auch in stetig wachsenden Albumverkäufen und dem Gewinn von Awards wie dem renommierten Mercury Music Prize ab. Nach den Erfahrungen, die die Band während dieser Zeit gemacht hatte, war es unumgänglich, dass sich die drei nach ihrer Rückkehr im Oktober 2010 erst einmal für eine Weile in ihr privates Leben zurückzogen.

„Alle unsere Freunde gingen mittlerweile zur Uni und waren von zuhause ausgezogen“, erzählt Romy. „Wir wollten diese völlig natürliche Sache, die du machst, wenn du anfängst zu studieren und erwachsen wirst, auch endlich tun“. Alle drei zogen binnen zwei Wochen nach ihrer Rückkehr um. Sie holten nach, was sie während der vielen Monate zuvor nicht machen konnten, trafen Freunde, die sie lange nicht gesehen hatten, und genossen schließlich einen Sommer mit Festivals und Shows, auf denen Jamie als DJ gebucht war. „Wir waren seine Groupies“, lacht Romy.

Galt er bis dahin als das stillste der drei Bandmitglieder, wurde Jamie im Verlauf des Jahres 2011 zum Gesicht von The xx. Zwischen seinen vielen DJ-Gigs arbeitete er stetig an seinen Fertigkeiten als Produzent und entwickelte dabei einen ganz eigenen Stil. Remixe wie etwa für Adeles Hit Rolling In The Deep, die Bearbeitung von Gil Scott-Herons letztem Album samt dem Clubhit I’ll Take Care Of You oder seine Solo-Debütsingle Far Nearer machten aus Jamie einen hoch angesehenen Produzenten auch jenseits der eigentlichen Band.
Für Drake produzierte Jamie den Titeltrack seines Millionensellers Take Care.
Auch hinter den Kulissen gab es Veränderungen. Beim Debütalbum noch tauschten Romy und Oliver ihre Lyrics übers Internet aus und sangen später jeweils ein, was sie selbst geschrieben hatten. Als sie nun begannen, an neuen Texten zu arbeiten – „Viel eher als ich es erwartet hätte“, sagt Romy – stellten sie fest, dass ihre ursprüngliche Zurückhaltung in Bezug auf die Preisgabe persönlicher Gefühle verblasst war.

„Die wohl grundlegendste Veränderung bei dieser Platte ist, dass Romy und ich zusammen in einem Raum geschrieben haben“, erklärt Oliver. „Wir trafen uns ohne jegliches Material und sprachen über unsere ersten Ideen, was lustig aber irgendwie auch merkwürdig war, weil wir das vorher nie gemacht hatten. Ich habe auch zum ersten mal einen von Romys Texten gesungen, was sich wirklich gut anfühlte.“

Waren es auf dem Debüt vor allem Träume und Erwartungen, die Olivers Lyrics zu großen Teilen ausmachten, dreht sich auf Coexist nun vieles um tatsächliche Erfahrungen. „Das hat mich selbst ein wenig gewundert, denn ich wusste, dass andere Leute die Texte hören würden. Es überrascht mich, dass ich sie so selbstsicher nach außen tragen konnte“. Umgekehrt lief es bei Romy, die auf dem Debüt noch sehr offen persönliche Erfahrungen in den Mittelpunkt stellte. „Es fühlte sich damals ziemlich wie das Schreiben eines Tagebuchs an, obwohl wir natürlich einen eher kryptischen Stil benutzten. Ich denke, meine Lyrics entstammen jetzt eher einer Beobachter-perspektive, was für mich eine komplette Wende bedeutet.“

Die neuen kreativen Prozesse haben auch Einfluss auf Jamie. Als er damals zu The xx stieß, spielte die Band seit einem guten Jahr Liveshows und hatte einen Teil des später auf xx veröffentlichten Materials bereits geschrieben. Diesmal haben die Drei von Anfang an zusammen arbeiten können. Hierfür hatte Jamie Räume im Zentrum Londons aufgetan, die die Band zu ihrem persönlichen Studio ausbaute. Inmitten trister Bürobauten verwandelten sie das 9-to-5-Ambiente der bezogenen Räume in ein dunkles Kreativzentrum mit schwarzem Samt zur Schalldämmung an den Wänden und statteten es mit Studioequipment, Piano, Schlagzeug und Steeldrums aus. Hier, räumlich getrennt von ihrem Label im Westen der Stadt und der pulsierenden Musikszene im Osten Londons, schrieben Romy, Oliver und Jamie Coexist.

„Wir haben uns einfach neue Ideen vorgespielt und herumprobiert, was wirklich Spaß gemacht hat“, erklärt Jamie. Dabei lief allerdings nicht immer alles völlig glatt: „Die Vorstellung, die ich zu Beginn von unserer Arbeit am neuen Album hatte, war eine falsche. Ich befand mich in einer Phase, in der ich Musik für Leute wie Drake machte und auch viel für mich selbst gearbeitet hatte, und ich hatte wohl ein wenig vergessen, wie es ist, mit Romy und Oliver zu arbeiten. Das ist etwas völlig anderes, denn wir sind uns so nahe.“ Weiter erzählt er: „Zu lernen, als erwachsene Menschen zusammen zu arbeiten, war die größte Herausforderung. Es ist das, was das Album am meisten beeinflusst hat. Wir mussten die Balance finden.“

Besagte ‚Balance’ wurde zum zentralen Thema von Coexist. „Jamie hat seine Solosachen gemacht und Oliver und ich haben währenddessen andere Dinge getan, aber The xx gibt es nur, wenn wir drei wirklich zusammen sind“, erklärt Romy dazu. „Ich habe mich ein wenig mit dem Verhältnis von Öl und Wasser beschäftigt, dem Regenbogen, den man manchmal sieht, wenn draußen eine Pfütze auf dem Boden ist. Öl und Wasser mischen sich nicht. Sie haben sich einfach darauf geeinigt, friedlich zu ‚koexistieren’. Ich mag das wirklich – diese zwei einfachen Dinge, die zusammen etwas so Schönes ergeben.“

„Zu koexistieren ist sicher nicht die romantischste Vorstellung, aber ich denke sie entspricht der Realität“, erzählt sie weiter. „Lernen, miteinander klarzukommen, miteinander zu arbeiten, mit der Person zusammen zu leben, die du liebst - oder auch in Bezug auf vergangene Partner. Es hängt alles miteinander zusammen.“ Auch diese Erkenntnis hat dazu geführt, dass die ängstliche Dunkelheit von xx dem Licht von Coexist gewichen ist.
Während weiterhin Spuren von R&B im Sound von The xx zu finden sind, ist auch ein vermehrter Einfluss von elektronischer Musik spürbar, etwa in Reunion, Sunset oder Swept Away. In Romys Gitarren-Loops und knietiefen Basslines spiegelt sich dieser Aspekt wider. „Das ist etwas, was ich an Dancemusic liebe, wie etwas zunächst bedeutungsloses nach der fünften Wiederholung absolut tiefgreifend werden kann“, sagt Oliver.
Coexist ist ein selbstbewusstes Album geworden, auf dem sich wenig und doch zugleich vieles geändert ändert. Es klingt erwachsener, reifer, sicherer und doch immer noch zerbrechlich- so handle with care!

Web: www.thexx.info

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

The xx existieren in einem selbsterschaffenen Kosmos. 2009 hatte das Londoner Trio das Debütalbum xx im Verborgenen aufgenommen und rückte von dort nach und nach in das Bewusstsein der breiteren Öffentlichkeit. Die Band steht für eine melancholische Leidenschaft zur Musik; ihr düsterer Sound zeichnet klare Konturen und bietet seinem Hörer dennoch Räume in deren Tiefe er sich schon mal gerne verlieren kann.
Nun sind Romy Madley Croft, Oliver Sim und Jamie Smith zurück mit ihrem neuen Album Coexist. Während ihr erstes Album dem Hörer noch schüchtern ins Ohr flüsterte, blickt der Nachfolger einem fest und voller Selbstvertrauen in die Augen- The xx sind erwachsen geworden.

“Wenn das Album erscheint, hoffe ich, dass, die Leute es hören und sich dabei selbst auf eine Reise begeben.“

Das neue Album von Anders Wendin, besser bekannt unter dem Namen Moneybrother, Held der schwedischen Musikszene, erscheint am 28.09.2012. Aufgenommen in sieben Städten, quer über den Globus verteilt, verbindet das neue Album „This Is Where Life Is“ Wendins ausgeklügeltes Songwriting-Talent mit seiner Reiselust. Dabei entstand ein kunstvolles Geflecht aus Stilistiken und Geschichten aus der ganzen Welt. Ungeachtet seiner Ursprünge in der Punk-Band Monster, ist sein Solowerk eine Mischung aus Pop, Disco, Soul, Reggae und Rock und brachte ihm in der Vergangenheit schon einen Grammy in seiner Heimat Schweden sowie große internationale Anerkennung ein..

Die Aufnahmen zu dem neuen Album dauerten über drei Monate und begannen mit den ersten Sessions in Steve Albinis legendärem Electric Audio Studio in Chicago und in den Red Bull Studios in Los Angeles. In Chicago legte Anders Wendin das Fundament für sein Album, um von dort aus den Rest der Welt musikalisch einzufangen.

Der nächste Halt: Rio de Janeiro. Hier arbeitete Moneybrother mit dem weltweit anerkannten Perkussionisten Marcos Suzanos und verbringt einige Zeit in den Favelas, wo er persönlich erfährt, wie die Menschen in den Armenvierteln Brasiliens leben. Darauf folgten Kingston, Jamaika und ein einzigartiges Erlebnis in Bob Marleys Tuff Gong Studios, das Wendin tief beeindruckte:

„Normalerweise ist es nicht so einfach in den Tuff Gong Studios aufzunehmen, da sie nur einem engen Familienkreis vorbehalten ist. Über einen Bekannten durften wir aber von 2 bis 5 Uhr nachts in die Räume. Mitten in der Nacht trafen wir uns dort und da die Klimaanlage aus war, war es extrem heiß. Nach der Session hatten wir eine kleine singende und rauchende Anhängerschaft die uns in den anderen Studios der Insel ständig umringte! Ich musste ihnen sagen, dass sie leise sein sollen, während ich einige Parts eingesungen habe, aber das meiste Materialwar auf Grund der fantastischen Atmosphäre großartig.“

Nach Jamaika reiste Anders nach Kapstadt, Südafrika, wo er mit drei Ortsansässige den Refrain der Single-Auskoppelung „Unbelievably Good“ einspielt. Im Anschluss steuerte Wendin London an, bevor er seine Reise in Auckland, Neuseeland beendete.

Der außergewöhnliche Hintergrund zu Moneybrothers neuem Album wurde von dem preisgekrönten Dokumentarfilmer Jim Dziura in einer Dokumentation auf Zelluloid gebannt. Dziura, der schon den preisgekrönten Dokumentarfilm “Whiskey On A Sunday“ über Flogging Molly produzierte, übersetzt Wendins Musik in atemberaubende Bilder und erzählt spannende Geschichten, die jeden Schritt der Reise auch visuelle erlebbar machen.

Die Albumproduktion einzufangen, war Wendin sehr wichtig:
“Es war immer mein Traum, meine Erlebnisse mit dem Zuhörer zu teilen. Also mussten wir sichergehen, den Entstehungsprozess mit der Kamera so genau wie möglich zu dokumentierten. Der Zuschauer wird in der Lage sein, nicht nur die Leute, die Orte und die harten Umstände der Produktionwahrzunehmen und zu verstehen, sondern auf meiner inneren Reise dabei zu sein.“

Das Album THIS IS WHERE LIFE IS wurde unter anderem in vier Red Bull Studios aufgenommen: Auckland (Neuseeland), Los Angeles (USA), London (Großbritannien) und Kapstadt (Südafrika). Daneben standen Studiolegenden wie das Electric Audio Studio in Chicago (USA), die Tuff Gong Studios in Kingston (Jamaika) und das Studio Dubious in Stockholm (Schweden) auf dem Reiseplan der Produktion.

Die Termine für die Moneybrother-Tour 2012 werden bald bekannt gegeben. Anbei finden Sie Pressefotos und anhand der untenstehenden Links werden Sie auf die Moneybrother Homepage und Facebook-Seite weitergeleitet.

Website:
http://www.moneybrothermusic.com/
http://www.facebook.com/OfficialMoneybrother

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Me and My Drummer sind diesen Sommer auf vielen Festivals live zu erleben wie auch auf Headliner Tour ab September 2012, Daten sind in unserer Tourübersicht !

SKUNK ANANSIE veröffentlichen mit “Black Traffic” am 14.09.2012 ihr 6. Studio Album - benannt nach den dunklen Kanälen, die die Welt umspannen - und die 3. Platte, nachdem sie 2009, nach einer 9 Jahre langen Auszeit, wieder zusammengekommen waren.

Zu dem Track sagt SKIN: “I Believed In You” hält die Enttäuschung fest, die viele in Bezug auf die von ihnen gewählten Politiker empfinden. “Ich denke viel darüber nach wie sich die Menschen von ihren Anführern im Stich gelassen fühlen. Jeder will, dass wir wählen, aber wen ? Sie bauen alle mist, weil es ihnen irgendwann mehr darum geht, ihre Machtposition beizubehalten, als darum, die Stellung ihres Landes aufzuwerten”

„Long Walk“ – einen langen Marsch nahm der 20jährige Johann Sebastian Bach 1705 auf sich: Fast 400 Kilometer ging er zu Fuß von Arnstadt nach Lübeck, um Dietrich Buxtehude bei seinem berühmten Orgelspiel zuzuhören. Aus der für einige Wochen geplanten Reise wurde ein dreimonatiger Studienaufenthalt, Buxtehude wurde Bachs Lehrer.

Dietrich Buxtehude (1637-1707) ist der wohl bedeutendste Komponist des deutschen Frühbarock. Als Kantor der Marienkirche zu Lübeck besetzte er einen der wichtigsten Posten als Musiker in Deutschland. Seine Musiksprache zeichnet sich durch ihren Fantasiereichtum und ihre harmonische Kühnheit aus. Francesco Tristano stellt Buxtehudes wichtigstes Klavierwerk ins Zentrum seines neuen Albums: Die Aria „La capricciosa“, 32 Variationen über das Volkslied „Kraut und Rüben“.

Der Aufenthalt bei Buxtehude beeinflusste Bachs musikalisches Schaffen nachhaltig. Das belegt im Besonderen eines seiner berühmtesten Spätwerke, die „Goldberg-Variationen“. Wie „La capricciosa“ in G-Dur geschrieben, sind beide Stücke in ihrer Form identisch und weisen zahlreiche musikalische Parallelen auf. In der letzten Variation, dem „Quodlibet“, zitiert Bach das „Kraut und Rüben“-Thema gar als Hommage an seinen Lehrer.

1974 wurde in Bachs persönlichem Manuskript der „Goldberg-Variationen“ eine Appendix gefunden, 14 Kanons über die ersten acht Basstöne der „Aria“, heute bekannt als BWV 1087. Diese raffinierten Miniaturen hat Francesco Tristano in seiner Komposition „Long Walk“ kombiniert, „remixed“ sozusagen, und somit die spielerische Dimension von Bachs gelehrter Kontrapunktik erschlossen.
An eine andere barocke Tradition knüpft Tristano mit seiner zweiten Eigenkomposition auf diesem Album an: „Ground Bass“ ist im Kern nichts anderes als eine Chaconne, eine Variationenfolge über einem ostinaten Bassfundament, wie Buxtehude sie drei Jahrhunderte früher mit seiner „Ciaccona“ BuxWV 160 schuf.

Tristano übersetzt auf „Long Walk“ die Musik des Barock ins Jetzt. Nicht nur durch seine Interpretation und Verarbeitung der Musik Buxtehudes und Bachs, sondern auch in der technischen Umsetzung der Aufnahme, die neue klangliche Dimensionen erschließt: 12 Mikrophone unterschiedlicher klanglicher Charakteristik haben in der Kyoto Concert Hall, Japan, die extra wegen ihrer außergewöhnlichen Resonanzqualitäten ausgewählt wurde, den unverfälschten Klang des Yamaha CFX Konzertflügels eingefangen, eines High-Tech Klaviers, das aus langjähriger Erforschung von Materialien, Klangfarben und Konstruktionstechniken entstand.

Ansprechpartner: TV Promotion REVOLVER PROMOTION
Tel: 030-627 351 71/73 , Matthias Kringe / Daniela Leubner
Mail: matthias@revolverpromotion.de / dani@revolverpromotion.de

Für die dreimonatigen Aufnahmen begab sich Moneybrother in 6 Länder und nahm insgesamt 12 Songs auf, jeweils mit Unterstützung lokaler Größen wie z.B. dem weltweit angesehenen Perkussionisten Marcos Suzanos. Er bereiste die Städte Chicago, Los Angeles, Rio De Janeiro, Kingston, London, Kapstadt und Auckland.
Das Ergebnis ist ein bemerkenswertes Werk, getragen von Moneybrothers einzigartigen Sound, angelehnt an Pop, Reggae, Dance, Punk und Soul und insipiriert von den bereisten Städten und mitspielenden Künstlern.

12 Songs, 6 Länder, 1 Album!
Dazu Moneybrother: “I don’t want to fake it. The only way to truly record an album like this is to go to the places where all that music was born, find the artist who live and breathe it. I want to capture the sounds i used to dream about as a kid”

Passend zur musikalischen und kulturellen Vielfalt des Albums hat der preisgekrönte Regisseur Jim Dziura dei Reisen für eine Dokumentation in Spielfilmlänge begleitet.
Und auch die visuelle Seite hat für Moneybrother einen großen Stellenwert:
“My dream was always to make sure that the listener and the fan could truly experience this with me, so alongside the music, we had to make sure that we documented this process as much as possible. Viewers will be able to tag along and experience not only the people, the places and the hardships of producing this album, but also my inner journey.”

Pressemitteilung vom 17.7.2012

CÄTHE auf Tour: Neue Live-Daten für 2012
bestätigt!

TV Promotion: Revolver Promotion, Matthias Kringe, Tel: 030-627 351 71
mail: matthias@revolverpromotion.de

SUN, so heißt das neue Studioalbum von Cat Power. Sechs Jahre nach ihrem letzten regulären Studioalbum (im Jahr 2008 erschien ihr Coveralbum Jukebox) hat sie die zuletzt besuchten Sound-Gefilde Memphis Soul und Delta Blues wieder weitestgehend verlassen. SUN wurde von Chan Marshall komplett selbst geschrieben, eingespielt und produziert. Auch textlich ist der Begriff der „Kontrolle” ein Dreh- und Angelpunkt des Albums geworden. Chan Marshall bezeichnet SUN als „Wiedergeburt” und genauso klingt dieses selbstbewusste, anspruchsvoll arrangierte und charismatische Album auch. „Moon Pix handelte noch von extremer Isolation und dem Überleben in diesem irren Kampf”, erzählt sie. „SUN ist dagegen ein Nicht-Zurücksehen und Weitermachen. Ein zuversichtlicher Gang in die eigene Zukunft, hin zu persönlicher Kraft und Erfüllung.” Die Musik auf SUN enthält eine beträchtliche stilistische Bandbreite: Es gibt die typisch eindringlichen Gitarrensounds mit unmissverständlichen Textzeilen wie etwa in Cherokee (“marry me to the sky…bury me upside down”), einen betörenden Latin-Piano-Loop in Ruin, beinahe tanzbare, elektronische Stücke wie Real Life und 3, 6, 9 oder das bewegende 8-Minuten-Epos Nothing But Time (mit Vocal-Cameo von Iggy Pop). Der lasziv vorgetragene Song Silent Machine lässt den Mick Jagger der 70er Jahre vorm inneren Auge auferstehen, wiederum völlig kontrastiert vom extrem reduzierten Always On My Own. In ihren Texten transzendiert Cat Power die Ängste und Selbstversunkenheit ihres jüngeren Selbst. Ein Großteil des Albums wirkt wie ein Appell gegen gesellschaftliche Erwartungshaltungen und individuelle Unterdrückung. “You got a right to scream when they don’t want you to speak” heißt es im durchaus feministisch zu dechiffrierenden Human Being. Peace and Love zitiert Nina Simone mit “peace and love is a famous generation” und anschließend Black Flag, womit sie denjenigen Leuten ihren Mittelfinger entgegen streckt, die den Idealismus ihrer jungen Jahre verraten haben. “I’m a lover but I’m in it to win”, schließt sie. Ähnliches verhandelt sie im Song Nothing But Time, in dem sie die Kids beschwört, über das Hier und Heute hinauszuschauen: “You’re just trying to get by, but your world is just beginning…it’s up to you to be a superhero, it’s up to you to be like nobody”. Obwohl es auf SUN zu keiner allzu intimen Aussprache kommt, ist das Album wohl Cat Powers bislang persönlichstes Werk. Bei all seiner Vielschichtigkeit ist es genauso “handgemacht” wie ihr Debüt, doch nie zuvor hat es eines ihrer Alben geschafft, Chan Marshalls Person und Gefühlslage mit all ihrem Humor, ihrer Wut, ihrem Mitgefühl, den Inspirationen, technischen Fertigkeiten und spirituellen, inneren Erkundungsreisen so exakt zu spiegeln. Betrachtet man SUN im Kontext ihres bisherigen Schaffens, so wird man am ehesten Elemente vom 2003er Album You Are Free ausmachen, auf dem Cat Power erstmals mit Vocals und Beats experimentierte. Auch dank des Masterings von Philippe Zdar (Phoenix, Chromeo, Motorbass) klingt SUN allerdings wunderbar frisch und zeitgemäß, was den vorwärtsgewandten Grundtenor des Albums noch unterstreicht. SUN wurde im Verlauf der vergangenen drei Jahre in Chan Marshalls selbstgebauten Studio in Malibu, sowie in Studios in Silver Lake, Miami und Paris aufgenommen.

Cat Power im Web:
http://brigittedefrance.tumblr.com/
http://www.facebook.com/CatPowerSun/

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Matthias Kringe Tel: + 49 (0)30/ 627 351 71; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: matthias@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de

Album: Traces Of

VÖ: 24.08.2012

Single: For The Very First Time

Label: in-akustik

Vertrieb: in-akustik

museum haben es in ihrem Design und ihren Selbstbeschreibungen lieber spartanisch. Schwarz und weiß, klare Formen, wenig Information. “museum ist eine Band aus Berlin”schreiben sie auf ihrer Internetseite, mehr nicht. Ganz und gar nicht spartanisch hingegen ist ihre Musik. Ihre ganz besondere Mischung aus Minimal-Elektronik und pathetischem Indie-Rock ist oft ausschweifend, komplex, glitzernd und vor allem richtig laut.

2005 veröffentlichten sie ihre erste Ep “old firehand”, darauf folgte 2007 “exit wounds”. Mit der Entscheidung, ihre Eps frei im Internet zugänglich zu machen, begann eine für deutsche Bands wohl beispiellose Internetkarriere: innerhalb von zwei Jahren verbreiteten sich ihre Songs hunderttausendfach über die ganze Welt. Inzwischen sind sie mit über 130.000 Hörern eine der weltweit meistgehörten deutschen Bands auf der weltgrößten Musikplattform last.fm. Nach zwei Jahren harter Arbeit haben sie nun ihr erstes Album “traces of” fertig gestellt. Im Frühjahr 2012 wurde es in New York gemastert. Elf Songs mit einem in Deutschland seltenen Mut zur großen Geste und einer einzigartigen Mischung aus Stadion-Pathos, großen Melodien und elektronischer Klangkunst. Elf Songs, die reingehen und trotzdem herausfordern, nie beliebig, immer aufregend. Für das Artwork konnte die bekannte deutsche Photographin Ricarda Roggan gewonnen werden, deren Bilder von zerstörten Autowracks genau die Mischung aus Düsternis und Majestätik, Schönheit und Zerstörung zeigen, die museums Musik ausmacht.

Museum sind:
Tobias Hermes: Voice, Computers, Guitars, Piano
Söhnke Grothusen: Guitars, Vocals
Hagen Hamm: Bass
Florian Bolzau: Drums

Internet: www.binarymuseum.net

O-Töne Skin & BIOGRAFIE

»Ich glaube es ist gut, ein bisschen Nervosität zu empfinden, wenn es um die Qualität der Musik geht, die man schreibt. Das macht einem bewusst, dass man immer nur so gut ist wie die letzte Platte«, ereifert sich Skin, Frontfrau der Kultband Skunk Anansie. »Wir haben eine Unsicherheit in uns, die alles betrifft, was wir machen. Man fragt sich dauernd, ob es besser sein könnte. Andere Bands veröffentlichen ständig durchschnittliche Platten, aber wir fühlen, dass wir nicht überleben würden, wenn wir etwas ohne großartige Songs rausbringen würden.«  Skins kämpferische Rede zeugt von dem offensichtlichen Feuer mit dem Skunk Anansie brennen – und auch ihr jüngstes Werk ist weit davon entfernt, durchschnittlich zu sein.

„Black Traffic“ ist das 6. Studio-Album der Band – benannt nach den dunklen Kanälen, die die Welt umspannen – und die 3. Platte, nachdem sie 2009, nach einer 9 Jahre langen Auszeit, wieder zusammengekommen waren. Es ist das Produkt eines langen und experimentellen Prozesses, in dessen Verlauf das Quartett sein selbst festgelegtes Regelbuch zerriss und von vorne begann. Es wurde in monatelangen Sessions in London und L.A. innerhalb von 1 1/2 Jahren geschrieben. »Es war nett nach L.A. zu fahren«, stellt Skin fest, bevor sie im Scherz hinzufügt: »Wir hatten ein paar Jahre lang ein tolles Studio. Es war inspirierend aber irgendwie auch schimmlig, mit schwarzen Pilzen und Müll. Wir haben es geliebt, kamen aber an einen Punkt, an dem wir uns sagten: ‚Wir sind keine Studentenband. Wir wollen Klimaanlage, Heizung und Klopapier!’«.

Aufgenommen wurde mit dem langjährigen Freund der Band, dem großartigen Chris Sheldon (Foo Fighters, Biffy Clyro) – es ist ein Album, das durchaus im aggressiven, unverblümten Output des Kanons von Skunk Anansie bestehen kann, aber ihre technischen Möglichkeiten dramatisch erhöht.

»Wir haben dieses Album auf eine ganz andere Weise aufgenommen, als wir das früher gemacht haben«, erklärt die Sängerin. »Wir entwarfen eine Vorlage, nahmen ein paar Basic-Tracks auf und dekonstruierten das ganze Ding dann wieder. Live aufzunehmen schränkt ein, wenn man experimentieren will, weil man zu viel anderen Kram im Sound hat. Das macht es schwierig, damit zu spielen und das Zeug hin und her zu schieben. Deswegen nahmen wir so ziemlich alles einzeln auf, um die Sachen zu sampeln und dann auf den Kopf zu stellen. Das Hauptanliegen war, dass die Musik lebendig bleibt und keine einzige Gefühlsregung oder Empfindung verloren geht – und trotzdem mit unseren Ideen total durchzudrehen. Wenn man Dinge sampelt, klingt das oft ziemlich
kalt, aber wir wollten etwas Frisches, Fettes und Warmes; etwas, das voller Leben ist und dennoch individuell.«

Auch in Sachen Text ist die Band auf „Black Traffic“ gewohnt streitlustig, allerdings mit einem neuen Sinn für Finesse, wie auch Skin selbst feststellt: »Unsere Energie hat sich nicht geändert, aber wir drücken die Dinge jetzt prägnanter aus und wir wissen jetzt, wie wir härter zuschlagen können, wenn wir wollen. Wir haben unser Kraftfeld verbessert, unser Schwert zielt jetzt direkt aufs Herz.«
Das Kraftfeld, das sie optimiert haben, ist eines, das die gegenwärtige politische Landschaft intensiv einbezieht und sich mit ihrem eigenen sozialen Umfeld verbindet. Viele wiederbelebte

Bands existieren in einem regressiven, nostalgischen Zustand. Skunk Anansie dagegen sind im Hier und Jetzt präsent, ohne den Kontakt zu sich selbst zu verlieren.
„I Believed In You“ hält die Enttäuschung fest, die viele in Bezug auf die von ihnen gewählten Politiker empfinden. »Ich denke viel darüber nach wie sich die Menschen von ihren Anführern im Stich gelassen fühlen. Jeder will das wir wählen, aber wen? Sie bauen alle Mist, weil es ihnen
irgendwann mehr darum geht, ihre Machtposition zu behalten, als darum, die Stellung ihres Landes aufzuwerten«.

„This Is Not A Game“ ist ein knallharter Kommentar darüber, wie wir alle von den Konsequenzen der aktuellen Finanzkrise betroffen sind. Skin, Cass, Mark und Ace haben eine Platte geschrieben, die ihren sozialen Realitäten frontal gegenübertritt und mit erhobenen Fäusten wieder herauskommt.

„Don’t try to mess with me, I’ll train you like a hound“ („Versuch
nicht, mich zu verarschen, ich richte dich ab, wie einen Hund“) ist die knapp geschriene Ansage von „I Will Break You“, dem Song, der das Album mit einem omnipotenten Brüllen eröffnet – mit einem mutigen Manifest der Ermächtigung und unmittelbarer Lust.

„Sad Sad Sad“ setzt den instinktiven Angriff fort und kommt mit einer pulsierenden Basslinie in Fahrt, die an die Queens Of The Stone Age erinnert, bevor der Song in einen treibenden Refrain explodiert, der aggressive Energie speit und sich dennoch eine eingängige Melodie-geladene Empfindsamkeit bewahrt.

„Our Summer Kills The Sun“ zeigt die weichere Seite der Band mit Skins unnachahmlichem Heulen, das von einer zerbrechlichen Stärke beherrscht wird und von unserer empfindlichen Erde handelt.

„I Hope You Get To Meet Your Hero“ indes erzählt von der Enttäuschung, wenn wir von unseren verzerrt erhöhten Ansprüchen und Egos im Stich gelassen werden, während der letzte Schachzug

„Diving Down“ das Album auf mitreißende, atmosphärische Weise abrundet. Zusammengefasst bekommt man also eine breit gefächerte Platte, die knallhart zuschlägt – aber, ganz entscheidend, auch eine, die weiß, wann man einen Schritt zurücktritt und durchatmet.

Wenn es allerdings um Liveshows geht, gehört ‚durchatmen’ natürlich nicht in Skunk Anansies Sprachgebrauch. Sie sind berühmt für ihre intensiven Auftritte und hochtourige Performances – kürzlich war in einer Besprechung im The Independent zu lesen: „Skins charakteristische Stimme changiert zwischen schönen, zärtlichen Melodien und durchdringendem Beinahe-Schreien  … Die Songs werden durch die Leidenschaft jeder einzelnen Darbietung sogar noch mächtiger“ – und „Black Traffic“ wird dem Live-Feuer des Quartetts sicher nur noch mehr Treibstoff geben. Ganz praktisch, angesichts der Tatsache, dass sie zu einer 20 Termine umfassenden Europatour aufbrechen werden, die am 1. Dezember ihren Höhepunkt in einer Show an der heimatlichen
Brixton Academy in London finden wird.
Außerdem markiert „Black Traffic“ die Einführung von Boogooyamma, dem neu gegründeten Label der Band. Quasi als Antrittsveröffentlichung veröffentlicht das Label „Black Traffic“ und realisiert damit einen lang gehegten Traum der Band, die kreative Kontrolle zu maximieren und „endlich dem Zugriff anderer zu entkommen“. Das veranschaulicht Skunk Anansies progressiven Ansatz: Wirf ihnen den Goldesel einer Wiedervereinigung hin und sie werden ihrer Verachtung Ausdruck verleihen und wieder ins Studio gehen. Jammert ruhig über den Verfall der Musikindustrie (lasst uns nicht vergessen, dass die CD-Verkäufe noch in ertragreichen Höhen waren, als die Band anfing) – die Band wird einen Weg finden, damit umzugehen.
»Wenn man immer ein Außenseiter war, dann sind kleine Veränderungen etwas, mit dem man locker fertig wird. Aus unseren härtesten Kämpfen wird eine Menge Größe geboren. Als wir anfingen, wollten wir immer zu den coolen Leuten gehören – und dann merkten wir, dass die coolen Leute in Wahrheit überhaupt nicht cool sind«, lächelt Skin.
»Was uns betrifft, fanden wir es immer am besten unsere eigene Szene zu sein. Wir mögen es, nicht reinzupassen, darin blühen wir auf. Wenn man nicht Teil einer Clique ist, versteht man am Ende mehr von seiner eigenen Seele. Wir sind uns immer treu geblieben und wir sind, was wir sind. Wir sind einfach Skunk Anansie.«
Und das genügt vollkommen.

Kontakt TV Promotion: Revolver Promotion
Matthias Kringe
mail: matthias@revolverpromotion.de
Tel: +49 30 627 351 71

Tracklist:

01. I Will Break You

02. Sad Sad Sad

03. Spit You Out (featuring Shaka Ponk)

04. I Hope You Get To Meet Your Hero

05. I Believed in You

06. Satisfied?

07. Our Summer Kills The Sun

08. Drowning

09. This Is Not A Game

10. Sticky Fingers In Your Honey

11. Diving Down

Die Ankündigung folgt einer enorm erfolgreichen Rückkehr der Band, die sich 2009 nach einer acht Jahren langen Auszeit neu zusammengefunden hatte. “Wir sind wieder zusammen, weil zwischen uns eine starke Chemie besteht”, sagt Skin. “Wir sind sehr stolz auf unsere Arbeit in der Vergangenheit, aber was uns antreibt, ist die Zukunft.”

VÖ: 07.09.2012

Single “Moon To Let”

Label: Finest Gramophon

Vertrieb: Indigo

Nach vier Studioalben, einer EP-Trilogie, einer Greatest Hits-Kopplung, einem Live-Album sowie einem Soundtrack, ist das fünfte Album Fortsetzung und Neubeginn zugleich für die dänische Singer/Songwriterin Tina Dico.

„Where Do You Go To Disappear?“ entstand mit ihrem musikalischen Komplizen Helgi Jonsson in ihrer neuen Heimat Island. „Als ich hierher kam, fürchtete ich mich ein bisschen vor den Auswirkungen von Island auf meine Musik“, erinnert Tina Dico. „Es war verrückten Umständen geschuldet, mich  überhaupt hier niederzulassen. Zumal ich in Island ein Alltagsleben führe, das anders ist, als ich es jemals erwartet hatte. Es ist unglaublich ruhig, gleichzeitig sehr aufregend und überraschend wenig beängstigend. Die Natur ist nämlich nie leise, wenn man sie wahrnehmen will.“ Paradoxerweise ist „Where Do You Go To Disappear?“ trotzdem kein ätherisches, naturverbundenes Album geworden.

Mit synthetischen Beats über epischen Soundflächen beginnt das musikalische Abenteuer, das augenscheinlich mehr Moon Safari als klassischer Tina-Dico-Storytelling-Folk ist. Freilich nur auf den ersten Blick, denn Tina Dico hat sich in zehn Jahren Dauerunterwegssein eine differenzierte, mehrdimensionale Ausdrucksweise geschaffen. Die große Vielfalt der Musikformen und Themenbetrachtungsweisen auf dem Album überrascht deshalb nicht nur, sondern bietet den notwendigen Raum zum Neuentdecken des wahren Werts von Tina Dicos Musik.

Hier “Heavy Weight” zum kostenlosen Download:
http://soundcloud.com/sinnbus/me-and-my-drummer-heavy-weight-edit

Und abschliessend die Tourdaten:

“THE HAWK, THE BEAK, THE TOUR”
präsentier von Musikexpress, uMag, ByteFM, Tape.TV, Motor.de

30.06.2012 - DE - Lärz - Fusion
11.07.2012 - DE - Bremen - Breminale
14.07.2012 - DE - Ingolstadt - Taktraum Festival
15.07.2012 - DE - Karlsruhe - Zeltival
20.07.2012 - DE - Rüsselsheim - Phono Pop Festival
21.07.2012 - DE - Stuttgart - Marienplatzfestival
27.07.2012 - DE - Diepholz - Appletree Garden Festival
28.07.2012 - DE - Würzburg - Fair Trade Festival
02.08.2012 - DE - Friedrichshafen - Kulturufer w/ Boy
05.08.2012 - DE - Berlin - Zitadelle Spandau w/ Boy
12.08.2012 - DE - Hamburg - Dockville Festival
15.08.2012 - DE - Dresden - Freilichtbühne w/ Boy
16.08.2012 - DE - Jena - Kulturarena w/ Boy
24.08.2012 - DE - Ulm - Obstwiesenfestival
16.09.2012 - DE - München - Café Muffathalle
17.09.2012 - DE - Stuttgart - Schocken
18.09.2012 - DE - Köln - Stadtgarten
19.09.2012 - DE - Bremen - Lagerhaus
20.09.2012 - DE - Potsdam - Waschhaus
22.09.2012 - DE - Erfurt - Franz Mehlhose
23.09.2012 - DE - Dresden - Beatpol
26.09.2012 - SL - Bratislava - KC Dunaj
27.09.2012 - CZ - Prag - Palác Akropolis
28.09.2012 - DE - Erlangen - E-Werk
29.09.2012 - DE - Traunstein - Metro
30.09.2012 - DE - Regensburg - Heimat
02.10.2012 - DE - Augsburg - Kantine
05.10.2012 - CH - Chur - Selig
06.10.2012 - CH - Zürich - Mascotte
07.10.2012 - DE - Offenbach - Hafen 2
08.10.2012 - DE - Heidelberg - Häll
10.10.2012 - DE - Berlin - Heimathafen
01.11.2012 - IS - Reykjavik - Iceland Airwaves
30.11.2012 - AT - Salzburg - Arge / Roter Salon

Ausstrahlung : Di, 19.6.2012, 22:30 - 23:10 Uhr / Wdh  Sa, 23.6.2012, 08:50 - 09:30 Uhr

www.wdr.de/tv/westart/dienstag/…/me_and_my_drummer.jsp

Das charmante Duo “Brigitte” hat ganz Frankreich verzaubert und will jetzt auch den Rest Europas erobern. Mit ihrem fantasievollen Sound, ihrer verwegenen Frechheit, ihren intelligenten Texten und ihrem Showtalent begeistern die beiden charmanten Sängerinnen Konzertbesucher und Kritik. Im März bekam “Brigitte ” den französischen Grammy für die beste Live-Entdeckung des Jahres, ihr Debutalbum “Et vous - tu m’aimes” (in Deutschland am 7.9.2012 VÖ) verkaufte sich über 100.000 Mal. Vor ihrem ersten großen Deutschlandkonzert in Düsseldorf am 13.07.2012 traf “Metropolis”  Aurélie Saada und Sylvie Hoereau in Berlin und durfte zwischen Vintage-Shop, Falafelimbiss und das Geheimnis ihres Erfolges erfahren.

“Black Traffic” ist die erste Independent Veröffentlichung über ihr eigenes Label Boogooyamma in Kooperation mit earMUSIC und wird in einer umfangreichen 20tägigen Tour durch Europa präsentiert.

Skin: “We’ve wanted to be in charge of our own destiny for many years, the doom & gloom merchants may whine about the music industry but we’ve seen it as a positive chance to re-invent how we work and take more control over our art form. With our new album “Black Traffic” and new label we are really excited with the future of Skunk, this is my personal favorite as an album, even better than “Wonderlustre” which spawned some great songs. We’re back and f**k me we’re gonna enjoy every last minute of it!”

Folgende Daten werden SKUNK ANANSIE in Deutschland spielen:

13.11.2012 München // Tonhalle

15.11.2012 Köln // Palladium

16.11.2012 Berlin // Columbiahalle

17.11.2012 Stuttgart // Theaterhaus

29.11.2012 Neu-Isenburg (bei Frankfurt/M) / Hugenottenhalle

Ein kurzes Statement der Band zum neuen Album: “After a long time on the road, we took a break, created our own studio and wrote these new songs that we’re so looking forward to playling to you. We will be touring throughout the summer and beyond, and hope to play somewhere near you soon xx The xx”

The xx sind: Oliver Sim, Romy Madley Croft, Jamie Smith.

Website : The xx

22.06. (D) Scheeßel // Hurricane Festival

23.06. (D) Neuhausen // Southside Festival

18.08. (A) St. Polten // FM 4 Frequency Festival

Komplette Tourdaten siehe hier !

Album”More Cracks”

VÖ tbc

Label: Heart of Berlin – a label of Valicon Entertainment GmbH & Co. KG

Vertrieb: Universal Music

Sie sieht wunderschön aus, sie ist talentiert, sie hat einen atemberaubenden Afro-Look und eine hinreißend sympathische Zahnlücke – Nabiha muss man einfach lieben! Geboren in Kopenhagen Mitte der 80er Jahre wuchs Nabiha Benoussa in einer afrikanisch-dänischen Familie mit sechs Geschwistern auf. Musik, vor allem Soul mit afrikanischen Wurzeln, war allgegenwärtig. Die Einflüsse aus Ihrer Jugend nimmt Nabiha nun mit in ihrer Musik auf: Soul und R&B spielen für sie genauso  eine Rolle wie Ska und Rock oder Electro und House.

Diese musikalisch heiße Mischung hat Nabiha in Ihrer Heimat Dänemark zu einem Star gemacht. Bereits 5 Songs Ihres aktuellen Albums „More Cracks“ konnten die Top 10 der Charts erreichen und Nabiha tourte mit Weltstars wie James Morrison, Jason Derulo oder Jamie Cullum. Ihre neueste Single „Never Played The Bass“ schoss innerhalb von Tagen auf Platz 1 der Dänischen Airplaycharts und konnte schon nach wenigen Wochen Gold-Status erreichen. Der Song besticht durch Nabiha’s einzigartige Stimme und ein elegantes musikalisches Zitat aus dem Womack & Womack Welthit „Teardrops“.

Internationale Blogs und Websites wie perezhilton.com, elle.com oder popjustice.com wurden auf Nabiha und Ihren außergewöhnlichen Sound aufmerksam und so tourte Sie Anfang 2012 durch Clubs in Frankreich, England und den USA. Im Sommer 2012 folgt nun die internationale VÖ Ihres Hits „Never Played The Bass“ - Nabiha nimmt Anlauf um zu einer weltweiten afrikanisch-dänischen Erfolgsgeschichte zu werden.

Website NABIHA

Ansprechpartner:

Daniela Leubner, dani(at)revolverpromotion.de

Frankfurt, 21.05. highlights
Köln, 22.05. highlights
Hamburg, 23.05. highlights
Berlin, 24.05. highlights

Cäthe gewinnt den Deutschen Musikautorenpreis 

Am vergangenen Donnerstag wurde Cäthe der von der GEMA initiierte Deutsche 

Musikautorenpreis verliehen. Die Fachjury aus erfahrenen Komponisten und

Textdichtern (u.a. besetzt mit Ulla Meinecke, Henning Wehland und Michael Wollny)

entschied sich in der Kategorie „Komposition Rock“ für die Künstlerin Cäthe, alias

Catharina Sieland.

Mit ihrem Debüt-Album „Ich muss gar nichts“ (DEAG Music 2011) und den selbst

verfassten Songtexten und Arrangements hat Cäthe die anspruchsvolle Jury

überzeugt und setzte sich gegenüber Nominierten wie “Silly“ und “The Boss Hoss“

durch. Schon die Resonanz auf ihre Konzerte war durchschlagend: „eine absolute 

Ausnahmeerscheinung“ (Westfälische Nachrichten) und „unglaubliches Talent“ (Die

Welt).

Cäthe, die bereits an ihrem zweiten Album arbeitet, freut sich über die Ehrung mit

dem Deutschen Musikautorenpreis: „Diese Auszeichnung bedeutet mir viel – es ist 

schön, wenn ich mein Publikum mit meiner Musik erreichen kann.“ Die

Preisverleihung fand im Berliner Hotel Ritz-Carlton statt, an der rund 300 Gäste aus

den Bereichen Kultur, Politik und Medien teilnahmen. Zum vierten Mal wurde der

Preis in Form eines Notenschlüssels in insgesamt zehn Kategorien verliehen.

Cäthe ist auch in diesem Sommer auf zahlreichen Open-Airs und Festivals mit ihren

Konzerten zu erleben, ein Highlight ist ihr Auftritt beim NDR Papenburg Festival am

8. September.  Ab Herbst / Winter 2012 startet Cäthe ihre dritte Deutschland- 

Tournee! Hier die Daten:

20.06.2012 Ulmer Zelt 2012

23.06.2012 Umsonst & Draussen, Würzburg

29.06.2012 Wochenende an der Jade, Wilhelmshaven

30.06.2012 ExtraSchicht 2012, Essen

07.07.2012 Worms: Jazz & Joy

14.07.2012 17. Neuenkirchener Open Air

15.07.2012 Weingut Baron Knyphausen, Eltville-Erbach (mit Gisbert zu Knyphausen und Mika Doo)

21.07.2012 Deichbrand Festival, Cuxhaven

27.07.2012 Helene Beach Festival, Frankfurt

28.07.2012 Barmbecker Hofsommerfest, Hamburg

04.08.2012 Trebur Open Air

20.08.2012 Sommer im Park, Vellmar

24.08.2012 Nonstock Festival, Fischbachtal

30.08.3012 7 Jahre DAS BETT Festival, Frankfurt

08.09.2012 NDR 2 Papenburg Festival

13.09.2012 Kunstflecken Festival, Neumünster

15.09.2012 Rock am Pferdemarkt, Lingen

Kontakt TV Promotion: Matthias Kringe, matthias(at)revolverpromotion.de

Kontakt Online Promotion: Anke Baumann, anke(at)revolverpromotion.de

SUPER700 sind ab dem 18.5. auf Deutschlandtour !

Viel Spass !!!

Slash wird für 3 Daten in Deutschland live mit Mötley Crüe am 11.6. in Mönchengladback, am 12.6. in Berlin und am 20.6. in Bamberg zu erleben sein.

VÖ: 20.07.2012

Single: Chocoloate City

VÖ: 29.06.2012

Label: Revolver Distribution Services

Vertrieb: Cargo Records

Wer sagt, dass Rock And Roll immer nur von langhaarigen, mit Leder und Tattoos auftretenden Lebenskünstlern gemacht werden muss, die ständig am Hungertuch nagen? Okay, die ursprüngliche Philosophie der Rockmusik beinhaltete durchaus den Aufstand gegen das Establishment, die Rebellion gegen herrschende Zwänge. Getrieben vom Drang nach Veränderung wagten sich vor über einem halben Jahrhundert kreative Menschen unter dem Zeichen der Gitarre aus ihren Proberäumen, um ihre Botschaft weltweit zu verbreiten: Lebt Euren Traum! Seid Ihr selbst! Lasst Euch nicht unterdrücken! Respektiert die Meinung von Andersdenkenden!

Was wäre also abwegiger als eine Band aus Bankern und Beratern zu gründen. Überrascht? Voreingenommen? Das Urteil längst gefällt? Kann das denn überhaupt gut sein? Nun, es gibt gute Banker, und es gibt schlechte Banker. Es gibt gute Menschen und schlechte Menschen. Es gibt gute und schlechte Musik. HOPELESS? gehören eindeutig zur ersten Kategorie, ihr am 20.07. erscheinendes Debüt „Time To Play“ ebenfalls.

Tagsüber arbeiten sie an großen Deals, abends  rocken sie genauso hart im kleinen Proberaum. Ein Ausgleich, wie er aufregender nicht sein könnte. Wie kam es dazu? Mark Pohlmann, Leiter des deutschen Investmentbankings einer der größten Banken der Welt und Oliver Neumann, Partner einer Personalberatung, gründeten „HOPELESS? – The Rockbankers“ bereits im Jahr 2005. Aber nicht aus blauem Dunst, sondern weil ihnen der Liebe Gott das nötige Quäntchen Talent in die Wiege gelegt hatte. Denn das kann man, auch wenn es diverse TV-Shows seit einigen Jahren propagieren, nicht kaufen.

Neben seiner beruflichen Laufbahn komponiert Sänger Mark zahlreiche eigene Songs, nachdem er bereits als Teenager in Düsseldorf erste Banderfahrungen gesammelt hat. Oliver ist von 1994 bis 2004 sogar Sänger und Gitarrist der Band „Flanger“, mit der er mehrere CDs veröffentlicht und europaweite Tourneen spielt. Es kommt, wie es kommen muss: Auf einer Weihnachtsfeier im Büro wird die Idee einer eigenen Band geboren; bei weitem keine Schnaps-Idee, auch wenn diese Vermutung naheliegt. Gesagt, getan: Der Business-Plan ist schnell geschrieben: Eigene Stücke und bekannte Coversongs sollen einer wachsenden Fan-Gemeinde viel Spaß bereiten und Cash Flow für karitative Zwecke generieren.

2006 spielen HOPELESS? ihre erste eigene Show in Frankfurt, vor mehr als 500 begeisterten Zuschauern. Eine Live-Premiere wie aus dem Bilderbuch. Im Juni 2008 und Juli 2009 kommen weitere fast ausverkaufte Shows im legendären Frankfurter Club „Batschkapp“ hinzu. Neben zufriedenen Künstlern ein weiteres erfreuliches Neben-Ergebnis: Es können mehrere Tausend Euro an die SOS-Kinderdörfer gespendet werden.

Zeitungen wie die „Bild“, „Financial Times“ oder „Neue Presse“ berichten euphorisch. Auch TV- Sender wie z.B. „RTL“ und der „Hessische Rundfunk“ sind sich einig: Diese Band hat das gewisse Etwas. Es folgen weitere Auftritte, selbst in London, vor teilweise über 1.000 Zuschauern.

2010 schließlich der Bruch, zwei Bandmitglieder ziehen aufgrund beruflicher Entwicklungen ins Ausland. Olaf Hein tritt der Band als Gitarrist bei und bringt noch mehr Rock And Roll mit. Oliver kennt ihn aus gemeinsamen Zeiten bei „Flanger”. Der neue Schlagzeuger ist ebenfalls schnell gefunden: Oliver Werner, genannt „OW”, ist Gründungsmitglied der Frankfurter Metal-Band „Tankard”. Seit 2011 nennt man sich nur noch HOPELESS?. Warum? Oliver Neumann: „Wir hatten in meiner alten Band Ende der 90er den Schriftzug “HOPELESS?” auf unseren Shirts stehen, aufgrund meines Songs „Hopeless Dreams“. Es war naheliegend, diesen Namen unter neuer Flagge weiterzuführen”. Mark Pohlmann ergänzt: „Wir möchten mit dem Namen den karitativen Hintergrund der Band betonen und mit unserer Musik Menschen Hoffnung geben, die diese vielleicht verloren haben.“ Selbstverständlich ist der Namensgeber mit seinem funkigen Ohrwurm-Chorus ein Highlight des Albums.

Überhaupt ist „Time To Play“, in professioneller Zusammenarbeit mit Rupert Keplinger (u.a. Peter Maffay) entstanden, ein für deutsche Verhältnisse ungewöhnlich breitfächerig angelegtes Album. Allein vom krachigen Opener „Back Off“ und dem metallischen Titelsong bis zu den wunderschön-verträumten Nummern „Wasting Time“ (5), „Someday“ (6) und „Something New“ (7) ist ein weiter Schritt, den viele Newcomer nicht wagen würden. 

Wer von diesen vermeintlich spießigen Bankern langweilige Musik erwartet hat, wird leider (oder Gott sei Dank!) enttäuscht werden. Denn HOPELESS? liefern 10 qualitativ hochwertige Songs, die musikalisch in Richtung Foo Fighters, aber auch Guns N’ Roses gehen. Ein Album zwischen Old School und Moderne, von der Vergangenheit inspiriert und der Zukunft zugetan. Ein internationaler Sound von Menschen, die sich auf dem Globus bestens auskennen.  

Natürlich: Banker, insbesondere Investment-Banker, stehen nach der Finanzkrise stark in der öffentlichen Kritik. Ob dies gerechtfertigt ist oder nicht, versuchen HOPELESS? nicht zu beantworten. Die Band ist völlig unpolitisch - es geht ausschließlich um Musik! Und die ist erdig, ehrlich, zeitlos, handgemacht. Motto: Rockmusik trifft auf teilweise poppige Arrangements.

„Time To Play“ wird ab dem 22. Juni 2012 weltweit auf allen gängigen Downloadportalen und in ausgewählten Plattenläden erhältlich sein. Alle Einnahmen werden gespendet, auch dies eine absolute Neuerung in der deutschen Musiklandschaft. Und was dabei herauskommt, wenn man ohne Druck und nur mit Spaß an der Freude seiner Leidenschaft frönen kann, zeigt die erste Single „Chocolate City“ als exzellenter Vorbote des Albums: harter Riffrock mit elektronischen Effekten gewürzt und mit einem Chorus versüßt, der alle Qualitäten mitbringt, sich zu einer Sommerhymne zu entwickeln. Dazu wird auch das spektakuläre Video beitragen, denn als Gast ist die Schauspielerin Clara Dolny dabei, bekannt aus dem ARD-Dauerbrenner „Lindenstraße”.

HOPELESS? mögen Anzüge tragen, aber die sind weder gewollte Verkleidung noch Maskerade. HOPELESS? sind so authentisch, wie man als Musiker authentisch sein kann.

HOPELESS? lieben ihre Kunst genauso wie andere Kollegen.

Wer sagt, dass ein Künstler den stetigen Schmerz braucht, um gut zu sein, hat vergessen, dass Talent weder erzwungen noch erarbeitet oder erkauft werden kann. Man muss es besitzen. Und dann spielen Aussehen und Beruf keine Rolle mehr. Was zählt, ist die Berufung. Und davon haben HOPELESS? genug auf der Habenseite.

Weitere Infos zu HOPELESS? gibt es unter:                                                

Homepage: http://hopelessband.com/

Facebook: https://www.facebook.com/hopelessbandcom

Kontakt Promotion & Label - Matthias Kringe

Mail: matthias@revolverpromotion.de 

Tel.: +49-30-627 35 171 

VÖ: 18.05.2012

Label: Roadrunner Records
Vertrieb: Warner Music

Grammygewinner, Ikone, Gitarrenlegende und Songschreiber – Slash hat Titel und Album Artwork seines zweiten Studioalbums APOCALYPTIC LOVE enthüllt.

APOCALYPTIC LOVE featuring Myles Kennedy and The Conspirators wird am 21. Mai in den USA über Slashs eigenes Label Dik Hayd International und in Deutschland am 18. Mai über Roadrunner Records Germany/Warner Music erscheinen. Slash befindet sich im Moment in einem Studio in L.A. um dem Album den letzten Schliff zu geben. Außerdem wurde eine große US Tour angekündigt und drei Dates mit Mötley Crüe in Deutschland bestätigt.

Slash gilt als einer der größten Rock Gitarristen aller Zeiten. Ihm wurden unzählige Auszeichnungen verliehen und im April diesen Jahres wird er seinen Platz in der Rock and Roll Hall of Fame bekommen. 2007 wurde er in den Hollywood RockWalk, der sich vor dem Guitar Center in Hollywood befindet, aufgenommen, Seite an Seite mit seinen Idolen Jimmy Page und Jimi Hendrix. Als Gründungsmitglied von Guns N‘ Roses, half Slash der Band so berühmten Gitarrenriffs wie man sie von Nummer 1 Hits wie „Sweet Child O‘ Mine“ oder „Welcome To The Jungle“ kennt, zu kreieren. Die Band dominierte die Musikszene der 1980er und 90er und verkaufte über 100 Millionen Alben. Nachdem er die Band verlassen hatte, startete er sein eigenen Projekt Slash’s Snakepit und hatte weltweiten Erfolge mit der Supergroup Velvet Revolver. Er stand mit allen großen Musikern auf der Bühne – von Michael Jackson über Stevie Wonder bis Ray Charles.

Homepage: www.slashonline.com/

Facebook:  http://www.facebook.com/Slash

Genug Geheimtipp! Es wird Zeit dem Flüstern über Super700 ein Megaphon hinzuhalten. Selbst dann wird daraus noch lange kein Marktschrei, sondern vielmehr ein lautstarkes Nachdenken. Alles andere wäre auch nicht angemessen bei dieser Band. Denn die vier Berliner kommen immer irgendwie leise daher. Mit einer Ruhe, die scheinbar lange in Feinsinn getränkt wurde und daher auch im Lärm unserer Zeit gut zu verstehen ist. Nach einer EP, zwei Alben, Tourneen von ganz links bis ganz rechts auf der Weltkarte, bitten Super700 erneut zum genau Zuhören. Das neue Album
„Under the no sky“ klingt als wäre es lange geräuchert worden. Über einem Schwelfeuer aus Sperrmüll, der sich die letzten Jahre angesammelt hatte. Es hat dadurch eine wohltuende Reife.

Nachdem die Band bei den letzten Alben Erfahrungen mit den Produzenten Gordon Raphael (Strokes, Regina Spektor) und Rob Kirwan (U2, PJ Harvey) gesammelt hatte, wagten sie nun das erste Mal “Under the no sky” als erste Super700 Platte komplett selbst zu produzieren, aufzunehmen und zu mischen. Die Band hat im Laufe der Jahre 4 Mitglieder an das wirkliche Leben verloren, doch anstatt sich nach einer typischen zwei-Platten-Karriere aufzulösen machen Super700 jenseits aller Moden mit dieser Platte nun einen Schritt in ein neues Leben. Ruhiger, nachdenklicher und erwachsener.
Jan Terstegen spielt nun Gitarre und wo früher oft die engelsgleichen Stimmen der Ramadani Schwestern hervorgehoben wurden steht jetzt die Stimme von Ibadet allein da. Ehrlich und klar, bekennend und beschwörend und mit mehr Raum zum Atmen.Die Syntheziser sind echten Streichern und Chören gewichen. Die Musik schöpft Kraft aus Einfachheit ohne in eine produzierte pseudo Authentizität zu verfallen. Aber die Art wie verschiedenste Einflüsse auf under the no sky mühelos integriert werden, zeigt wie einfach und spielerisch sich Super700 weiterhin in grosser Eigenständigkeit bewegen.

Mit 21st Century Girl beginnt die Platte wie ein dunkler Morgen, langsam das Schlagzeug, in Ihrer tiefsten Stimmlage singt Ibadet von fliegenden Fischen und weissen Haien bereit für Krieg. Super700 im Auge des Orkans und man bekommt Angst vor dem Tag. Doch langsam hebt sich der Song in höhere Lagen und ein weicher warmer Chor trägt uns vorbei an schwarzen Löchern in einen hoffnungsvollen grossen Refrain, der ins Herz meisselt: dies ist ein neuer Anfang nicht das Ende von Super700. Bevor ein Gitarrenwirbelstrum schliesslich das Lied verschlingt erstaunt noch ein Kazzoo, das hier wehklagend seinen ungewöhlichsten Einsatz findet.

Das zweite Lied Life with Grace befreit musikalisch aus der Dunkelheit.
Chor und Streicher schmiegen sich wattig wie aus einem 50er Jahre Hollywoodfilm an einen zeitlosen, einfachen Beat. Im Zentrum des Textes steht tatsächlich eine moralische Aufforderung: “live your life with grace”. Ist das eine Lösung für irgendein Problem? Wenn man dieser entwaffnend sanften Stimme zuhört, die hier in Ihrer nüchternen Schönheit unendlich bezaubert, will man es glauben.

Gerade warm eingedeckt reisst uns Decent Snow mit erdiger Wucht in den Schnee der ersten Single. Hier herrscht eine klare, rockende Band bis die Streicher in den Refrain schneien und ihn in die Weite der Landschaft wehen. Im Gegensatz dazu verteidigt sich Ibadet angegriffen und verzweifelt in der Strophe, um sich im Refrain selbst zufinden “i’ll be everything i’ve ever been!”

One of a Kind lädt ein sich neben das Klavier zu setzen, das sanft durchatmet. Das Schlagzeug startet in ein monotones Mantra und der Gesang stellt zwei einfache Fragen: “Where does all this love come from” und “Where does all this hate come from”. Mit einer ebenso einfachen Antwort verfällt der Song dann in eine Art Gospel, der Chor stimmt in die Klage mit ein und eine einsame Gitarre spielt darüber ein fast klassisches Blues Solo. Super700 bleiben dem Stilbruch treu, während die Platte sich an den Kern der Dinge tastet und um dort Trost zu spenden.

Mit seltsam eingängiger 80er Jahre Popmelodik gräbt sich sich der Titelsong der Platte ins Ohr, ohne wirklich nach einem Jahrgang zu fragen. Dieser Song ist laut Super700 auf einer Tour in China enstanden, nach dem sie dort tagelang unter einer dichten Smogglocke lebten ohne jemals die Sonne zu sehen. ”Alles war getaucht in unwirklich weiches Licht, das harmlos erscheinen lässt, was einen langsam tötet”. Under the no sky als Plattentitel sei aber auch ein Synonym für eine schwierige Zeit, wo weder der Himmel über einem noch in der Ferne zu sehen gewesen sei und durch die nur die Arbeit an der Platte die Band am Leben erhielt.

When the Evening comes tritt wiederum in einem völlig anderen musikalischen Gewand auf und ringt dem Tod das Leben ab, mit entrückend fröhlichen Remineszensen an afrikanische Highlife Musik und einem Text, der auf wunderschöne Weise Mut macht für die Wiedergeburt.

In Old Moon spiegelt sich der Gesang nun in vollkommener Ruhe im Mondlicht. Silbrige Melodien schlafwandeln durch die Nacht und die Band spielt dazu eine warme Federdecke.

Dear Wolf schlägt ungewöhnliche rockige Töne an die so schnell vorbeiziehen wie Sie gekommen sind. Das Stück bricht heraus, als hätte es die ganze unter Oberfläche gebrodelt, eine kurze Wut die sich nicht ewig unterdrücken lässt. Nach zwei Minuten ist der Spuk vorbei und in aufrechtem Stolz und erhabener Schönheit zieht uns das nächste Stück Make Rain in eine Märchenwelt voller eigenartiger Glockenklänge und musikalischer Gestalten. Über einem “White Rabbit” - haften Trommelmarsch trohnen einsame Streicher, die sich schliesslich in einem wundersamen Instrumentalteil wirr träumend ineinander verschlingen. Ibadet erscheint hier eindringlich und bedrohlich Sanft und so endet der Song mit Totenglocken die an alte Italo-Western erinnen und einer klagenden Stimme in der Ferne, die auch einer alten flamenco Platte entsprungen seien könnte.

My Bones schliesslich klingt, als hätten Massiv Attack eine Akustik Album produziert. Ein repitativer Beat vermischt sich mit akkustisch dubbigen Klängen und man taucht ein in ein Meer von zeitlos schönen musikalischen Bruchstücken, die einen auffordern das Stück immer wieder zu hören bis sich sein hypnotischer Zauber ganz erschliesst. Es ist die dunkle Nacht nach der Krise, aber irgendetwas kommt schon aus der Ferne.

“Das Schlussstück Queen of Inbetween fällt nur mit Westerngitarre und Stimme vollkommen aus dem gehörten Rahmen. Ein Schlaflied, das auch eine Marilyn Monroe in “Fluss ohne Wiederkehr” hätte singen können. Mit melancholischem Humor wird alles Dunkle und Ernste beseite geschoben, so daß dieses Album selbst zur “Queen of inbetween” wird, zu einer erhabenen, schönen Zwischenstation und Bestandsaufnahme für Super700 auf dem Weg aus der Krise”.

Zugleich der Ausgangspunkt für eine hoffnungsvolle wunderbare Reise - auf die Super700 sicher viele viele Weggefährten finden werden.

Wenn My Bloody Valentine ein Drogenrausch war, ist Super700 der Moment am nächsten Tag, in dem man darin schwelgt, ihn durchlebt zu haben. Mit allen Freuden und
Verletzungen, die er mit sich brachte. Auch das ist eine Form von Trost.

Homepage: http://www.super700.de/

Facebook: http://www.facebook.com/super700music

Lass uns verhalten beginnen. Dort, wo das Pochen noch kein Beat ist und das Zirpen noch kein Ton, wollen wir die ersten Schritte unternehmen. Einander vertrauend, die Augen geschlossen, wollen wir uns führen und Schritt für Schritt weiterzerren. Wir werden einen Raum erfinden und seine Dimensionen kennenlernen, indem wir einfach immer wieder gegen Wände laufen, bis uns die Suppe die Stirn runterläuft. Dann sind wir hier zuhause.

Charlotte Brandi und Matze Pröllochs lernten sich in Theatern kennen. Sie spielten Musik für Stücke, fanden Gefallen an den Ideen und Tönen des anderen und lernten, jenseits der Berufsmusik Zeiten und Orte für eigene Werke zu schaffen. Sie gingen auf Reisen, nahmen Songs auf und schüttelten Kilometer für Kilometer die musikalischen Kennenlerngrundlagen ab. Als Me And My Drummer führten sie einander zum eigenen Stil. Zu einer eigenen Sprache, wie sie so besonders vielleicht nur zwischen zwei Menschen entstehen kann.
Lass die Reduktion nie Selbstzweck sein. Dort, wo wir uns zurückziehen, kann neues entstehen. In den Ecken, von denen wir lassen, wird es gedeihen, während wir uns sammeln und schleifen und zerfurchen. Neue Formen und Zusammenhänge definieren und verschönern unser Heim, sie entfalten sich und bezaubern und laden andere zu uns ein. Und sie werden so wundervoll brennen und in tausend Farben vergehen, wenn wir wieder explodieren.

Me And My Drummer sind Klavier, Synthies, Gesang und Schlagzeug, sind Talent und Aufrichtigkeit. Ihre Musik erzählt auch immer von ihrem Werden, gibt die Kerben und Narben jedes Streits über Töne, Worte, Abläufe ebenso wieder wie die gewaltige nordlichterne Schönheit jeder Einigkeit und jeder Erleuchtung. Nun ist zwischen Me und Drummer ein Debütalbum gewachsen, das alles, was die beiden auf den Wegen hierher getan, geschaffen, erstritten und ihren Herzen entrissen haben, auf zehn großartige Punkte bringt, auf eine gewaltige Musik, die ihre Geschichte und ihre Referenzen wie Fetzen alter, enggewordener Haut im Haar trägt und im Licht ihrer eigenen Sonne strahlt.
Lass uns Berge erschaffen, von denen aus wir uns ins Tal rufen können. Dort, wo jeder unserer Töne eine neue Wand niederreißt, will ich Leben entstehen sehen. Es verehren, es verschlingen, es neu erschaffen. Wir werden Wunden reißen und Wunden kühlen, wir werden Köpfe spalten und die schönsten aller Blumen in ihnen züchten, wir werden Brüche und Herzen verbinden. Und uns dabei nie von der Stelle rühren. Immer Zentrum bleiben, immer hier.

“The Hawk, The Beak, The Prey” ist eine hochpersönliche Angelegenheit. Offen und bildreich breitet sich Charlotte Brandis Stimme aus, fordert und bläst sie Magie und Leben und Liebe und Glauben und Seele heraus. Wandergebirgen gleich tragen Schlagzeug und Tasten dieses kolossale Singen durch die Welt und durch die Zeiten. Gewaltig, geduldig, beständig. Über Orte und Phasen hinweg haben sich Me And My Drummer auf sich selbst besonnen, um sich nun konzentriert auf ein Debütalbum zu gießen, das seinesgleichen entlang aller verfügbaren Achsen vergeblich sucht. Eine Kraft, ein Fordern, eine Flamme, eine unerhörte Popmusik.

Homepage: www.meandmydrummer.com

Facebook: www.facebook.com/meandmydrummer

QUARTER (en. Quarter >>Viertel<<, von lat. Quartus >>der Vierte<<) steht unter anderem für die amerikanische Vierteldollarmünze, verschiedene Massen- und Volumeneinheiten- und für eine brandneue Band aus Berlin, die Anfang 2012 mit ihrem Debüt-Album für Furore sorgen wird.

QUARTER, der Name verpflichtet, sind 4 Jungs, die sich zum gemeinsamen Musizieren zusammengefunden haben und sich nicht scheuen, den großen Melodiebogen zu spannen.

QUARTER sind Sänger Flo, Drummer Gregor, beide aus Berlin, sowie die Brüder Christoph und Johannes an Gitarre und Bass, de für die Musik nach Berlin kamen und dort ihre kongeniales Duo fanden. Gemeinsam wurden Songs geschrieben, Live Gigs gespielt und erste Songs produziert. Über einen Studiojob wurde das Produzententeam Valicon (Silbermond, Lena, Silly) auf die Band aufmerksam – total überzeugt von den Qualitäten der Band un ihren Songs, nahm Valicon die Band direkt auf dem eigenen, neuen Label „Heart of Berlin“ unter Vertrag, welches man gemeinsam mit dem Vertriebspartner Universal Music betreibt.

Seither sind die 4 Jungs mit ihrem Produzenten Matthias Mania (Moby, Max Mutzke) im Studio um die Songs für ihr erstes Album aufzunehmen.
QUARTER haben ihre musikalische Heimat gefunden und legen nun die ersten Songs ihres Debütalbums vor, das Frühjahr 2012 erscheinen wird. Als Startschuss wird eine Clubtour Anfang des Jahres die Band einmal durch die Republik bringen um ihre rockigen Pop-Songs mit großen Refrains live zu präsentieren.
Homepage

«Lang lebe Brigitte … wir sind verliebt!» COSMOPOLITAN

«Vergesst Bardot und Fontaine: Die Brigitte des neuen Jahrtausends ist ein weibliches Duo, sexy, eigenwillig und grell.» GLAMOUR

«Erfrischend kreativ.» MARIE CLAIRE

Brigitte, das sind Aurélie Saada und Sylvie Hoarau. Den Bandnamen hat das Duo als eine Hommage an die großartigen französischen Damen wie z.B. Brigitte Bardot oder Brigitte Fontaine gewählt.

Die beiden Frauen lassen sich vielseitig inspirieren: Hippiekultur, Hip Hop, ABBA, Nick Drake, Nancy Sinatra, The Zombies, Johnny Cash und Klaus Nomi sind die Referenzen. Mit ihrer Retro-Popmusik fährt Brigitte eine emotionale Reise durch die Hochs und Tiefs im Leben, aufgeladen mit Fantasien und Geschichten über Heldinnen mit gebrochenen Herzen.

Das große verführerische Potential ihrer Stimmen trug zum großen Erfolg des ersten Albums «Et vous, tu m’aimes?» bei. Seit der Veröffentlichung im April 2011 hat das Debüt in Frankreich inzwischen Platin-Status erreicht. Mit gleich zwei Nominierungen ging Brigitte im März 2012 ins Rennen um die Victoires de la Musique (dem französischen Echo) und erhielt schließlich die große Auszeichnung in der Kategorie Artiste révélation scène (=bester Newcomer Live Act).

Aurélie und Sylvie waren schon einige Jahre als Musikerinnen in diversen Projekten unterwegs, bevor es 2008 zur schicksalhaften Begegnung kam. Aurélie (die Blonde) arbeitete gerade an ihrem zweiten Soloalbum, als sie Sylvie (die Brünette) traf – und die beiden schlossen sofort Freundschaft.

Schon bald hockten die beiden in einem Esszimmer mit einem Computer, einer Akustikgitarre von 1958 und einer aus den 40er Jahren, einem Glockenspiel, einem Taburin, Blumen im Haar und Paillettenkleidern und schrieben ihre ersten gemeinsamen Songs. Brigitte war geboren – Brigitte wie in Brigitte Bardot, Brigitte Lafontaine, Brigitte Lahaye oder Brigitte die Frau des Polizisten, Brigitte die Nachbarin… Das Pop-Duo heckte griffige und eingängige Songs aus, voller Humor und Selbstironie. Herrliche Geschichten und schwülstige Fantasien über die bösen Jungs, die wir so gerne hassen oder hassen zu lieben, über versteckte Waffen im BH, Verführerinnen und Diebinnen mit Herz, Gangster und leichte Mädchen.

Die charmanten Songs, die stets von beiden zusammen geschrieben werden, beziehen ihren Witz auch aus dem Kontrast zwischen feinster Popmusik und recht unverblümter Sprache. Schon bald spielten sie ihre ersten Gigs in den Pariser Clubs und sangen für den Film «Thelma, Louise et Chantal» (2010) in den Arrangements von Keren Ann. Im Mai 2010 wurden sie gebeten, für das Eros Festival ein Cover zu präsentieren und Brigitte wählte «Ma Benz» von NTM. Der dazugehörige Clip wurde ein Internet-Hit, in der Folge auch von MTV gezeigt und im Radio gespielt. Schließlich wurde auch der französische Moderator Nagui auf Brigitte aufmerksam und lud sie im Juni in seine Sendung Taratata ein. Danach ging’s rasant weiter: eine erste EP, weitere Konzerte und schließlich ein Plattenvertrag beim Label 3eme bureau/WAGRAM.

Im April 2011 wurde das Debütalbum «Et vous, tu m’aimes?» (Und Sie, liebst du mich?) in Frankreich veröffentlicht. Nach dem Erfolg bei den Victoires de la Musique stehen im Frühjahr 2012 rund 50 Konzerte in Frankreich an. Danach geht es auf viele europäische Festivals und im Herbst wird das Album endlich auch hierzulande veröffentlicht. Eine Deutschlandtour im Herbst ist in Planung!

Brigitte im Web:
http://brigittedefrance.tumblr.com/
http://www.facebook.com/brigittemusic/

Kontakt - TV Promotion
Revolver Promotion Kringe/Leubner
Görlitzerstr.52, 2.Hinterhof 4.OG, 10997 Berlin
Daniela Leubner Tel: + 49 (0)30/ 627 351 73; Fax: + 49 (0)30/ 627 351 72
mail to: dani@revolverpromotion.de
www.revolverpromotion.de